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Llibres de teatre
A Abacus disposem de la millor selecció de llibres de teatre, aquest gènere oblidat i ignorat pel públic, però que constitueix en si mateix una important font de riquesa literària. Descobreix les obres de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca i molts més.
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Una gata sobre un tejado de zinc es la crónica de una crisis matrimonial en la que asoman represiones homosexuales y abismos alcohólicos, un mordaz retrato de familia. El análisis perfecto de un loro es una breve obra en un acto en la que dos bellezas sureñas en decadencia dialogan y se emborrachan en el bar de un hotel.
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La desaparició de Wendy. Una companyia de teatre està a punt de començar la representació infantil de l'obra Peter Pan, però un problema amb els decorats els obliga a fer un canvi sobtat de repertori i distorsionar una mica l'argument.
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Teresa de Jesús vuelve a la vida quinientos años después de su muerte, pero, a diferencia de Cristo resucitado, descubre que no tiene un cuerpo en el que encarnarse. La razón es que su cadáver fue descuartizado y esparcido por todo el planeta, convertido en múltiples reliquias.Mientras se busca a sí misma, y al tiempo que se da de bruces con la ''ejemplar'' sociedad civil contemporánea, intenta comprender el motivo por el que ha sido devuelta a la vida.
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Casa de muñecas es la obra más representativa de Henrik Ibsen, el fundador del teatro moderno. En ella, el escritor noruego retrata la situación de la mujer en la sociedad del siglo XIX a partir de la vida de Nora Helmer, que no sólo se convirtió en su personaje más emblemático, sino que llegó a ser un ícono cultural de la liberación de la mujer y la igualdad de género.
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Sganarelle y Martina forman un matrimonio que acostumbra reñir porque él es un leñador holgazán y presuntuoso. Por eso un día en que dos criados buscan a un médico que alivie a la hija de su patrón de una extraña enfermedad, Martina decide jugarle una broma pesada a su marido y les dice que en el bosque hay un médico con un carácter tan excéntrico que, para que confiese sus conocimientos, se le debe dar una paliza. Los criados siguen sus instrucciones al pie de la letra de tal forma que, cuando Sganarelle niega ser médico, lo tunden a golpes, provocando que él reconozca lo que ellos quieren. Al ser conducido a la casa de la enferma, Sganarelle descubre que la joven Lucinda no ha hecho más que inventar su mal para evitar que la casen con el hombre que ella no quiere, en realidad Lucinda ama a Leandro, un joven que no puede competir con la riqueza del otro pretendiente. Conmovido, Sganarelle promete ayudar a los jóvenes a escapar, pero con tan mala suerte que, cuando se descubre que los enamorados han huído, él es señalado como responsible, y condenado a morir en la horca. Finalmente el problema se resolverá cuando Leandro y Lucinda regresen a pedirle perdón a su padre, y a informar que Leandro acaba de recibir una herencia. La reconciliación es general, incluso Sganarelle perdona a Martina por la broma tan pesada que lo ha puesto al borde de la muerte, pero le advierte que a partir de ahora tendrá que aguantarle sus recién descubiertos talentos como médico.
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Incitado por su amigo y rival George Bernard Shaw, que lo tenía por un escritor que malgastaba su talento siendo periodista, novelista y ensayista, Chesterton accedió a escribir una obra como dramaturgo: Magia, estrenada en noviembre de 1913 en el Little Theatre de Londres.La obra tuvo muy buena acogida, representándose hasta 165 noches seguidas, antes de estrenarse en Nueva York con idéntico éxito.En una combinación de comedia y drama, de romance, intriga y paradojas, Chesterton aborda en esta obra singular muchos de los temas que le eran predilectos, especialmente la relación entre realidad y racionalidad, entre lo fantástico y la locura.
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Cuenta Tefi de Paz que lo suyo con Remigia Echarren fue un flechazo. Empatizó con ella por ser mujer circense y de Pamplona. Se quedó dentro de ella, como una luciérnaga revoloteando en su corazón. ¿Quién era Remigia? ¿Una mujer funambulista? Una historia tocaba en la puerta y en esas llegó una pandemia mundial. En medio del silencio su nombre resonó de nuevo con más fuerza: ¡Remigia, Remigia, Remigia! ¿Quién anda ahí? Abre, soy yo, La reina del Arga.La reina del Arga es una obra de teatro escrita y dirigida por la actriz y payasa Tefi de Paz. En ella se cuentan las aventuras de 'La Remigia', una funambulista valiente, creativa y sobre todo mujer en un reino de hombres como era la Pamplona de finales del siglo XIX. Se sabe poco de ella. Tefi resquebrajó los cimientos de la memoria local sacó brillo a algunos hallazgos, a gentes que sí oyeron hablar de ella, a sus hazañas, a sus propuestas, a su capítulo final.
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Representada en casi un centenar de teatros en más de veinte países, donde ha cosechado un éxito inaudito, Terror aborda sin tapujos el abrumador problema ético al que se enfrenta el ser humano en situaciones límite, invitándonos a una reflexión profunda sobre el valor y el precio de la libertad. Cada vez que se produce un atentado terrorista en un país occidental, provocando un sentimiento general de pánico y estupor en la sociedad, surge inevitablemente un dilema difícil de resolver: ¿estamos dispuestos a sacrificar nuestra libertad individual en aras de la seguridad colectiva? ¿Cuál es el camino correcto para preservar la democracia? Como oficial de la Fuerza Aérea de Alemania, Lars Koch debe intervenir en una situación de emergencia: un terrorista ha secuestrado un avión de Lufthansa y pretende estrellarlo contra el Allianz Arena de Múnich, donde en ese momento setenta mil espectadores asisten a un partido de fútbol internacional entre las selecciones de Alemania e Inglaterra. Contraviniendo las órdenes de sus superiores, y consciente de la responsabilidad que deberá asumir por su terrible acto, Koch derriba el aparato para impedir la masacre en el estadio, causando la muerte de las ciento sesenta y cuatro personas que viajaban a bordo. Así pues, el juicio al que se somete al infortunado piloto es el núcleo de la primera obra teatral del célebre abogado criminalista alemán Ferdinand von Schirach. Con una trama sencilla pero contundente, el autor de superventas como Crímenes y Culpa nos conmina a tomar partido como miembros del jurado popular que deberá dictar una sentencia de tintes dramáticos y consecuencias inquietantes.La crítica ha dicho...«Terror es teatro en su máxima expresión.»The Sunday Times «Una historia tan compleja que seguirás pensando en ella mucho después de que se falle la suerte del acusado.»The Times «Von Schirach senutre del legado del drama clásico como un foro donde considerar los dilemas humanos más acuciantes.»Financial Times
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Nacido en el seno del teatro, durante una gira por América de la compañía de María Guerrero y Fernando Díaz de Mendoza (1921), Fernando Fernán-Gómez fue educado en Madrid, en el barrio de Chamberí, escenario y microcosmos de la guerra civil española en su obra Las bicicletas son para el verano. Su vocación infantil fue doble: la interpretación y la escritura, pero si públicamente se inclinó por la carrera de actor, nunca dejó de escribir y, desde luego, de leer. A la consagración popular que ya tenía como actor se une el prestigio de un gran escritor, miembro de la Real Academia Española. Los primeros poemas y narraciones breves dieron después paso al teatro: su drama La cortada tuvo un accésit en el premio Lope de Vega, que luego ganaría con Las bicicletas son para el verano (1984), considerada como su obra maestra. Nuestra edición, precedida de una Introducción de Eduardo Haro Tecglen, en donde estudia la producción y la vida de Fernando Fernán-Gómez, se completa con una Guía y propuestas de lectura de la obra, una de las más importantes de la literatura dramática española.¿A qui va dirigit el llibre Las bicicletas son para el verano?S'adreça a un públic ampli interessat en la literatura espanyola contemporània, especialment a aquells que aprecien obres teatrals que reflecteixen la realitat social i les vivències humanes en contextos històrics complexos. L'obra és accessible per a lectors amb diferents nivells de coneixement sobre la Guerra Civil Espanyola, encara que pot resultar especialment atractiva per a qui busquen una perspectiva íntima i humana d'aquest conflicte. El seu estil, malgrat tractar un tema seriós, és amena i fàcil de llegir, la qual cosa el converteix en una opció atractiva per a un públic ampli, incloent-hi estudiants de literatura i aquells interessats en la història d'Espanya.Temes que tracta el llibre Las bicicletas son para el veranoLas bicicletas son para el verano explora diversos temes interconnectats que es desenvolupen al llarg de la trama, principalment centrada en una família madrilenya durant la Guerra Civil Espanyola. Alguns dels temes més rellevants són:La Guerra Civil Espanyola: L'obra utilitza l'experiència d'una família de classe mitjana com a microcosmos per mostrar l'impacte de la guerra en la vida quotidiana. Es descriu l'esclat del conflicte, les seves conseqüències immediates i la llarga postguerra, incloent-hi l'escassetat, la fam i la incertesa. No es centra en l'estratègia militar, sinó en les conseqüències humanes del conflicte.Les relacions familiars: L'obra aprofundeix en les relacions entre els membres de la família, mostrant com la guerra afecta les seves dinàmiques, els seus afectes i els seus projectes de vida. S'observa l'evolució d'aquestes relacions al llarg del temps i la forma en què s'adapten a les circumstàncies canviants.La vida quotidiana en temps de guerra: Es descriu amb detall la vida diària de la família i els seus veïns, incloent-hi les seves preocupacions, les seves esperances i els seus temors. Es mostra com la guerra altera les rutines, les costums i les relacions socials.La fam i l'escassetat: La falta d'aliments i recursos bàsics és un tema recurrent, que reflecteix la dura realitat de la postguerra. Es descriu l'impacte de l'escassetat en la vida de la família i en la comunitat.Les relacions socials: L'obra explora les relacions entre els personatges i els seus veïns, mostrant la solidaritat i l'ajuda mútua, però també les tensions i els conflictes que sorgeixen en un context de crisi.La pèrdua i el dol: La mort d'un personatge proper a la família és un esdeveniment significatiu que marca un abans i un després en la història, mostrant el procés de dol i l'adaptació a la pèrdua.L'esperança i la incertesa: Malgrat la duresa de les circumstàncies, l'obra també reflecteix l'esperança i la capacitat de resiliència dels personatges, que busquen adaptar-se a les circumstàncies i mantenir l'esperança en un futur millor.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre Las bicicletas son para el veranoLes crítiques i opinions sobre Las bicicletas son para el verano destaquen la seva capacitat per retratar amb sensibilitat i realisme l'experiència de la Guerra Civil Espanyola des d'una perspectiva humana i íntima. S'elogia la mestria de Fernán Gómez per crear personatges memorables i diàlegs que reflecteixen la complexitat de les relacions humanes en un context de crisi. Molts consideren l'obra com una representació excepcional de la vida quotidiana en temps de guerra, destacant la seva capacitat per transmetre emocions i generar empatia amb els personatges. Es menciona l'amenitat de la lectura malgrat la seriositat del tema, i el seu valor com a document històric i literari. Alguns crítics destaquen l'obra com una de les millors peces del teatre espanyol contemporani.
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La dictadora es la obra del intraexilio, que describe la vecindad consuetudinaria entre las familias del destierro. Una convivencia que dio lugar a relaciones amistosas o a enemistades que tienen tanto o más que ver con el transcurrir ordinario que con las ideologías. Así, La dictadora recrea el conflicto generacional, intrafamiliar, del que fue testigo la autora, María José de Chopitea, entre (presuntamente) la intelectual Margarita Nelken, dibujada como «la dictadora», y su nieta Margarita Salas, a quien llamaban Cuqui, con quien vivía. Desavenencias entre ambas motivadas por el noviazgo de Cuqui con el hijo del dramaturgo Cipriano Rivas Cherif, quien fuera a su vez cuñado de Manuel Azaña. La familia Rivas Cherif-Azaña y la familia Nelken presentaban dos líneas políticas dispares, que ocasionaron posturas enfrentadas que se perpetuaron en el exilio incluso, cuando ambas familias, en México, vivieran en el mismo portal y la misma escalera. El conflicto familiar surge porque las nuevas generaciones no quieren heredar diferencias pasadas que les impidan vivir su día a día con desencuentros irreconciliables. María José de Chopitea, la narradora del intraexilio, describe en La dictadora el devenir humano, alejado de idealismos, de la comunidad desterrada. María José de Chopitea y Rossel. La escritora del intraexilio, fue una autora, editora y traductora española nacionalizada mexicana en 1946. Necesitamos romper el olvido y silencio en el que permanece su obra en nuestro país para mostrar la importancia testimonial de sus obras Lazos de infancia (1950), Sola (1959), Guieshuba. Jardín del Istmo (1960), La dictadora (1963), e In Memoriam (1965). Ella describe el devenir de la comunidad exiliada en su día a día: el amor, los excesos, las enemistades y la interacción cotidiana de los descendientes, ya mexicanos. Josebe Martínez es profesora titular en la Universidad del País Vasco. Ha sido profesora titular en California State University. Entre sus obras sobre exilio, además de numerosos artículos internacionales, cabe destacar Las intelectuales, de la Segunda República al exilio (2002, Premio Nacional de Investigación Isidra de Guzmán), Escritoras, guerra civil y memoria (2007), Las santas rojas: exceso y pasión en Clara Campoamor, Victoria Kent y Margarita Nelken (2008), la edición de Mada Carreño Los diablos sueltos (2019), la edición de las obras de Margarita Nelken La mujer ante las Cortes Constituyentes y Maternología y puericultura (2021).
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La noche inclinada, obra de teatro escrita a principio de los años sesenta del siglo XX, está compuesta por tres jornadas y ahonda en los recovecos del alma de José Miguel Carrera -uno de los héroes más controvertidos de la independencia hispanoamericana- en el momento más difícil y atormentado de la vida, o sea cuando se encuentra cara a cara con la Muerte, a la que se entrega sin miedo y sin remordimientos, consciente de haberlo dado todo por su patria, honorándola siempre. Tras su fusilamiento, tocará a la Noche protegerle de la Envidia y de la Muerte y otorgarle la posibilidad de brillar para la eternidad. Sacar del inmerecido olvido la última obra teatral del escritor Ramón de la Serna y Espina significa abrirse a la posibilidad de abandonar las lecturas maniqueas de las guerras de independencia hispanoamericanas y capturar los más sutiles matices del alma humana con todas sus debilidades, de las que ni siquiera los héroes pueden escapar. Drama inédito sobre la guerra de independencia chilena, en el que los héroes sin miedo y sin tacha, dejan espacios a los miedos y a las debilidades de los seres humanos. Ramón de la Serna y Espina (Valparaíso, 1894-Santiago de Chile, 1969). Periodista, traductor, novelista y dramaturgo, fue un intelectual de su tiempo, poliédrico, ecléctico y políglota. Primer hijo de la escritora Concha Espina, Ramón de la Serna se formó entre España, Alemania e Inglaterra y empezó su carrera dando cuenta de la vida cultural del tiempo para periódicos influyentes, como El Sol y El Imparcial. Tradujo del alemán al español importantes ensayos y obras críticas, entre las que destacan Lope de Vega y su tiempo de Vossler y Tipos psicológicos de Jung, gracias a las que obtuvo el aprecio de José Ortega y Gasset. Su novela Chao publicada en 1933 se inscribe en el surco trazado por los prosistas de la Generación del 27. Tras su exilio voluntario en Chile en 1939, el escritor empezó su importante colaboración con el periódico El Mercurio -que duraría hasta su muerte- con el ABC y con la editorial Losada. Bajo el influjo del grupo universitario chileno Teatro Experimental, empezó a dedicarse a la redacción de obras teatrales en las que los verdaderos protagonistas son los valores que los seres humanos corren el riesgo de perder. Daniela Agrillo. Doctora en Estudios Literarios, Lingüísticos y Comparativos, ha escrito Ramón de la Serna y Espina. La torre invisible. Lleva años intentando sacar del olvido al desconocido autor hispano chileno, al que ha dedicado, además de la mencionada antología, artículos y ponencias en congresos nacionales e internacionales.
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«En el teatre hi ha fracassos, aventures, èxits i fenòmens. El mètode Grönholm entra en aquesta última categoria.» Sergi Belbel L'any 2003 El mètode Grönholm es va estrenar per primer cop al Teatre Nacional de Catalunya, i des d'aleshores ha traspassat totes les fronteres: ha esdevingut un èxit de públic tant a Catalunya com a la resta de l'Estat i en l'àmbit internacional, amb produccions en més de seixanta països, i ha convertit Jordi Galceran en l'autor català més representat a Catalunya i al món amb una obra dramàtica de text. Amb aquesta edició, amb pròlegs de Sergi Belbel i d'Andreu Gomila i un annex d'imatges amb una selecció de cartells dels muntatges d'arreu del món, celebrem els 20 anys d'un referent ineludible del teatre català. L'edició del 20è aniversari d'un fenomen teatral únic.
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Brick Pollitt, antic jugador de rugbi, ara deprimit i alcoholitzat, i la seva dona Margaret -Maggie la Gata- són els preferits del pare d'ell, un vell terratinent a qui els parents amaguen que està a les portes de la mort. L'altre fill, l'advocat Gooper, i la seva muller Mae, que constitueixen el prototípic matrimoni «perfecte», procuren de totes passades obtenir l'herència del malalt. En aquesta obra extraordinària, Tennessee Williams ens regala una magistral descripció de les enveges, la mesquinesa i la perversitat entre familiars, i nosaltres hi descobrim la hipocresia de l'Amèrica del seu temps... i potser també del nostre.
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Durante los siglos XVI y XVII Madrid vive una época de esplendor. El brillo de la Corte atrae por igual a nobles y clérigos que a hidalgos, vividores y rufianes. Las gentes de letras encuentran en la ciudad el mejor escenario para ambientar sus obras y se convierte en la gran protagonista literaria del Siglo de Oro. El mejor retrato de un Madrid bullicioso en el que conviven la comedia, el drama, el romance y la mala vida.
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Edición de Alberto del Río Nogueras.El volumen 19 de la BCRAE reúne la totalidad del teatro enciniano, formado por las ocho églogas incluidas en el Cancionero de 1496 y las seis piezas compuestas a partir de esa fecha. La obra de Encina compendia y eleva a la excelencia la tradición dramática medieval, en la que injerta las perspectivas amorosas propias de la lírica cancioneril y de las ficciones sentimentales, acordes con el gusto palaciego del tiempo y refinadas con ciertos aires mitológicos durante su etapa italiana. Nadie le discute el trono de los inicios de nuestra escena, aunque la posteridad lo olvidase y tuviese que esperar a la época de las vanguardias, al calor de su reivindicación como músico, para cautivar con las mismas armas literarias de sus comienzos: un estudiado primitivismo que logra, bajo disfraz pastoril, calar hondo en las conciencias. Para establecer el texto crítico de la presente edición se ha consultado la totalidad de testimonios antiguos, algunos de ellos conservados en ejemplar único.
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L'adaptació del clàssic de Santiago Rusiñol a càrrec de la companyia Dagoll Dagom.La sirena de la fàbrica determina l'existència dels habitants del poble gris. Cada matí els obrers s'encaminen als seus llocs respectius de la cadena de muntatge i obstinadament hi treballen fins que conclou la jornada. Un tedi fatal domina el municipi, els seus veïns hi viuen anestesiats pels efectes de la inèrcia i subjugats dòcilment al seu alcalde. Però l'arribada de l'Arca del Talent -una companyia d'artistes- provoca una sotragada. Els seus assajos i l'enlluernadora cantant del grup, la Zaira, desencadenen conseqüències inesperades que alteren el comportament dels habitants. Al poble gris, que experimenta les batzegades generades per la col·lisió de postures vitals diametralment oposades, s'obre una escletxa d'esperança. Basada en l'obra homònima de Santiago Rusiñol, la present peça teatral -l'última de creació pròpia de Dagoll Dagom- es va estrenar amb gran èxit el març del 2023. Aquesta edició incorpora una introducció i una guia didàctica perquè els joves lectors puguin treballar l'obra a l'aula i fer-ne una lectura fecunda.
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Estrenada el 1958, Ball robat és una peça perfectament construïda, de personatges humans. Posant en escena el fracàs de tres matrimonis madurs, l'autor contempla les insuficiències de la burguesiacatalana, que ha vist com la barbàrie de la guerra anorreava un cert espai gairebé ideal de civilitat assolida.
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Si en el convivir es inevitable pasar de un yo a un nosotros, ¿qué sucede cuando se empieza a agrietar el nosotros y se pronuncia solamente el yo? En ''La clausura del amor'', Stan y Audrey, pareja sentimental, entran en una sala. Él dice: «quería verte para decirte que esto se acaba / que no va a seguir / no vamos a seguir». Y a continuación lanza un flujo ininterrumpido de razones directo al cuerpo de ella. Audrey calla, escucha paciente, herida, hasta que llega su derecho a réplica, y responde a cada una de sus embestidas: «¿en quién te has convertido? / ¿nos conocemos?». En ''Ensayo'', cuatro amigos, dos parejas (entre ellos, Audrey y Stan) forman un grupo de teatro, una estructura. Aquí es una mirada la que activa la mecha de un discurso que, al multiplicarse, incendiará cada una de las voces, al tiempo que los cuerpos se van desencajando. Un texto que indaga asimismo en el vínculo entre artista y creación. En definitiva, un doble combate que describe con nitidez, por medio de la palabra (una palabra bisturí que sabe dónde hacer daño), el proceso de una ruptura, de una demolición. Pascal Rambert (Niza,1962) es autor de teatro, director y coreógrafo.Su obra, estrenada y traducida a varios idiomas (inglés, ruso, italiano, alemán, japonés, chino, holandés...) ha obtenido numerosos premios, entre ellos el Premio Émile Augier de Literatura y Filosofía por su obra Ensayo en 2015 y el Premio de Teatro de la Academia Francesa al conjunto de su obra en 2016. Recientemente ha estrenado Une Vie en la Comédie-Française. Además, ha dirigido una serie de cortometrajes, algunos de ellos premiados en los festivales de Pantin, Locarno y París. En 2007, convierte el Théâtre de Gennevilliers «T2G» en un centro nacional de creación contemporánea, dedicado exclusivamente a artistas vivos. Desde enero de 2017 es artista residente del Théâtre des Bouffes du Nord en París, fundado por Peter Brook. Actualmente está preparando una película con Isabelle Huppert como actriz protagonista.
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SARGENTO. ¿Tú eres aquél que durante la dominación roja incitabas a la gente, en los mítines, a destruir iglesias, a quemar sacerdotes, a sacar los ojos a los guardias civiles, a profanar imágenes, etc. etc.? JOSÉ LUIS.Sí, yo soy aquel que hablaba en los mítines, pero que no decía nada de eso, sino que había que ganar la guerra para que el pobre tuviera pan, el trabajador, trabajo, el campesino, tierra, el pueblo, libertad y cultura. (César M. Arconada, 1.º de Mayo en España, acto tercero) César Muñoz Arconada (Astudillo, Palencia, 5 de diciembre de 1898-Moscú, 10 de marzo de 1964), vinculado inicialmente a las vanguardias deshumanizadas de los años veinte, se convirtió desde 1931 en un escritor comunista militante. Autor antes de la guerra civil de novelas de títulos tan expresivos de la lucha de clases como Los pobres contra los ricos (1933) o Reparto de tierras (1934), de libros de poemas (Vivimos en una noche oscura, 1936) y de obras de teatro (Tres farsas para títeres, 1936), durante la guerra civil publicó Romances de la guerra (1937) y escribió la novela Río Tajo, Premio Nacional de Literatura 1938 en la zona republicana, que no llegó a editarse. Atravesó enfermo la frontera francesa a finales de enero de 1939 y estuvo internado en los campos de concentración de Argelès y Saint Cyprien. Liberado gracias a la solidaridad del escritor francés Louis Aragon, en mayo de 1939 pudo exiliarse en la Unión Soviética. Instalado definitivamente en Moscú, colaboró en revistas como La Literatura Internacional, de la que en 1943 fue nombrado redactor-jefe, y publicó ensayos, libros de cuentos (España es invencible, Cuentos de Madrid) y obras de teatro como la ópera antifascista Nueva Carmen (1944). Fiel al dogma estético estaliniano, practicó en la mayoría de sus obras un riguroso realismo socialista, insólito en la literatura de nuestro exilio republicano de 1939. Un realismo socialista del que constituye un buen ejemplo este 1.º de Mayo en España, obra dramática inédita hasta hoy.
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Stockholm és la història de tres personatges a la recerca del sentit d’una existència pertorbada abans de temps. Sven, Liv i Aud representen en si mateixos la causa i la conseqüència d’una síndrome que els donarà la possibilitat de redempció que la vida els ha negat. Ells necessiten un context d’eixes característiques per parlar de les seues pors, intimitats i somnis, sense negar la seua pròpia tragèdia i Stockholm és una ciutat generosa, representant del civisme més inquietant i capaç d’amagar tota la merda existent sota terra, per fer-la invisible. Estem davant d’una faula sinistra de com l’ésser humà pot esdevindre predador i víctima per tal de sobreviure a un món no apte per a fragilitats.
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La chinche es una obra de teatro escrita en el año doce de la era soviética con la mirada puesta en un futuro socialista y con ese perfume a fracaso y desencanto que suele rodear lo ruso, una obra que, leída en la era del Covid y de la confusión del pasado, se revela extraordinaria en los matices y generosa en las invitaciones a discernir.
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La venganza de don Mendo de Pedro Muñoz Seca es uno de los textos más importantes y populares de la historia del teatro español. Forma parte del canon dramático, junto a Fuenteovejuna, La vida es sueño, Don Juan Tenorio, Luces de bohemia, Bodas de sangre o Historia de una escalera. Su excepcionalidad reside en su extraordinaria factura como parodia dramática respecto a la tradición española de Talía. Una rocambolesca y disparatada historia de amor y venganza que sintetiza, de manera muy brillante, aquella práctica burlesca que seguirá como «sombra jovial a toda revolución literaria, lo mismo a la tragedia neoclásica que al dramón romántico» (E. Asensio), desde el honor calderoniano y la comedia de capa y espada, hasta el polvoriento neohistoricismo modernista de finales del xix y principios del xx. Y es que Don Mendo era también una caricatura que ponía en solfa la escena de su tiempo, cuyo remedo e impostura llena de ripios, anacronismos y juegos cómicos de personajes, situaciones y lenguajes un texto que logra, cien años después de su exitoso estreno (1918-2018), la carcajada del espectador: todo un clásico del humor. Pedro Muñoz Seca (Puerto de Santa María, Cádiz, 1879-Madrid, 1936). Uno de los autores dramáticos más populares del primer tercio del XX. Sus inicios (1904) están en el género chico. Colaboró con Pérez Fernández, García Álvarez, Rafael de Santa Ana, López de Aro y Azorín, con quien estrena El clamor (1928). Renovador del teatro cómico gracias al disparatado astracán, que se basa en la deformación caricaturesca de la realidad y en el manejo del humor lingüístico. Su obra maestra es La venganza de don Mendo (1918), que llevaría al cine Fernando Fernán Gómez en los años 60. Otras obras importantes son: El verdugo de Sevilla (1916), Los extremeños se tocan (1926), La oca (1931), Anacleto se divorcia (1932) y La plasmatoria (1935). Valle-Inclán dijo de él: «quítenle al teatro de MS el humor, desnúdenle de caricatura, arrebátenle su ingenio satírico y facilidad para la parodia, y seguirán ante un monumental autor de teatro». Como García Lorca murió víctima de la guerra civil. Alberto Romero Ferrer es catedrático de Literatura Española de la Universidad de Cádiz y Premio Manuel Alvar de Estudios Humanísticos 2016. Ha sido profesor invitado en el King's College London y ha impartido cursos y conferencias en la University of London, Fondation Napoleón de París, Nineteenth-Century Hispanists Network, CSIC, Menéndez Pelayo, Instituto Feijoo de Estudios del Siglo xviii, UNIA, Napoli, Verona, Padova, Saarbrücken, Regensburg, La Plata, Gent, RESAD, Casa de Velázquez, UNED y Fundación Juan March, entre otras. Es autor de un centenar de artículos especializados y de una quincena de libros referidos a sus principales temas de estudio: el teatro breve de los siglos XVIII y XIX, la parodia dramática española, escenografía teatral del XIX, la zarzuela y el género chico, y la historia de la cultura popular peninsular.
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Fuenteovejuna es el fruto de un encargo de la Ópera de Oviedo, tan gozoso como turbador: transformar el clásico del Siglo de Oro sobre la rebelión de un pueblo contra su tirano en libreto de ópera, que se estrena, al tiempo de esta publicación, con la memorable partitura de Jorge Muñiz. Condensar trama, personajes y diálogos era obligado, y el ingente Fénix no daba alternativa: había que reescribir. Esa necesidad, que dejó atrás tantos versos felices, creó la virtud de liberar el núcleo dramático de Fuenteovejuna de las contingencias políticas del XV (y del XVII). No ahogar la voz propia al beber en fuente ajena era un reto serio tratándose del caudaloso Lope. Él sabrá perdonarme ciertas libertades. El tono de la obra es de medio carácter, al estilo de la comedia áurea o del dramma giocoso dieciochesco, y la inspiración es actual, pero sirve a la verdad histórica sin más anacronismo que su reescritura. El lenguaje busca un fraseo natural, libre tanto de los modos pasajeros del día como de los rigores retóricos del barroco, aunque disfruta con el juego combinatorio de métrica tradicional y estrofas clásicas. Todo verso aspira a ser cantado algún día. Los de esta obra nacieron para servir a la mejor música de hoy, ojalá sean dignos de ella. J.A. Javier Almuzara (Oviedo, 1969) ha publicado los libros de poemas El sueño de una sombra (1990), Por la secreta escala (1994), Constantes vitales (2004, Premio Emilio Alarcos), Caravana y desierto (2014, una colección de recreaciones líricas a partir de las rubayatas de Omar Jayyam), Quede claro: Antología poética 1989-2013 (2014, donde se incluye el poemario inédito Siempre y cuando), y A la de tres (2017, colección de haikus). Es también autor del dietario Letra y música (2001), de la prosa miscelánea Títere con cabeza (2005, Premio Café Bretón), y del libro de ensayos Catálogo de asombros (2012).
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Cinco mujeres narran sus historias tras las rejas de sus respectivas jaulas, cinco mujeres del mundo árabe, pero que podrían provenir de cualquier lugar. Valientes, revelan sus cadenas, frustraciones e ira. Desde su posición de carcelero y confidente, el hombre las escucha y las provoca. Lama, la solterona, Zeina, la niqab, Hiba, la prostituta, Yara, la lesbiana, y Abeer, la gorda... se desnudan por completo. La crudeza de su lenguaje es proporcional a la intensidad de su sufrimiento.
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Por primera vez se reúnen en un volumen las cinco obras que Pablo Remón ha escrito hasta la fecha para la compañía La_Abducción. En apenas cinco años, a partir de su debut en 2013, la trayectoria de Pablo Remón le ha llevado a ocupar un lugar destacado como autor dentro del panorama teatral en castellano. Cinco obras que pueden leerse casi como novelas que combinan lo cotidiano con lo extraordinario, el humor con la gravedad dramática, la Historia con las historias minúsculas. Así, un joven de provincias está convencido de que los extraterrestres han abducido a su padre, un guionista vende su alma a una productora de cine para cumplir su sueño, un político condenado por la Justicia regresa a su tierra para sacar en procesión al santo del pueblo, la intrahistoria de la familia de un general franquista sirve de pretexto para desmitificar la transición española. Y casi siempre, de fondo, la meseta como espacio y motivo narrativo, paisaje y estado de ánimo cada vez más vacíos, símbolo de un éxodo hoy casi olvidado. Obras, en definitiva, construidas sobre el deseo y la pulsión de continuar narrando para sacar a la luz lo que somos y lo que podríamos ser. Como dice el autor: «La mejor manera de contarnos, de explicarnos dónde estamos, como individuos y como sociedad, sigue siendo contar una (o mil) historias».
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Si El alcalde de Zalamea se ha mantenido a lo largo de los siglos como la más popular comedia calderoniana, es, sin duda, porque su protagonista, Pedro Crespo, encarna de modo formidable el sentimiento del honor como síntesis de la dignidad humana. Pero no bastaría ese único mérito para garantizar la universalidad de una obra que incide en un tema tópico, a fuerza de verosímil, en el Siglo de Oro español. Es el arte el que salva la comedia y la hace cada vez más viva. El rigor de los conceptos, polarizados entre Razón y Naturaleza, se encarna en una estructura dramática de gran claridad y enorme riqueza simbólica.
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La epopeya transcurre entre dos puestos de acarajés, el de Dinha y el de Cira, en Salvador de Bahía. Orson Welles, disfrazado de Macbeth, se ha hecho con el control de la región y ha reinstaurado la esclavitud. Neronga se une al popular motociclista de acrobacias Evel Knievel para liberar al pueblo bahiano de la tiranía de Macbeth-Welles. Trifulca, rayos, navajazos, patadas voladoras, verso blanco pentámetro yámbico es el cuadro desolador que se encuentran los filósofos Lisias y Demóstenes al llegar a Salvador de viaje de fin de estudios venidos desde Atenas como polizontes de un navío herrumbroso que cargaba una escenografía para una obra de Esquilo versión moderna (lo de siempre: un falo gigante recubierto de purpurina jugando con el estilo jónico) que se iba presentar en un festival internacional ahora anulado, como era de imaginar, por la guerra en la Bahía.
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Una mirada a los desastres de la guerra de Troya (y de todas las guerras) a través de la historia de amor de Aquiles y Patroclo. No estoy aquí para contar la guerra de Troya. Esta es la historia de mi carne, allí donde coincidieron la muerte y el amor.Tomando como punto de partida el canto XVI de la Ilíada, el dramaturgo Alberto Conejero, ganador del Premio Nacional de Literatura Dramática en 2019, nos brinda una aproximación personal e íntima al poema de Homero, una nueva mirada vivida y contada desde un personaje secundario en el relato habitual, tan discutido como fascinante y misterioso: Patroclo, el «más amado» por Aquiles.En mitad de tanto fuego que enlaza diversas épocas y donde aparecen referencias y citas de, entre otros, Safo, Pedro Lemebel, Anne Carson o Luis Cernuda es un alegato antibelicista y una muestra más de la impotencia del arte ante la guerra, un oratorio por las víctimas que habla de conceptos como el poder, la pasión, la violencia o la patria.La obra es también un intento de contar la historia de otro modo, que es imaginar el futuro de otro modo. El rescate de una alegría posible. El canto de un personaje que aquí es, ante todo, carne enamorada y deseo. Un deseo libre y disidente.Porque yo no estoy aquí para hablar del «compañero devoto», ni «del más querido entre los soldados», yo estoy aquí para reventar los eufemismos, para hablar del amante insaciable.
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El Mundial Magazine fue el último empeño de un Rubén Darío declinante. El comienzo de la guerra, el final de la publicación de esta revista y la muerte del poeta nicaragüense (1916) certifican el fin de toda una época y también la clausura de ese gran movimiento de fin de siglo, el rico y variado modernismo, que viene a coincidir con la llamada Belle Époque, un momento histórico caracterizado por el consumismo, el auge económico y la apoteosis de la diversión. Todo ello focalizado en París, la capital del mundo, el paraíso de la moda, del arte, de la bohemia, de la prostitución.Mundial Magazine (1911-1914) fue un proyecto de extraordinaria calidad, a la altura de los empeños cosmopolitas de la ciudad universal por antonomasia (París). En esta obra se recuperan las crónicas teatrales aparecidas en esta publicación y se contextualiza lo que fueron esos años, en esa Ciudad de la Luz donde vivió Darío, así como muestra las realidades escénicas francesas y españolas, pues éstas también aparecen reseñadas a partir de octubre de 1913 y firmadas por el gacetillero Ricardo J. Catarineu (conocido por su pseudónimo de Caramanchel), a la altura del singular guatemalteco Enrique Gómez Carrillo que se encargó de las novedades parisinas.
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Lope de Vega se basó en una popular leyenda castellana, Alonso, caballero procedente de Olmedo, se enamora en la feria de Medina –y es correspondido– de Inés, prometida por su padre a Rodrigo. La dama, para evitar el enlace, finge una repentina vocación religiosa. Durante una corrida de toros en Medina Alonso salva la vida de su rival que, resentido y envidioso, decide matarlo ayudado por su amigo Fernando en el camino de regreso a su casa: Que de noche lo mataron al caballero la gala de Medina la flor de Olmedo
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LA COMEDIA NEGRA DE UNO DE LOS MÁS QUERIDOS AUTORES DE LA NOVELA POLICIACA EN ESPAÑOL «No me ofrezcan vivir en un gran velero, o en un palacio romano, o en un ático de Manhattan: yo quiero vivir en una novela de Domingo Villar».Enric González «Domingo Villar definió su obra teatral como una comedia. El espacio, perfectamente detallado en una acotación ad hoc al principio de la pieza, nos permite concretar un poco más el género: comedia de salón, quizás, o incluso comedia burguesa. Pero la trama, basada en una intriga sobre la falta de inspiración del protagonista y su voluntad de desaparecer aprovechando un muerto muy oportuno, nos orientan a la comedia negra. Como sea, el ritmo rápido, el enredo más o menos complicado, y la intención de hacer reír mediante la comparecencia de gags e ingeniosas líneas de diálogo que hacen entrar y salir a los personajes de su tendencia al estereotipo convierten esta pieza de Villar en una obra tan interesante dramatúrgicamente como divertida para el público. Eso es Síbaris: un refugio definido en la pieza como una tranquila playa de Grecia, esa que figura en los sueños de evasión de cada espectador que, como su protagonista, también necesita un lugar donde huir de la vida cotidiana que, absurdamente, avanza esquivando esa verdad que solo aportan los sueños y las artes». Del prólogo de Inma López Silva
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A Els companys (1888) August Strindberg descriu la relació d'un matrimoni d'artistes. Axel i Bertha són una parella d'artistes joves, moderns i paritaris. S'esforcen per viure com a companys en termes d'igualtat qüestionant la societat en què viuen o trencant-ne les normes, però la companyonia és posada a prova quan cadascú lliura la seva obra per a participar en una prestigiosa exposició. Ella hi és admesa, mentre que ell és refusat. La lluita que abans era contra la societat restrictiva, convencional, es transforma en una lluita aferrissada entre la parella. En aquesta obra els arguments de l'època a favor i en contra de la igualtat entre els sexes surten de la boca dels protagonistes en un diàleg trepidant que no ha perdut la força trencadora i polèmica.
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'Así que pasen cinco años. Leyenda del tiempo'' es una de las creaciones mayores del teatro de Federico García Lorca. Pieza novísima en forma y contenido, fue el resultado del ambicioso proyecto del poeta de ''crear un teatro nuevo, avanzado de formas y teorías'' que había de originar el deseado ''Teatro del porvenir''. Equivocadamente considerada durante mucho tiempo como obra inacabada, es en realidad la única de las llamadas ''comedias imposibles'' que ha llegado hasta nosotros completa. Destaca en ella la contemplación erótico-filosófica del destino humano expresada en el eterno juego del tiempo, el amor y la muerte, y consigue, en su peculiar calidad de poema dramatizado, la más completa simbiosis de los conceptos de poesía y teatro de la producción lorquiana.
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Cuando Dios Padre inventó la eternidad, no imaginó que podría llegar a hacérsele bastante pesada: siempre lo mismo y, sobre todo, siempre la misma música celestial. Hasta que un día el azar le obligó a buscar un músico que renovase la caduca armonía eterna. Entonces descubrió que otros dioses y algunos humanos ingeniosos habían desarrollado a lo largo de los siglos muchas posibilidades de jugar con los sonidos. Quedó maravillado con lo que pudo escuchar e inmediatamente quiso contratar para su paraíso al músico capaz de componer una música eterna, así es que convocó unas oposiciones que resultaron históricas por la calidad de quienes se presentaron a ocupar el prestigioso puesto para lo que quede de eternidad.La farsa imaginada por Pepe Rey se mueve entre las bromas y las veras, resultando tan recomendable para chicos como para grandes. El viejo ideal horaciano de ''enseñar deleitando'' se materializa en un texto entre erudito y burlón sazonado con humor inteligente.
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Mientras limpian una de las habitaciones de un prestigioso hotel de cinco estrellas, dos mujeres recuerdan tres disparatadas historias que se desarrollaron en esa habitación, donde los protagonistas son tres mujeres de 'vida alegre' y -sus parejas- tres hombres con sus propios problemas. En tono de humor, se van desvelando los caracteres de cada uno de los personajes, sus deseos y sus necesidades, que parecen muy alejados del lugar donde se desarrollan los hechos. Con diálogos fluidos y la maestría literaria de Juan José Alonso Millán, la lectura de esta obra -una de sus más aplaudidas y reconocidas- es una garantía de diversión, en la que al lector le será muy difícil contener la risa.
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Enrique Jardiel Poncela (1901-1952) fue narrador, autor, director teatral y guionista cinematográfico. Su obra surge de la peculiarunión del teatro de humor castizo con las ideas literarias de vanguardia, pasadas por el cedazo de Gómez de la Serna. Su hu
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