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Llibres de Teatre, Poesia i Relats
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Lali Ribera Rodergas neix a Súria (El Bages) el 1958. Viu a Vilassar de Mar i és professora de llengua i literatura a l’INS Vilatzara d’aquesta població del Maresme. Des de l’any 1996 també imparteix classes de Narrativa i d’Estilística a l’Aula de Lletres de Barcelona, primer, i a l’Escola d’Escriptura de l’Ateneu Barcelonès des de la seva fundació, el 1998.Ha format part del grup de poesia CO(N)VERSOS, juntament amb Jordi Roig, Jaume Conesa i Dolors Millat, i plegats han recitat a l’Ateneu Barcelonès, a diverses biblioteques, i a l’Escuela de Escritores Alonso Quijano, d’Alcázar de San Juan, on van impartir un taller de poesia.Assegura que escriu des que té memòria d’un llapis entre els dits. Ha publicat diversos contes i el poemari Enyors i tornes, Premi Alella a Maria Oleart 2010. Temp(teig)s és el seu segon recull de poemes.
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Creador de una de las obras más decididamente originales de la literatura latinoamericana, precursor del microrrelato y autor galardonado con premios tan importantes como el Magda Donato (1970), el Villaurrutia (1975), el Juan Rulfo (1997) o el Príncipe de Asturias de las Letras (2000), Augusto Monterroso -nacido en Guatemala en 1922 y exiliado en México desde 1944 hasta su fallecimiento en 2003- es artífice de relatos, ensayos y fábulas que, basados en una enorme capacidad de observación, se plasman en una prosa de singular precisión afinada por la paradoja y un sutil humor. Los cuentos reunidos en este volumen -provenientes de Obras completas (y otros cuentos), Movimiento perpetuo y La palabra mágica- son una muestra significativa de la maestría de Monterroso en el relato breve, dominio en el que revela, bajo una engañosa simplicidad, una inagotable capacidad de fabulación unida a un consumado oficio de escritor.
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El primer y esperado poemario de Clara Monzó.Llevar la casa es el primer poemario de Clara Monzó (1990). Sus poemas amueblan un comedor que se transforma, donde una mesa sin manteles recuerda la familia que fue y la que aparece ahora entre la memoria y la expectativa. Llevar la casa nos habla del relevo, de la herencia brumosa y del esfuerzo claro de una estirpe de madres y de tías. Como en un carnaval, desfilan por estas páginas primas y padres despistados, mientras la juventud se obstina en perdurar, saludando por el camino (con sorna a veces, otras con audacia) amistades remotas y amores antiguos. Saber llevar la casa es saber construir por igual la fiesta y el descanso, es cuidar del espacio para poder cuidar del tiempo, es mantener, en un íntimo gesto de resistencia, siempre una luz encendida.
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K. P. Kavafis: «Kavafis, segons la meva opinió, és un poeta ultramodern, un poeta de les generacions futures».K. P. Kavafis és el poeta més rellevant de les lletres neogregues: els seus poemes –i la seva poesia– son models universals que recullen temes com ara la tolerància, el dolor humà, la melancolia i el viatge com a símbol dels objectius humans.Després de més de vint anys de la darrera traducció al català de Kavafis, la d’Eusebi Ayensa és la primera realment íntegra que té en compte per primer cop tots els materials d’arxiu, així com la bibliografia més actualitzada. Aquesta edició de la Poesia completa de Kavafis, dividida en dos volums, aplega els poemes canònics, els poemes refusats, els poemes reservats, els poemes inacabats i els poemes en prosa, i unes notes explicatives de la majoria dels poemes. A Poesia completa II, s’hi troben la totalitat dels poemes refusats, reservats, inacabats i en prosa, amb les seves notes corresponents.
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En 1970, las compañeras de clase Elvira Fontao y Rosa Lires han vuelto a encontrarse. Han pasado décadas desde los años en que compartieron escuela. Ahora, mujeres adultas, este encuentro les ha servido para olvidar por unas horas el mundo en blanco y negro en el que viven. Pero la reunión tiene una desafortunada causa: el entierro de la que fue su maestra, María Barbeito. Elvira y Rosa recuperarán un diálogo perdido que evocará, a través de la palabra y el juego, aquella escuela de la Segunda República que les abrió los ojos a un mundo libre. Un futuro que quedó sesgado por la guerra y por la dictadura franquista. Las alumnas es un ejercicio entre el arte dramático y el documento histórico, una reivindicación de la escuela laica, libre y transformadora de la Segunda República que reconoce el trabajo de aquellas maestras que lucharon por una educación moderna e igualitaria. La literatura dramática de Paula Carballeira evoca el objetivo del espíritu teatral: el de no olvidar, el de recordar y traer el pasado al presente.
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A. E. Housman (1859-1936) fue uno de los grandes poetas menores de la lírica inglesa del siglo XX. Autor de sólo dos libros publicados en vida, A Shropshire Lady y Last Poems, a los que se añadió un tercero póstumo, More Poems, su personalidad huidiza y huraña no impidió que se convirtiera en una influencia reconocida por algunos de los más célebres poetas ingleses como Auden. Fue catedrático de Latín de la Universidad de Cambridge. En 1933 dio forma a su poética en una conferencia titulada «The Name and Nature of Poetry». Juan Bonilla (Jerez, 1966) ha traducido Las horas detenidas de Ramón Solana, (Pre-Textos, 1999), Infancia de J. M. Coetzee (Mondadori, 2002) y Melville de Andrea Delbanco (Seix-Barral, 2006).
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La exitosa Youtuber Abbey C., La chica del andén, nos descubre la historia de cada instante, de cada uno de los momentos que cuentan una historia de amor. Esto no es un libro, es una recopilación de sentimientos
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A un inesperado hallazgo arqueológico, acaecido en el quiosco sito al pie del templo inacabado de Segesta (camino a Trapani, en Sicilia) en junio de 2005 —entre cuyos anaqueles conservábase un ejemplar de la primera edición de esta obra (Sellerio, 2003)—, y al muy oportuno recordatorio de una joven siciliana de libresco linaje, Giulia Lo Monaco, debemos la edición de esta inédita joya en estos predios del sabio y contumaz grafómano y editor de Racalmuto —que ya en vida quiso editar con el título Las solapas de la memoria (en ocurrente alusión a una de sus propias coleccio - nes: La memoria)—. A aquella primorosa edición añadió Salvatore Silvano Nigro en 2019 nuevos documentos: es este un libro de crónicas breves confinadas a las solapas, las cuartas de forros, los marcapáginas, los catálogos, las consignas para vendedores, «tan exiguas y tan completas» a un tiempo paratextos todos enhebrados con exquisita concisión que hacen de estos brevísimos ensayos las credenciales imprescindibles para aproximarnos a la biografía de los libros seleccionados por tan discreto apologeta. «Sciascia reinventó el espacio y la práctica del trabajo editorial. Hizo de las limitaciones impuestas por la estrechez de la página y de la imprescindible rapidez, […] la ocasión para una escritura sobriamente prensil y de gran estilo en sus inconfundibles giros rítmicos.»Se ofrece, pues, en esta antología un retrato inédito del Sciascia editor —mas también del escritor, toda vez que, como sostuviera otro insigne editor y escritor, Roberto Calasso («Solapa de solapas», La marca del editor, Anagrama, 2014), editor, para más señas, de las obras completas del propio Sciascia en Adelphi: «los paratextos son un género literario» de instrumental importancia para obrar el encantamiento y propiciar la seducción instantánea del lector—. Una arqueología, en suma, del paladar de un editor que, semblanza a semblanza, acaso inadvertidamente, irá trazando una cartografía literaria de sus rescates, al tiempo que una involuntaria autobiografía del gusto dispersa entre tantas lecturas.Como acertadamente sostiene Nigro, el libro puede también leerse de otro modo: como el relato, en capítulos miniaturizados, de la historia de una empresa editorial —auspiciada por la pasión por la literatura de Sciascia—, que se publicó con motivo del trigésimo aniversario de la muerte del escritor y del quincuagésimo de la fundación de la editorial, mas también como un emocionado recuerdo al acierto del felizmente fértil matrimonio de Enzo y Elvira Sellerio.
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Un poema maravillosamente fluido. Un camino sin baches hacia lo sublime. «H.D. es sinónimo de deseo, de imaginación y de clarividencia. Tal vez una de las poetas más increíbles -aunque incomprendida y secreta- de la primera mitad del siglo xx. [...] En Trilogía podemos ver parte de toda su magia en expansión.»Luna Miguel Los tres largos poemas que conforman Trilogía constituyen una de las obras maestras de la poesía del siglo XX, comparable a los Cuatro cuartetos de T.S. Eliot, a Brigflatts de Basil Bunting o a Notas hacia una ficción suprema de Wallace Stevens. Escrita bajo el impacto de la Segunda Guerra Mundial, H.D. indaga a lo largo de esta obra en el amor, la muerte o la posibilidad de redención, llevando su propia poesía -despojada ahora de las tiranías del imaginismo que había ayudado a fundar- a terrenos nunca antes explorados, configurando así uno de los experimentos literarios más arriesgados y fructíferos de nuestro tiempo. Reseñas:«Madura de edad y genio, H. D. ha crecido, años hace que el imaginismo se le quedó pequeño, pero sus versos son aún rápidos como saetas. De su oracular Trilogía se desprende el enésimo sentido, el exclusivo de nuestra especie y, probablemente, el único fiable: el sentido poético. Señores físicos, teóricos ustedes, la búsqueda ha terminado: he aquí la ley que gobierna todos los universos. Poesía del fiat lux para nuestras almas oscuras.»Ainhoa Sáenz de Zaitegui, El Cultural «En Trilogía, H.D. se enfrentó a los temas de la guerra, la locura nacionalista, la destrucción de las grandes ciudades, no como un lamento por el desmoronamiento de la civilización occidental, sino volviendo la mirada atrás para buscar inspiración en la prehistoria, en una tradición ginocéntrica. H.D. insistió en que la poeta-como-mujer tenía que dejar de derramar sus energías sobre un terreno que los tiranos y los adoradores de la muerte habían dejado estéril. [...] A partir de su visión, H.D. procedió a crear sus grandes y largos poemas tardíos en los que celebra el mundo matriarcal y la búsqueda de heroínas.»Adrienne Rich «La obra cumbre de la ecléctica poeta estadounidense.»Zenda «En la tradición de los poemas de Yeats, Eliot y Pound, las secuencias de versos de H. D. son ficciones supremas de lo más visionarias.»Sandra M. Gilbert, The New York Times Book Review «Hilda Doolittle es la única que me hace creer que existe algo más allá. [...] Es una autora compleja que no sé si entiendo del todo la mayoría de las veces que la leo, sin embargo, cuando me aproximo a ella, siempre siento que voy a descubrir algo.»Luna Miguel «Este éxtasis, éxtasis en el lenguaje, en un lenguaje bello, es lo que me lleva a través de toda la Trilogía, no solo satisfecho con su trampa, no solo satisfecho con estas ficciones arbitrarias, sino hechizado con la totalidad de su poema, por no decir embelesado.»Hayden Carruth, The Hudson Review «Recordad: H. D. era más sacerdotisa que otra cosa: más sacerdotisa que amante, más sacerdotisa que pensadora, más sacerdotisa que mujer, que estadounidense o (a decir verdad) artista. La Trilogía es tan buena en parte porque directamente convirtió su vocación de sacerdotisa en el tema principal.»Anthony Madrid, The Paris Review
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La autobigrafía imprescindible del Premio Nobel de Literatura y uno de los poetas más importantes de la historia.
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Juan Mayorga (Madrid, 1965) es el dramaturgo con mayor proyección escénica nacional e internacional. Presentamos aquí dos de sus piezas mayores -''Hamelin'' y ''La tortuga de Darwin''- como ejemplos destacados de una poética basada en la conjunción de filosofía y drama, y que tiene en Walter Benjamin, entre otros pensadores y escritores contemporáneos (Blumenberg, Kafka, Buero Vallejo...), su más destacado guía. Se trata de una concepción dramática que no busca la complacencia fácil del auditorio y que invita al espectador a ser elemento activo de la propuesta, en un cuestionamiento continuo de sus convicciones previas. Porque, como el propio Mayorga se ha encargado de señalar, está muy lejos de querer ofrecernos propuestas edulcoradas que se congracien apriorísticamente con el público, y sí, por el contrario, ''asaltarlo como un asaltador de caminos al confiado paseante''.
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El dominio de la tiranía tecnológica surge en ''Antes de que Google nos alcance'' como un apocalipsis aséptico y aparentemente mecánico, indoloro, contra la memoria compartida de varias generaciones que aceptan impasibles el borrado de sus experiencias a modo de derrota vivencial. Julián Quirós especula con el choque de dos cosmovisiones contrapuestas, anterior y posterior a la explosión digital. Aquel mundo vivido y aprendido que todavía podemos recordar sin caer en la esteril nostalgia, un mundo analógico a la deriva que se marcha de manera acelerada, frente al inminente imperio técnico que dicta nuevos códigos y principios colectivos e individuales.
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L’àmbit de treball de Debora Vogel (1900-1942) és la ciutat moderna de la qual en capta i transmet el caràcter polifònic, mecànic i agressiu a través de formes geomètriques, línies, nocions abstractes i colors associats als estats d’ànim de la cultura de masses. Es tracta d’una poesia que se centra en la importància decisiva dels detalls més ínfims, que són les escletxes per on entreveiem una realitat sempre fugissera. D’aquesta manera, la poesia de Vogel rehabilita i dignifica el elements banals i tediosos de la vida quotidiana.La present antologia, confeccionada a partir de poemes de Maniquins (1934) i Figures de dia (1930), inclou una introducció de la traductora, així com la transcripció dels poemes en ídix.
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First published in 1572, The Lusiads is one of the greatest epic poems of the Renaissance, immortalizing Portugal's voyages of discovery with an unrivalled freshness of observation.At the centre of The Lusiads is Vasco da Gama's pioneer voyage via southern Africa to India in 1497-98. The first European artist to cross the equator, Camoes's narrative reflects the novelty and fascination of that original encounter with Africa, India and the Far East. The poem's twin symbols are the Cross and the Astrolabe, and its celebration of a turning point in mankind's knowledge of the world unites the old map of the heavens with the newly discovered terrain on earth. Yet it speaks powerfully, too, of the precariousness of power, and of the rise and decline of nationhood, threatened not only from without by enemies, but from within by loss of integrity and vision.
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De alguna forma, nos resulta familiar ese lenguaje secreto con el que hablan las madres a sus hijos. Un lenguaje no siempre entendido, en ocasiones incluso ininteligible, con su gramática, sintaxis, gestos, miradas, silencios, tonos, diccionario. Cómo descifrar ese enigma que acaso se inicie cuando, dando a luz, el tejido se desgarra y entonces puede que suceda un «Romper la madre dentro de la hija y la hija dentro de la madre». Almudena Sánchez interviene desde lo lírico en esa tensión irresoluble que, ya de niña, le ha marcado a lo largo de los años. Porque, como dice en este libro mestizo, «sinónimo de madre: no lo hay». «Siempre he intentado evitar a mi madre. Que no me viera. Recuerdo esto desde los once o doce años. Son recuerdos difusos, pero hubo un punto de ruptura, casi una línea de salida (en la que nos colocamos las dos, como atletas profesionales) a partir de la cual empezaron las diferencias, aunque siempre habían estado ahí. La línea de meta un posible entendimiento no ha aparecido aún. Quizá sea la muerte, la mía, la suya, la de las dos. Quizá esto que escribo». Almudena Sánchez
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Se ofrece en este volumen la poesía completa de Rosalía de Castro. Sus cinco libros: La flor (1857), A mi madre (1863), Cantares gallegos (1863), Follas novas (1880) y En las orillas del Sar (1884), más un Apéndice con poemas sueltos, así como algunas canciones y poemas populares recogidos por la escritora, se reúnen aquí en un único volumen, en edición bilingüe a cargo de Juan Barja (traducción y notas) y con una introducción de Arturo Leyte. Como señala el traductor, para la edición castellana «se ha optado por una versión rítmica y rimada, siguiendo los modelos originales -tal como seguramente hubiera preferido Rosalía-, mas tratando de guardar al máximo la semejanza, aun a riesgo de afear el resultado, sustituyendo, supliendo, variando en contadísimas ocasiones ''lo que dice'' el poeta, para respetar mejor lo que el poeta ''canta''. Además, siendo esta edición bilingüe -como quizá siempre deberían ser, al menos, las de todas las traducciones de libros de poesía-, la insuficiencia de mis logros queda más que favorablemente saldada y corregida. La versión castellana es así el trampolín donde se podrán apoyar los que no alcancen a desenvolverse directa o enteramente en gallego. Y con esto basta».
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Hace 12 años David Hernández de la Fuente propuso con ''Lovecraft. Una mitología'' un acercamiento original a la figura del ermitaño de Providence. Con el paso del tiempo se ha convertido en un libro de culto merecedor de esta nueva edición, corregida y actualizada.
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El presente volumen reúne dos obras maestras de Lope de Vega, El perro del hortelano y La dama boba. Edición de Ismael López Martín profesor de literatura y doctor en Estudios Filológicos y Lingüísticos por la Universidad de Extremadura. Lope Félix de Vega Carpio es uno de los dramaturgos más celebrados de la literatura universal. En España renovó la forma de hacer teatro a finales del siglo XVI y principios del XVII, creando una comedia nueva que cosechó los éxitos del público y del lector y sentó las bases del drama contemporáneo. La dama boba y El perro del hortelano son dos comedias de 1613 que pertenecen a lo que ha venido en llamarse «comedia urbana». Se trata de dos de las obras más conocidas del Fénix de los Ingenios, en las que se analiza el tema de amor, el del honor y el de las relaciones paternofiliales.La presente edición está a cargo de Ismael López Martín, profesor en el departamento de didáctica de las lenguas y de las ciencias humanas y sociales de la Universidad de Zaragoza y especialista en teatro español. Su estudio introductorio y el aparato de notas que ha diseñado constituyen una aportación fundamental. Edición de Ismael López Martín
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From the bestselling author of The Lincoln Highway, A Gentleman in Moscow, and Rules of Civility, a richly detailed and sharply drawn collection of stories set in New York and Los Angeles.The millions of readers of Amor Towles are in for a treat as he shares some of his shorter six stories set in New York City and a novella in Los Angeles. The New York stories, most of which are set around the turn of the millennium, take up everything from the death-defying acrobatics of the male ego, to the fateful consequences of brief encounters, and the delicate mechanics of compromise which operate at the heart of modern marriages.In Towles’s novel, Rules of Civility, the indomitable Evelyn Ross leaves New York City in September, 1938, with the intention of returning home to Indiana. But as her train pulls into Chicago, where her parents are waiting, she instead extends her ticket to Los Angeles. Told from seven points of view, “Eve in Hollywood” describes how Eve crafts a new future for herself—and others—in the midst of Hollywood’s golden age.Throughout the stories, two characters often find themselves sitting across a table for two where the direction of their futures may hinge upon what they say to each other next.Written with his signature wit, humor, and sophistication, Table for Two is another glittering addition to Towles’s canon of stylish and transporting historical fiction.
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¿Qué pasa si nuestro mundo se acerca cada vez más a un cataclismo? ¿Qué ocurrirá después de que la Tierra sea tragada por la nueva naturaleza salvaje, una naturaleza que espera acechante su momento bajo puentes de carreteras y vías férreas? ¿Qué pasará cuando ya no estemos aquí? Este libro trata sobre cosas que siempre están a la vista y, sin embargo, nunca las notamos. No solo los niños, también la gravedad o los bogavantes merecen nuestra atención y ternura.Nueva naturaleza salvaje es un intento de ver eones de tiempo en lo cotidiano, de encontrar la pieza que le falta al frágil futuro de nuestros hijos.
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'There has been no more terribly acute critic of America than this steel-conscious and death-conscious Spaniard, with his curious passion for the modernities of nickel and tinfoil and nitre . . .' So wrote Conrad Aiken of Lorca's violent response to the New York he encountered as a student at Columbia University in 1929 and 1930. Born and brought up in Andalusia, Lorca's reaction to the brutality and loneliness of the vast city was one of amazement and indignation. His poetry moved away from the lyricism of the early Romanceros and became a vehicle for experimental techniques through which he expressed tortured feelings of alienation and dislocation. Based on a new edition of the original text, Greg Simon's and Steven White's new translation brings to life Lorca's arresting imagery. Christopher Maurer, a leading authority on Lorca's work, provides an enlightening introduction placing Poet in New York in context, and there are translations of Lorca's letters as well as a lecture he gave about the work. Illustrated with archive photographs, this comprehensive volume will make Lorca's masterpiece available to a whole new generation of readers.
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Vive la magia de tu vida con un arcano cada día.El poemario que tienes en tus manos está lleno de regalos. Descubrirás cómo viven y sienten las personas de tu ambiente. Cada arcano del tarot presagia un tipo distinto de magia. Comprenderás mejor a tus amigos, compañeros y familiares si lees y escuchas con atención estos 22 poemas singulares. Atrévete a conectar con la emoción de cada canción. Baila, ríe, llora, canta, juega y comparte la diversión.VALORES IMPLÍCITOS: La lectura de cada uno de estos poemas nos trasmite importantes valores como la empatía, la sinceridad, el merecimiento, la justicia, la gratitud y la humildad, todos ellos necesarios para lograr tener una vida feliz y plena.
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En la víspera de la festividad de Purim, el enemigo ha entrado en el gueto ...un gueto que no se nombra, como tampoco se nombra la naturaleza del enemigo... y ha amenazado a los líderes de la comunidad judía: si en veinticuatro horas no se entregan diez voluntarios para ser ejecutados en la horca, para «vengar» así la muerte de los diez hijos de Amán ...el villano de la historia de Purim, que celebra el triunfo de los judíos de Persia contra un genocidio potencial hace unos dos mil cuatrocientos años..., acabarán con toda la comunidad. Durante la noche, el rabino consulta en busca de una respuesta al dilema con varios rabinos legendarios del pasado, con el Rambam, con Rashi, con el Gaón de Vilna... y con el Baal Shem Tov, místico del siglo XVIII y fundador del jasidismo, quien le canta un 'nigún'. Un 'nigún' es una melodía alegre sin palabras a la que se le atribuye el poder de romper las cadenas del mal. ¿Qué ocurrirá al amanecer? 'Historia de un nigún' es un conmovedor relato poético, una joya escondida en la extensa producción de Elie Wiesel, Premio Nobel de la Paz, que trata sobre la historia, la inmortalidad y el poder de la música, y que está inspirado en acontecimientos reales sucedidos durante la Segunda Guerra Mundial. Incluye una introducción de su hijo, Elisha Wiesel, y las magníficas ilustraciones del galardonado Mark Podwal.
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Poemas de piedra seca. Cuidada sucesión de versos y fotografías sin más argamasa que la dimensión diaria de cierta desesperanza, el recuerdo emocionado del padre, una leve amenaza de abismo cotidiano, la magnitud real de lo inconsistente, el eco de las palabras de Carver que eligen la voz del poeta para multiplicarse. Luis Carlos Marco Bruna.
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Este libro contiene poemas que no merecen serlo: una lista de miedos, una charla íntima con un criminal, una madre que busca a su hijo en la arena, una balacera disfrazada de canción infantil, un suicidio televisado... Óscar Franco hace uso de pensamientos desorganizados al diseñar un laberinto que recupera nombres, apellidos y momentos infames que quedaron registrados en los libros, para describir una sociedad que emerge de la arena devorando al desprevenido: egoísta, caótica, violenta, impune.
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Com els colors a la nit està format d'un seguit de textos en prosa, en general breus, cadascun dels quals és autònom de sentit respecte als altres, encara que tots junts formen una mena de biografia fragmentada i sempre incompleta d'un personatge que no necessàriament és l'autor. La tècnica compositiva és, doncs, la del retaule: diverses ''escenes'' de moments significats d'una vida, centrada sobretot en el que podríem anomenar ''la sensibilitat intel·lectual del protagonista''. El llibre que el lector té ara a les mans no pot ser res més que provisional, perquè queda obert a créixer en el futur.
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La poética de Raimon Arola parte de la globalización del mundo actual, en la cual, la cultura europea, con su idiosincrasia particular, debe acompañar los nuevos modelos de creación artística y realización espiritual de cualquier lugar. El mejor camino para conseguirlo es reconocer los universos simbólicos y las afinidades íntimas que tienen en común. Esta sería la edad del símbolo.
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Antón Reixa se plantó en el panorama poético gallego de 1976 equipado con herencias magistrales, tanto autóctonas como internacionales (Manuel Antonio, Rosalía de Castro, Sanguineti, Maiakovski...). Las desarrolló con marca de autor, pero usando material de desecho de la era posmoderna y empleando la ironía en calidad de antídoto contra aquello que pretendía, y pretende, hacernos torcer el gesto ante la mirada estrafalaria y terrible de la vida. Y lo ha hecho, en buena medida, al margen del paradigma identitario de su generación. Sus versos huyen de la mirada rural o urbana, distanciándose del canon para seguir un camino único que buscaba hacer salir a la poesía de los palacios. Y lo consigue con una aparente ligereza pop, una contundencia punk con las que sobrevuela temas como la extrañeza de lo cotidiano, los fraudes del idealismo, lo inconsciente, la decadencia, el deseo, el tabú... Su megáfono apuntaba, y apunta, allí donde el capitalismo que depreda la tierra toma el rostro de la violencia colonial, ya sea Galicia u otros pueblos que nunca estarán lejos. Considerado como una de las figuras más destacadas de la cultura gallega contemporánea, Antón Reixa compila en Enciclopedia perplejidad más de cuarenta años de su expresión poética, en un trayecto que resume así: «Cuando habitas en el absurdo militante y crees que lo absurdo es un bien común, el único ecosistema individual posible es la perplejidad».
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La obra de Ezra Pound consta de dos grandes ciclos. El primero, de formación, aprendizaje, asimilación y renovación del lenguaje poético, y el segundo, de experimentación y aplicación de lo aprendido a un proyecto omnicomprensivo: The Cantos. La inflexión entre los dos ciclos la marca la publicación, en 1926, de Personae, una recopilación de la poesía escrita por Pound en sus años londinenses (1908-1920), que cerraba y resumía una etapa fundamental de su vida: la de estudio e incorporación de algunas grandes tradiciones poéticas (la latina, la provenzal, la china, entre otras) a través de la ''traducción creativa'', junto a los hallazgos de concentración de fuerza, economía de medios y hábito de análisis que consideraba necesarios para su renovación lírica. De ahí la importancia de Personae, un texto clásico de la poesía del siglo XX, que con su aparición dio solidez al movimiento ''modernista'' y confirmó el papel fundamental que en él representaba su autor, junto a creadores como James Joyce o T.S.Eliot.
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La tempestad está considerada como la invención más sincera y original de Shakespeare. Es también la '' summa '' de su cultura acumulada a través de los años, y sobre todo de su experiencia teatral. Es antetodo un experimento en el ámbito del espectáculo: explota, deliberadamente, como ninguna otra obra precedente, los recursos y trucos de escena y hace del elemento musical y de todos los efectos sonoros una estructura que recorre la obra. La figura de Próspero se contempla esencialmente en '' La tempestad '' en su contexto natural que no es sino teatral. Su magia, suarte, son una reflexión sobre el arte del dramaturgo.Metateatro y psicodrama jugando sobre una serie de sugerencias que inducen a los personajes a autorrevelarse y a la vez a reconocerse como parte de una inteligencia más amplia que los incluye, como parte del diseño con el que el mago-dramaturgo se explica a sí mismo.
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José Luis Ortiz Nuevo (Archidona, Málaga, 1948). Escritor y periodista especializado en el género flamenco, siendo así mismo historiador, activista y cómico en la materia. Autor de una veintena de libros sobre el particular. Entre ellos Coplas flamencas del siglo xx (2001), 77 seguiriyas de muerte (1988) y El impulso del riesgo, en torno de la obra de Enrique Morente (2023). Creador de la Bienal de Flamenco de Sevilla, 1980. Premio Nacional de investigación de la Cátedra de Flamencología de Jerez, 2023. «José Luis Ortiz Nuevo compone estas letras desde un conocimiento amplísimo de la factura de los cantes y sus estructuras de composición. Desde el octosílabo rotundo que da título a la colección, En mi cuerpo mando yo, al recorrido por los distintos estilos, pasando por el uso de gitanismos y giros característicos de la oralidad del Mediodía que convierten la gramática en milagro musical. Ordenado así, el material toma las texturas propias de cada cante, de modo que, desde una seguiriya a una alboreá, el libro realiza un recorrido experiencial y expresivo que abarca de la pena al gozo, del realismo al lirismo, de las cadenas a la libertad, de la rebelión a la apertura al amor». Del Prólogo de Carmen Camacho
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La literatura egipcia es, junto a la sumeria, la más antigua del mundo. Sus orígenes se remontan a más de cuatro mil años, cuando los escribas comienzan a reproducir himnos, textos funerarios y narraciones populares en papiros, tumbas y objetos artís
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El teatro de Alfonso Sastre es un teatro de investigación y revelación y nunca de propaganda, un teatro rico en experiencias humanas y en sutileza poética
porque Sastre comprendió desde un principio que la fuerza dramática se consigue no por el dogma, sino por la revelación social y existencial, no dando soluciones panfletarias a problemas complejos, sino preguntándose acerca de dichos problemas. Escuadra hacia la muerte es, probablemente, su obra más emblemática. En una hipotética tercera guerra mundial, un escuadrón de cinco hombres son enviados de avanzadilla para informar de los ataques enemigos. Es la historia de un grupo de hombres enfrentados con el poder que Sastre convierte en una elocuente denuncia antimilitarista y donde los más esenciales conceptos humanos, como el miedo, la lealtad, la vida o la muerte, se unen para formar un mosaico de trágicas consecuencias. Por su parte, La mordaza, obra estrenada un año después, en 1954, trata encubiertamente el tema de la dictadura, la represión y la censura. El déspota Isaías Krappo asesina a quien fue víctima suya durante una guerra civil y, aunque su familia lo sabe, sólo su nuera rompe la mordaza del silencio, compuesta de miedo, respeto y fidelidad familiar. Isaías muere en prisión y eso alivia a sus hijos.
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En este ensayo Yoshiko Tazawa nos descubre de qué forma el haiku, tan familiar para los japoneses, se difundió en España y propició cambios en su poesía. El libro trata de los hechos históricos y analiza también los poemas literariamente. Asimismo, investiga la red social de la intelectualidad europea a través de revistas, diarios, correspondencia, tertulias e instituciones de la época. Además de Antonio Machado, Juan Ramón Jiménez y Federico García Lorca, otros personajes desempeñaron un papel significativo en la introducción del haiku en la poesía española, como Díez-Canedo, Guillén, Prados, Moreno Villa, Altolaguirre, Hinojosa, Gómez de la Serna, de Torre y, en catalán, Josep Carner, Eugeni d'Ors, Junoy o Joan Salvat-Papasseit. El haiku, lejos de ser un simple objeto de japonaiserie, abrió el camino hacia la poesía moderna, al igual que las estampas japonesas sirvieron de inspiración al impresionismo francés.
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El crítico, narrador y poeta Juan Malpartida se propone en este libro, que dedica al poeta mexicano Octavio Paz, un amigo con el que mantuvo una intensa relación personal e intelectual, no tanto una biografía del poeta sino desbrozar algunos de los principales temas y circunstancias que le ocuparon y obsesionaron. Logra un ensayo que es un rico diálogo con uno de los escritores mayores del siglo XX.
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'La literatura, a los ojos de Flaubert, era una función superior, la sola función importante del mundo. Por esto mismo quería que todos fuesen respetuosos conella. Su gran rencor contra los hombres tenía por principal causa la indiferencia de la mayoría de éstos enasuntos de arte, la sorda desconfianza, el temor vago del vulgo ante un estilo trabajado y brillante. Tenía Flaubert una frase que repetía muy a menudo con voz terrible: ''¡El odio a la literatura! ¡El odio a laliteratura!'', y encontraba ese odio en todas partes, en los hombres políticos más todavía que en los burgueses.''
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