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Llibres de Teatre, Poesia i Relats
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Jordi Pere Cerdà (1920-2011) és un dels poetes més importants de la Catalunya del Nord, però també un escriptor que va esmerçar bona part de la seva vida a difondre la llengua catalana a França, a preservar la tradició cultural de la seva terra, a travar lligams amb artistes i intel·lectuals -d'una banda i una altra de la frontera- i a conrear diferents gèneres literaris (teatre, conte, novel·la, memòries, articles, etc.). Poc després d'haver celebrat el centenari del naixement i de com-memorar el desè aniversari de la seva mort, diferents professors i investigadors d'universitats dels Països Catalans i de França han volgut, en les diferents col·laboracions d'aquest volum, homenatjar l'home i l'escriptor, conèixer millor tota la seva obra i divulgar una mica més tot el seu llegat intel·lectual i literari, més enllà de la poesia.
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Pasolini no solo fue el principal cineasta de su generación en Italia, sino también el mayor poeta. Poseedor de diferentes lenguajes estéticos, llamaba a sus películas «cine-poemas». Fue un intelectual incómodo e incalificable, un erudito lingüista, filólogo y teórico de la literatura, además de un humanista que manejaba con soltura varias lenguas y se movía cómodo en el mundo de la filosofía, el materialismo histórico, el psicoanálisis, la antropología cultural y la historia del arte o de las religiones, lo que le hace prácticamente incomparable con ningún otro intelectual del siglo xx. Esta edición bilingüe presenta su principal obra poética desde 1957 a 1971, con traducción del excelente poeta, experto en poesía italiana, Martín López-Vega. Suyo ha sido el reto de traducir la poesía de Pasolini, una mezcla de tragedia, lucidez crítica y un goce dionísiaco que abre los sentidos a la experiencia física (y metafísica) de la vida siempre al borde de la catástrofe.
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En Todos los cuerpos, el cuerpo, Jesús Pacheco nos invita a adentrarnos en un laberinto ecfrástico que puede leerse al tiempo como un autorretrato en verso convexo, como una acuarela que evoca el mundo perdido de la infancia y como un óleo pintado con los trazos del desgarro existencial. El combate entre cuerpo y escritura, plasmado en una atmósfera envolvente y llevado por un ritmo poderoso, muestra la identidad de un yo en progreso y la construcción del proceso discursivo. He aquí, en fin, una voz original que ya no es la suma de distintos ecos formativos, sino la decantación de un estilo en el que se funden la plasticidad visual, la imaginación fulgurante y el examen de conciencia. Apenas cruzado el umbral de los veinte años, Jesús Pacheco abandona con este libro el brumoso limbo de las promesas para instalarse en la tierra firme de las evidencias. Pónganse delante de un lienzo en blanco (medidas recomendadas: 34 x 29 centímetros) y atrévanse a mirar.
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Este libro aborda por vez primera la cuestión de la historiografía literaria española mediante el trazado de su articulación interna en historias de la literatura de sus cuatro sistemas (castellano, catalán, gallego y vasco) desde inicios del siglo xix hasta el presente. A partir de la selección de algunas de las calas historiográficas más representativas de estos cuatro sistemas literarios, investigadores de nueve universidades examinan en profundidad cuestiones que revelan la significación y el funcionamiento del dispositivo historiográfico en la construcción y alteración de los cánones previos en cada una de las lenguas. Y también analizan la manera en que la historia literaria ha contribuido al desarrollo de la cuestión nacional. Los textos reunidos en esta obra dejan claro que la historia de la literatura se considera por sí misma un género muy determinado de la cultura científica, en el cual se recoge el pensamiento y las ideas críticas en vigor en cada momento. Y más concretamente, su lectura permite profundizar en la estructuración de los estudios literarios castellano, catalán, gallego y vasco, así como la relación dialógica que la sociedad sostiene con la literatura.
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Sobras de pan es un libro que muestra una cuidadosa arquitectura y se acoge a una expresión limpia y honda, muy propia de una poesía reflexiva que huye vacuidades retóricas y busca la esencialidad. Puede muy bien hablarse de poesía arraigada, que proyecta una mirada interior sobre el entorno -los seres queridos, la naturaleza- y en ellos y con ellos busca purificarse y encontrar el sentido de ser en la elementalidad y la belleza de su presencia gratuita. Solo así, libre de servidumbres racionales y en comunión con ellos, el poeta se salva y da sentido a su canto.
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El libro I de la Eneida de Virgilio (70-19 a. C.), que aquí se traduce, cuenta la tempestad que en el mar Tirreno sufren los troyanos acaudillados por Eneas, al cabo de la cual llegan náufragos a las playas de la naciente Cartago y son allí acogidos por la reina Dido. Dicho libro se integra en el argumento épico y es una doceava parte de la obra total, la Eneida, sin duda la cumbre de la literatura latina antigua, pero también tiene en sí mismo una visible autonomía argumental, con introducción, nudo y desenlace, y es una muestra ejemplar de las excelencias de la poesía virgiliana, que aún seduce y conmueve. La presente traducción, además de perseguir la estricta fidelidad al mensaje, quiere también rescatar en castellano, en la medida de lo posible, el ritmo del hexámetro, verso propio de la antigua poesía épica de griegos y romanos.
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Minuciosos recuerdos del entorno creativo y su trágica vida familiar. Ser hermano de un autor famoso confiere grandes obligaciones y muy pequeñas distinciones. El profesor Stanislaus Joyce sobrellevó su carga con nobleza y disconformidad. A pesar de sus reservas, vivió una vida en gran parte moldeada por su hermano, combatió el derecho de los demás a criticar a James y, en el momento de su muerte, llevaba escrita una parte sustancial de las memorias de su vida en común, donde presenta un cuadro de la carrera de James Joyce y de la vida familiar hasta sus veintidós años, con vistazos ocasionales a lo que vendría después. He leído este libro dos veces y me he sentido fascinado y sorprendido por la personalidad de este hombre () víctima de emociones encontradas de cariño, admiración y rivalidad, una lucha en cuyo desarrollo, en ciertos momentos, veía a su famoso hermano con asombrosa lucidez. T. S. Eliot
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Las orugas vivieron sus experiencias dejando atrás las aladas púas que les incomodaban su procesión diaria, se encerraron en su capullo y se convirtieron en crisálidas, meditaban cada día en su transformación soñando con el día en el que volarían con libertad siendo blancas mariposas aladas. Esta metáfora recoge el sentido de este poemario, las palabras que en él habitan son fruto de la transformación de la autora, una fuente de expresión emocional que invitan al cambio, la libertad, la superación y el amor incondicional.
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Después de mucho leer no cabe sino aceptarlo: la mayoría de los que formaban parte de la caravana de nuestra bohemia, nombres a cuyas obras llegamos a asomarnos por el simple hecho de que aparecían mencionados en La novela de un literato de Cansinos, no merecía el esfuerzo que nos tomamos en buscar sus libros, muy difíciles de encontrar, y leerlos. Unos cuantos de esos nombres, sí merecían la pena. Pienso en los sonetos cincelados de Pedro Luis de Gálvez, pienso en algunos cuentos de Miguel Sawa, pienso, sobre todo, en la poesía de Eliodoro Puche. Juan Bonilla
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Catalunya és un dels pocs llocs d'Europa on no hi ha euroescepticisme, els catalans sempre hem estat immoderadament europeistes, i aquest tret característic de la nostra societat es deu, sobretot, gràcies als nostres escriptors. Cap gran escriptor català no és només català, també és europeu. Aquesta actitud, desplegada en multitud de lectors, constitueix una de les estructures intel·lectuals més sòlides de la nostra cultura i, de fet, són una declaració d'independència crítica i de consciència d0internacionalitat literària. Per això les al·lusions a Europa en l'actual moment polític són tan freqüents: perquè parteixen d'aquesta perspectiva en què allò propi és allò europeu i allò català la seva concreció. Des de la perspectiva de la literatura comparada, aquest llibre parteix d'aquest fons europeista per a preguntar-se pel futur de les literatures en una futura Catalunya independent, i de la literatura catalana en el marc de la literatura europea, amb la convicció que, des de fa temps, la nostra ja és una literatura entre literatures.
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Joaquín Márquez nos ha dejado una obra poética plural y de hondo sentido universal que ubica a su autor como una de las voces líricas más relevantes del concierto poético nacional, una obra, por lo demás, variada y de múltiples acentos y registros, en la que coexiste con naturalidad extrema y sin forzamiento alguno la sujeción a la rima con el verso libre, la fluidez del encabalgamiento con la sentenciosa gracia del arte menor y el clasicismo del soneto o de las estrofas tradicionales con el atrevimiento y la fuerza expresiva de su poderoso aliento lírico.
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Es difícil –seguramente imposible– relatar una guerra tal y como en realidad aconteció. Lo que casi siempre nos llega es el relato de alguien que por diversos motivos e intereses refiere la historia desde la perspectiva que más le conviene. Es lo que ocurre con el capitán Baltasar de Morales y su Diálogo de las guerras de Orán, que ofrece una versión literaria de las campañas que don Martín de Córdoba, conde de Alcaudete, mantuvo contra turcos y beréberes en Orán entre 1542 y 1558, fecha de su muerte y derrota en Mostagán. La historia culmina con la heroica defensa que hicieron de Mazalquivir don Alonso y don Martín, hijos del conde, contra el asedio turco de 1563. El libro, impreso en 1593, estaba además dirigido a otro miembro de la estirpe que también había servido como soldado en el norte de África, Martín Alonso de Montemayor. De esta manera, Morales convirtió su Diálogo en un cumplido elogio de la casa nobiliaria de los Fernández de Córdoba y Montemayor, que había recibido no pocas críticas por su gestión del gobierno oranés. Al Diálogo del capitán Morales le cupo asimismo el privilegio de ser lectura del mismísimo Miguel de Cervantes, que lo utilizó como una de sus fuentes para componer El gallardo español. En esta comedia, Cervantes dio cuenta del asedio turco de 1563 e introdujo como personajes a los hijos del conde, don Alonso y don Martín de Córdoba, a los que llegó a conocer personalmente en 1581, durante la misión que, tras su cautiverio, Felipe II le asignó en el presidio norteafricano. Al fin y al cabo, el capitán cordobés y el soldado herido en Lepanto habían compartido territorios de guerra y enemigos comunes.
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Pinyols d’aubercoc és un llibre sobre els embats deltemps. Sense estridències, amb un exuberant domini dela llengua dialectal i una prodigiosa sensibilitat,les proses d’aquest llibre esdevenen una crònica de l’educació sentimental de l’autor amb el rerefons de la transformació de Mallorca pel boom turístic. Aquesta petita joia va significar el portentós debut literari del periodista cultural Emili Manzano.
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Lejos de Inglaterra, uno en Nueva York, el otro enMarrakech, Auden y Orwell viven el año 1939 entre laasimilación de las trágicas lecciones de la guerra de España y las angustias por el estallido inminente de una nueva guerra europea. La peligrosa corriente dela historia no se detiene y, como dice un verso de Auden, «te quema las manos». Este libro explora las tensiones personales de dos autores decisivos del sigloXX atrapados en un intenso proceso para acordar suspercepciones políticas a sus proyectos literarios o,lo que les resulta más urgente, su voz privada a su voz pública.
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Reunir y estudiar en una misma investigación las relaciones existentes entre las historias de dos personajes de la talla de Don Quijote y de Tintín no está alalcance de cualquiera. Solo alguien radicalmente enamorado del arte de Hergé y de su «línea clara» y, al mismo tiempo, estupendo conocedor de la inmortal novela de Cervantes podría hacerse cargo de esa labor. ''Del Quijote a Tintín'' se organiza bajo la especie deun diccionario bilingüe Quijote-Tintín, Tintín-Quijote, con distintos lemas ordenados alfabéticamente donde se van analizando los paralelismos que ofrecen ambos personajes, que son muchos más de los que hubiéramos pensado antes de que Joan Manuel Soldevilla los descubriera y los pusiera en valor ante nuestros ojos atónitos.''Del Quijote a Tintín'' es, de principio a fin, una fiesta de la sensibilidad y de la inteligencia. Del Prólogo de Luis Alberto de Cuenca
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Este libro es un cruce de caminos, de nombres insospechados, ideas peregrinas y binomios imposibles, de países vecinos y afinidades irremediables, de mundos creados a imagen y semejanza de una carcajada que se hiela en la boca. Mundos que, ya sea por f (de Fellini)o por v (de Valle-Inclán), participan de un abrasivosentido del humor. Y también de lo grotesco. El grotesco necesario, como lo es este ensayo que despiezaminuciosamente un edificio estético que empezó a cobrar forma en la década de los cincuenta a partir de unprobable plagio que tuvo lugar en 1948, cuando un jovencísimo Fellini se encuentra con el fantasma de Valle-Inclán. Fue un secreto a voces apenas investigado con suficiente detalle y que a la autora le sirve de pretexto para desentrañar cómo a mediados del sigloxx los aires de modernidad procedentes de Italia confluyeron milagrosamente bien con nuestras raíces delteatro popular y las luces de variedades, y por qué resurgió en el cine un modo de mirar tan nuestro, unamanera auténticamente mediterránea de pensar, de crear, de reír. De ahí Berlanga, Ferreri, Azcona, Flaiano, Bardem, De Sica, Fernán Gómez?
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La dama duende es una de las obras donde mejor se encarnan todos los rasgos de la comedia de capa y espada, caracterizada por el ambiente urbano, elprotagonismo de hidalgos, los enredos amorosos, la función de los celos, los desafíos, los conflictos de rivalidad entre hombres y las damas discretas. Obra cómica, por encima de todo, pretende entretener y divertir al público. El personaje de Doña Ángela marca elcurso de la acción, es ella la que vive un conflictoque debe ser resuelto a lo largo de la acción dramática: la ruptura del orden que debe conducir a la restauración del orden.
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Pere Rovira és un dels poetes majors de la literatura catalana actual. Avui és sempre recull una tria dels poemes dels set llibres publicats al llarg de més de quaranta anys, que li han valgut premis com el Carles Riba o els Jocs Florals de Barcelona i el reconeixement de crítics i lectors. La tria i el pròleg són obra del mateix autor. La poesia de Pere Rovira ha estat traduïda al castellà, a l'anglès, al gallec, al francès i al rus.
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Un fascinante itinerario por las palabras de nuestro idioma, sus significados, su evolución, sus secretos y sus misterios. Estimado lector, tienes en tus manos un libro sobre las palabras, sobre la vida y los secretos de palabras como «personaje», «persona», «salud», «enfermedad», «humanidad», «curiosidad», «normalidad», «melancolía», «nostalgia», «memoria», «recuerdo», «identidad», «imaginación», «fantasía», «casualidad», «destino», «misterio», «equilibrio», «armonía»... Esta exploración se lleva a cabo de la mano de las obras literarias que las utilizan, los diccionarios que las definen y los hablantes que las mantienen vivas. Esta es, por tanto, una historia de las palabras y de quienes las emplean -el hablante, el conferenciante, el escribidor, el novelista, el poeta-, que van dejando su huella en el idioma. El resultado es un ensayo delicioso, pensado para cualquiera que sienta amor por las palabras con las que piensa, habla y escribe. Porque somos lo que hablamos, o lo que pensamos y no decimos, lo que callamos.Escrito por una narradora y una filóloga, este es un libro a un tiempo erudito y amenísimo, que se divide en dos partes: en la primera, la narradora -Soledad Puértolas- explora como escritora y lectora la vida de las palabras y los siglos que tiene nuestro idioma a sus espaldas, en la segunda, la filóloga -Elena Cianca- añade un análisis académico a los recorridos de la primera. Ambas perspectivas se complementan y parten de una misma pasión por la lengua.Como afirma Soledad Puértolas en el prólogo: «Las palabras se llaman unas a otras. Nosotros, sus usuarios, eternos aprendices de la lengua y de la vida, las llamamos también, las convocamos, las lanzamos al aire, las dejamos marchar, sin saber si llegarán a perderse o alcanzarán objetivos imprevistos.»
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Mòdul 3 és el testimoni d'una ment brillant a la vora de l'abisme. L'any 1968 Bette Howland tenia trenta-un anys, era mare divorciada amb dos nens petits al seu càrrec i tirava endavant la família amb un sou de mitja jornada de bibliotecària. Una tarda va empassar-se un pot sencer de somnífers. Aquest és un retrat extraordinari de la comunitat de pacients que habitaven la secció de psiquiatria de l'hospital universitari de Chicago on va ser ingressada. Un retrat esmolat i elèctric, en què la mirada de l'autora no s'atura en la seva pròpia crisi sinó que es lliura a la vida dels altres, l'espai que ocupen, els seus costums, els seus rituals. En paraules de Saul Bellow: «Els pacients del Mòdul 3, blancs i negres, homes i dones, atordits, entranyables, suïcides, desgraciats, no se'ns presenten pas com casos d'estudi, sinó com si fossin els nostres germans. Bette Howland és una escriptora de veritat». Howland va publicar dos llibres més i va desaparèixer de l'atenció pública. El 2015, quan l'editora Brigid Hughes va descobrir un exemplar de Mòdul 3 a la cistella d'un dòlar d'una llibreria de segona mà, feia temps que la seva obra havia quedat descatalogada i oblidada. Fins ara.
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El presente volumen contiene una selección de relatos de grandes autores de la literatura cuyo nexo común es el universo del libro. Escritores en busca de la perfección, libreros dispuestos a matar por ejemplares únicos, editores apasionados, aspirantes a genios y letraheridos de toda condición pasean por estas deliciosas páginas para hablarnos del amor por la literatura.
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100 AÑOS DE UN CLÁSICO La edición definitiva de la obra maestra de Rilke, en una nueva traducción que incluye cartas y poemas inéditos «De vez en cuando ocurre el milagro: el escritor delicado, dubitativo y con tendencia ansiosa se retira, y a través de él resuena la música del universo: como la base de una fuente, hace tanto de oído como de instrumento».Hermann Hesse En 1923 vieron la luz las Elegías de Duino, uno de los ciclos poéticos más influyentes del siglo XX. Rainer Maria Rilke había empezado a escribirlo diez años antes, una década en la que el mundo cambió de forma vertiginosa. Las elegías dan vueltas a todo lo que estaba desapareciendo en un entorno cada vez más tecnificado: el sentido de la trascendencia, el amor más profundo y radical, la condición efímera del ser humano. Este volumen incluye, además de una nueva traducción a cargo de Adan Kovacsics y Andreu Jaume, los poemas que Rilke escribió en aquella época sobre la misma temática y una selección de cartas sobre la gestación de la obra. Todo esto la convierte en la edición más completa, ambiciosa y rigurosa que se ha hecho en castellano de este clásico de las letras europeas. La crítica ha dicho:«El último gran lírico europeo de la edad clásica».Félix de Azúa «Este gran lírico no ha hecho más que llevar a la perfección el poema alemán por primera vez no fue una cumbre de esta época, fue una de esas alturas en las que el destino del espíritu hace pie para pasar sobre las épocas [...]. Su filiación es la de los siglos de la literatura alemana, no la de la actualidad».Robert Musil «Las Elegías de Duino constituyen el último residuo de la religiosidad, la última forma literaria de la certificación de lo religioso».Hannah Arendt «Aún no estamos preparados para interpretar las Elegías y los Sonetos de Rilke».Martin Heidegger «Hay una espera silenciosa de la palabra inspirada. Así, Rilke nos hace ver los largos momentos de recogimiento y de elocuencia difusa y, si se quiere, desatinada que culminaron después en las grandes Elegías».Álvaro Pombo «Leer las Elegías de Duino es sentir que el pensamiento se ha hecho rezo las palabras, música el poeta y el lector, una sola persona».Michael Dirda, The Washington Post «Si la palabra magia significa algo, he de decir que todo Rilke, su voz, su apariencia, sus modales, todo sobre él daba la impresión de una presencia mágica. Rilke le otorgaba a cada palabra, una vez pronunciada, el poder de un encantamiento».Paul Valéry «Rilke es el primer poeta desde el siglo XVII en encontrar una solución fresca».W. H. Auden
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En un momento en el que sus obras anteriores ya habían sido censuradas, Alfonso Sastre plantea en La mordaza una protesta cauta, posibilista, soterrada pero implacable contra el régimen franquista, al tiempo que lanza un mensaje claro, sin ambages: «Vivimos amordazados. No somos felices. Este silencio nos agobia». Este drama rural de tintes policíacos escrito en 1954 -y estrenado con gran éxito ese mismo año- narra un crimen ocurrido poco después del final de la ocupación nazi de Francia. Aunque su trama y detalles son fabulados, está basado en hechos reales y tiene como telón de fondo el asfixiante ambiente de una familia y su hacienda. Pieza clave en la producción del autor, La mordaza es, por ende, una obra cumbre de la dramaturgia española del siglo xx.
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La poesia d'Antonella Anedda és capaç d'atènyer l'invisible i d'evocar tant les absències com les mancances, amb un llenguatge acuradíssim que destil·la l'esplendor d'allò velat o suggerit i el doble moviment d'un mostrar o insinuar. Una visió aparellada a allò que Louise Glück anomena «la llum brillant que passa a través d'una cambra fosca». Alhora, la seva litúrgia poètica, essencial i nua, es troba sempre vinculada als detalls eloqüents, capaços de fer-nos arribar el perfum, el tast i l'ànima de les coses, en dialèctica constant amb la fràgil i vulnerable existència. És una poesia magnètica i intensa, d'una elegant profunditat i impregnada d'una pietat que uneix el jo amb el nosaltres en l'exploració del dolor del món. I tot i que _Nits de pau occidental_ pren com a inspiració els fets dramàtics que van des de la guerra del Golf fins al llindar del conflicte de Kosovo, els seus versos -com en els grans clàssics- traspassen temps i espais i ens remeten a una fulgurant actualitat. La traducció d'aquesta obra, a càrrec de Nora Albert, va merèixer el XVIII Premi Jordi Domènech.
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El relato que da título a este libro, El reino de la nada, cuenta con crudeza y brillantez la peripecia que sufren los internos de un manicomio abandonado al iniciarse la Guerra Civil. Más allá de su carácter metafórico o de la vuelta de tuerca que implica fabular sobre los límites de la locura, Emilio Gavilanes persigue con esta historia -y con las otras doce narraciones del volumen- mostrarnos el misterio de la existencia y de las eternas inquietudes humanas, como el amor, la memoria y el paso del tiempo.
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En La muerte de la madre de Charlot, Lorca intenta desmarcarse de la falsa imagen de poeta tradicional o costumbrista que se le había atribuido. Fue escrito pocos días después de la muerte de la madre de Charles Chaplin.Destaca el contraste entre la madre muerta y el hijo, confrontando estéticas antiguas y nuevas, donde la madre representa el teatro y el hijo representa el cine. Lleno de humor negro, comentarios disparatados e imágenes surrealistas, detrás de todo ello subyace una crítica a la sociedad capitalista estadounidense, descrita como deshumanizada y cruel.BEÑAT ARGINZONIZ
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La microliteratura (según se propone en este libro) es una forma de producción de la cultura escrita que aprovecha los huecos en blanco del espacio y del tiempo. La microliteratura es también la propia materialidad de la escritura, la complicación que sucede en los márgenes de manuscritos y libros impresos, y que requiere de formas de lectura laberínticas, desordenadas, pero al mismo tiempo sistemáticas. Y es también microliteratura una actividad por parte de quienes la producen: una actividad febril, levemente enloquecida por encontrar una voz y una audiencia desde los márgenes de libros en bibliotecas privadas que nunca son totalmente privadas. El estudio de la microliteratura llama al estudio de objetos, de aspectos materiales, de círculos de trabajo, de formas de la creación de redes, y, por supuesto, la actividad central de toda microliteratura: ''pensar con'', no solamente interpretar. Pues, al fin, la microliteratura no es sino uno de los nombres del pensamiento crítico y de las Humanidades.
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En la poesía, como en la vida, hay un tiempo para aprender y otro para desaprender, para olvidar lo aprendido. Casual es el libro de un autor que ha leído todos los libros, al menos todos los libros de poesía española del último medio siglo, pero que escribe su propia poesía después de haberlos olvidado. Escribe, o más bien transcribe o, incluso, traduce, fábulas donde las cosas son lo que parecen y a la vez símbolo y alegoría, sueños sin onirismos que brotan quizás menos del inconsciente personal que del jungiano inconsciente colectivo. Algún homenaje, algún eco de la tradición, sirve a manera de descanso en este desconcertante viaje de exploración por la terra incognita del vivir y por el de la poesía, a menudo no menos misteriosa. A.L. José Luis García Martín (Aldeanueva del Camino, 1950) ha cultivado los más diversos géneros literarios, pero destaca especialmente como poeta, crítico literario y diarista. Entre sus últimas publicaciones se encuentran Aire en el aire, El lector impertinente y Sin propósito de enmienda. En los años setenta dirigió la revista Jugar con fuego, que cuenta con una reedición facsimilar (2016) en la hermana editorial Ulises. Desde hace un cuarto de siglo dirige Clarín, revista de nueva literatura.
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Es posible que la novela de Proust defraude a veces las expectativas de algunos lectores, basadas en lugares comunes que, sin ser falsos, resultan parciales. Esta guía se propone hacer tabla rasa de muchos clichés, permitiendo así orientarse en el gran laberinto de En busca del tiempo perdido. Al lado de las canónicas reflexiones sobre el tiempo y la memoria, se valoran otras dimensiones de la novela, como la comicidad, el erotismo o la estética de lo inverosímil, y se analizan los componentes principales de la cultura?literaria, pero también filosófica?de Proust, arrojando luz sobre los elementos esenciales de su antropología y los aspectos más interesantes de su biografía. Como dice el autor en la nota introductoria, «entiendo perfectamente la angustia de quien siente el deseo de comenzar la lectura de En busca de tiempo perdido, porque ha comprendido que se trata de una obra fundamental, pero pospone siempre el impacto inicial, como esos niños que quisieran aprender a nadar pero no encuentran el valor de ir sin salvavidas allí donde el agua es profunda». La guía de Alberto Beretta invita a superar esa incomodidad que puede hacernos renunciar a la lectura de libros preciosos por temor a zambullirnos en su gran océano, revelando las claves que permiten penetrar en su universo y acceder al texto oculto que corresponde a cada lector descifrar. Cierra el volumen una relación de las más significativas y estimulantes interpretaciones críticas que se han hecho de la obra de Proust a lo largo de un siglo.
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Hans-Georg Gadamer, uno de los representantes más destacados de la filosofía hermenéutica del siglo xx, nos acerca en este libro a la lírica alemana contemporánea. Sus reflexiones y comentarios son aproximaciones eminentemente personales a la poesía y reflejan una posición de lector atento sensible que no pretende construir interpretaciones eruditas de teoría literaria. Los ensayos de Gadamer convencen y atraen por sus lúcidas conclusiones y por el equilibrio entre consideraciones estilísticas y temáticas, aspectos biográficos y cuestiones de ubicación socio-histórica y filosófica de los poemas y sus autores. Objeto de estas reflexiones son temas como la actualidad de Hölderlin, la posición de Stefan George en su tiempo, el renovado interés por Rilke, la pregunta por el silencio de la poesía en los casos de Paul Celan y Bobrowski, la poesía en el exilio de Hilde Domin y el nihilismo de Gottfried Benn: una aproximación a las tendencias poéticas y los poetas alemanes más significativos del siglo xix. AUTOR Hans-Georg Gadamer (1900-2002) fue catedrático emérito de la Universidad de Heidelberg. Estudió filosofía germánica, historia del arte y filosofía y alcanzó el grado de catedrático bajo la tutela de Martin Heidegger, en Marburgo, su ciudad natal. Entre sus obras cabe destacar: Verdad y método, La actualidad de lo bello, La herencia de Europa, Antropología biológica, La dialéctica de la autoconciencia en Hegel, La dialéctica de Hegel o Nueva antropología. Gedisa ha publicado también El estado oculto de la salud.
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«Amb la velocitat pròpia del somni, el poeta travessa llocs i èpoques, llengües i dialectes, en el present de l'escriptura Pierís contrau passat i futur, record i visions presents i futures. Movent-se de la ciutat a voltes real, a voltes onírica, persegueix la mateixa inspiració ideal, inabastable i canviant. Ciutats-dones, ciutats-monstres, ciutats-nereides, ciutats-princeses, reines d'altres temps, ciutats-amants, dolces, sensuals, però també dures, que esdevenen la metàfora d'una lluita existencial que no s'atura. Es tracta d'un recorregut sensual i musical, on les ciutats-muses troben expressió en la poesia i al final es converteixen elles mateixes en ''poesia'', on viurà el poeta. Els poemes-ciutats d'aquesta antologia constitueixen en realitat un work in progress: el poeta persegueix les múltiples metamorfosis de ciutats conegudes i viscudes sensualment. És l'obra d'un poeta xipriota, originari d'una pàtria petita, que es mou en un ambient geogràfic i cultural més ampli que l'assimila.» Del pròleg de Paola Maria Minucci Poeta, assagista, crític i professor universitari, Mikhalis Pierís va néixer a Eftagònia, Xipre, l'any 1952 i va morir el 2021 a Nicòsia. Entre els seus llibres de poemes destaquen obres com Resurrecció i mort d'una ciutat, El ritme i la por, Relat o Metamorfosis de ciutats. Rodamon, a la manera d'Ulisses, els seus versos estan inspirats per les freqüents visites culturals a ciutats d'arreu, des de Sidney a Granada, passant per Barcelona, Venècia, Roma o Hamburg. L'any 2010 va ser guardonat amb el Premi Nacional de les Lletres per part del Ministeri de Cultura de Xipre i el govern italià li va atorgar el càrrec honorífic de Commendatore d'Itàlia a Xipre. També va ser proposat pel govern del seu país per al Premi Internacional Catalunya de 2013.
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En este libro admirable, y orientado por una galería de pensadores, escritores y artistas, Alberto Manguel, indaga en el que ha sido desde la noche de los tiempos el estímulo que impulsa nuestro conocimiento y también la tentación para adentrarnos en lo prohibido, lo oculto, lo peligroso. Una de las primeras frases que pronunciamos como niños es «¿por qué?». Y, una vez aprendida, nunca dejamos de formularla, aunque muy pronto descubramos que la curiosidad rara vez es recompensada con respuestas reveladoras. En Una historia natural de la curiosidad -en la que Manguel elige como guía a Dante y las preguntas que formula en su Comedia- confluyen largos años de lecturas, escritura y pensamiento alentados por una pasión y una vivacidad arrebatadoras: nada que pueda interesar a la curiosidad humana le es ajeno y confirma que el placer de la duda ha sido y sigue siendo la más estimulante de las aventuras.
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Quaranta-una setmanes posa paraules a l experiència singular, alhora que comú, d un embaràs i un part: mots que haurien d haver estat els primers/ i no els darrers/ si haguéssim construït un món/sobre la vida/i no sobre la mort. Un poemari directe i
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Els no diaris de la gran escriptora italianaLa solitud de la infància i l'estupor de la vellesa, les pel·lícules vistes i els llibres llegits, la feina, la música lírica, la política, creure o no creure en Déu: els breus assajos recollits en aquest volum s'assemblen a les pàgines d'aquell diari que Natalia Ginzburg afirmava que mai no havia estat capaç d'escriure. Certament, són textos propers, per afinitat temàtica i saviesa en la narració, a Lèxic familiar, i, com en qualsevol obra de Natalia Ginzburg, són inseparables de la vocació de la narració del si. En la seva casualitat, en el seu plàcid desordre quotidià, aquests relats mostren qüestions que pertanyen a tothom.Singular autoretrat de dona, No has de preguntar-me mai esdevé una experiència familiar i un objecte destinat a fer-nos companyia dia rere dia.
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Vicente Cristóbal es Catedrático de Filología Latina en la Universidad Complutense de Madrid. Enseña Latín, Mitología Clásica, Literatura Latina y Tradición Clásica, y ha escrito numerosos estudios sobre esas materias. Ha traducido además a los grandes poetas latinos: Catulo, Virgilio, Horacio y Ovidio entre otros. Tiene ya publicados los siguientes libros de poesía: Silva mitológica (2007), Canto del gallo (2010), Memoria de horizontes amarillos (2011), El paraíso y el mundo (Renacimiento, 2015) y Siderales sueños (2015). Inmóvil travesía recoge algunos poemas de este último y añade versiones de textos latinos antiguos de Apuleyo, Ovidio y Horacio.
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Una temporada a l'infern és un dels poemes més originals en la història de la literatura. Entendre'l monolíticament, com si fos una peça perfectament acabada i coherent, és gairebé impossible: prova d'això són les múltiples interpretacions que se n'han fet. Són innegables, però, la força i la visceralitat que es desprenen de la veu de Rimbaud. A Una temporada a l'infern, Rimbaud es disposa a recuperar la clau d'un antic festí on tots els cors s'obrien, on corrien tots els vins .
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