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Llibres d'Art, Cinema i Música
T'apassiona el setè art? Tot el que té a veure amb la cultura? Si la resposta és sí, no et pots perdre la nostra gran selecció de llibres d'art, cinema i música. Compra llibres d'art, cinema i música online. En aquesta secció disposem d'una àmplia selecció de llibres d'art, cinema i música en diferents formats i en múltiples idiomes. Hi trobaràs lectures sobre diferents disciplines artístiques com interpretació, entre altres, sobre sèries de televisió i pel·lícules com Harry Potter, Joc de Trons, Star Wars o Stranger Things i sobre la història de cantants i grups de música com ara Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre molts altres.
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Un recorregut crític i visual per les obres del gran arquitecte Alvar Aalto des d'una nova mirada.Solament una part minsa de la crítica ha reconegut el valor del transitiu i continu en l'arquitectura d'Alvar Aalto. Se l'ha interpretat a partir d'una idea d'ordre en què les diferents peces d'un edifici o espai urbà es presenten de manera aïllada, sense una estructura comuna que les uneixi. D'acord amb aquest enfocament, les diferents parts i elements dels seus edificis o conjunts urbans es relacionen entre ells per mera contigüitat, sense inflexions ni articulacions. En altres paraules, s'han ignorat els espais de transició i recorregut com a aspectes crucials de les seves propostes.En contraposició, aquest assaig té com a objectiu demostrar que la manera en què es produeix, controla i organitza el recorregut de les persones és un dels components fonamentals de l'arquitectura aaltiana. Els elements que guien els itineraris des de l'exterior (preludi) fins al centre de les propostes (desenllaç) són considerats acuradament, seguint una seqüència premeditada. La circulació va més enllà de la seva funció de connectar àrees i funcions i es converteix en un esdeveniment espacial independent. Dit d'una altra manera, passa de ser una mera utilitat a convertir-se en el fonament de l'arquitectura.En resum, pretenem demostrar que els diversos àmbits de les propostes d'Aalto no es limiten a la simple juxtaposició o acumulació, malgrat que no recorri a estructures portants o formals rígides. L'arquitecte busca continuïtat en els moviments i circulacions des dels nuclis centrals que estructuren la forma o cap a aquests, bé siguin coberts o descoberts, utilitzant en tot moment aproximacions tangencials en comptes d'axials. En última instància, aquest assaig aborda el tema del recorregut com una part essencial de la manera en què Alvar Aalto organitza l'espai i les formes construïdes.
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Ya Francisco Pacheco, en su Libro de los retratos de 1599, dejó dicho de Maese Pedro de Campaña, nombre castellanizado de Pieter Kempeneer, que «fue extremado escultor, grande astrólogo, fundado aritmético, geómetra, arquitecto y perspectivo», dedicaciones que sumadas a su condición de pintor excelentemente dotado lo convirtieron en uno de los creadores y humanistas más importantes y afamados de la Europa del Renacimiento. Nacido y formado en Bruselas, perfeccionó su técnica durante una estancia en Italia -de la que no se conservan obras- y desde allí viajaría en 1537 a Sevilla, la gran metrópolis donde alcanzó la madurez artística y, a lo largo de casi tres décadas, realizó el grueso de su producción. Buena parte de esas obras aún pueden contemplarse en los lugares para los que fueron concebidas, como la Catedral o la Iglesia de Santa Ana de Sevilla, otras se han diseminado en grandes colecciones como la del Museo del Prado, la Gemäldegalerie de Berlín, la Galería Uffizi de Florencia o el Louvre de París. Hasta su regreso a Bruselas en 1562, Campaña ocupó una posición relevante en la pintura sevillana, celebrado por su extrema sensibilidad a la hora de describir los episodios de la Pasión y por su enorme calidad en el retrato. La ciudad vivía entonces un extraordinario desarrollo económico, artístico y social, y un pintor como él, que conjugaba con equilibrio el gusto nórdico por el detalle y la técnica italiana de los maestros, se adecuó desde muy pronto a una clientela cada vez más formada, próspera y preocupada por su imagen para la posteridad. En esta imprescindible monografía, el profesor Enrique Valdivieso reúne la obra conocida de Campaña y la analiza desde una perspectiva novedosa, recuperando una pintura que se nos presenta como una de las grandes creaciones del Renacimiento hispánico.
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Ahondar en el proceso de disección para comprender las verdaderas razones que sustentan el Gimnasio Maravillas de Alejandro de la Sota.Aunque existe un amplio consenso sobre la importancia del Gimnasio Maravillas, obra primordial del arquitecto Alejandro de la Sota (Pontevedra, 1913 - Madrid 1996), se plantea frecuentemente por qué es ejemplar y en qué radica su calidad. Este libro trata de responder a estas preguntas. Inevitablemente uno parte de que sí lo es y de que su calidad es inmensa. Pero sólo podremos afirmarlo con rigor si sometemos al edificio a un exhaustivo análisis, donde podamos comprobar que responde de manera excelente a todas las preguntas desde cualquier punto de vista, especialmente si verificamos que mantiene intacta su frescura y su novedad, y su capacidad de sugerir en el tiempo.
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En el período 1963-1975 la sociedad española vivirá una tímida apertura aunque seguirá deseando integrarse en la pujante Europa comunitaria y democrática, hecho que no llegará hasta finales de 1985. El cine impulsado con la fórmula de la coproducción fue un fiel espejo de estos vientos de cambio -apenas una brisa- de la raquítica industria cinematográfica española: otra mirada al exterior que hará tornar el blanco y negro en tímidos colores. Son los años del mítico 600, de las turistas en bikini, del auge del electrodoméstico y de las chicas yeyé. Es la época de esplendor del cine de género en España: western mediterráneo, fantaterror, thrillers aderezados con espías internacionales, cine bélico, comedias con aires pop, cine de barrio, de programa doble, construido con otros países vecinos buscando un mercado más global con un sello más europeo. Once especialistas procedentes de diferentes campos, con una marcada presencia del sello Film-Història asociado a autores como José María Caparrós, Rafael de España o Magí Crusells se acercan en este primer volumen a esas películas hechas en ocasiones con medios precarios, pero con una ilusión y amor al cine a prueba de bombas. Junto a un cine de corte más intelectual encontramos uno más popular, que inundó las plateas de los cines españoles, más tarde fue carne de videoclub y ha acabado teniendo una buena legión de seguidores. Esta obra nace con la intención de contextualizar esas películas y reivindicar a una serie de directores, técnicos, actores y más de 1500 títulos que forman parte de la Historia de nuestro cine y que merecen algo más que el menosprecio o el olvido.
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BODAS DE ORO DE LA MEJOR PELÍCULA DE TERROR DE LA HISTORIA DEL CINELa Navidad de 1973 todo cambió en las películas de terror en particular y en el cine en general. Se estrenaba ''EL EXORCISTA'', la película que, justo medio siglo después, sigue siendo sin discusión la cumbre del cine de terror. Pocos son los millones de espectadores de la película que no han sentido un escalofrío en algún momento de la ''experiencia''. Cuando Regan MacNeil, la niña de 12 años que protagoniza la historia, predice la muerte de un astronauta amigo de su madre. O cuando comienza a mostrar signos de una enfermedad rara, que por más pruebas médicas que le hacen no consiguen averiguar qué es. ¿Y qué decir de su cama, que se mueve sola con violentas sacudidas? Para la historia del cine más negro quedan también las escenas en que la angelical niña se convierte en un monstruo peligroso, que se masturba con un crucifijo hasta llegar a sangrar o, en lo que es una escena mítica, su cabeza puede dar una vuelta completa a su cuello.¿Y el momento de pánico en que baja la escalera deslizándose de espaldas sobre manos y pies como una araña? ''Tubular Bells'', la icónica música de Mike Oldfield, acompaña la llegada de dos sacerdotas, el padre Merrin y el padre Karras, que intentarán ahuyentar el demonio que habita en Regan, aunque no han sido capaces de espantar su propio infierno interior. Terror, angustia, violencia, sangre... y una única solución: un exorcismo. KARRAS, MEDIO SIGLO DE ''EL EXORCISTA'', recoge este medio siglo de la película más terrorífica de la historia en una edición de lujo, en color, y con más de 1.100 fotografías.
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Como producto del romanticismo europeo, el flamenco andaluz ha sido entendido durante mucho tiempo como una misteriosa expresión de la poesía y la música de los gitanos andaluces, transfigurada y utilizada comercialmente. Desde una perspectiva crítica y científica, el presente estudio desmitifica el flamenco como fenómeno del romanticismo gitano, iniciado hacia finales del siglo XVIII en el teatro menor, y lo analiza en el contexto del folclore urbano agitanado y popularizado que hacia 1850 se perfiló como género artístico propio de la modernidad emergente. Así, las bases del surgimiento del flamenco se describen a partir de la dialéctica entre tradición y modernización en la transición de la cultura popular rural-agraria a la cultura popular urbana de la sociedad burguesa que imperaba en España en el siglo XIX. Partiendo de los datos existentes, Steingress analiza esta manifestación cultural andaluza como expresión de un arte gitano imaginario y artificial, donde la tradición, la inquietud artística y la autoconciencia del pueblo gitano se afirmaron y desarrollaron hasta convertirse en un elemento clave de la cultura andaluza. Al igual que en los casos del blues, el rebético, el tango, el fado, la samba o el raï, el flamenco se comprende entonces como una música del pueblo español étnicamente polifacética y surgida de una serie de hibridaciones transculturales que han contribuido a la consolidación de Andalucía y sus regiones colindantes como espacio culturalmente autónomo, capaz de aportar su singularidad al desarrollo de la música y el arte a escala mundial. Libro revolucionario desde su primera edición a principios de los años noventa, Sociología del cante flamenco marcó el inicio de una profunda reconsideración en la hasta entonces dominante flamencología tradicional.
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Atlas de las futuras islas sumergidas propone un viaje revelador que desafía nuestra percepción del mundo. Si Judith Schalansky exploró las islas y su belleza romántica en su ''Atlas de islas remotas'', Christina Gerhardt las analiza desde un punto de vista totalmente contemporáneo: el de la abrumadora realidad del cambio climático que borrará las islas de los mapas. Este libro es más que un atlas, es un relato gráfico que muestra cómo el inevitable aumento del nivel del mar está modificando nuestros paisajes, una crónica viva que entrelaza con habilidad ensayos, mapas, investigaciones científicas, arte y poesía para advertirnos de un inminente cambio. Pero, ¿cómo se percibe esta amenaza desde una isla? ¿Qué se siente ante una emergencia sin posibilidad de huida? ''Atlas de las futuras islas sumergidas'' dirige la mirada hacia las comunidades isleñas que sufren desde primera línea las consecuencias de la crisis climática y que luchan contra esta con esperanzadoras iniciativas. Sus voces nos ayudan a entender el presente y a reimaginar el futuro de nuestro planeta. Datos, mapas y curiosidades sobre las islas que corren riesgo de desaparecer.
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La fábrica de sueños de Hollywood atraviesa una pesadilla de restricciones. La cultura woke y sus políticas de identidad parecen enloquecer, estableciendo nuevas reglas que muchos ven como una lamentable pérdida de libertad. Las consignas se introducen en guiones y películas que pugnan por obtener un Oscar, y también en televisión, hasta constituir una verdadera revolución en el modo de mostrar sus contenidos.El galardonado crítico de cine Christian Toto analiza dónde se equivocó Hollywood, cómo se ha llevado a cabo ese proceso en la industria del cine y qué rayos de esperanza alberga el futuro.
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Bienvenido a mi mundo de dibujo de alta definición y gran detalle, donde los animales se transforman en extraños seres, los objetos rompen en un estallido de flores y los paisajes de fantasía cobran vida.Tras el éxito de Colormorphia, este es el segundo libro que recoge las imágenes más impactantes de la serie Morphia, el bestseller de Kerby Rosanes. Una sección de 16 páginas a todo color mostrará algunas de las obras más espectaculares que han coloreado los seguidores de Kerby, acompañadas de comentarios y consejos para que los lectores puedan crear sus propias obras maestras. Las ilustraciones que aparecen en la sección en color se repetirán en la sección en blanco y negro, para dar a los coloristas la oportunidad de duplicar el enfoque, junto con otras bellas ilustraciones.
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La carrera de Adolfo Rodríguez está marcada por su pertenencia a dos bandas puntales de la historia de la música popular española, Los Íberos y Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, Transitando por el camino púrpura, la música ha marcado el ritmo de su apasionante vida desde que con dieciséis años se echó la guitarra al hombro, Ajeno al mito, Adolfo se considera un trabajador de la música, Adolfo. Por el camino púrpura recorre su infancia en el madrileño barrio de la Ventilla durante la posguerra, sus comienzos musicales en el Madrid pop de los sesenta y en el legendario Torremolinos de la época, la grabación en Londres con Los Íberos de algunas de las mejores canciones del pop español de todos los tiempos y el tortuoso y brillante camino recorrido con Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, Asistimos a su participación en la versión española de The Rocky Horror Show en los estertores del franquismo, su trabajo en una orquesta o su colaboración en decenas de anuncios y discos de diferentes artistas, así como su presencia en dos de las mejores películas del pop español Un, dos, tres… al escondite inglés y Topical Spanish, Acontecimientos que hacen de Adolfo una figura incontestable del pop español y dan forma a una larga carrera en la que la pasión por la vida ha primado por encima de cualquier otra circunstancia,
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Una descomunal copia de Las meninas a tamaño real se instaló en el salón de un pequeño apartamento madrileño en la plaza de Tirso de Molina. Cada día y durante ocho años, Emilio Cendón, que estudió Bellas Artes pero decidió abandonar toda práctica artística, ha convivido con la infanta Margarita, con Diego Velázquez y con los reyes en el espejo para intentar entender por qué el pintor sevillano dedicó los últimos años de su vida a un cuadro que, aparentemente, no refleja más que una escena menor de la vida en palacio. A través del estudio de sus obras anteriores, del testimonio de la memoria de pinturas que Velázquez redactó explicando las obras de arte que atesoraba la corte española —como los caprichos de Tintoretto y Veronés— y del análisis de piezas de otros artistas, como Leonardo o Van Eyck, el autor recrea una investigación fascinante y obsesiva, casi policíaca, que consigue atar cabos y ofrecernos pistas para entrar en la mente de un genio de enorme influencia en el arte contemporáneo y lograr comprender, por fin, por qué y para quién pintó Las meninas. Este libro, personal y alejado de lo académico, es también una crónica de esos años en compañía de Las meninas, así como de los viajes para encontrar sus claves. Plagado de minuciosas reproducciones a lápiz hechas por el autor, este texto generará en el lector unas irrefrenables ganas de ir a El Escorial, a Milán, a Londres y, sobre todo, de volver a visitar el Museo del Prado para situarse delante de Las meninas… y que todo cambie.
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Por primera vez, se publica en bilingüe un libro que ahonda en la obra de Frans van de Staak, un «cineasta de cineastas», un eslabón perdido en la historia del cine.En el cruce entre el cine narrativo, la poesía experimental, el teatro de vanguardia, las artes plásticas, la música de improvisación y la losofía del lenguaje, Frans van de Staak (Ámsterdam, 19432001) ocupa un lugar único en la historia del cine.Desde los textos de Baruch Spinoza, Hubert Poot y Wallace Stevens a las frases hechas del lenguaje ordinario, las películas de van de Staak aíslan y reinterpretan la sensualidad de los signos de la vida moderna, de la in exión de una voz a la manera de anudarse los cordones de un zapato. A partir de sus propios escritos, entrevistas y materiales preparatorios de sus proyectos, este libro invita a recorrer el fulgurante conjunto de su filmografía, que testimonia una originalidad radical en su concepción de las posibilidades del cine.
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Cineastas de todas épocas y lugares han sentido una poderosa atracción por situar el cine en el centro de sus películas. Con gran diversidad formal y argumental, el cine dentro del cine o metacine nos asoma a los procesos de la creación cinematográfica y al desempeño profesional de directores, productores, intérpretes y guionistas. El espectador obtiene un acceso privilegiado a las bambalinas del cine, y sufre y disfruta con los conflictos que afloran detrás de la cámara. El rodaje es, en efecto, un escenario en el que se desatan las luchas de egos, las relaciones de poder asimétricas, los imprevistos y las limitaciones humanas. Además, como los magos que muestran sus trucos, estos films revelan las estrategias que permiten generar la ilusión cinematográfica. También nos asoman al envés del éxito y la fama, y en ocasiones juegan con los trasvases que se producen entre la realidad y la ficción, entre la vida y el cine. Alejándose del pesimismo, el metacine se presenta, a veces, como carta de amor al séptimo arte. Mediante citas y alusiones, estas películas rinden homenaje al legado fílmico recibido. Y nos recuerdan que pocas experiencias resultan tan estimulantes y poderosas como la del espectador que se abandona a la pantalla para participar de otros mundos y otras vidas.
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Historia del cine negro que apuesta por la línea más pura y genuina del género: la inspirada en la mejor literatura negra del pasado, Chandler, Hammett, Cain, Irish , o del presente, Dennis Lehane, Michael Connelly, etc. Es decir, la que favorece la dimensión crítica y poética que fundamentó el género en su mejor época.Y es que existe una creciente tendencia a englobar bajo la denominación noir todo el cine policíaco, desde el murder mistery tipo Agatha Christie a las cintas de gangsters o los thrillers de pura acción. Lo cual, para el autor del libro, es desnaturalizar en cierta medida las constantes de origen literario que hicieron grande a este género de tan peculiar y bella especificidad.La presente obra intenta rastrear lo más genuino cine negro (norteamericano, pero también europeo) mediante un recorrido en el tiempo que abarca, desde esas piezas maestras de mediados del siglo pasado que son El halcón maltés, Laura, Perdición o Sed de mal, hasta las no muy abundantes pero también espléndidas cintas que sigue por suerte produciendo el siglo XXI como pueden ser Puro vicio (Thomas Anderson) o Perdida (David Fincher).
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Written by a well-known artist and best-selling art-instruction author with almost rock-star popularity in the contemporary world of representational art, Beginning Drawing Atelier, with its unique workbook/sketchbook approach, and high-quality paper, offers a comprehensive and contemporary twist on traditional Atelier art instruction practices.Atelier education is centered on the belief that working in a studio, not sitting in the lecture hall, is the best place to learn about art. Every artist needs to learn basic drawing skills.In this elegant and inspiring workbook, master contemporary artist and best selling author Juliette Aristides breaks down the drawing process into small, manageable lessons, presents them progressively, introduces time-tested principles and techniques in the Atelier tradition that are easily accessible, and shares the language and context necessary to understand the artistic process and create superior, well-crafted drawings.What makes this approach unique is the fact that it includes blank pages for copying and practicing within each lesson, facilitating traditional Atelier methods. Ateliers have produced the greatest artists of all time--and now that educational model is experiencing a renaissance.These studios, in a return to classical art training, are based on the nineteenth-century model of teaching artists by pairing them with a master artist over a period of years. Students begin by copying masterworks, then gradually progress to painting as their skills develop.Beginning Drawing Atelier is like having an atelier in a book - and the master is Juliette Aristides, a classically trained artist. On every page, Aristides uses the works of Old Masters and today's most respected realist artists to demonstrate and teach the principles of realist drawing and painting, taking students step by step through the learning curve yet allowing them to work at their own pace. Unique and inspiring, the approach in this new book offers serious art courses for serious art students.
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Crea personajes de caricatura como un profesional Muchas de las personas que quieren dibujar caricaturas y animación aspiran a crear personajes originales: esa es la parte divertida del trabajo. Esta guía para principiantes muestra cómo realizar ajustes a partir de formas básicas para crear personajes únicos que puedas considerar propios. El libro está dedicado a diferentes aspectos fundamentales, como tipos de cabeza y cuerpo, distintas personalidades, exageración, poses y ropa. Si te gustaría inventar personajes originales pero no sabías por dónde empezar, en esta guía completa y accesible vas a encontrar las claves para dibujar caricaturas como un profesional. Aprende a: dibujar los nueve tipos clave de personajes de caricatura, exagerar las proporciones del cuerpo para hacerlas divertidas y diferentes, dar vida a los personajes con distintas posturas, y crear variaciones de color, ropa y poses. Con cientos de ilustraciones, claras instrucciones paso a paso y un montón de trucos que garantizan el éxito.
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Durante la segunda mitad del siglo XIX, en los verdes campos de los alrededores de Aix-en-Provence, Paul Cézanne (1839-1906) se consagró a la representación de paisajes y naturalezas muertas que se convertirían luego en obras clave del arte moderno. Con pinceladas compactas e intensas y un audaz acercamiento al espacio y la luz, Cézanne intermedió entre el impresionismo y los movimientos fundamentales de principios del siglo XX y se convirtió, en palabras de Matisse y Picasso, en «el padre de todos nosotros». Esta nueva aproximación a su trabajo selecciona las obras clave que permiten entender el desarrollo, las innovaciones y la influencia crucial que Cézanne ha tenido en el arte moderno. Desde composiciones de frutas y peras hasta escenas de bañistas, recorremos su experimentación con el color, la perspectiva y la textura para evocar «una armonía paralela a la naturaleza», así como el propio proceso de ver y representar.Por el camino, nos detenemos en su famosa serie de pinturas Los jugadores de cartas, con su combinación de capas de colores cálidos y fríos para construir forma y superficie, y en el rigor geométrico de sus paisajes de los alrededores de Aix-en-Provence, tan brillantes en su captura de la luz del sur de Francia como atrevidos por su concepción radical de las dimensiones y la profundidad.
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Mejorar en cualquier aspecto supone un reto. Significa pasar de un nivel de funcionamiento a otro mejor, de un nivel determinado derendimiento a uno superior. Y conseguirlo supone estar dispuesto a exigirte un poco más para alcanzar el incremento qu
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El auténtico texto de referencia sobre todo lo relacionado con el laboratorio fotográfico. Con más de 1.500 ilustraciones, 112 de ellas en color, este manual le permitirá montar y utilizar un laboratorio fotográfico para sacar el máximo partido de las innumerables técnicas artísticas que ofrece.
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El texto plantea diversas estrategias para desarrollar propuestas curriculares más efectivas a través del arte. Propone explorar un enfoque basado en proyectos para la formación de docentes en educación artística. El objetivo principal es estimular una reflexión sobre la educación artística y la cultura visual, proponiendo prácticas que se enfoquen en los métodos de enseñanza y aprendizaje, así como en la generación de nuevas formas de pensamiento, acción, sentimiento y percepción desde la experiencia personal de los individuos.
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Estas ficciones, dignas herederas de aquella tradición narrativa que gusta de encontrar lo fantástico en lo cotidiano, y que tiene a Borges y Cortázar como referentes indiscutibles, llevan al lector a otros mundos dentro y fuera del nuestro –quizá un personal homenaje del autor a los relatos de Isaac Asimov y Ray Bradbury–, en un viaje literario simbólico donde el lector podrá descubrir ecos, menciones veladas y guiños aDante, Shakespeare, Goethe u Oscar Wilde. No falta en ellas el cariz humorístico, las numerosas referencias cinematográficas, las profusas citas musicales –Wagner, Richard Strauss, Debussy, Schönberg, Alban Berg–, algún que otro retrato costumbrista, los juegos delaberintos, círculos viciosos, espejos, luces y sombras, noche y niebla, los amores dantescos, el baile yel canto de los más sabios arcángeles, venganzas quetraspasan el hilo del tiempo, trasuntos mitológicos,y, cómo no, la hermosa y rutilante metáfora pitagórica de la armonía de las esferas, que vertebra todo eluniverso narrativo del autor.
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Desde Mozart, a mediados del siglo xviii, hasta AlbanBerg ya bien entrado el siglo xx, veintidós compositores desnudan su alma en estas cartas, que hablan deamor, pero también de la vida cotidiana, las ideas, los sueños y los sentimientos personales. Su autor, que dedicó su vida al estudio de los protagonistas, plantea: ?Alguno de ellos tal vez se desvele ante el lector de un modo del todo inesperado: su música o su retrato presagiaban una persona completamente distinta. ¿Es entonces la carta de amor la auténtica vía de acceso a un alma siempre oculta??.
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En este extraordinario ensayo publicado originalmenteen 1963, Donald Mitchell examina con gran perspicacia y sensibilidad los valores filosóficos y estéticosque determinaron el lenguaje de la música del siglo xx. Para ello se centra en las figuras de Schoenberg yStravinski, representantes de dos estilos genuinamente modernos y de una nueva sensibilidad. Mediante larigurosa aplicación de técnica y construcción formal,ambos compositores dotaron a la música de nuevos vocabularios y transformaron las convenciones de escuchay composición para siempre. Dado el carácter multidisciplinar de este ensayo, los años lo han elevado alestatus de clásico no sólo en el campo de la musicología, sino también de los estudios culturales.
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'Mi proyecto -escribe el autor- es exponer la historia de la filosofía, desde sus inicios hasta la actualidad, a través de los principales temas y autores de cada período, utilizando las letras de canciones de los principales grupos de heavy metal español. Pese a todas sus limitaciones, espero que el resultado de este libro sea satisfactorio. Su objetivo es difundir yprovocar interés y curiosidad por la filosofía y porel heavy metal a la vez: que los aficionados a esta música o los integrantes de esta tribu urbana, movimiento o como queramos llamarlo, puedan acercarse a la filosofía y su historia (si no lo han hecho ya), y quequienes disfrutan de la filosofía puedan conocer unpoco más de cerca a esos melenudos que se llaman heavies. Si es así, para mí es suficiente''.
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Considerado tradicionalmente como el director más importante del cine español, Luis Garcia Berlanga poseecomo pocos cineastas un universo tan propio y original que hace de su obra un conjunto perfectamente identificable, Un grupo de expertos analizan en El universo de Luis García Berlanga todos sus films, sus actores, colaboradores
. Todas las constantes de su vida yobra.
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Poniendo el foco en el arte y la práctica de la fotografía MACRO y de aproximación, Thompson abarca, en este libro, las habilidades fundamentales, aunque a menudo pasadas por alto, necesarias para lograr resultados profesionales en este campo. Los casos de estudiocubren un amplio espectro de escenarios, en muchas ocasiones, desafiantes, en los que se fotografían sujetos desde la orilla del mar hasta en el patio de su casa, y conforman el núcleo de este libro, ilustrado con detalle y rigor. La biología, el ciclo de vida, elcomportamiento del sujeto, la ética para tomar fotosde esos aspectos y el concepto de mejores prácticas,se abordan en detalle y se afianzan con útiles consejos fotográficos. El libro está dividido en cuatro secciones: Fundamentos digitales, Práctica y metodología, Casos de estudio, Flujo de trabajo digital y presentación, que explican el proceso fotográfico completo, desde la captura hasta la edición y etiquetado, asícomo el revelado y el almacenamiento. Yendo más alládel enfoque de la fotografía MACRO, este libro brinda a los lectores técnicas que funcionan en el terrenomismo en el que se produce la captura de las fotos.Ilustrado con más de 250 imágenes inspiradoras realizadas por el autor, este libro es imprescindible parafotógrafos, naturalistas y cualquier persona interesada en mejorar sus habilidades en la práctica de la fotografía MACRO.
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Este ensayo funciona como mínimo en tres niveles, y es esta variedad de capas y significados lo que le confiere excepcionalidad y lo convierte en uno de los textos musicales más apasionantes y valiosos de los últimos años. En la superficie, se trata de una reflexión acerca de uno de los grupos más influyentes del hip hop, A Tribe Called Quest, una formación liderada por Q-Tip, Phife Dawg y Ali Shaheed Muhammad que encabezó el movimiento Native Tongues en la década de los noventa. A Tribe Called Quest buscó puntos de conexión entre el rap y la gran tradición del jazz y otras corrientes de la historia negra americana, y se convirtió en el grupo de culto por excelencia de su tiempo, una exquisitez que, aunque no conquistó el éxito masivo, sí se ganó el respeto eterno de miles de fans. Pero más allá de la biografía y del análisis crítico de los discos de A Tribe Called Quest, este libro deviene algo muy superior: es una carta de amor a la música y a la importancia de dar con referentes que determinen el curso de una vida y una carrera. Hanif Abdurraqib no solo habla de su grupo favorito: habla de sí mismo, de lo que es ser afroamericano en Estados Unidos en la actualidad, de lo que significa ser fan y vivir la afición con intensidad y sin concesiones. Y más allá todavía, Go Ahead in the Rain analiza el peso histórico que ha tenido a lo largo de más de un siglo la música negra en el desarrollo de la cultura popular americana. El libro se remonta hasta la esclavitud, al nacimiento del jazz y el blues, para explicar cómo la evolución de esta música ha estado conectada durante décadas con la lucha política y la reclamación ...todavía hoy candente y de plena actualidad... de que todas las vidas importan en un país que, por momentos, ha parecido darle la espalda de manera descarada a la población y la tradición afroamericana. Así, en este libro, A Tribe Called Quest es una feliz excusa para hablar, con una exquisita prosa lírica, de la historia de un movimiento y de una música que contribuyen a explicarnos el mundo en que vivimos.
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A guidance for documenting, studying an publishing architectural remains in archaeology.Architects have been instrumental in developing the methods and standards for documenting, studying and publishing architectural remains in archaeology. At many sites, their reconstruction drawings shape our understanding of destroyed monuments. Architects often play a leading role in the restoration and reconstruction of buildings. In many countries they also direct archaeological field projects. In this introduction to archaeological building research, the questions, methods, techniques and possible results of the work of architects in archaeology are presented, based on the work of the internationally active German Archaeological Institute. Emphasis is placed on the importance of drawings in documenting observations made in the field, as well as on methods of reconstruction and architectural analysis of building remains. The aim is to introduce architects and students of architecture to a special field of work, and to give experts from other disciplines an insight into the research questions and methodology of architects and their potential contribution to archaeology and cultural history.
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¿Sabrías cómo manejarte ante una catástrofe humanitaria? ¿Sabrías cómo actuar como fotógrafo en un campo de refugiados? ¿Conoces lo que es un fixer y cómo contratarlo? ¿Sabrías cómo planificar un proyecto documental en una cultura totalmente ajena a la tuya o cómo incrustarte en un destacamento de soldados?¿Sabes que un fotógrafo documental puede llegar a desarrollar un vínculo imborrable de amistad con gentede culturas totalmente ajenas o padecer estrés postraumático por haberse involucrado en causas particularmente difíciles? ¿Y qué hay de hacerte pasar inadvertido, de integrarte en círculos sociales de complicadoacceso, de improvisar en situaciones desconocidas o de saber ganarte a esas personas cuyas vidas estás documentando? Esta obra recoge la naturaleza real dela fotografía documental y el acceso y la planificación del proyecto fotográfico con un contenido duro, impactante, pero también fascinante y alentador. El lector descubrirá cómo desplegar estrategias, lograr elacceso, la psicología de gentes, el arte de pasar inadvertido y en gran medida, el arte de improvisar ensituaciones desconocidas. Pobreza extrema, violencia, pero también ritos y costumbres fotografiados con mirada tranquila y respetuosa, sin prejuicios. Paraello el autor se ha servido de su experiencia personal y de un profundo análisis antropológico de las personas a las que documenta, lo que le ha valido el reconocimiento fotográfico de la comunidad internacionala través de numerosos premios, menciones de honor, como los IPA (International Photography Awards) durante varios años sucesivos, y exposiciones, siendo uno de sus trabajos más recientes el expuesto en el Dale Carnegie Hall de Nueva York.
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Crφtica visual del saber solitario reivindica tanto la estΘtica como el saber de un cuerpo cada vez mßs da±ado por las l≤gicas del capital, y lo hace a travΘsde tres momentos definidos como TESIS, CRISIS y CAOSMOSIS. Comienza con la fantasφa del sujeto autosuficiente, masculino y soberano que se considera capaz de conocer y organizar un mundo del que se mantiene aislado. Le siguen las sublevaciones de 1968, donde saltanpor los aires las formas tradicionales de representaci≤n, y las revoluciones de 2011, que proponen el valor positivo de la interdependencia, la creaci≤n colectiva y el activismo social. Desde ahφ se revisan losprotocolos acadΘmicos de los mundos del arte. La intenci≤n marcadamente polφtica de este ensayo nos invitaa decidir quΘ salvar y quΘ condenar del mundo que haorientado nuestros conocimientos.
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Desde hace mucho tiempo, los monos han ocupado un lugar destacado en la cultura popular. Publicidad, cine,cómics han dado protagonismo a nuestros parientes más cercanos. Este libro, que lleva como título, una frase que ha pasado a la historia del cine, recorre todas las películas en que los primates han amado, luchado, destruido King Kong, El planeta de los simios, Tarzán de los monos, y muchos más, son títulos que forman parte de nuestros más queridos recuerdos cinematográficos.
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¿Qué tienen en común espléndidas películas como El graduado de Mike Nichols, Jackie Brown de Quentin Tarantino o Mi vida sin mí de Isabel Coixet? Todas ellas están basadas en textos literarios e incluyen un buen puñado de canciones. Sus letras, lejos de constituir un mero adorno, forman parte sustancial del mensaje y contribuyen a conformar el relato fílmico junto a la propia literatura. En este ensayo se explican esos casos, además de Aunque tú no lo sepas, La flaqueza del bolchevique e Incendies, para que el lector reflexione sobre las letras de las canciones que suenan en las películas y se establezca así un fértil diálogo intermedial. Al final de este apasionante recorrido, se incluye un anexo con esas letras, tanto del rock como de otros variados estilos de la música popular, dando la palabra a Omara Portuondo, Joan Manuel Serrat y Extremoduro, y traduciendo a Simon & Garfunkel, Bobby Womack y Radiohead, entre otros muchos grupos y solistas. Este libro es una invitación a mirar de una nueva forma los lazos entre la literatura, el pop-rock y el cine. Un recorrido por las canciones en las adaptaciones de la literatura al cine, desde Coixet hasta Tarantino. Carlos Pranger es profesor de didáctica de las lenguas y las artes en la Universidad de Málaga. Sus principales líneas de investigación giran en torno a las relaciones entre la literatura, el cine y la música popular, ámbito en el que ha aportado trabajos acerca de David Fincher, Quentin Tarantino o Joan Manuel Serrat, sobre la obra de Gerald Brenan, a cuyo legado ha contribuido con la edición de Los diarios sobre Dora Carrington (2012), Los diarios de la Gran Guerra (2014), Cosas de España (2019) y La faz de España (Renacimiento, 2020), y de Gamel Woolsey, con la edición de su poesía completa en Más allá de la Tierra Media (Renacimiento, 2021). Rafael Malpartida es profesor de literatura y cine en la Universidad de Málaga. Sus principales líneas de investigación son la prosa del Siglo de Oro y las relaciones entre la literatura y el cine, ámbito este último en el que ha publicado estudios sobre Michael Haneke, Pilar Távora, Juan José Campanella, Manuel Martín Cuenca o Denis Villeneuve. Sus últimos libros son Una nueva mirada entre la literatura y el cine: el legado de Juan Luis Alborg (2022) y Diálogos entre la literatura española áurea, el cine y la ficción televisiva. Nuevas perspectivas de estudio en la era digital (2023).
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Un tesoro de imagenes magnificas , con tareas muy practicas y creativas para dominar el color Arte Promopress
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Este libro es una guía alfabética de los más grandespintores, fotógrafos y escultores desde la época medieval hasta nuestros días. Sólo aquí podrás mirar frente a frente a Carraci con Cartier- Bresson, Duccio yDuchamp, Mondiran y Monet, Warhol y Watehouse.Cada artista está representado por una reproducción a colorde una obra característica, con datos sobre la imagen y su creador.Las entradas incorporan un completo sistema de referencias cruzadas y al final se incluye un glosario de términos técnicos, movimientos artísticos y un directorio internacional de museos y galerías.Un libro de referencia visual sin precedentes que constituye un homenaje a nuestra rica y polifacética cultura y ahora incluye a artistas como Lorna Simpson,Bansky ,Yoko Ono, Murakami o las Guerrila Girls.
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Durante siglos, la pintura ha sido nuestra principal herramienta de comunicación visual y, por tanto, de creación de todos aquellos imaginarios culturales que atraviesan nuestra mirada. Sin embargo, hace años que parece haber perdido parte de su fuerza frente a la fotografía y otros medios visuales. Este influente ensayo de Julián Bellparte de la supuesta muerte de la pintura y nos ofrece un estudio agudo y apasionante que nos conducirá de la reflexión en torno a la naturaleza del medio pictórico hacia las profundidades del arte y la representación visual. Nacido bajo la inevitable influencia de Modos de ver de JohnBerger, este libro se ha convertido por derecho propio en un clásico dela teoría de arte y el lenguaje visual.
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Fruto de un año y medio de trabajo, y de cientos de horas de entrevistas con los principales actores y protagonistas de la escena musical y empresarial, ''¡Bacalao!'' es el primer libro que aborda de manera exhaustiva, seria y rigurosa el panorama musical y de ocionocturno valenciano del periodo que se extiende desde principios de los ochenta a mediados de los noventa.
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