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Llibres de Teatre, Poesia i Relats
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Aquest llibre pot ser llegit com el diwan andalusí d'un poeta actual, com una antologia de versos àrabs clàssics que han perdurat en l'imaginari de la tradició posterior. És a dir, de la tradició literària que s'instal·là al país on ells visqueren i escrigueren els seus versos. Aquest llibre és també, doncs, un homenatge i un reconeixement a la perdurabilitat de la paraula poètica, en tant que la manera artística d'interpretar un món vital, desbordant la temporalitat i l'oblit implacables, fins a convertir-lo en l'evitern paisatge d'un paradís de paraules. D'un jardí llunyà que només els mots mantenen viu. D'un patrimoni de memòries que no mereixen ser esborrades. D'un calidoscopi de lluminoses meravelles renovades. De la invitació a la lectura de Josep Piera Josep Piera (Gandia, 1947) és poeta, traductor i narrador. Com a poeta, cal esmentar el llibre El somriure de l'herba (1982), el recull Dictats d'amors (1991), l'antologia Cants i encants (2004) i El temps trobat (2013). Dels seus llibres narratius citarem els de temàtica àrab o andalusina: El paradís de les paraules (1995), Seduccions de Marràqueix (1996) i El jardí llunyà (2000). Entre els premis literaris obtinguts es poden destacar el Carles Riba, el Sant Joan i el Josep Pla. És membre de l'IEC.
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Último libro de poemas de Kepa Murua: ''Es un libro de tapas negras,/de páginas inmensas, una tela/envuelta en papel, un regalo/de poemas de un hijo a su madre''Este libro es un regalo de poemas de un hijo a su madre, como escribe el propio autor en sus páginas, pero es también soledad y recuerdo, homenaje, historia y gratitud por todo lo que se ha recibido de quien ya no está.Orfandad habla de una pérdida personal y es también el hilo con el que Kepa Murua teje la vida de muchos que, seguramente, vean reflejados en estos poemas buena parte de sus sentimientos, si es que ya han pasado por esta experiencia.El poeta ha dicho en ocasiones que no somos el pasado. Sin embargo, ese pasado, si sigue estando vivo, da forma a la vida, a lo que es el presente. Quizás ese sea el juego: que nada queda del todo en el olvido, que nada es tiempo que ya no existe, sino que es la eternidad lo que nos marca, lo que nos mueve y hace al mundo.
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Una colección de 35 nuevos textos de un referente de la literatura española contemporánea. La poesía de Miguel d'Ors destaca por suclaridad y cuidado compositivo, los asuntos cotidianos y el tono íntimo y sentimental.
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En el Poema del cante jondo se propone Federico García Lorca lograr una obra misteriosa y clara que sea como una flor: arbitraria y perfecta como una flor. Se trataba de penetrar en el espíritu de Andalucía captando su cultura popular primitiva y miste
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Alceste, el protagonista de esta obra, ocupa todo el escenario: odia su tiempo, odia los versos de Oronte, tiene un pleito por unos rumores que hacen correr sobre él. Y como enamorado, paradójicamente, no cesa de reprochar los defectos a su amada (de l
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El poemari parteix de l'evocació i el records de les dues generacions anteriors a la poeta, els avis i els pares, i també la pèrdua del domicili familiar. S'hi expliciten absolutament tots els estadis del procés de dol i, finalment, emergeix un clam amorós a la vida, a la família, a les arrels, a la casa, als objectes, a la llengua... Després de rebre alguns reconeixements i premis al panorama literari de casa nostra, Josefina Maymó publica amb l'Editorial Trípode el seu primer recull de poemes. Amb pròleg de D. Sam Abrams.
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Felipe Benítez Reyes (Rota, Cádiz, 1960) ha publicado en Visor los libros de poemas Sombras particulares (1992), Vidas improbables (1995, Premio de la Crítica y Premio Nacional de Literatura), La misma luna (2006), Las identidades (2012), Ya la sombra (2018) y Un mentido color (2021), así como Libros de poemas (2009), que recopila su poesía escrita entre 1978 y 2008. «Poemas de gran intensidad, hondura y vitalismo, que, sin renunciar a una notable densidad de pensamiento, se expresan con un lenguaje depurado y bello para abordar aspectos cotidianos y otros de gran calado existencial, con una escritura inteligente y sensible, capaz de emocionar». Fernando Aramburu «Comunicación y sensibilidad, claridad y sabiduría poética se funden en el crisol de la excelencia en este libro de Benítez Reyes, un nombre indiscutible en la mejor poesía española de los últimos cuarenta años». Luis Alberto de Cuenca.
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Lope de Vega se basó en una popular leyenda castellana, Alonso, caballero procedente de Olmedo, se enamora en la feria de Medina –y es correspondido– de Inés, prometida por su padre a Rodrigo. La dama, para evitar el enlace, finge una repentina vocación religiosa. Durante una corrida de toros en Medina Alonso salva la vida de su rival que, resentido y envidioso, decide matarlo ayudado por su amigo Fernando en el camino de regreso a su casa: Que de noche lo mataron al caballero la gala de Medina la flor de Olmedo
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Perseverança de la buidor: 50 poemes en forma de tanka, i alguns mapes d'espectres, a carrerons sense sortida de Barcelona.
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Febre amb gel és un experiment que neix de deixar que la poesia faci la seva, un doll incontrolable que queda fixat en uns materials que s'han treballat més de vint anys. Un joc de miralls còncaus, convexos i distorsionats en general, una veu que en són tres i la mateixa per anar més enllà del mirall i la síntesi: miratges per copsar un món on imperen les emocions. El poemari està escrit en català, castellà i anglès.
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La obra de Ezra Pound consta de dos grandes ciclos. El primero, de formación, aprendizaje, asimilación y renovación del lenguaje poético, y el segundo, de experimentación y aplicación de lo aprendido a un proyecto omnicomprensivo: The Cantos. La inflexión entre los dos ciclos la marca la publicación, en 1926, de Personae, una recopilación de la poesía escrita por Pound en sus años londinenses (1908-1920), que cerraba y resumía una etapa fundamental de su vida: la de estudio e incorporación de algunas grandes tradiciones poéticas (la latina, la provenzal, la china, entre otras) a través de la ''traducción creativa'', junto a los hallazgos de concentración de fuerza, economía de medios y hábito de análisis que consideraba necesarios para su renovación lírica. De ahí la importancia de Personae, un texto clásico de la poesía del siglo XX, que con su aparición dio solidez al movimiento ''modernista'' y confirmó el papel fundamental que en él representaba su autor, junto a creadores como James Joyce o T.S.Eliot.
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De lectura imprescindible, el ''Teatro completo'' demuestra que la revolución de Chéjov sigue aconteciendo en el presente.Poco más de veinte años de escritura le valieron a Chéjov un lugar revolucionario en la historia del teatro occidental. La gaviota, Tío Vania, Las tres hermanas o El jardín de los cerezos, incluidas en este volumen junto al resto de su producción escénica, cambiaron los rumbos del realismo, abrieron las puertas a las principales poéticas del teatro moderno y sentaron las bases tanto de la expresión minimalista como de un realismo no naturalista que propició las mezclas con otras estéticas. Este tomo recupera la excelente traducción y prólogo preparados por la célebre pedagoga teatral Galina Tolmacheva. Se suma una traducción de Platónov, el “Don Juan” de Chéjov, primera pieza escrita por el dramaturgo. De lectura indispensable, el Teatro completo demostrará a los lectores que la revolución de Chéjov sigue aconteciendo en el presente.
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La Palabra Poesía habla de la luz que encontramos en la naturaleza como luz de la poesía que es a la vez construcción literaria y creativa tanto del universo como de la poesía. La Palabra Poesía proviene del contexto natural universal donde se reconoce la creación como parte del mismo poema, desde el cual se observa la misma creación que origina la Palabra creadora o el Verbo creador, que es la Palabra Poesía, como principio del universo en todas sus expresiones y formas, como origen de todas las lenguas y lenguajes, en el reconocimiento de su obra y significado. La naturaleza está muy presente en este libro, que ayuda y es esencia del arte para que el arte pueda llegar a ser mensaje universal y pueda perfeccionarse para alcanzar la trascendencia humana y mostrar a la humanidad la vía para ser parte de la naturaleza y del mismo arte, como conocimiento del ser humano expresado en la luz y la acción de la luz en su dimensión poética y creadora.La Palabra Poesía está dirigido a los lectores que tengan un interés por la naturaleza y por el despertar, en general, a todos los lectores de poesía.
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Está la luz. Donde la luz proyecte su camino recto todo sonido aguarda. Está el descenso súbito. La máscara y su silencio oscuro. Están las voces comunales y el sujeto que traza un círculo alrededor, una esfera, un lenguaje que lo contenga. El sujeto y la luz que en su boca nace. Las cuerdas tensas dibujan un cuadrilátero que se deshace como duna observándonos. Es para el combate con quien camina y viene, aturdido tras el asalto que se llevó su sombra o sus palabras. Voluntad y entrega, querencia y azar de quien confundió designios, de quien vuelve y habla, sujeto a su voz o a la del otro. El texto percutivo de Antón Lopo consigue experimentar la crisis y la revelación por medio del fascinio. Es poesía háptica, hecha con el poder de las voces y con los interrogantes del exilio, de la precariedad, de la vulnerabilidad, de la pasión que se asoma para golpearnos. (Cecilia Carballido)
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Un cosmos dentro de un poema. Un poema a través de un cosmos. Cuerpo y es orografía. Es erotismo y también naturaleza. En esencia, este poema es un juego con el lenguaje, una metáfora de la sensualidad y una declaración de amor al mundo y su geografía. Las ilustraciones enriquecen el texto logrando evocar un mundo imaginario de complicidad absoluta entre el cuerpo y la naturaleza.
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En ocasiones, tenemos que perdernos para volver a encontrarnos, tocar fondo para volar más alto y aprender del daño y del dolor para renacer más fuertes y volver a ser nosotros mismos. Y aunque la vida nos golpee, siempre nos podemos volver a levantar y ver belleza en cada cicatriz. Golondrinas en la piel es el resultado de un viaje emocional que atraviesa diferentes etapas, es una obra íntima que empezó a crearse para buscar sentido a la pérdida y encontrar luz en medio de la oscuridad. Cada poema es un trocito de mí, que quizá también es un trocito de ti, un intento de transformar los sentimientos en arte y la tristeza en esperanza. Con cada palabra intento sanar heridas que todos hemos tenido y tendremos, y ofrecer un refugio para los que se sientan, como yo me sentí entonces, perdidos, dolidos o desesperanzados. Este libro es una invitación a descubrir la resiliencia que todos llevamos dentro. Permíteme acompañarte durante el camino y volar juntos, a través de cada verso, para abrazar esperanza y aferrarnos a la vida.
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«No se mira en el espejo. Rara vez sonríe, no se ríe, no llora. Nunca afirma: esto es mío, sólo pregunta a veces: ¿esto es para mí? Rara vez dice yo e ignora el tú. No pronuncia mi nombre. No obstante, cuando me veo por casualidad en un espejo, la sorpresa de descubrir sus ojos en mis ojos me obliga a suponer un parentesco de nuestras vidas secretas, a imaginar en él una historia que habrá proseguido en otro lugar y de la cual, como investigadora incompetente, impaciente y desconsolada, busco descifrar los mensajes demasiado escasos».La filósofa y ensayista Elisabeth de Fontenay nos ofrece un texto intimista y deslumbrante dedicado a su hermano menor, autista. Este libro conmovedor invita a la reflexión sobre las aptitudes diferentes a través de una narración que supera lo autobiográfico y nos sitúa en el terreno ontológico: ¿en dónde estoy yo y en dónde el dolor de los otros?
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Jaime Siles (Valencia, 1951) es catedrático emérito de Filología Latina de la Universi¬dad de Valencia. Sus libros han merecido el Premio Ocnos (1973), el Premio de la Crí¬tica (1983), el Premio Loewe (1989), el Pre¬mio Generación del 27 (1998) y el Premio Jaime Gil de Biedma (2018). También ha recibido el Premio Teresa de Ávila (2003), el Premio de las Letras Valencianas (2004) y el Premio Andrés Bello (2017), estos tres por el conjunto de su obra. Este nuevo libro de Jaime Siles, Doble fon¬do, ahonda en la línea de su pensamiento y profundiza en su sistema de dicción, a los que añade e incorpora un abanico de núcleos temáticos, todos ellos interrelacionados entre sí, en torno a los que la poética existencial de su autor traza y teje una lúcida y rigurosa reflexión sobre el Ser del Tiempo, del Yo y del Poema, la na¬turaleza del signo, la reverberación de la memoria y los espectros de la identidad. Poesía, pues, de conocimiento, en la que los recursos del lenguaje son tensados hasta el máximo de sus posibilidades y en la que los límites entre poesía y filosofía, sin confundirse, se llegan a identificar.
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Texto inédito de la adaptación dramática de la novela A.M.D.G. de Pérez de Ayala, realizada por Martín Galeano y López de Carrión. Su estreno en 1931 provocó uno de los escándalos más recordados de la Segunda República y un intenso debate con repercusiones internacionales. El montaje de esta obra de teatro político y de tesis antijesuítica fue boicoteado por los sectores clericales dentro de una campaña más amplia cuyo fin era desestabilizar al nuevo gobierno. Se trata de un documento imprescindible para conocer los intentos de creación de un repertorio teatral republicano. La reescritura de los adaptadores potenció la crítica a la Compañía de Jesús, ya presente en la novela, con la intención de justificar la expulsión de los jesuitas de España. Pérez de Ayala realizó modificaciones posteriores para que su desenlace no fuera entendido como incitación a la violencia anticlerical en su estreno. El volumen incluye un detallado estudio del contexto que explica la adaptación, así como un examen en profundidad del texto. La obra dramática y la gran polémica que produjo la puesta en escena iluminan de forma extraordinaria este apasionante momento de la historia de España.
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¿Recuerdas la playa Revestida de cristales amargos Sobre los que No podíamos caminar descalzos? ¿El modo en que Mirabas el mar Y decías que me escuchabas? ¿Recuerdas Las gaviotas histéricas Girando en el tañido De campanas de iglesias invisibles Y los peces como santos patrones, El modo en que Corriendo, te alejabas Hacia el mar Y me gritabas que te hacía falta Distancia Para contemplarme? La nieve Se apagaba Enredada entre las aves En el mar, Con una desesperanza casi alegre Yo miraba Tus huellas en el mar Y el mar se cerraba como un párpado Sobre el ojo, dentro del cual yo esperaba. “¿Recuerdas la playa?”, de Ana Blandiana. Ana Blandiana (n. 1942), poeta, prosista y ensayista de excepción, es una figura legendaria de la literatura rumana, en la que ocupa un lugar comparable al de Anna Ajmátova o Vaclav Havel en las letras rusas o checas. Destacada opositora al régimen de Ceauș,escu, Blandiana forma parte del grupo de escritores que concibieron su vocación literaria como una forma de resistencia moral. Autora de catorce libros de poesía, dos volúmenes de relatos fantásticos, nueve de ensayos y una novela, es la poeta rumana actual más internacional. De su obra se han traducido sesenta y nueve libros a veinticuatro lenguas. Después de 1989, Blandiana reorganizó el PEN Club rumano cuya presidencia asumió (1990-2004). Fundó y presidió la Alianza Cívica (1991-2001), una organización independiente que luchó por la democracia e hizo posible la entrada de Rumanía en la UE. Bajo la égida del Consejo de Europa, Ana Blandiana ha creado el “Memorial de las Víctimas del Comunismo y de la Resistencia” en Sighet, museo, centro de investigación y escuela de verano considerado el tercer museo de la conciencia europea después de Auschwitz y el memorial de Normandía. El museo tiene como lema una frase suya: «Mientras la justicia no logre ser una forma de memoria, la memoria en sí misma puede ser una forma de justicia». En reconocimiento de su contribución a la cultura Europea y su valiente lucha por los derechos humanos, Blandiana fue condecorada con la más alta distinción de la República Francesa, Chévalier de la Légion d’Honneur (2009), el Departamento de Estado de EE.UU le otorgó el Romanian Women of Courage Award y el Rey Mihai de Romania la decoración “Nihil Sine Deo” (2014). Blandiana es Ciudadana de Honor de cuatro ciudades rumanas: Sighet, Botoș,ani, Timiș,oara y Oradea. Es Doctor Honoris Causa por la Universitatea de Vest, Timiș,oara (2014) y Babeș,-Bolyai, Cluj (2015), Dună,rea de Jos, Galaț,i (2016). Desde 2012, en Bră,ila se celebra anualmente el “Festival Nacional de Poesía Ana Blandiana de Creación e Interpretación para alumnos de Instituto” (FAB). Ana Blandiana ha recibido el Premio “Poeta Europeo de la Libertad” (Gdansk 2016) y su libro Mi patria A4 (Pre-Textos 2014) ha sido reconocido como uno de los grandes libros europeos con vocación de la libertad. Entre los otros galardones internacionales figuran: Premio Gottfried von Herder (Viena 1982), Premio Internacional de Literatura Vilenica (Eslovenia 2002), Premio Internacional de Poesía Camaiore (Italia 2005), Premio Especial de Poesía “Giuseppe Acerbi” (Modena 2005). Blandiana forma parte de la Academia Europea de Poesía (Luxemburgo), de la Academia de Poesía “Stéphane Mallarmé” (Paris, 1997) y de la Academia Mundial de Poesía (UNESCO, Verona, 2001). De naturaleza romántica, contemplativa y visionaria, su poesía aspira a un lirismo de las esencias y cultiva un tono sincero y espontáneo de inflexiones metafísicas. Su poética, basada en el sentimiento trágico de la existencia, se perfila como un arte que revela a la vez que esconde los significados de las cosas. La poesía de Ana Blandiana ha nacido en una época en la que, como la misma poeta dice, “ser libre es más difícil que no serlo, en un tiempo, en el que, paradójicamente, la libertad de la palabra disminuye la importancia de la palabra”.
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La poesía de Sajturis opta por retener las consecuencias en vez de los hechos: la reiteración de muertos, heridas y sacrificios que encontramos en sus poemas dan el paisaje de unos actos que nunca se nombran. Este mundo subterráneo e inconsciente nos llega filtrado por los mecanismos de la literatura popular y reducido a un conjunto de símbolos que recorren sus libros y se van cargando de sentidos potencialmente contradictorios.
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Poesía y naturaleza se dan la mano en este bello libro de acuarelas y versos en donde la espiritualidad y el amor nos invitan a descansar en este jardín.Un jardín es un espacio donde vivir de otra manera. Más allá de la variedad botánica que lo conforma, de su diseño y ubicación, aparece un nuevo mundo donde entrar, un lugar lleno de olores, colores, raíces y ramas, musgos y rocas para nuestro propio disfrute. Espacios mansos y tranquilos donde encontrarnos con lo que verdaderamente somos, en un viaje a lo más íntimo de nosotros mismos.Este libro está lleno de estas incursiones viajeras dentro de un jardín cerrado que se constituye como el refugio de la poeta mediante un diálogo amoroso de naturaleza contemplativa con las plantas que cultiva, con cuyo crecimiento se sorprende y disfruta, se conmueve y avanza en cada espiral, en el movimiento de cada hoja, en el tierno matiz de las yemas, en lo efímero y perfumado de cada flor.María Ángeles Álvarez conversa con el jardín que a sus pies se abre cada día y que aparece reflejado también en las acuarelas que enriquecen la lectura de este poemario, sumando las imágenes a los versos.Palabras poéticas de naturaleza mística llenas de energía y verdad, como las plantas que crecen libres y radiantes. Palabras que trascienden lo contemplado llevando el lenguaje a un silencio de naturaleza espiritual, en una expresión lírica contenida y esencial.Además este libro viene acompañado por un audiolibro con el que podemos oír a la autora recitar sus propios versos, entrando con ella en el jardín, en el invernadero... Momentos de sosiego, naturaleza y poesía.
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'Este libro de Danilo es una constante conversación, un diálogo permanente con el lector o lectora, un diálogo que nos va mostrando otras vidas: la de sus abuelos, sus hijas, recuerdos que no terminan, que se enlazan el uno con el otro, para ofrecernos esa biografía sentimental, poética, que comenzó buscando en un armario cosas olvidadas, que hacen surgir este libro-poema-cartas. Cosas que se encuentran, fotos que desencadenan un mar de historias, un mar de vidas.'' DR. HORACIO PEÑA
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Morales Lomas, creador de Caníbal Teatro, es uno de los dramaturgos con más proyección en este siglo XXI. Su dramaturgia, que sigue la estela de grandes maestros como Plauto, Lope de Rueda, Valle-Inclán, Arrabal, Beckett, Ionesco, Adamov, Fo, Pinter…, persigue renovar esta visión en el siglo XXI. En el estudio inicial, el dramaturgo Rafael Ruiz Pleguezuelos considera que el legado de Morales Lomas, por su calidad, cantidad y ambición, es un conjunto admirable, una suerte de comédie humaine teatral enraizada en el absurdo y lo grotesco. Su gran tema es el respeto a la libertad individual. Prácticamente todas las piezas aquí contenidas denuncian a su manera las consecuencias de cuestionar, coartar y reducir la libertad del individuo, sin importar quién lo haga. Su teatro es un acto de resistencia frente a cualquier forma de opresión que restrinja la libertad individual.
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El dominio de la tiranía tecnológica surge en ''Antes de que Google nos alcance'' como un apocalipsis aséptico y aparentemente mecánico, indoloro, contra la memoria compartida de varias generaciones que aceptan impasibles el borrado de sus experiencias a modo de derrota vivencial. Julián Quirós especula con el choque de dos cosmovisiones contrapuestas, anterior y posterior a la explosión digital. Aquel mundo vivido y aprendido que todavía podemos recordar sin caer en la esteril nostalgia, un mundo analógico a la deriva que se marcha de manera acelerada, frente al inminente imperio técnico que dicta nuevos códigos y principios colectivos e individuales.
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Es una la muerte y a la vez es siempre otra, siempre nueva y distinta. En Dios en la ría hay dos muertes, una demoledora, inasumible desorden de lo existente, a la que sigue un duelo inarticulado, sin lenguaje, y otra sorprendentemente unificadora, como la llamada del amor. Solo la intuición poética permite atisbar lo que no se ve de frente, solo a través de la poesía puede expresarse lo inefable. Dios en la ría pone en palabras una lucha terrible, pero también emocionante y bella, por la armonía: por la vida.
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¿Cómo nos relacionamos con la idea de progreso, de crecimiento, de autorrealización? Podría decirse que buena parte de las disputas, ilusiones, inquietudes y vacilaciones, que agujerean a los personajes de estascinco ficciones de Lucía Carballal, oscilan, cada cual a su manera, entre el imperativo de prosperar ?ya sea en el ámbito personal, social o profesional? y eldeseo, a veces la frustración, de quedarse atrás, fuera de este presente siempre tan veloz, en continuo movimiento. «Late algo prodigioso en la semilla de estas obras, en el reto que Lucía Carballal nos proponey que aceptamos: el realismo se toma como punto de partida, pero siempre ocurre algo sorprendente ?muchasveces casi inverosímil, otras tan solo inesperado? que lo quiebra. Aquí la verosimilitud no se derrumba, el pacto con quien mira ?y escucha, y lee? se mantiene, y esta confianza ?estos cimientos fortísimos? se debe a los personajes: tienen tanta piel que no te queda otra que creerles, confiar en la manera en la que tropiezan, tenderles la mano para que se incorporen [...]. Y en estas piezas todo resulta trascendente, todo importa, en varios sentidos: nada se deja al azar,cualquier detalle se ajusta en armonía ?incluso de texto en texto: qué reveladora la lectura página a página, el paseo de una historia a otra, misma ciudad demuchos personajes?». Elena Medel
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Cristina Peri Rossi (Montevideo, 1941), Premio Cervantes 2021, se ha convertido en una poeta imprescindible para cualquier lector de poesía. Tras haber reunido en 2021 su obra poética en un volumen que parecía ya definitivo, la autora sorprende ahora con La ronda de la vida, un libro que confirma que su poesía está más viva que nunca. Si en Inmovilidad de los barcos (1997) Peri Rossi había escrito: «Líbranos, Señor, / de encontrarnos, / años después, / con nuestros grandes amores», en este libro la vida se revela como un juego de azar que desoye sus oraciones y vuelve posibles los reencuentros con el pasado, «Me hubiera quedado con el dulce y doloroso recuerdo», escribe ahora la poeta, con la gracia que la caracteriza. Pero Cristina Peri Rossi es, ante todo, una romántica -como ella misma se define- y por eso, frente al dolor, la vejez, la soledad, y la melancolía que se conjuga como un verbo, frente a las injusticias del mundo y las leyes irrefutables de la vida, ella reivindica el amor -como fusión de cuerpos y también como recuerdo y como fantasía- y el sentido del humor. Y mantiene, siempre fiel a sí misma y a su estilo, su ironía dulce y compasiva, su mirada aguda de niña todavía capaz de encontrar belleza en una orquídea o en los ojos de un perro, y su firme devoción por la palabra y por una lengua a la que se siente pegada «como el feto a la madre».
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Giordano Bruno publica las primeras obras que han llegado hasta nosotros en París en 1582. Se trata de los tratados mnemotécnicos latinos De umbris idearum (dedicada al rey Enrique III, que le nombrará ''lecteur royal'') y Cantus circaeus, de la presentación de la combinatoria luliana en De compendiosa architectura et complemento artis Lullii y de una comedia Candelaio / Candelero. Candelero no es solo la culminación de la comedia italiana del Renacimiento, siguiendo la senda de Maquiavelo (La Mandrágora) y el Aretino, en una triple trama ambientada en la Nápoles contemporánea, sino que es una amarga crítica de la corrupción de la sociedad europea, presentada como una jungla en la que nada es lo que parece, en la que la ostentación de sabiduría esconde necedad y locura, donde la justicia está ausente y a lo sumo es ejercida por una turba de ladrones y pícaros disfradados de agentes de la justicia para conseguir desplumar a los necios. Con ello Candelero constituye una obertura teatral de los diálogos filosóficos que, poco después y en un escenario en buena medida teatral, presentarán la reforma moral, política y religiosa de la sociedad europea a partir de la recuperación de la verdadera imagen del universo y de su relación con la divinidad.
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Para encontrar la paz es necesario despojarse de todas las capas que a menudo nos visten. Capas adquiridas en el contexto social en el que nos desenvolvemos. El miedo, la neurosis, la ansiedad, la depresión son parte de nuestro día a día en un mundo cada vez más individualista y en el que buscamos la aceptación a través de la imagen. Giuliana cuenta su universo interior, su relación con este mundo, desde sus ojos. Pero en ella habita ahora una multitud de voces. Quizá su locura no es más que la asunción de esa identidad múltiple o quizá resida en la extrañeza que provoca en el otro haber nacido con piel de esparto.
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El tiempo es una babosa que agujerea todo lo verde, lo brillante. Como un animal pequeño, Carol Milkewitz se acerca a los recuerdos de manera casi imperceptible y los captura en este poemario. A través de los agujeros del paso del tiempo, observa la casa de la infancia -cuando todas las flores del jardín estaban vivas-, la adolescencia con amigas que se enamoran de chicos pecosos y la transición a una adultez en la que las telarañas crecieron. Este viaje poético explora la identidad, la belleza, la nostalgia, la transformación y la aceptación.
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''Nací en Oviedo en 1925. El escenario y el tiempo que corresponden a mi vida me hicieron testigo -antes que actor- de innumerables acontecimientos violentos: revolución, guerra civil, dictaduras. Sin salir de la infancia, en muy pocos años, me convertí, de súbdito de un rey, en ciudadano de una república y, finalmente, en objeto de una tiranía. Regreso, casi viejo, a los orígenes, súbdito de nuevo de la misma Corona. Zarandeado así por el destino, que urdió su trama sin contar nunca con mi voluntad, me resigné a estudiar la carrera de Leyes, que no me interesaba en absoluto, pero que tampoco contradecía la costumbre, casi norma de obligado cumplimiento (''todo español es licenciado en Derecho mientras no se demuestre lo contrario''), a la que se sometían en su mayor parte los jóvenes de mi edad y de mi clase social -clase media, transformada en mi caso, como consecuencia de la guerra civil, en muy mediocre. Larga y prematuramente adiestrado en el ejercicio de la paciencia y en la cuidadosa restauración de ilusiones sistemáticamente pisoteadas, me acostumbré muy pronto a quejarme en voz baja, a maldecir para mis adentros, y a hablar ambiguamente, poco y siempre de otras cosas, es decir, al uso de la ironía, de la metáfora, de la metonimia y de la reticencia. Si acabé escribiendo poesía fue, antes que por otras razones, para aprovechar las modestas habilidades adquiridas por el mero acto de vivir. Pero yo hubiese preferido ser músico -cantautor de boleros sentimentales- o tal vez pintor. Fui, en cambio, funcionario público. En 1970 vine por vez primera a América -México y EE. UU.-, y empecé a quedarme por ese continente a partir de 1972 (profesor visitante en las universidades de New Mexico, Utah, Maryland y Texas).'' ÁNGEL GONZÁLEZ.
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¿Qué jardines felices, bien regados sus árboles, qué cálices de flores de tierno deshojarse maduran las extrañas, las exquisitas frutas del consuelo, las pródigas, halladas en el pasto de tu propia indigencia? Año tras año, te admira su sazón, la piel suave, su justa medida, que por ti ha esquivado a las aves volubles o, en el fondo, al celoso gusano. ¿Entonces es que hay árboles rondados por los [ángeles, cultivo de morosos y extraños jardineros? ¿Entonces nos dan fruto y no nos pertenecen? Nuestro obrar prematuro y al poco nuevamente marchito, nuestro ser, que es un bosquejo, ¿perturbó alguna vez sus intactos veranos? «XVII», de Rainer María Rilke Rilke no es propiedad del erudito. Es esperanza. ¿De cuántos poetas puede decirse que nos han sanado? ¿Y por qué eso no tiene más eco? ¿Por qué no somos más conscientes de que sí hay ciertas respuestas que el espíritu humano ha desperdigado aquí y allá? Las necesitamos. Por eso es importante esta obra. Quien tenga miedo a su propio declive, quien haya perdido a un padre o a un hijo, se haya distanciado de la persona a la que ama o, simplemente, ande corto de optimismo quizás encuentre aquí algún albergue.
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Sensual. Explosiva. Una novela dirty office.Emerie llega a Nueva York para comenzar su nuevo trabajo como terapeuta familiar. Ha alquilado para su consulta una gran oficina compartida en una ubicación fantástica y asequible, dos cosas difíciles de encontrar cuando se vive en Nueva York. Hasta que se percata que ha sido estafada y le han robado 10.000 dólares. Drew, el dueño de la oficina, se apiada de ella y acepta que se quede si a cambio le ayuda también a él trabajando como su recepcionista. La oficina puede ser grande, pero no lo suficiente como para contener la tensión sexual que hay entre los dos.Mientras Emerie y Drew luchan por controlar sus impulsos, Drew por su parte tiene sus propios problemas, lidiando con la posibilidad de que su hijo pequeño, que tuvo con su ex, no sea suyo.
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47è Premi Vila de Martorell - Premis Categoria Oberta de PoesiaNingú és un llibre de poemes relacionat amb la noció d'identitat, tan necessària, perquè a tothom ens cal alguna cosa que ens identifiqui, i tan difícil alhora. «L'oblit de ser m'ha dut a ser ningú», es pot llegir en un vers. En l'obra apareixen una multiplicitat de veus que aborden els temes habituals de la poesia lírica: el pas del temps, les relacions amoroses, el sentit de l'escriptura, la percepció de la plenitud o l'estímul de la contemplació artística.
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El relato que da título a este libro, El reino de la nada, cuenta con crudeza y brillantez la peripecia que sufren los internos de un manicomio abandonado al iniciarse la Guerra Civil. Más allá de su carácter metafórico o de la vuelta de tuerca que implica fabular sobre los límites de la locura, Emilio Gavilanes persigue con esta historia -y con las otras doce narraciones del volumen- mostrarnos el misterio de la existencia y de las eternas inquietudes humanas, como el amor, la memoria y el paso del tiempo.
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