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Llibres de teatre
A Abacus disposem de la millor selecció de llibres de teatre, aquest gènere oblidat i ignorat pel públic, però que constitueix en si mateix una important font de riquesa literària. Descobreix les obres de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca i molts més.
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Cinc companys d'institut es reuneixen per complir la promesa que es van fer, vint anys enrere, durant el viatge de fi de curs a Londres. Queden per sopar per saber com els ha anat la vida, i les tensions i les històries inacabades del passat reapareixen, ja que estan tan preocupats per aparençar una vida ideal com per amagar la real. Però la veritat sura i els posa a tots en evidència i en conflicte. Una comèdia amarga en què, entre intriga i sorpreses diverses, trobem una bona dosi de crítica.
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Una noche que será muchas noches a la vez. La noche promete ser inolvidable. El mejor amigo del novio de Guillem ha dedicado meses a la creación de un vestido espectacular con el que aspira a ganar el premio del público en el Sarao Drag de Futuroa. Lo que Guillem no se espera es que ese mismo vestido le provoque una reacción alérgica severa y le sumerja en un viaje iniciático marcado por alucinaciones intensas. A medida que la celebración avanza, el malestar del protagonista aumenta y varias figuras -tanto reales como imaginarias- se hacen presentes, empujándole a reflexionar sobre sus relaciones con el amor, la amistad y la identidad sexual.
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TEATRO INCLUSIVO Teatro Brut es un más que interesante recorrido por los aspectos éticos, filosóficos, artísticos, neurológicos, sicológicos, educativos y de intervención del teatro insclusivo con personas con discapacidad intelectual.
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¿Qué es la patria? ¿Quiénes son los míos? ¿Cuáles son nuestras razones? ¿Por qué valen más que las de los otros? ¿Quién se beneficia de ese negocio? ¿Tengo el derecho de matar a alguien por defender un trozo de tela polvorienta cosida a un mástil? ¿Se puede volver después de atravesar esa línea? ¿Se puede volver? Esta obra de teatro cuestiona todas las narrativas identitarias que inflaman las pasiones hasta el delirio.
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Hay una vena misógina antiquísima, milenaria, que se pierde en la noche de los tiempos. Pero Lope se desmarca de ella. Porque las mujeres no fueron para Lope solo un radiante objeto de deseo, sino que virtudes que otros atribuían exclusivamente a los varo
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PREMI DE TEATRE CIUTAT D'ALCOI Un turista japonès que visita Barcelona per allunyar-se de la soledat, unadona embarassada que no estima el pare del seu fill,un publicista trepa, una publicista enganyada, un nen que se sent sol i ignorat... Aquests personatges coincidiran en l'espai i el temps del centre de la ciutat, en un món globalitzat on totes les grans urbs comencen a perdre els trets que les identifiquen. El queno saben és que aquesta trobada canviarà les seves vides per sempre.
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ÑAQUE Editora vuelve a apostar por recopilar piezas breves para niños y no tan niños. En la aventura de editar texto, se hacen muy necesarios textos de este cariz que no solo aportan ideas ya concluidas, sino propuestas para que aquellos que dinamizan con el teatro las aulas y compañías infantiles y juveniles, vean la posibilidad de ser ellos mismos los que aporten ideas y textos al escenario. TEATRILLO PILLO va en esta línea, con una recopilación de pequeñas obras de teatro, dirigidas a los más peques de la casa. 25 dramatizaciones que parten de cuentos tradicionales, de temáticas tradicionales o de otro tipo de propuestas como el otoño, la Navidad o la paz. En el prólogo, Remepalma afirma: Si buscas textos cortos, sencillos y divertidos para trabajar con niños y niñas, este es su rincón. La apuesta es segura porque todas y cada una de las obras de teatro han sido escenificada en diferentes centros educativos e instituciones. YOLANDA FUENTES es la pedagoga que aporta su visión de la escena y su capacidad de gestionar grupos de niños para llevar a escena ideas que surgen del imaginario común. De nuevo Remepalma nos avisa: Yolanda Fuentes tiene el don de organizar pequeños o grandes grupos de niños y niñas para que la interpretación sea un juego divertido y un disfrute para los espectadores. Cada teatrillo puede ponerse en escena con muy pocos o muchos participantes.
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¿Y esta botella de vino? Me la han regalado, pero la guardo para una ocasión especial, ¿Y esos pantalones? Para estrenarlos en mi cumpleaños, ¿Y si nos vamos al teatro? No, mejor déjalo para el próximo mes… Posponer, posponer, posponer, ¡la vida es ya! ¿A qué esperas para celebrarla?, se preguntan los personajes de Farra, ¿a la primavera? ¿A que regrese tu primo de Hong Kong? Vale, está bien, hay que vivir, pero ¿qué celebramos? Pues… nada y… todo. En Farra María Díaz, Lucas Escobedo y Raquel Molano nos trasladan al Madrid del Siglo de Oro, al de Miguel de Cervantes, Francisco de Quevedo, María de Zayas, Tirso de Molina y compañía.Es carnaval, no hay tiempo que perder. A lo mejor viene algún influencer de la época a ver este espectáculo de música, teatro, humor, danza y circo, o quizá un alto dignatario o un político con ganas de olvidar, pues eso, la política. Luchas de espadas, versos y chistes, risas y malabares, todo tiene cabida en ese mundo que siempre nos han contado como algo lejano y aburrido en el colegio, pero que en manos de esta troupe de artistas se experimenta como un canto a la vida. Un periodo dulce de las artes y las letras españolas como nunca te lo había contado, o mejor dicho cantado o quizá declamado, bueno, es igual, apaga tu móvil y disfruta de la obra, y recuerda, no esperes a una ocasión especial: la vida es ya.
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El pare s'ha mort. Això és el que ha sentit en Jacob quan ha despenjat el telèfon, tot i que dos minuts més tard se n'ha oblidat per complet. Ni tan sols ho ha comunicat a la seva germana Ruth, amb qui conviu temporalment. Aquest és el principi del llarg dia i mig que passa des de la mort del pare fins al seu enterrament. Són unes hores intenses per a cadascun dels personatges, que mostren les veritats més humanes que sovint ens entossudim a amagar en un text guardonat amb el Premi de la Crítica de Barcelona 2014 i el Premi Crítica Serra d'Or 2015.
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És la mort el final de tot, o més aviat el començament? Tractada ambhumor i tendresa, però també dramàticament, la mort és protagonista deLa visita, juntament amb una parella de vells que assisteixen a latragèdia inevitable de qualsevol vida. Tot el dolor del món i alhoratota la rebel·lia es condensen en aquest text que ens ofereix un retratple de sarcasme i humanitat del pas del temps i del castell de cartes onnaufraguen totes les vanitats.
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Max Estrella, un anciano poeta ciego, recorre las calles de un Madrid decadente acompañado por su fiel amigo don Latino de Hispalis. Max se enfrentará a la dureza de la vida en una ciudad donde abunda la miseria. En su camino, mantendrá conversaciones que revelarán las injusticias y contradicciones de la sociedad de principios del siglo XX.Una obra cumbre de la literatura española que inaugura el género del «esperpento», caracterizado por una representación deformada y grotesca de la realidad. Esta edición escolar, con análisis del profesor Jesús Peris Llorca, invita a los estudiantes a explorar el estilo único de Valle-Inclán y a comprender su incisiva crítica social.
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Si la ploma només s hagués de mullar en el goig de l esperit, escriure qualsevol cosa seria un passatemps deliciós. Copiar només les alegries del món, veure el natural sempre bonic, no sentir cap altra cosa que no fos la llum durant la vida i, tot descrivint la bellesa, fer passar una bona estona a qui ho llegís, tot plegat fora una missió benaurada.¿A qui va dirigit el llibre ALEGRIA QUE PASSA, L'?S'adreça a un públic ampli interessat en la literatura catalana modernista i el teatre. És especialment adequat per a estudiants de batxillerat, doncs existeixen edicions amb notes i activitats pedagògiques dissenyades per a aquest nivell educatiu. També resultarà atractiu per a lectors interessats en l'obra de Santiago Rusiñol i en el context històric i social del modernisme català. Finalment, aquells que aprecien el teatre simbolista i decadent trobaran en aquesta obra una peça representativa del gènere.Temes que tracta el llibre Alegria que passa, l'L'alegria que passa explora diversos temes centrals del modernisme, entre ells:El conflicte entre l'artista i la societat: L'obra presenta una confrontació entre la visió idealista i lliure de l'artista i la rigidesa i convencionalisme de la societat burgesa. Es mostra com l'artista, amb la seva sensibilitat i recerca de la bellesa, xoca amb les normes i expectatives socials.La recerca de la llibertat individual: El personatge de Joanet, fill de l'alcalde, representa l'anhel d'una vida lliure d'atadures i convencionalismes socials. El seu desig d'escapar de la vida rutinària del poble simbolitza la recerca de l'autenticitat i l'expressió individual.La fugacitat de l'alegria i la melancolia: El títol mateix, "L'alegria que passa," suggereix la naturalesa efímera de la felicitat i la presència constant de la melancolia. Aquesta temàtica es reflecteix en l'atmosfera poètica i nostàlgica de l'obra.El món del circ com a metàfora: L'arribada del circ al poble representa un element disruptiu que introdueix la fantasia i la llibertat en la monotonia de la vida quotidiana. El circ es converteix en una metàfora del món artístic i la seva capacitat per a transcendir la realitat.El paisatge i l'entorn físic: L'entorn físic, amb les seves descripcions detallades, juga un paper important en la creació de l'atmosfera i l'ambient de l'obra. El paisatge es converteix en un reflex de l'estat emocional dels personatges.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre ALEGRIA QUE PASSA, L’Encara no es disposa d'un resum de crítiques, opinions i valoracions específiques per a aquesta edició concreta de L'alegria que passa. No obstant això, se sap que l'obra ha estat adaptada al cinema i ha tingut diverses posades en escena al llarg de la història, incloent-hi una versió modernitzada recent. Aquestes adaptacions i representacions teatrals suggereixen un interès continu en l'obra i la seva capacitat per a connectar amb el públic a través del temps.
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Dos obras de Shakespeare que fueron largamente mal leídas e injustamente relegadas a un segundo plano. Reunimos en un estuche dos de las mejores tragicomedias de William Shakespeare, mezcla originalísima de elementos cómicos, trágicos, románticos y líricos, que anticipa la suprema madurez de sus obras posteriores.El mercader de Venecia: Para cortejar a la rica y bella Porcia, Bassanio pide tres mil ducados a su amigo Antonio, el mercader de Venecia. Pero Antonio no tendrá dinero en efectivo hasta que sus barcos regresen de la mar, y para ayudar a su amigo se ve obligado a pedirle un préstamo a Shylock, un usurero judío famoso por sus altas tasas de interés. Shylock le deja el dinero con una condición: si Antonio no paga el préstamo en la fecha acordada, tendrá derecho a una libra de su carne.Antonio y Cleopatra: Tras el asesinato de Julio César y la batalla de Filipos, Marco Antonio, César Octavio y Lépido se reparten el dominio del mundo conocido. Sin embargo, Antonio queda cautivado por Cleopatra, reina de Egipto, y descuida sus responsabilidades políticas para pasar tiempo con ella en Alejandría. El consiguiente escándalo llega a ser un tema de murmuración en Roma, y causa una ruptura entre Antonio y el joven César Octavio. Con la muerte de la esposa de Antonio y el desafío de Pompeyo al poder del triunvirato, los hechos se precipitan: Antonio se ve obligado a regresar a Roma para retomar sus deberes y, para consolidar la alianza con César, se casa con su hermana Octavia. El enlace despierta un furibundo ataque de celos en Cleopatra.
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Us hem dit que sou febles, insegurs, apàtics. Us hem dit que res no us importa i que sou fràgils, que les generacions anteriors som millors. Molt millors.Una visita extraescolar a un museu acaba amb el llançament d'una beguda a un quadre. Alguns adolescents hi estan implicats. Potser ha estat un accident. Potser no. El quadre és el de Sant Jordi matant el drac. També apareix una princesa, però això no és tan important.Princeses, cavallers i dracs denuncia el tracte que es fa dels joves i de la suposada generació de vidre i posa el focus en la responsabilitat de les famílies en l'educació emocional dels adolescents.L'obra ha estat escrita per Guadalupe Sáez, escriptora teatral i guionista, i Jerónimo Cornelles, que compagina el seu treball com a autor juntament amb la direcció d'escena i la interpretació.
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Doña Rosita la soltera o El lenguaje de las flores va recorriendo la vida de su protagonista, desde su juventud hasta la madurez, a la espera del cumplimiento de un amor que nunca llega a materializarse. A lo largo de sus actos, García Lorca despliega un lenguaje y una sensibilidad tan íntimos como bien perfilados, en los que todo parece colmarse de una poesía discreta que, sin embargo, está dotada de una arrolladora fuerza de expresión.
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Fuente Ovejuna se cuenta entre las comedias más apasionantes de Lope de Vega. En ella el autor reivindica la fuerza y el sentido de justicia que subyacen a la colectividad, representando a través de las acciones de un pueblo que se rebela contra una autoridad local los valores humanos de la dignidad, el coraje y el apoyo mutuo. Su importancia literaria y social han sido enormes, tanto que incluso han dejado huella en nuestro refranero, como lo prueba el hecho de que la expresión ''Todos a una, como en Fuente Ovejuna'' todavía se utilice para reivindicar la unidad en la lucha contra la injusticia y por el bien común.
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Texto dramático que puede leerse como prosa o prosa que puede llevarse al teatro, Diálogo se estrenó en el Burgtheater de Viena en 2022. Imaginemos a dos actores, como Bruno Ganz y Otto Sanders, a quienes está dedicado el libro, ambos ángeles en la célebre película El Cielo sobre Berlín, dos hombres ya mayores, amigos, cómplices, dialogando sobre la fuerza y la actualidad del teatro, sobre el hecho de envejecer, sobre los recuerdos y las vivencias que dejan una huella indeleble en la memoria...Texto rítmico, en la línea del último Handke, que rehúye las lecturas cómodas y uniformes, larga conversación, construida con una riqueza textual prodigiosa, que se abre paso mediante imágenes reveladoras, relatos del pasado y referencias a la propia obra, a la cultura popular y a la alta cultura. Y también, entre juegos de palabras y evocaciones evanescentes, hay espacio en Diálogo para la reflexión histórica y política, a propósito del relato espurio con que trató de nublarse la adhesión al Tercer Reich de los abuelos.
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Este segundo volumen reúne ocho de las últimas obras de Josep Maria Miró, que indagan en nuevos retos como el gran formato, la autoficción o su primer texto para un único intérprete. Con ellas cosecha destacados reconocimientos como el Premio Nacional de literatura dramática. «La travesía» cuenta la historia de la hermana Cecília, quien abandona el proyecto humanitario en una zona de conflicto bélico después de que una niña brutalmente agredida fallece en sus brazos. En «Cúbito», dos hijos regresan a casa y encuentran instalado como ayudante de su madre a un conocido joven de su edad, los hermanos viven con recelo y perplejidad la presencia de este intruso. En «Olvidémonos de ser turistas», las vacaciones de una pareja barcelonesa les confrontará con el episodio más doloroso de sus vidas. «Tiempo salvaje» transcurre en una pequeña población que verá amenazada su tranquilidad cuando aparecen varias pintadas con el mensaje «Volveremos para violar a vuestras mujeres». En «El cuerpo más bonito que se habrá encontrado nunca en este lugar», el hallazgo del cadáver de un joven de diecisiete años nos permitirá conocer a algunos habitantes de ese lugar y un oscuro pasado lleno de secretos. En «La habitación blanca», Carles, Laura y Manel se reencuentran con la maestra que les enseñó a leer y escribir cuando eran niños, este encuentro resultará inquietante y trastornador para cada uno de ellos. «Restos del fulgor nocturno» es una autoficción donde el autor escribe una nueva obra a partir de «Lo fingido verdadero» de Lope de Vega y dialoga con conceptos como ficción, representación, familia, disidencia e ideología. Finalmente, en «El Monstruo», Santi y Berta se reencuentran con alguien que desapareció hace casi dos décadas tras protagonizar uno de los episodios más oscuros y turbios ocurridos en el pueblo donde viven.
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Coriolano condensa de un modo extraordinario las características del Shakespeare universal.Coriolano, una de las obras más políticas de William Shakespeare, ha sugerido en el mundo contemporáneo interpretaciones antagónicas. Sin embargo, no es un teatro de ideas, sino de personajes y «caracteres». Es, quizá, la última tragedia de su autor y, como tal, refleja los rasgos más característicos del Shakespeare maduro y universal, al tiempo que manifiesta una singularidad en el plano estético e intelectual que la convierten en su obra más inquietante: T. S. Eliot la consideró, junto a Antonio y Cleopatra, su mejor logro artístico. Frente a la espiritualidad de Hamlet o Macbeth, Coriolano es una obra de acción que insiste en lo material, en lo más elemental de la historia: la lucha por la supervivencia o, incluso, la mera subsistencia. Ángel-Luis Pujante, uno de los mayores conocedores en España de la obra de Shakespeare, consigue mantener en su traducción el estilo austero y el lenguaje lleno de paradojas, antítesis y dilemas de Coriolano, mientras que analiza en la Introducción el carácter de esa singular tragedia.
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En una de las obras más conocidas de Hieronymus Bosch, Mesa de los pecados capitales, se evidencian conoriginalidad los vicios humanos condenados por el cristianismo. Ahora bien, ¿es posible traducir los elementos que componen dicha obra al lenguaje dramático ya la representación escénica? Spregelburd lo consigue a través de la reescritura y actualización de la tabla del pintor flamenco. En este libro se reúnen porprimera vez las siete piezas teatrales que ilustran cada uno de los pecados capitales, pero también se centran en temas que lindan con problemas metafísicos, cuestionamientos morales e indagaciones ontológicas, adornadas de humor y parodia. Así, se nos muestran estampas de nuestra vida cotidiana donde resulta fácil reconocer los deseos y vicios perversos que dominan alhombre contemporáneo. Spregelburd nos muestra, mediante multitud de recursos estilísticos, como voces enoff, diálogos simultáneos, voces de locutores de televisión, etcétera, cómo el individuo de nuestra épocavive inmerso en una angustia y una preocupación permanentes. «La edición completa de la monumental Heptalogía de Hieronymus Bosch es para mí –sin duda– unode los mayores acontecimientos en la dramaturgia y elteatro hispánicos». Jorge Dubatti
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Estem al segle XVIII, apoteosi de la Il·lustració i del Segle de les Llums. El vitriòlic Voltaire creia en les virtuts de la raó, la ciència i l'art com artífex del progrés civilitzatori. L'explosiu Rousseau sostenia que tals factors arruinaven la llibertat i la inocència de l'home, vinculat a les pautes de la natura. Que una conversa sobre l'escenari entre dos filòsofs mantingui durant 1,5 hores enganxats a les seves butaques als espectadors del teatre condueix a una reflexió: no serà que la filosofia no és tan avorrida com es diu?, De veritat que la filosofia és supèrflua i improductiva com molta gent sostè? L'obra Voltaire/Rousseau. La disputa, interpretada per Josep Maria Flotats i Pep Planas, suposa un repte perquè no és habitual veure la filosofia convertida en matèria prima d'una obra teatral i a dos filòsofs como els seus protagonistes.
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Esta pieza teatral, que en 2011 recibió el Premio Nacional de Literatura, fue pensada y publicada con motivo del centenario de la Residencia de Estudiantes en2010 para difundir y compartir con el público una parte esencial de su legado: la labor que desarrollaronentre 1925 y 1936 sus laboratorios científicos, entonces pioneros en algunas especialidades.
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CIRCE MAIA nació en Montevideo (Uruguay) en 1932, donde cursó estudios de filosofía. Es, sin embargo, en la ciudad norteña de Tacuarembó donde ha radicado toda su vida, desempeñándose como docente en preparatoria. Durante los años de dictadura (1973-1985), debido a su destitución del cargo por parte del régimen cívico-militar, se ganó la vida dando clases particulares de idiomas. Ha traducido a varios autores tanto del griego como del inglés, entre los que se cuentan Odisseas Elytis, Konstantin Kavafis, Yannis Ritsos, William Shakespeare, William Carlos Williams y Robin Fulton. Ha recibido varios premios y disticiones, entre los que se destacan el Premio Nacional de Poesía de Uruguay (2007), un Homenaje de la Academia Nacional de Letras, durante el cual fuera designada miembro de la misma, el Premio Bartolomé Hidalgo (2010), y el Gran Premio a la Labor Intelectual, que le fuera otorgado por el Ministerio de Educación y Cultura en 2014.
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Estamos en el siglo XVIII, apoteosis de la Ilustración y Siglo de las Luces. El vitriólico Voltaire creía en las virtudes de la razón, la ciencia y el arte como artífices del progreso civilizatorio y el explosivo Rousseau sostenía que tales factores arruinan la libertad y la inocencia del hombre, que es bueno -¡el buen salvaje!- mientras permanece vinculado a las pautas de la naturaleza. Hélas! Tan antagónicas posiciones encizañaron la amistad de dos polemistas natos y corrosivos que, hacia 1741, habían unido recursos en torno al luminoso y transformador proyecto de la Encyclopédie. Que una conversación sobre el escenario entre dos filósofos mantenga durante 1,5 horas pegados a sus asientos a los espectadores que abarrotan cada noche el teatro María Guerrero de Madrid conduce a una reflexión: ¿no será que la filosofía no es tan aburrida como se dice?, -¿de verdad que la filosofía es superflua e improductiva como mucha gente sostiene? La obra Voltaire/Rousseau. La disputa, interpretada por Josep Maria Flotats y Pere Ponce, supone un reto por cuanto no es habitual ver la filosofía convertida en materia prima de una obra teatral y a dos filósofos como sus protagonistas.
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Sganarelle y Martina forman un matrimonio que acostumbra reñir porque él es un leñador holgazán y presuntuoso. Por eso un día en que dos criados buscan a un médico que alivie a la hija de su patrón de una extraña enfermedad, Martina decide jugarle una broma pesada a su marido y les dice que en el bosque hay un médico con un carácter tan excéntrico que, para que confiese sus conocimientos, se le debe dar una paliza. Los criados siguen sus instrucciones al pie de la letra de tal forma que, cuando Sganarelle niega ser médico, lo tunden a golpes, provocando que él reconozca lo que ellos quieren. Al ser conducido a la casa de la enferma, Sganarelle descubre que la joven Lucinda no ha hecho más que inventar su mal para evitar que la casen con el hombre que ella no quiere, en realidad Lucinda ama a Leandro, un joven que no puede competir con la riqueza del otro pretendiente. Conmovido, Sganarelle promete ayudar a los jóvenes a escapar, pero con tan mala suerte que, cuando se descubre que los enamorados han huído, él es señalado como responsible, y condenado a morir en la horca. Finalmente el problema se resolverá cuando Leandro y Lucinda regresen a pedirle perdón a su padre, y a informar que Leandro acaba de recibir una herencia. La reconciliación es general, incluso Sganarelle perdona a Martina por la broma tan pesada que lo ha puesto al borde de la muerte, pero le advierte que a partir de ahora tendrá que aguantarle sus recién descubiertos talentos como médico.
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Dos obras maestras de uno de los dramaturgos más grandes de la literatura universal.Molière, el mejor comediógrafo francés de todos los tiempos, llevó a escena la crítica de su sociedad en un momento en que Luis XIV pretendía hacer de su corte un espacio de civilidad, el cambio que quería imprimir a su reinado tuvo en el dramaturgo un agente que reprobaba por primera vez desde el escenario costumbres como el poder omnímodo de los padres sobre los hijos, la falta de libertad de las mujeres a la hora de elegir marido o la hipocresía tanto religiosa (El Tartufo) como social (Don Juan). Las preciosas ridículas le ganó el favor de Luis XIV, el rey vio en el comediógrafo una posibilidad para difundir desde el escenario nuevos comportamientos sociales que ayudaran al cambio que pretendía. La comedia ridiculiza el movimiento de las «preciosas», que trataban, desde los salones aristocráticos, de imitar el lenguaje de esos ambientes. El éxito fue tan inmediato y rotundo que hizo de Molière en ese momento un «colaborador» de las intenciones reales. Con Los enredos de Scapín el dramaturgo volvía, tras El Tartufo, Don Juan y El misántropo, a la comedia-farsa, con un criado enredador que heredaba la comicidad de la commedia dell'arte. Sus intrigas logran cumplir los deseos de sus «protegidos», dos jóvenes enamorados que solo quieren salvar su amor, burlando los intereses matrimoniales de los padres.
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T.S. Eliot (1888-1965) sigue siendo reconocido como uno de los grandes poetas del siglo XX. Deslumbró con sus primeros poemarios (Prufrock y otras observaciones, Poemas) y revolucionó la misma noción de poesía con La tierra baldía, bandera de las vanguardias. Como crítico y editor, priorizó la objetividad y la impersonalidad artísticas, contribuyendo a forjar los gustos y percepciones estéticas de su tiempo. A partir de su adhesión al anglocatolicismo y durante las décadas convulsas que desembocaron en la Segunda Guerra Mundial, evolucionó hacia lo que podríamos denominar «mística moderna» (Miércoles de ceniza, Cuatro cuartetos). Hacia el final de su carrera, deseoso de dar una mayor repercusión social a su poesía, la trasladó a los escenarios. Interesado en el teatro desde siempre, Eliot se entregó a su nueva faceta de dramaturgo con humildad, pero con la aspiración de acuñar una poesía dramática genuinamente moderna para un público contemporáneo. Su teatro en verso tuvo un éxito considerable durante las décadas de los treinta y los cuarenta, con obras como La piedra (publicada ahora, en su versión completa, por primera vez en español), Asesinato en la catedral, Reunión familiar o El cóctel. En los cincuenta siguieron dos comedias (El secretario particular y Un político venerable) que confirmaban la apuesta de Eliot por un teatro comercial. La obra dramática de Eliot transita, sin perder la coherencia de una visión del mundo crítica y trascendente, por terrenos tan distintos como la recreación histórica, la evocación del teatro clásico, la comedia de salón y la farsa. Las nuevas traducciones, introducciones y notas de esta edición la reivindican en su singularidad, variedad y capacidad de sorprender. El teatro de Eliot, injustamente olvidado, representa la continuación de la imaginación poética y el compromiso moral de un poeta imprescindible que se volvió «hombre de teatro» en una época de transformaciones fascinantes en las artes escénicas, en un período fronterizo de transición de lo moderno a lo posmoderno.
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De lectura imprescindible, el ''Teatro completo'' demuestra que la revolución de Chéjov sigue aconteciendo en el presente.Poco más de veinte años de escritura le valieron a Chéjov un lugar revolucionario en la historia del teatro occidental. La gaviota, Tío Vania, Las tres hermanas o El jardín de los cerezos, incluidas en este volumen junto al resto de su producción escénica, cambiaron los rumbos del realismo, abrieron las puertas a las principales poéticas del teatro moderno y sentaron las bases tanto de la expresión minimalista como de un realismo no naturalista que propició las mezclas con otras estéticas. Este tomo recupera la excelente traducción y prólogo preparados por la célebre pedagoga teatral Galina Tolmacheva. Se suma una traducción de Platónov, el “Don Juan” de Chéjov, primera pieza escrita por el dramaturgo. De lectura indispensable, el Teatro completo demostrará a los lectores que la revolución de Chéjov sigue aconteciendo en el presente.
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¿Existe una lectura correcta de un texto clásico? Pienso que no, que justamente un clásico es aquel que permite infinitas lecturas, y que es por tanto inagotable. Volvemos a los clásicos porque nos siguen interpelando. Volvemos a Chéjov porque nos habla no tanto de allí (la Rusia prerrevolucionaria) y entonces (finales del siglo xix), como del aquí y el ahora. Cada lectura de un clásico es una nueva prueba, una nueva pregunta que se lanza al texto. Según lo que preguntes, según donde pongas el foco, contesta cosas distintas. Cada lectura que hacemos hoy de un clásico es una conversación con el texto original. Si es así, ¿por qué deberíamos preguntar a un texto solo de una manera? Mi acercamiento es doble. Dos miradas distintas, dos reflejos de mi interés y de mi amor por el Tío Vania original. Ahora pueden leerse aquí los dos acercamientos, las dos miradas sobre el clásico. Dos textos que a veces dialogan y otras se contradicen, que contienen fragmentos repetidos, ecos, que a veces permanecen muy cerca del original, y otras se alejan hasta que casi no queda rastro. Dos caminos entre tantos posibles.
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Viento fuerte se estrena en el Teatro Español el 19 de diciembre de 2024 y estará en cartel hasta el 2 de febrero de 2025. La dirección corre a cargo de José María Esbec. El teatro es la forma de escritura que encumbró a Fosse como autor excepcional. Escribió más de treinta obras a ritmo vertiginoso y saltó a la fama en los escenarios de París y Berlín. Después de su gran obra narrativa ''Septología'' volvió con ''Viento Fuerte'' en 2021 y en 2024, después de recibir el Premio Nobel, se representa en los escenarios su nueva obra Einkvan. El teatro de Jon Fosse se lee como una obra narrativa o su obra narrativa se lee como teatro. Los dos géneros se difuminan en la escritura del nobel. En este primer tomo de su obra teatral en español, Cristina Gómez Baggethun ha hecho una selección bajo supervisión del propio autor. En ''Soy el viento'', el Uno y el Otro están en una barca, en la inmensidad del mar. En el puente, los personajes comparten un aguardiente, beben en silencio y se preguntan sobre el sentido de la vida que navega sin rumbo fijo. ''Viento Fuerte'' gira alrededor de un extraño triángulo amoroso. El tiempo y el espacio se desintegran. En un apartamento del decimocuarto piso, el viento sopla y la ventana cae lentamente al vacío. Un poema sobre el amor y la soledad. ''Viento fuerte'' nos lleva a presencias más allá de la realidad. En ''Invierno'', una mujer y un hombre se encuentran de vez en cuando en una ciudad a donde el hombre llega en un viaje de negocios. Una conexión temporal amenazada por un final abrupto o un trastorno radical. ''Sueño de otoño'' es una historia de amor y un drama familiar. En un momento aparentemente fortuito, un hombre y una mujer se conocen en un cementerio. Se conocieron en una vida pasada y tal vez sentían nostalgia el uno por el otro.
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Giordano Bruno publica las primeras obras que han llegado hasta nosotros en París en 1582. Se trata de los tratados mnemotécnicos latinos De umbris idearum (dedicada al rey Enrique III, que le nombrará ''lecteur royal'') y Cantus circaeus, de la presentación de la combinatoria luliana en De compendiosa architectura et complemento artis Lullii y de una comedia Candelaio / Candelero. Candelero no es solo la culminación de la comedia italiana del Renacimiento, siguiendo la senda de Maquiavelo (La Mandrágora) y el Aretino, en una triple trama ambientada en la Nápoles contemporánea, sino que es una amarga crítica de la corrupción de la sociedad europea, presentada como una jungla en la que nada es lo que parece, en la que la ostentación de sabiduría esconde necedad y locura, donde la justicia está ausente y a lo sumo es ejercida por una turba de ladrones y pícaros disfradados de agentes de la justicia para conseguir desplumar a los necios. Con ello Candelero constituye una obertura teatral de los diálogos filosóficos que, poco después y en un escenario en buena medida teatral, presentarán la reforma moral, política y religiosa de la sociedad europea a partir de la recuperación de la verdadera imagen del universo y de su relación con la divinidad.
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Després de Albertine, també d'Anne Carson, Vaso Roto continua la seva línia en català amb Norma Jeane Baker de Troia.Anne Carson ens entrega no només una paròdia que mostra un sentit ètic i estètic en la seva dimensió més elevada. La guerra de Troia és el pretext per ordir el text, per brodar-lo, abordar-lo des de l'origen de la paraula guerra i els seus derivats: baralla, combat, batalla, llança, mort, violació, crim, abandó, absurditat, deshumanització, qualsevol acte que navegui en contra del que hauria de ser la finalitat última de la nostra existència. No hem sabut escoltar, no hem sabut desxifrar, i encara menys qüestionar-nos.La lucidesa i erudició d'Anne Carson ens porten a navegar cap a un port en el qual no sabem si és la mateixa mort, qui ens espera, o si és una nena violada, o l'infern, o una mare en seva desesperació més ofegada. La paraula que no se sosté en un text tramat des de la seva arrel etimològica no té sentit en la concepció literària d'aquesta autora.Carson ens ha entregat les versions més fresques i actuals de Safo, Catulo Eurípides per presentar-nos en aquest llibre innovador una Helena deTroia, símbol de la pèrdua de sentit, de l'amor. L'autora ens diu que brodem el tapís del món com cecs, sumits en una indiferència lacerant que atropella altres vides sense que ens n'adonem.En nou lliçons d'història amb els seus corresponents ensenyaments, la poeta desenvolupa un pensament per associacions que entrega al lector amb el seu deix habitual d'ironia, i una indignació punyent. Mostra que hem fet de la guerra una manera obtusa d'obtenir la glòria, el que anomenem poder, possessió, taca, sang, ceguesa. Vivim en la foscor i naveguem cap a la riba on es lliura una guerra que no sabem com es va iniciar. En fer-ho, obnubilem l'altra banda del dolor, és a dir, l'altíssima bellesa que abasta tot dolor transcendit.
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Una obra construida alrededor de una figura fascinante y monstruosa seducida por el poder.«Mi reino por un caballo», una de las citas más conocidas de Shakespeare, pertenece a Ricardo III. La obra, escrita probablemente en 1592, cuando el dramaturgo tenía veintiocho años, culmina su primera tetralogía de dramas históricos ingleses, iniciada con las tres partes de su Enrique VI. Su acción se centra en acontecimientos de los doce años del reinado de Eduardo IV y los dos del de Ricardo III, y cierra el ciclo dedicado a la Guerra de las Dos Rosas. Sin embargo, Ricardo III no es una mera continuación de la trilogía precedente. Apoyándose en un argumento muy estructurado, Shakespeare crea en ella su primer personaje memorable: un ser de gran magnetismo diabólico entregado a la conquista criminal del poder que ha llegado a convertirse en mito teatral y literario. Ángel-Luis Pujante, catedrático de Filología Inglesa de la Universidad de Murcia y traductor y estudioso de Shakespeare, nos ofrece en su introducción un estudio completo de los personajes de la obra y nos ayuda a comprender las diferentes fases de la acción.
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En Cyrano, poeta i mosqueter del rei, no s'atreveix a confessar l'amor que sent per la Rosaura. Està convençut que el rebutjarà perquè té el nas molt gros i desproporcionat. No obstant això, en Cyrano decideix ajudar en Cristià, un jove soldat moltbell però a qui li costa parlar, a conquerir el cor de la Rosaura i li dicta paraules d'amor encisadores que captiven l'ànima de la seva estimada.
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Segons part de l'obra Enric VI de William Shakespeare. És una obra històrica que tracta sobre la lluita de l'imperi anglès per mantenir el seu poder militar i polític, sobre els territoris que havia obtingut anteriorment el rei Enric V a França. Aquesta obra representa, amb algun trastorn en l'ordre lineal, els fets ocorreguts en aquest primer regnat d'Enric VI, incloent algunes de les lluites internes entre els Lords anglesos i la conseqüent pèrdua de la meitat dels seus territoris francesos.
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