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Libros del Zorro Rojo
Zorro Rojo és una editorial nascuda a Barcelona que celebra vint anys en plena forma. Des dels seus inicis el 2004, ha reivindicat la il·lustració i la creació d’un espai on convergir la literatura i les belles arts, i ho ha fet tenint molta cura de les traduccions i el disseny de cada edició. El resultat és un catàleg ple de talent amb llibres infantils, juvenils i per a adults on destaquen les edicions il·lustrades dels clàssics universals. Així doncs, els felicitem pel seu aniversari i per haver assolit allò que es proposaven, fer de l’edició un art.
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En 1680, el monasterio de Berchtesgaden en los Alpes bávaros fue el escenario del desgraciado amor entre Ambrosio, un joven franciscano, y Benedicta, la hija de un verdugo. Dos siglos más tarde, Ambrose Bierce interpretó los siniestros pormenores de la leyenda hasta convertirla en su única novela y en una de las cimas de la literatura del género. El admirable suspense de estas páginas discurre hacia un desenlace imprevisto, una batalla entre la fe, el deseo, la culpa y la redención. Los esgrafiados labrados por Santiago Caruso, una de las mayores revela-ciones de la gráfica contemporánea, se abisman en esta historia de amor prohibido, destrucción y tragedia. Aunque «decir que se centra el conflicto en la lucha entre Amor y Misión sería generar un gastado déjà vu. Yo lo concibo como una batalla entre Naturaleza y Religión. Pensé entonces en pintar lo animal y lo vegetal invadiendo la percepción de la moral del mundo del Hombre y de Dios».
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Durante un día de nieve cerrada, llega a un pequeñísimo pueblo inglés un extraño hombre, cubierto con vendas, sombrero y gafas oscuras. Pronto, consigue que la dueña de una desértica posada le brinde hospedaje. A los pocos días, recibe un paquete con un cargamento lleno de tubos de ensayo y extraños productos, y se encierra a trabajar en un misterioso experimento. Todo indica que ha sufrido un terrible accidente. Sin embargo, la curiosidad de los vecinos puede más que la compasión y poco a poco conseguirán arrancarle a este forastero su terrible secreto. Publicada originalmente en 1897 por entregas, H. G. Wells, continuando la estela de Frankenstein, relata las contradicciones de un joven y brillante científico, quien absorto por los resultados de sus investigaciones, se desprende de toda ética en pro de su sed de dominio y lucro personal. Las ilustraciones de Luis Scafati recrean admirablemente la aciaga atmósfera de una sociedad trastornada por la conducta de un hombre que actúa con total impunidad cuando no es visto.
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Personaje y escenario zurcen la trama de un libro circular. Marcovaldo, obrero raso, vive con sus muchos hijos en las afueras de una ciudad gris, que es uno de los colores con los que Sanna ambienta la obra. El otro color, ese naranja tan vívido, responde a la mirada de Marcovaldo y a la escritura de Calvino, ambas son una y responden a la poesía que radica en los detalles y que resignifican el entorno desfavorable hasta convertirlo en una fiesta de los sentidos y de la vida misma. Las marcas de la naturaleza son decisivas para quien, como Marcovaldo, confía en un progreso muy diferente al tecnológico: un progreso «subjetivo» en el que confluyen mirar y ver.
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Una exquisita colección de fábulas es la invitación a un banquete de satírica misantropía Bierce. Surgidos de su pluma implacable: liebres, tortugas, zorros, uvas, poetas insufribles, políticos codiciosos, médicos ladrones, santos pecadores, jueces corruptos, hombres y mujeres de dudosa humanidad, son presa del sarcasmo de unos de los autores mas lúcidos del siglo XX. Seleccionadas y traducidas por Marcial Souto, 99 fábulas fantásticas de Ambrose Bierce han sido ilustradas por Carlos Nine, su mejor intérprete. Sazone la mejor esencia de Esopo y La Fontaine. Embébala en el humor mordaz de Ambrose Bierce. Mezcle con las magistrales caricaturas de Carlos Nine a fuego fuerte durante 99 fábulas. Repetirá.
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Las tres historias que integran el volumen son un reflejo del interés que profesaba el escritor norteamericano hacia el pugilismo, deporte del que fuera aficionado en su juventud y, ya en su madurez, cronista en la prensa gráfica. «El combate» («The Game») fue publicado por entregas entre abril y mayo de 1905 en The Metropolitan Magazine. Esta novela breve recrea un suceso del que London fuera testigo: el fatal desenlace de un boxeador en el West Oakland Club. La obra provocó numerosos titulares en la prensa norteamericana por parte de algunos críticos que rechazaron su final, la polémica cesó cuando Jimmy Britt, campeón mundial de peso ligero, reconoció que London sabía muy bien de qué hablaba y lo invitó a mediar como referee en su combate ante Battling Nelson. London declinó finalmente la propuesta pero se aseguró un lugar en primera fila cubriendo la pelea para The Examiner. «Un bistec» («A Piece of Steak»), escrito entre abril y mayo de 1909, costó 500 US$ a The Saturday Evening Post y fue publicado en noviembre de ese mismo año. El relato narra la historia de Tom King, un veterano boxeador, cuya familia se encuentra azotada por el hambre. La noche del combate, su mujer ayuna y envía a los hijos a dormir sin cenar para que Tom pueda comer un plato de gachas y enfrentarse a Sandel, joven y ascendente luchador. «Un bistec» está considerado entre los mejores relatos de boxeo que se hayan escrito. «El mexicano» («The Mexican») fue vendido por 750 US$ a The Saturday Evening Post y publicado en agosto de 1911. London escribió la historia durante el inicio de la Revolución mexicana, inspirándose en la vida de Joe Rivers, pseudónimo de José Ybarra, un boxeador en el exilio que destinaba lo recaudado en sus peleas a la causa revolucionaria
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Libros del Zorro Rojo publica las Cartas a Ophélia de Fernando Pessoa en un volumen prologado por Antonio Tabucchi e ilustrado por Antonio Seguí, una de las mayores figuras del arte contemporáneo. La reedición de este epistolario (publicado por LZR en 2011) recupera una correspondencia forjada en los años decisivos de la producción literaria de Fernando Pessoa, el mayor poeta portugués del siglo XX. El libro se divide en dos partes, en la primera, «Cartas a Ophélia – Primera etapa 1920», descubrimos un amor puro, inocente y sublime, que roza lo juvenil, que hace que cada carta sea inolvidable. La segunda parte corresponde a la «Segunda etapa 1929 – 1930», ya para esta época Álvaro de Campos domina completamente la relación entre ambos y la cordura de Pessoa está casi por completo en manos de su heterónimo más complejo y exaltado.
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Esta edición monumental de Alicia en el país de las maravillas y A través del espejo —dos narraciones estrechamente ligadas y complementarias, publicadas en 1865 y 1871 respectivamente— suma una miríada de subversivos matices al clásico a través de la transformadora mirada de Pat Andrea. En ella, cada volumen consta de dos partes. La primera, que nos embarca en una lectura global del universo de Lewis Carroll frente al de Pat Andrea, ofrece los cuarenta y nueve cuadros que el artista realizó expresamente para esta edición, con una técnica mixta sobre papel tensado en panel de madera, y en un formato original de 150 x 180 cm. Un extracto del libro en castellano y otro en inglés iluminan cada una de las escenas. A su vez, la segunda parte recoge, junto a una serie de ampliaciones ópticas de los lienzos, la totalidad del texto, tanto en su versión original como en la hermosa traducción de Luis Maristany, que ha sabido transformar los juegos de palabras y los contrasentidos del autor británico. La doble obra maestra de Lewis Carroll no pertenece exclusivamente al mundo infantil ni al adulto. Sin embargo, tal vez la interpretación de Pat Andrea sea, si no la más adulta, al menos la más revolucionaria hasta la fecha. Alicia es la misma frontera, la linde ondulante entre la norma y la libertad, la sintaxis y el neologismo, la vigilia y los sueños, que cambia sin pedir permiso. En su literatura, Carroll cuestiona la lógica estricta de la razón, el orden y la moral —intocables en una sociedad como la inglesa de la segunda mitad del XIX— utilizando el absurdo como forma de rechazo y sublevación hacia la tiranía de la racionalidad. Tal como sucede en la atmósfera onírica de Alicia, esto da lugar a la libertad de asociaciones de palabras o de ideas. La genialidad de Carroll: independizar su obra de la ley totalitaria del lenguaje. El texto ha trascendido su época y su geografía: canciones, imágenes, personajes y costumbres de su propia cultura delinean el escenario de lo cotidiano que se ofrece como señuelo. Nuestro pecado: convertir Alicia y su imaginario en una convención, creer que la conocemos, que hemos desentrañado todos sus secretos.
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Al prat, el món es transforma: surt el bolet, salta el saltamartí, pasta el ruc, floreix la flor, escapa la llebre... I així comença un conte senzill, un reguitzell de descobriments, personatges i accions que el lector podrà recitar en veu alta i fins i tot ampliar amb altres troballes pròximes a la seva realitat. I sota el prat? Esdevenen uns altres fenòmens magnífics: brota la llavor, cava el talp, menja el cuc, corre la formiga... Un llibre de cartó concebut a la mida dels més petits, amb il·lustracions belles, subtils i descriptives del premiat artista italià Philip Giordano.
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El mítico ilustrador Francisco Meléndez cumple sus bodas de acero con el silencio, y las interrumpe momentáneamente para esclarecer lo sucedido en el Edén hace cientos de años. Una muestra de su talento intacto y libérrimo, que Mark Twain celebra desde quién sabe dónde. Del diario de Adán: Esta nueva criatura de pelo largo se entromete bastante. Siempre está merodeando y me sigue a todas partes. Eso no me gusta, no estoy habituado a la compañía. Preferiría que se quedara con los otros animales. Hoy está nublado, hay viento del este, creo que tendremos lluvia… ¿Tendremos? ¿Nosotros? ¿De dónde saqué esta palabra…? Ahora lo recuerdo: la usa la nueva criatura. Del diario de Eva: Toda la semana lo seguí y traté de entablar relaciones con él. Yo soy la que tuvo que hablar, porque él es tímido, pero no me importa. Parecía complacido de tenerme alrededor, y usé el sociable «nosotros» varias veces, porque él parecía halagado de verse incluido.
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En 1658, el pedagogo y filósofo checo Jan Amos Komenský, en latín Comenius, publicó esta obra, considerada el primer libro ilustrado para niños, fiel a su premisa: «Si alguna cosa pudiera ser percibida por diversos sentidos, ofrézcase a todos ellos [...]. Puesto que los sentidos son los fidelísimos proveedores de la memoria». Una enciclopedia visual dividida en ciento cincuenta capítulos, cuya temática abarca «todas las cosas fundamentales en el mundo y de las actividades en la vida». Orbis sensualium pictus, también conocido como Orbis Pictus, recorre la totalidad del universo de su tiempo: Dios, la naturaleza, los objetos y los seres humanos, recreando los diferentes aspectos de su condición moral y social. El libro, concebido originalmente para el aprendizaje del latín, introduce una propuesta novedosa y revolucionaria en su momento, al emplear las ilustraciones con fines didácticos. Una enciclopedia visual dividida en 150 capítulos, cuya temática abarca «todas las cosas fundamentales en el mundo y de las actividades en la vida». Orbis sensualium pictus recorre la totalidad del universo de su tiempo: Dios, la naturaleza, los objetos y los seres humanos, recreando los diferentes aspectos de su condición moral y social. El libro, concebido para el aprendizaje del latín, introduce una propuesta novedosa y revolucionaria en su momento, al emplear las ilustraciones con fines didácticos. «El mundo en imágenes» conserva el latín y las xilografías de la época de la edición original, con traducción en castellano, además de una contextualización histórica tanto de la obra como de su autor.
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Holly Golightly, la protagonista de Desayuno en Tiffany’s, es una de las heroínas más famosas de la literatura moderna. Inocente y tremendamente astuta, auténtica y sofisticada, Holly vive sin pasado, desterrada, y sin deseos de pertenecer a nada ni a nadie, dispuesta a lo que sea con tal de ser la mujer de mundo de su imaginación. A partir de una visión casual de un edificio de apartamentos, Truman Capote narra la relación de amistad entre un aspirante a escritor que acaba de mudarse a la ciudad de Nueva York, y su vecina Holly Golightly. Holly es el centro de cada una de las páginas de esta edición cuyas ilustraciones, realizadas por la artista canadiense Karen Klassen, formada en el mundo de la moda, realzan el glamour del personaje, pero también su frágil aura de diamante. La novela, publicada en 1958, se convirtió instantáneamente en un best seller, y es sin duda una de las obras más celebradas de este autor norteamericano. Desayuno en Tiffany’s, una de las historias americanas por excelencia del siglo XX, adquiere en esta edición un valor único para los amantes, no solo de la mejor prosa de Capote, sino también de quienes, como indica el crítico McInerney, quieran encontrarse con la indómita Holly y su insalvable y misterioso destino.
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«En un mundo verdaderamente invertido, lo verdadero es un momento de lo falso.» Guy Debord En esta obra, El Roto aplica su capacidad para sintetizar en imágenes tan claras como poéticas su visión de la situación actual del arte contemporáneo, así como de los distintos agentes que participan en este mundo de apariencias: las ínfulas, esperanzas y decepciones de los autores, la incomprensión del público, la insustancial influencia de la crítica, el caprichoso interés de los galeristas o la tiránica relación entre arte y mercado... Nadie se salva de su picota, aunque como él mismo afirma: «Mi voluntad es clarificar el mundo, no castigar a los malvados».
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Un libro en el que las bellas artes y la gastronomía son sabrosos condimentos del plato fuerte: el humor. Benjamin Chaud sienta a la mesa a los grandes maestros del arte para hacerles dialogar con desopilantes y cotidianas escenas, propias de esos templos de la gastronomía en que se produce el intercambio humano y, por ende, todo puede suceder: los restaurantes.
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La racionalidad, los protocolos sociales y la honorabilidad de un científico respetado se contraponen con las pulsiones ocultas, la violencia y los elementos indomables de toda psique humana, que emergen tras la ingesta de un poderoso brebaje. Esta dualidad en pugna se desarrolla en las oscuras y brumosas calles del Londres de hace dos siglos, bajo cuyas sombras se intensifica el misterio que brota de esta truculenta historia. Lo cotidiano se confunde con lo inexplicable, lo secreto y lo sobrenatural. ¿Quién es el siniestro y condenable Edward Hyde y qué lo une al honorable doctor Jekyll? Esta obra invita a la reflexión a través del elemento de la transformación física y de la exploración acerca de la mítica figura del monstruo. Luis Scafati despliega su maestría en el manejo de la tinta y el collage para dar cuerpo a lo amoral y a las pasiones más turbulentas en este relato imborrable sobre la condición humana.
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Este Bestiario recoge, por un lado, la influencia del entorno boscoso que marcó la infancia y el devenir de Leonardo da Vinci y, por otro, la profusa imaginación que siempre caracterizó al genio del Renacimiento. Al igual que en las fábulas de Esopo, La Fontaine o Prévert, la humanización de los animales actúa como reflejo de los vicios, virtudes y excesos del ser humano, e invita a la reflexión en un momento de delicado equilibrio natural, marcado por la amenaza de extinción de muchas especies. Las ilustraciones de Redmer Hoekstra profundizan en este encuentro entre dos mundos a través de unas detalladas estampas realizadas a lápiz en las que el aura del Renacimiento se fusiona con trazos surrealistas de marcada influencia escheriana.
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«Las imágenes de este libro están basadas en la realidad. Cualquier semejanza o parecido no es casual», eso advierte Sandro Bassi al final de su obra, cuando La Nacionalien ya ha dejado al lector conmocionado por su crudo retrato de los tiempos actuales. Un accidente que causa interferencias en los teléfonos de los pasajeros del metro signa este viaje y revela al lector la dependencia tecnológica con la que se convive en la actualidad. El teléfono móvil es, sin duda, una ventana de conexión con el mundo globalizado, pero también una cámara de aislamiento que nos desconecta de toda presencia física o estímulo circundante. Bassi despliega un escenario familiar en el que la forma virtual de la conexión implica necesariamente la ausencia de contacto. La alienación, que en su trazo artístico cobra forma en los retratos de cabezas monstruosas, sucede en ambientes recargados de detalles gráficos que pueblan las páginas de esta impactante novela gráfica. La finalidad no es aleccionar, sino abrir una puerta para que cada quien incursione, de manera crítica y reflexiva, en las situaciones comunicativas que propician las tecnologías digitales.
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«Érase una vez un niño pequeño que, cuando sus padres le preguntaban qué le gustaría ser de mayor, respondía de forma invariable: “Cuando sea grande, me acostaré con la reina”.» Poderosas dosis de humor negro y surrealismo destilan las páginas de Acostarse con la reina y otros relatos, del irreverente y corrosivo autor francés de raíces polacas, Roland Topor. Leer sus cuentos implica caminar por el filo de su apellido (Hacha, en polaco) ante la inminencia de lo inesperado. El banquete toporiano se sirve crudo, a él se nos invita como alimento de nuestro propio asombro. Pat Andrea acentúa el aspecto poderoso del corte de las escenas toporianas, en figuras humanas rebeladas de la proporción, en contrastes cromáticos que multiplican la atención que ejerce lo grotesco.
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El Roto vuelve a la carga con el humor incisivo y la ácida crítica social ya clásicos en su arte. En estas sesenta viñetas deja en evidencia esas «líneas rojas» que la humanidad nunca debió traspasar. La autocrítica evidencia, una vez más, nuestra insensibilidad e insignificancia, revela la estulticia de seres que descubren manchas en el sol mientras ignoran las propias. El humor negro hace hincapié en la figura del ser humano: aquel que se encandila con las luces fatuas de la tecnología, mientras destruye, impasible, el hábitat común. A través del juego cromático entre el turquesa y el fucsia, nos trae reminiscencias de El Bosco, al tiempo que hace brotar la pregunta: ¿cuál es el grosor de esa línea roja que separa nuestro Jardín de las delicias del infierno más temido?
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Acusada del asesinato de seiscientas cincuenta jóvenes, Erzsebét Bathory es una de las criminales más siniestras de la historia. En su castillo de los Cárpatos, a finales de siglo XVII, la condesa tortura a sus víctimas con el fin de desangrarlas y conservar su juventud. Su leyenda maldita y fascinante pervive en el tiempo. La condesa sangrienta es una de las composiciones clave en la obra de Alejandra Pizarnik. Se trató originalmente de una reseña que le encar-garon a la poeta sobre la obra homónima de Valentine Penrose. Escribió Pizarnik en sus diarios: «¿Cuál es mi estilo? Creo que el del artículo de la condesa. Insisto, una y otra vez, en la fascinación por el tema de mi nota. Nunca después volvió a sucederme algo parecido». Con su prosa, que no logra jamás desprenderse de su poética, convierte a esta asesina en un personaje terrible y a la vez fascinante. Las estampas del artista Santiago Caruso recrean, con admirable maestría, este retrato perturbador del sadismo y la locura. Su trabajo logra una re-presentación simbólica del terror que confluye y potencia el propio texto de la poeta, convirtiendo este libro en un claro ejemplo de cómo una obra preexistente deviene en algo completamente nuevo con la interven-ción artística de un talentoso ilustrador.
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¿Es Papá Noel un buen jefe? ¿Cómo vuela su trineo? ¿Cuáles son las actuales condiciones laborales de los elfos? Si te has hecho alguna de estas preguntas necesitas con inmediatez este un volumen, dedicado íntegramente a revelarnos los insólitos entresijos de la celebración de Navidad. De la mano de mamá descubriremos los elementos esenciales de la época navideña: la compasión, la solidaridad, el fundamentalismo religioso, la plutocracia o los oscuros algoritmos que toman decisiones sobre nuestras vidas.
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«Los cuartetos que conforman este volumen constituyen una curiosidad. No forman parte -de forma oficial- de la obra poética de Dickinson. La poeta los escribía como pequeños amuletos y los enviaba -modulándolos según su interlocutor- como si fueran regalos, acompañando flores, o imbricados adentro de la prosa de sus cartas.» Así nos lo explica la doctora María Negroni, traductora y prologuista de esta singular obra: «El cuarteto es el sello que marca la poesía de Dickinson, su forma omnipresente y la más elaborada. (...) A veces, de esas miniaturas incandescentes salían poemas propiamente dichos. Su importancia en el conjunto es, sin embargo, crucial». Esta edición bilingüe reúne 185 poemas inéditos en España, agrupados por la fecha de su escritura, y acompañados del elegante trabajo artístico en papel recortado de Lucila Biscione, que sintoniza con la sintaxis rota de los versos de Dickinson, con su sobriedad, sin menoscabo de la belleza, la paradoja o los pequeños detalles presentes en su poesía. Encontramos cuartetos florales y turbulentos, frívolos y crispados. «A veces, hacia el final, estos poemas se vuelven elegíacos e incluso áridos o abstractos. Pero todos se inscriben contra la retórica, se burlan del énfasis, manifiestan un deseo de contravenir las reglas, de confundir categorías y definiciones, para buscar el vínculo entre órdenes de realidad diversa», afirma Negroni. Un libro con carácter de ofrenda, para transformar la lectura en una experiencia sensorial, en la que cada verso se revela como una pequeña iluminación.
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El eco de mis muertes es una pieza única que nos permite, una vez más, adentrarnos en la obra poética de la gran escritora argentina Alejandra Pizarnik a través de la mirada del artista Santiago Caruso. Siguiendo la estela de La condesa sangrienta (Libros del Zorro Rojo, 2022), las pinturas de Caruso en El eco de mis muertes -que incluye una selección de fragmentos del poema «Aproximaciones», escrito entre 1956 y 1958- nos llevan a emprender un recorrido por el imaginario de Pizarnik, más precisamente su traspaso «hacia el otro lado», hacia el universo de la palabra hecha cuerpo y, en última instancia, hacia la muerte. La mirada minuciosa y a la vez penetrante de Caruso realza el ya mítico universo de la poeta. Un libro desplegable que deviene en un objeto imperdible, en un verdadero talismán.
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¿Qué sucede cuando un hombre juega a ser Dios? Víctor Frankenstein, como una especie de moderno Prometeo, crea un monstruoso ser en su afán por dar vida. Pero la bestia resultante no encontrará refugio alguno en una sociedad que no está preparada para dar cabida a lo diferente. Frankenstein, obra fundamental del mentado género gótico, es una honda indagación sobre las características más bajas del ser humano, una reflexión acerca de las consecuencias de la ambición desmedida del hombre, además de un punzante comentario sobre la pérdida de la pureza y la inocencia. Hoy es considerada, también, por muchos como la primera obra de ciencia ficción jamás escrita. Siguiendo la estela de los múltiples artistas que han imaginado y reproducido visualmente la mítica obra de Shelley, David Plunkert, quien ha trabajado también en Edgar Allan Poe. Cuentos y poemas (Libros del Zorro Rojo, 2019), ilustra la presente edición con sus potentes collages.
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Katherine Mansfield ha logrado retratar como nadie lo que se esconde debajo de la superficie. El entendimiento profundo acerca de las motivaciones de las mujeres en su época la ayudó a encontrar la absoluta tridimensionalidad de sus personajes femeninos. Así combinó lo bello con el espanto y lo sórdido con lo sublime, trabajando con sutileza las finas contradicciones que conforman las múltiples dimensiones de una vida. El alma moderna y otros cuentos recoge algunos de los relatos que mejor reflejan los sentimientos volcánicos que minan la vida de sus protagonistas, sentimientos que estremecen e irrumpen en sus vidas cotidianas, siempre al borde del abismo. Sara Morante, reconocida ilustradora de obras de autoras clásicas, como Jane Eyre, Emily Brontë o Sylvia Plath, es la intérprete perfecta del imaginario literario de Mansfield.
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La historia de Helen Keller y Anne Sullivan dio la vuelta al mundo. En 1882, con apenas dos años, Helen quedó ciega y sorda. Hundida en su oscuridad, creció como una niña salvaje y caprichosa. Sus padres, desesperados, buscaron a alguien que les ayudara a educarla. Esa persona fue Anne Sullivan, una maestra que supo encontrar una forma de comunicarse con la niña a través del alfabeto manual, que consiste en formar letras con los dedos en la palma de la mano de la otra persona. Helen aprendió poco a poco los nombres de las cosas, y a partir de ese momento su vida cambió radicalmente. Las ilustraciones de Ana Juan introducen al lector en el mundo de tinieblas en el que vive la protagonista. En ellas destaca el uso magistral de la metáfora visual para trasmitir el miedo, la soledad y la frustración, pero también la fuerza interna de los personajes, inmersos en un entorno que gana en detalle y estímulos sensoriales a través de la línea y el color. La historia de Helen Keller sigue siendo un testimonio hermoso y modélico de superación y valentía humanas, que pone de relieve el tema de la integración de las personas con discapacidad. Esta obra rinde tributo a Helen Keller y Anne Sullivan, precursoras de la pedagogía moderna en el ámbito de la sordo-ceguera y cuya labor ha sido reconocida en todo el mundo.
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«Una aparición de ojos vidriosos, negra como la tinta, que iba casi a cuatro patas, cubierta por trozos de moho, hojas y ramas, forrada en sangre coagulada y que mostraba entre los dientes brillantes un terrible objeto cilíndrico blanco como la nieve, que terminaba en una mano diminuta.» H. P. L. En los relatos de H. P. Lovecraft, criaturas monstruosas o deformaciones se albergan en paisajes naturales y arquitectónicos. A menudo son lugares muy determinados, como los bosques de Nueva Inglaterra, la Antártida o el interior de casas antiguas de techos inclinados. Las apariciones de lo extraño y del horror pronto se enredan de forma inextricable con el entorno. Los monstruos ya célebres del imaginario Lovecraftiano contienen a Cthulhu y a los seres invocados por el Necronomicón, entre otros, desplegados a través un estilo narrativo laberíntico, envolvente, orlado por un romanticismo oscuro a la altura de Edgar Allan Poe. En esta selección -que puede concebirse como una secuela artística del Bestiario, publicado por Libros del Zorro Rojo- se unen esos paisajes con las apariciones, en un recorrido que abarca la mayoría de sus textos más célebres y otros menos conocidos, como «La casa maldita». Esta obra reúne pasajes memorables del imaginario de H. P. Lovecraft, iluminados por la poderosa visión artística de Enrique Alcatena, que amplifica y materializa con una paleta de colores pesadillescos lo que nunca debería ser visto.
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Nicanor Parra tenía solo veinte años cuando escribió «Gato en el camino». Fue el primer cuento que publicó en su carrera y lo hizo en la Revista Nueva, del Instituto Nacional Barros Arana. El académico Jorge Millas, director de la publicación, se negó a publicar el cuento (calificándolo de «tomadura de pelo»). Este relato estuvo «retenido» dos meses, hasta que Pedraza, dibujante y director de arte de la revista, amenazó con su marcha si no salía en el próximo número. Publicado en 1935, en un periodo de marcada influencia lorquiana, «Gato en el camino» es el primer «autoantecedente de la Antipoesía», así lo definió Pedro Lastra, como el atisbo inicial de la futura visión rupturista del poeta. El absurdo, la inconexión y el humor envuelven la azarosa vida de un minino abandonado a su suerte en medio de la vereda. Hasta el momento, en nuestro país este relato solo podía encontrarse publicado dentro de las Obras Completas, v. I (1935-1972) de Galaxia Gutenberg. Esta edición, ilustrada por Joan Casaramona, es, por tanto, la primera invitación al público de literatura infantil y juvenil a disfrutar de la prosa parriana. Gato en el camino es también un breve relato que ha convivido durante años en medio de la antipoesía de Parra sin obtener la atención y el reconocimiento que una pieza literaria de tal singularidad merece. Nicanor dejó en medio de la vereda, y a su suerte, a un gato al que Joan Casaramona ha dado vida con sus tintas y sus trazos. Más allá del imaginario del ilustrador, este cuento es otra genialidad literaria del autor, y son estas particularidades de las que Casaramona se ha valido para colocar al lector en un escenario en el que el gato vive, además de sus siete vidas, un sinfín de aventuras de las que podrá formar parte mediante sencillos juegos visuales. Un artefacto ilustrado que va más allá del álbum, un espacio lúdico en el que el lector puede, además de leer, jugar. Como buen lector del autor chileno, Joan Casaramona no crea para un público de una edad determinada, sino que, gracias al tono de sus ilustraciones y a los elementos gráficos que dispone en la estructura del libro, expande las posibilidades de lectura a un nicho más amplio, haciéndolo además de atemporal, apto para todo aquel amante de la narrativa Parra.
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El Cielo sobre Berlín es la obra maestra de Wim Wenders y uno de los éxitos internacionales más importantes del cine alemán. Monólogos de fuerte lirismo conforman el lenguaje poético con el que se trabajan dilemas humanos como la existencia, la finitud, la solead o el amor. Un ángel se rebelará contra esa fría forma de existir (que Wenders transmite en el lenguaje pictórico a través del uso del blanco y negro), conmovido por los efectos que el amor hacia una trapecista de circo encenderá en él. El vuelo perpetuo y en solitario será trocado por otro bien diferente: finito y de a dos. La experiencia humana atravesará a aquel que renuncie a ser un eterno testigo de vivencias ajenas («Mirar no es contemplar desde lo alto, es mirar a la cara, de igual a igual»), para sentir en la carne el dolor y el júbilo, el frío de la pérdida o el calor de una caricia correspondida, en el laberinto de la felicidad compartida. compartida. El escenario es el Berlín de los últimos años del muro. Ciudad de escombros y de espacios vacíos, este es, empero, el territorio conquistado por la libertad. Los habitantes hacen magia entre los escombros: Wenders lo sabe y allí mismo, en un descampado fangoso, sitúa al circo en donde una trapecista surca los aires con elegancia ante la azorada mirada del ángel que empezará a desear.
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Veintidós criaturas nos conducen al mundo perturbador del gran maestro de la narrativa fantástica. Las estampas de Enrique Alcatena nos revelan las bestias más inquietantes y extraordinarias del universo de H. P. Lovecraft en un descenso magistral hacia los abismos del terror.
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El autor explora también el mundo de los niños, de la A de Aurelio a la Z de Zacarías. Estos niños indagan en el interior de sus pequeños universos, miran la vida con minuciosa atención y quedan perplejos ante sus descubrimientos, se mueven en espacios sin adultos que sirven para desplegar toda su imaginación.
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Cuesta imaginar un mundo sin dinero. Cada país tiene su propia moneda, el hiperespacio tiene varias, y la vida es una transacción constante. No solo económica, aunque casi siempre siga esa lógica, que llamamos capitalismo. Gastamos dinero incluso sin salir de casa, y algunos lo ganan sin hacer nada. Este libro, de hecho, está dedicado «al 99%» (que tanto trabaja, o ya quisiera trabajar). Desde que el dinero existe, sin embargo, hay disputa sobre lo que es, si se trata de un fin en sí mismo o es solo un medio, una cosa o una idea, una bendición o una condena. Páginas interminables se han escrito sobre la historia, la filosofía y la sociología del dinero. ¿Se trata de los billetes o del saldo en una cuenta? ¿Y quién lo inventó? ¿Es cierto que mueve el mundo? ¿Entonces quién nos gobierna? Este libro explica, entre otras cosas, cómo era el comercio antes del dinero, ayuda a desentrañar cuestiones tan espinosas como la injusta distribución de la riqueza y resume, de manera entretenida, una reflexión tan antigua como el oficio más antiguo del mundo.
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¿Sabías que en Japón hay mujeres artificieras? Son las que imaginan y fabrican los fuegos artificiales. También hay artesanas de las cometas y los fideos soba, y estudiosas del musgo de los bosques, que tiene poderes extraordinarios. Existen las areneras, porque los baños de arena volcánica son muy relajantes, y las luchadoras de sumo. Y artistas que con esmero, resina y polvo de oro convierten las cosas rotas en piezas valiosas. Otras producen paraguas para zapatos y objetos por el estilo, que no están a la venta y, sobre todo, sirven para preguntarnos por qué compramos tantas cosas que, en realidad, no necesitamos. Se puede soñar con todos los oficios que existen, y como los sueños sí se cumplen, este libro presenta a ocho mujeres que se dedican a lo que más les gusta. A través de sus historias, se cuentan otras maravillas poco conocidas del país del sol naciente. ¿O sabías que, en tiempos de paz, los samuráis fabricaban cometas?
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Diálogos hilarantes y trazos caricaturescos dan vida a esta atípica biografía sobre Sigmund Freud. Con agudo humor inglés, Ralph Steadman interpela los momentos más célebres de la vida del psicoanalista austríaco, reinventando escenas a la medida del trazo de sus caricaturas: el Freud de costado más humano, desnudo ante sus propias ansiedades, angustias, amores y… ¡chistes! «En contra de lo que muchos creen, Sigmund Freud tenía sentido del humor», sostiene Steadman, que aprovecha el libro de Freud sobre el chiste y su relación con lo inconsciente, como base para un doble homenaje: al humor y al padre del psicoanálisis. Freud, Jung, Lou Andreas Salomé: todos ellos reinventados por el fino trazo de tinta y lápiz de Steadman, que, travieso, pasa del dibujo al texto con la misma jocosidad. En diálogo, Freud hacia Jung: —¡Maldita sea! ¿Te has tirado un pedo? —Claro que me lo he tirado. ¿O acaso crees que siempre huelo así? La puerta para ir a jugar se abre luego de la reverencia, en la cual Steadman reconoce la lucidez de quien hace uso de los inteligentes mecanismos del chiste aun en situaciones extremas. Dijo Freud: «Qué progreso hemos logrado. En la Edad Media me habrían quemado en la hoguera. Ahora se contentan con quemar mis libros».
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Se trate de un lugar real o un constructo humano, el infierno ha tenido un espacio honorífico en diversas culturas y religiones a lo largo de las épocas. Y todavía lo mantiene. No hay infierno universal, cada pueblo teme el suyo, pero en todos reina el espanto, custodiado por uno o más espíritus malignos. Quien desee adentrarse en el inframundo, en cualquiera de sus versiones, encontrará aquí una guía extraordinaria al más abrasador (o gélido) imaginario humano de la condena y el castigo. Steven Heller y Seymour Chwast conocen bien la Gehena hebrea, el Yahannam sunita, el abismo helado donde se arroja a los condenados suajilis, o el mito maya de Xibalbá. Sin olvidar, por supuesto, el infierno de Dante. Esas y otras tantas amenazas, cuya verdad es incontestable hasta para quienes no creen pero sí admiran los portentos de la imaginación humana.
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En 1925, la editorial George G. Harrap & Co. de Londres encargó al ilustrador y vitralista irlandés Harry Clarke el que sería, en su propia opinión, el mejor de sus trabajos, y probablemente uno de los más curiosos: el poema dramático Fausto, de Johann Wolfgang von Goethe, obra cumbre de la literatura universal. La virtuosa ejecución de las más de setenta imágenes que iluminan esta tragedia deslumbra por su perturbador estilo vanguardista. Las estampas de Clarke, realizadas hace casi un siglo, convierten la lectura del gran poeta alemán en una nueva experiencia estética y literaria. Libros del Zorro Rojo presenta el primer libro de la tragedia, que desarrolla el pacto diabólico entre Mefistófeles y Fausto, y la lucha de este junto a Margarita por la suerte de sus almas.
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Atreverse a ser diferente tiene un alto coste, pero también una gran recompensa. Eso es lo que descubre un pequeño guisante cuando decide recorrer el mundo. Así, cada estancia de su viaje se convierte en una etapa de crecimiento. Sin embargo, el valor del relato no se encuentra en la travesía. Éric Battut reserva lo mejor para el final. Un desenlace inesperado que sacará a los lectores más de un color.
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