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Llibres d'Art, Cinema i Música
T'apassiona el setè art? Tot el que té a veure amb la cultura? Si la resposta és sí, no et pots perdre la nostra gran selecció de llibres d'art, cinema i música. Compra llibres d'art, cinema i música online. En aquesta secció disposem d'una àmplia selecció de llibres d'art, cinema i música en diferents formats i en múltiples idiomes. Hi trobaràs lectures sobre diferents disciplines artístiques com interpretació, entre altres, sobre sèries de televisió i pel·lícules com Harry Potter, Joc de Trons, Star Wars o Stranger Things i sobre la història de cantants i grups de música com ara Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre molts altres.
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Con un estilo literario y profundamente divulgativo, seductor y personal, Carlos del Amor nos ofrece unviaje por treinta y cinco obras de todos lostiempos, con especial atención a la pintura femenina y a la española. Un viaje a través de texturas, colores, claroscuros, historias, miradas, vidas, abrazos, besos?, que nos descubre un caleidoscopio donde se aúnan verdad y ficción, historia del arte, imaginación y emoción. «El arte es una celebración. Un cuadro no seacaba en lo que encierra su marco, un cuadro vive antes y después de que lo miremos. El marco lo acota ynosotros debemos cruzar esa frontera para hacer que su existencia siga saltando siglos y vidas, y se renueve con cada mirada. Cada cuadro es un cuento, una novela, un relato, y eso he pretendido reflejar en estaspáginas: romper el marco y expandir el lienzo hastadonde sea posible».
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Si nos tomamos en serio el papel de la fotografía enla cultura contemporánea como estructura básica de lamayor parte de las imágenes que vemos, descubriremosque su calado no ha dejado de aumentar desde la providencial aparición histórica del daguerrotipo
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Las obras de arte tienen formas distintas de existir.La Historia suele fijarse en las obras maestras, pero nos ha dejado numerosas obras imperfectas, interrumpidas, abandonadas por accidente o con intención, concebidas como fragmentos. Esta exposición nos invita aemprender una lectura «líquida», fluida y fluctuantedel arte, centrada en los procesos, los movimientos,las fracturas, las existencias menores, lo no dicho.
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Con este libro de instrucciones paso a paso, desbloquear tu creatividad con acuarela nunca hasido tan fácil. Sigue a Anna Koliadych, fundadora deDearAnnArt, mientras te guía a través de la realización de sus propias obras maestras de acuarela en solo15 minutos. Estos 50 proyectos tienen algo paratodos: desde paisajes submarinos hasta galaxias, desde bocetos de moda hasta sabrosos dulces. Aprende a pintar un prado de amapolas, una taza de té cósmica, un juego de tacones altos o un gato atigrado, todo enuna rápida sesión. Ya seas nuevo en la acuarela o hayas practicado durante años, estos coloridos diseños son perfectos para una tarde relajante, tanto solo como en familia. En cada lección, la autora muestralas técnicas más eficientes, cómo dibujar su diseño con formas simples o agregar detalles pequeños y hermosos, para que puedas crear la obra más encantadora enel menor tiempo posible, ¡incluso aunque nunca anteshayas pintado!
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Un método original y ameno para aprender a dibujar personajes que estimula la creatividad y la confianza en nuestras capacidades. * Un libro para aprender conmétodos de enseñanza probados, ya seamos novatos o manitas, empezar por lo fundamental, para pasar enseguida al dibujo de figuras humanas, expresiones, movimientos y animales, y experimentar con diferentes técnicas, usando pinceles, lápices y bolígrafos. * ¡No haymotivo alguno para tener miedo a probar, porque cadauno establece sus propias reglas! Si piensa que no sabe dibujar, ¡este es el libro que debe leer! ¿Por qué hay tanta gente que piensa que no sabe dibujar? Peng ha conseguido convencer a muchas personas que no son dibujantes de que pueden crear imágenes sencillas yatractivas sobre papel. Cuando se usan las técnicasadecuadas, los resultados serán excelentes. Uno de los grandes placeres de la vida es descubrir que puedehacer algo que pensaba que no podía.
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De la contemplación de las obras de los antiguos,Johann Joachim Winckelmann recibió una especie de inspiración, mediante la cual encontróun sentido nuevo para el estudio del arte. En el conocimiento de la belleza, supo descubrir un camino nuevo para el espíritu humano.
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Los ensayos que reúne Luis Pérez-Oramas en este libropodrían caracterizarse como una singular disputatiosobre la situación de un objeto específico. La cuestión es la (in)actualidad de ese objeto: la pintura, yentanto objeto esta ha de entenderse aquí en el sentido etimológico de la palabra: obiectum: algo arrojado,puesto enfrente.
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Amb un to despreocupat i una mica irreverent, aquest llibre està pensat per apropar l'art als infants, que aprendran que pot ser molt i molt divertit i esbojarrat. Sota la guia del gat Roc, descobriran que en l'art tot s'hi val, només calen ganes de passar-s'ho bomba. El text es complementa amb una magnífica combinació d'il·lustració i fotografia.
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La gestión cultural, es sabido, vive desde hace años una etapa de notorio auge. Esta circunstancia obedece a la necesidad de armonizar el ingente campo de las Humanidades con las innovaciones que conllevan las nuevas tecnologías. Por dicha razón, ha crecido de manera exponencial la demanda de profesionales bien formados y capaces de gestionar un patrimonio de singular riqueza desde el respeto al pasado, al legado artístico, pero con la mirada puesta asimismo en el futuro inminente. Ahora bien, ¿qué hace exactamente un gestor cultural? ¿Dónde desarrolla su labor? ¿Qué formación requiere para ejercer con garantías de éxito su imprescindible labor? Este libro da cumplida y amena respuesta a todas esas preguntas. Una correcta gestión cultural supone el desempeño de una tarea multidisciplinar, en la que confluyen ámbitos muy diversos (la comunicación, la gestión administrativa, la tecnología...). Así pues, en función del entorno concreto donde se desarrolle, las funciones del gestor cultural habrán de contemplar elementos dispares. No son pocas las diferencias existentes entre hacerlo en un ayuntamiento o en un museo. Pero ambos tienen un elemento en común: la figura del gestor cultural. ''Este libro ofrece ideas, conceptos, estrategias y propuestas generados a partir de la propia experiencia de su autor. Expresados de forma amena, ayudarán sin duda al gestor cultural en el inicio de su carrera profesional, pudiendo aportar también una nueva visión al profesional en activo''. ANA VELASCO, presidenta de la Federación Estatal de Asociaciones de Profesionales de la Gestión Cultural ''Aborda la gestión cultural de forma clara y precisa, con aproximaciones acertadas a casos concretos. Este manual será de enorme utilidad para los profesionales del sector''. RAFAEL LÓPEZ GUZMÁN, Catedrático en Historia del Arte
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El constructivismo no debería significar una moda estética y artística efímera, sino una importante etapa dentro del desarrollo del pensamiento y el trabajo humanos, la inscripción del instante presente en la historia de la humanidad, la designación de la última variación de Europa. No se trata de un ismo artístico reductor, de esos que de tanto en tanto vienen a agitar la superficie tediosa de la escena artística, sino un movimiento creador y viviente, potente y transformador, el cual con creciente intensidad se está imponiendo hoy en todos los países civilizados, un movimiento verdaderamente universal y totalmente internacional, vector sano de todo el trabajo productivo. [...] El constructivismo es el punto de partida y el signo de una nueva arquitectura, el inicio de una nueva época de la cultura y de la civilización en general.
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Confesión de ignorancia o de carencia de palabras, elno sé qué goza de una larga tradición, que abarca desde el mundo latino hasta la Europa moderna, y atraviesa la mística y la retórica, la psicología y la filosofía, la producción poética y la prosa. Como expresión de una vivencia en los límites de lo decible, elno sé qué (je ne sais quoi francés o non so che italiano) ha dado pie a brillantes reflexiones, diálogos ytratados. De manera especial, entre los siglos XVIIy XVIII, con las aportaciones de Bouhours, Leibniz, Feijoo, Marivaux o Montesquieu, el no sé qué concitaráa su alrededor los conceptos más importantes con losque irá configurándose la estética moderna de la quesomos herederos. Sentimiento, gusto, gracia, simpatía, soltura, sorpresa, delicadeza,encanto, arte o naturaleza, son nociones que recorren esas zonas de la experiencia estética que no siempre sabemos explicar.
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El primer llibre global sobre aquesta interpretació musical que és Patrimoni Immaterial de la Humanitat des del 2010.
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Desplazada del centro de atención por la actual avalancha de estímulos audiovisuales, la imagen cinematográfica puede erigirse todavía como espacio fronterizo privilegiado, una grieta, más que una ventana, cesura fértil a través de la que vislumbrar el misterio fundacional de la imagen en movimiento: su carácter fantasmagórico. Pues el cine se nutre de nuestra sombra y captura como ningún otro arte nuestra condición de mortales. Ni mentira analgésica ni retrato fidedigno de una supuesto mundo exterior, el cine que nos interesa y del que trata este ensayo se acerca más a un sueño lúcido, aquel lo suficientemente autoconsciente como para no desactivar nuestro espíritu crítico, pero también lo bastante evocador como para seguir fascinándonos. El cine (el buen cine) solo persistirá si se mantiene más fiel que nunca a esta esencia.
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Los cuadros esconden mensajes que pueden pasar desapercibidos, pero que a menudo cuentan historias fascinantes. Detrás de detalles aparentemente insignificantes alientan epopeyas que cambiaron el mundo, como los diminutos granos de pimienta en un bodegón, el pequeño colgante con un carnero dorado en un retrato o el pigmento que presta su color a un lienzo. O bien contienen indicios que remiten a la más temible red de espías, las contraseñas del ''marketing'' protestante o el gabinete de imagen y propaganda de la monarquía hispana, con guionistas como Calderón de la Barca y creativos como Velázquez. Agustín Sánchez Vidal nos lleva de un tema a otro y los relaciona con nuestra vida cotidiana y el presente, desde el color naranja de las zanahorias de un bodegón a Bugs Bunny, Freud y la publicidad, del rey Midas al actual valor del oro, del Bosco a las pinturas negras de Goya o de la Inmaculada Concepción a una Unión Europea dividida entre los ''trabajadores'' países del norte y los ''holgazanes'' del sur. Todo eso y mucho más se esconde en los cuadros del Museo del Prado, que relatan la historia de España y sus vínculos con Europa.
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A los diez años de su muerte (y cincuenta de su participación en Eurovisión), la proyección de Peret como Rey de la Rumba no pierde un ápice de su singular grandeza, como se puede apreciar en esta biografía ilustrada, escrita desde el corazón de la rumba por Rogeli Herrero, uno de los miembros de Los Manolos. Su música, su vida y su espíritu vital, así como los tiempos que le tocaron en suerte (y que le hicieron protagonizar momentos inolvidables como la clausura de los Juegos Olímpicos de 1992) se recrean en esta aproximación genuina y del todo personal.La obra cuenta con información de primera mano e inédita: vivencias compartidas del propio autor con Peret, conversaciones con su hija, Rosita Pubill, y con otras personas de su entorno, así como con protagonistas de la época (periodistas, músicos y profesionales de la industria musical, o responsables de la organización de los JJ. OO.).También contiene valiosas aportaciones y teorías propias del autor como músico sobre las innovaciones aportadas en ese campo por Peret y el estilo que forjó: desde la influencia del rock y los estilos latinos que irrumpieron en los años 50 y 60, el repaso por los principales jalones de la rumba, hasta la asociación de las canciones de Peret como «música de fiesta».En una cuidada edición y acompañado de una variada selección de imágenes (algunas inéditas), El gran Peret proporciona numerosas claves y conexiones para conocer con cercanía y en profundidad a una de las figuras indiscutibles que ha dado este país de músicas.
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Un viaje caleidoscópico a través del mar, el arte y la vida. En 1520, Alberto Durero, el artista más famoso del norte de Europa, zarpó ansioso hasta Zelanda, una de las doce provincias costeras de los Países Bajos, para ver por primera vez una ballena. Nadie pintaba o dibujaba el mundo como él y sus representaciones capturaban el frágil espíritu de las bestias, las personas y la naturaleza. Su arte fue una revelación que ha perdurado hasta nuestros días: nos mostró quiénes somos y predijo nuestro futuro. Sin embargo, Durero estaba hundido en la melancolía: acababa de perder el respaldo de su mecenas, el sacro emperador romano, y deseaba conocer mundo. En este momento de su vida, la ballena se convirtió en su ambición final. Esta es la historia de un genio en busca de su propio Leviatán, y nadie mejor que Philip Hoare para relatar este fascinante viaje a través del arte y el mundo que nos rodea y que explora el fuerte vínculo entre la pasión creativa y la naturaleza, desde el taller de un visionario hasta el océano. Desfilan por sus páginas alquimistas medievales y poetas modernistas, emperadores excéntricos, almas rebeldes y artistas proféticos cuyas vidas y aventuras nos llevan a preguntarnos qué es real y qué es fantasía en el arte, y si este tiene el poder de salvarnos.
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La serie de dibujos y cuadros que Robert Delaunay (1885-1941) dedicó a lo largo de tres décadas a la Torre Eiffel constituyen uno de los hitos de su obra. Delaunay quiso asociar a esta serie a sus amigos poetas, invitándoles a componer textos inspirados en la Torre. Este libro reúne así las imágenes creadas por el pintor y los poemas de Blaise Cendrars, Guillaume Apollinaire, Vicente Huidobro, Louis Aragon, André Breton, René Crevel, Jean Arp, Philippe Soupault y Tristan Tzara.
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Hemos querido celebrar este XX aniversario con nuestra comunidad más fiel, lxs azkenerxs que nos han seguido a lo largo de estos años, con este libro colaborativo.Parece que fue ayer cuando nació el AZKENA ROCK FESTIVAL, y ya ha cumplido veinte ediciones desde la primera. Un espacio donde han pasado gran parte de lxs mejores intérpretes y bandas de rock de la historia de la música: Mudhoney, The Cramps, Iggy Pop & The Stooges, Ray Davies, The Hellacopters, The Dictators, Steve Earle, New York Dolls, Flamin’ Groovies, Radio Birdman, Deep Purple, The Pogues, Television, Bad Religion, Pearl Jam, Redd Kross, Misfits, DKT/ MC5, Roky Erickson, Sex Pistols, Los Lobos, The Sonics, John Cale, Alice Cooper, The Black Crowes, The Zombies, Kiss, Chris Isaak, The Damned, Ozzy Osbourne, The Cult, Queens of Stone Age, Status Quo, Blue Oyster Cult, Lynyrd Skynyrd, Blondie, Scorpions, ZZ Top, The Who, Lucinda Williams, John Fogerty, Van Morrison, Joan Jett, Stray Cats, The B-52’s, Brian Wilson, Suzi Quatro, Patti Smith...y muchísimxs más.
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Miembro seminal de la banda de post-punk MAGAZINE y bajista original de los legendarios NICK CAVE AND THE BAD SEEDS. Un libro de memorias, original y poderoso.Escrito con su característico y cinematográfico estilo noir e incluyendo fotografías de su archivo personal, el libro arrastra al lector hacia una mezcla de momentos angustiosos, trágicos, divertidos y, a menudo, reafirmantes. Como, por ejemplo, la aguda pérdida de sus padres y su hermana a los veinte años, las múltiples relaciones fracasadas o los inicios de una exitosa carrera como creador de bandas sonoras en Hollywood. Su historia abarca desde sus primeros años de vida hasta la década de 1990, y aborda las raíces mestizas y mancunianas de Adamson, desde finales de la década de 1950, pasando por sus trascendentales logros musicales o los momentos de reclusión en hospitales psiquiátricos y centros de desintoxicación.
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Barcelona es un mosaico de paisajes y ambientes: el puerto y la Rambla, el circuito gótico de Ciutat Vella, el Eixample, el Modernismo y Gaudí, el urbanismo olímpico, los museos y las esculturas, el ocio y la noche... Un completo reportaje visual complementado con mapas generales y temáticos de la ciudad.
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En el año 2023 se cumplió el centenario del nacimiento del profesor Juan José Martín González, referente en el estudio de la Historia del Arte en España durante el pasado siglo y señero especialista en la escultura de la Edad Moderna, así como uno de los grandes impulsores del conocimiento de la retablística, según se recoge, ampliamente, en los estudios comprendidos en este volumen. Los retablos, sin duda, han contribuido a definir el carácter artístico de la península ibérica, siendo una de las mayores aportaciones de esta a la Historia del Arte. Con tal motivo parece oportuno valorar los avances que se han ido sucediendo desde el inicio de los estudios dedicados a este tipo de obras hasta nuestros días, así como interrogarse sobre qué lecturas, o relecturas, pueden hacerse de ellas. Cierto es que en los últimos años las investigaciones en torno a la retablística no han gozado, por parte de la generalidad de los historiadores del arte, de la misma preferencia que en décadas anteriores, pero todavía siguen siendo objeto de estudio y despiertan la atención del público con renovado interés, lo que nos obliga a progresar en su comprensión y a aceptar el reto de su conservación en las condiciones más óptimas para su transmisión a las generaciones futuras.
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El artista japonés Shimabuku (Kobe, 1969), reconocido internacionalmente por su obra, afectiva y sugerente, realizada en diversos medios como la escultura, el cine y la fotografía, posee un estilo lleno de sentimiento poético y humor, inspirando a públicos diversos a través de lo metafórico. Desde principios de la década de 1990, Shimabuku ha viajado por diversos lugares de Japón y del mundo creando obras y performances que reflexionan sobre la vida cotidiana y las culturas de las personas con las que se encuentra, así como sobre las nuevas formas de comunicación entre nosotros y con los seres no humanos.
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Durante el periodo Edo (1603-1868), grandes maestros de la estampa como Hokusai, Yoshitoshi y Kuniyoshi realizaron multitud de coloridos grabados en los que inmortalizaron a los guerreros más célebres de la historia, la leyenda y el teatro kabuki.Presentamos las ilustraciones más vibrantes e icónicas de los hombres de armas que construyeron la historia de Japón: los Taira y los Minamoto, enfrentados incluso desde el Más Allá, Yoshitsune, el héroe trágico, Miyamoto Musashi, el samurái por antonomasia, los 47 ronin y su célebre hazaña de venganza… pero también a otros valientes no tan conocidos como el pirata Kezori Kuemon, el ladrón Ishikawa Goemon o el bandido Hakamadare.Un libro para los amantes del arte japonés, los apasionados de la historia de Japón y los entusiastas de la cultura samurái.
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Bessie Smith nació en Chattanooga, Tennessee, en 1894, y se quedó huérfana a una edad muy temprana. Pasó unos años cantando en la calle antes de juntarse con una célebre compañía de espectáculos itinerantes, con la que giró por todo el sur de Estados Unidos cuando todavía estaban firmemente implantadas las leyes de segregación racial. En 1923 realizó su primera grabación con la incipiente discográfica Columbia Records, que en pocos meses vendió la cantidad récord de 780.000 copias y la convirtió en una estrella. Conocida como la Emperatriz del Blues, Bessie Smith fue un personaje complejo con una vida difícil, cuya historia supera en muchos aspectos la ficción. Sus hazañas se han convertido en material de leyenda, y sus canciones sobre tragedias amorosas y el sufrimiento de las mujeres a menudo parecen un terrible presagio de las desgracias que a ella misma le sucederían poco después de escribirlas. Así lo explica Jackie Kay, laureada poeta y escritora escocesa, que cuando era adolescente encontró en Bessie alguien con quien podía identificarse, un espejo en el que reconocer su propia negrura y un modelo de magnanimidad y osadía al que nunca ha dejado de idolatrar. En este libro extraordinario que mezcla biografía, ficción, ensayo y poesía, la autora canaliza su enorme admiración por Bessie y agradece la fuerza transmitida por sus canciones y su excepcional ejemplo de vida. Publicado originalmente en 1997, Bessie Smith emerge por primera vez en castellano en 2022 como un clásico del ensayo biográfico y un libro imprescindible para conocer la turbulenta historia de la Emperatriz.
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Eugenia Tenenbaum revive en este libro períodos históricos desde la Antigüedad hasta el siglo XX, con el objetivo de disfrutar de las obras de arte que vieron la luz en esas épocas. Gracias a su voz cercana y rigurosa, nos reconciliaremos con el placer inmenso que nos ofrece el arte sin otro requisito que nuestras ganas. A lo largo de todo el recorrido, sin embargo, se nos obligará a volver a mirar, una y otra vez, para encontrar algo nuevo. Porque cuestionar lo que sabemos es la única manera de comprender mejor quiénes somos, y de conseguir que el arte sea algo para todos.
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Una guía cronológica de las numerosas canciones de autoría ajena que ha grabado a lo largo de su carrera el cantautor de Duluth. Pese a que todas ellas constituyen una parte destacada de su aportación artística durante los más de sesenta años de actividad, no habían recibido hasta ahora la debida atención en la extensa bibliografía existente sobre el llamado Bardo de Minnesota. En el libro se analizan los orígenes, las influencias y los ámbitos sociales y culturales en los que se han desarrollado su carrera, tanto a partir de composiciones propias como de las canciones de otros autores. Sería, en conjunto, algo así como una excelente introducción a las raíces de la música popular norteamericana y del renacimiento folk, haciendo especial hincapié en figuras influyentes como Robert Johnson, Woody Guthrie o Hank Williams, entre otros, de los cuales se incluyen datos sobre sus respectivos orígenes, sus labores de autoría o sobre los intérpretes principales que han tenido sus composiciones, además del lugar que merecen en el conjunto de la aportación de Bob y la inspiración que han podido ejercer en el resto de la obra original dylaniana.
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Amb 29 anys, Gabriel Ferrater començà a redactar articles sobre l'art de la pintura amb un criteri lúcid i provocatiu. Qui, si no ell, sense cap aval acadèmic, s'hauria atrevit a criticar públicament pintors aleshores ben consagrats, com ara Casas o Rusiñol, Picasso o Sunyer? El quadres que Ferrater pintà al Mas Picarany de Reus ?reproduïts per primera vegada? ens permeten d'entreveure la vida convulsa i l'esperit ferotgement curiós d'un poeta corprenedor que ens ensenya a mirar i a enraonar sobre el que veiem.
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«He escrito estos ensayos a lo largo de casi veinte años, veinte años en los que he presenciado el nacimiento y el desarrollo de una historia del arte feminista. Cuando en 1970 empecé a trabajar en «¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?», la historia del arte feminista no existía: como cualquier otra forma de discurso histórico, había que construirla.» Así comienza Mujeres, arte y poder y otros ensayos, el recopilatorio en el que la gran historiadora del arte Linda Nochlin presenta siete artículos sobre mujeres artistas y la figura femenina en la historia del arte, cuya influencia fue determinante para el desarrollo posterior de la crítica del arte feminista y los estudios de género. Los artículos aquí reunidos son: «Mujeres, arte y poder» (1988), «La nodriza de Morisot: la noción del trabajo y el ocio en la pintura impresionista» (1988), «Perdida y Encontrada: otra vez la mujer caída» (1978), «Algunas pintoras realistas» (1974), «Florine Stettheimer: el Rococó subversivo» (1980), «Erotismo e imaginería femenina en el arte decimonónico» (1972), y «¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?» (1971). Mujeres, arte y poder y otros ensayos revela la amplia perspectiva y conocimiento del trabajo pionero de Nochlin y nos invita a interpretar la historia del arte feminista como una práctica transgresora contra el establishment que pone en tela de juicio muchos de los principales preceptos de la disciplina todavía vigentes en la actualidad.
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«Da igual si siempre has pensado que se te da fatal dibujar. Si alguna vez has fantaseado con hacerlo, abre este libro. Desde mi punto de vista, dibujar bien no tiene ninguna importancia. Lo esencial es dibujar lo que a uno le gusta ver e imaginar. Por eso he creado este pequeño manual: para que mires (y dibujes) las pequeñas cosas de la vida de una nueva forma. Aprenderás que un paraguas te ayudará a imaginar árboles, que una ciudad servirá para representar un bosque, que una sola postura se puede convertir en diez acciones de diez personajes. Porque en Japón nos gusta entender lo grande a través del detalle.» Bunpei Yorifuji. Yorifuji nació en Japón en 1973. En 2000 creó el estudio de diseño gráfico e ilustración Bunpei Ginza. Sus campañas para Muji y el metro de Tokio son conocidas en todo el mundo. Este es su método. Con él ha conseguido que mucha gente vuelva a dibujar.
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La tesis de este pequeño libro es que la arquitectura se ha vuelto moderna al acercarse al cuerpo humano y que sólo centrándose en las necesidades y deseos del cuerpo puede seguir el ritmo del mundo contemporáneo. Innovaciones tipológicas como el pasillo y el baño permitieron articular los umbrales entre lo privado y lo público de maneras más sofisticadas, cambiando profundamente la forma en que habitamos, interactuamos con los demás y nuestra autoconciencia. Es una historia bastante reciente e inquieta que, a pesar de la estabilidad intrínseca de la arquitectura, ha sido testigo durante los dos últimos siglos de una dialéctica vivaz entre los hábitos establecidos y los experimentos de diseño desafiantes. Cuanto más ha intentado el diseño arquitectónico abordar nuestra concreción corporal, más significativos y controvertidos son sus resultados. Ahora que las prótesis técnicas se están volviendo cada vez más omnipresentes, volverse físico parece un objetivo difícil pero inevitable.
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David Bowie legó a ser uno de los artistas más populares del s. XX y volvió a estar en primera línea en el s. XXI. Su música representa ya la banda sonora de un mundo cambiante, preconizado por el album Ziggy Stardust. Su voz resonó durante décadas celebrando la novedad y su figura quedará para siempre como el outsider observador, creador, inspirador, colaborador, original y con estilo.
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Estar o no estar en el Rollo, esa era la cuestión. Porque bajo la férula de una cultura oficial apergaminada y el ringorrango de otras costumbres apostólicas subyacía -en la España de 1975- un flujo contestatario al margen del panfleto volandero y las directrices del partido.¡Coño, el Rollo Macabeo! Rock en vivo o enlatado en FM. Tebeos cachondos, Star Books y Ajoblanco. Un canuto, vino tinto y dos tripis. Vibraciones, Popular 1 y Disco Expres. El festival de Burgos y el de Canet. Zeleste y M&M. Clapton Is God y la Mahavishnu Orchestra ... Ingredientes de un caldo gordo que se cocía a fuego lento en los fogones de aquel underground castizo y deficitario. Un guiso de pesada digestión para los guardianes del orden y de los principios fundamentales del Movimiento que nada entendían de flash o Mellotron. Y como remate un obituario sintético. Cuatro palabras cargadas de futuro: ''Españoles, Franco ha muerto'' ... Para acto seguido salir la tropa por peteneras: ¡Viva el Rollo!
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A pesar de ser considerada unánimemente la primera ciudad española en la que se dejaron notar con fuerza los efluvios contraculturales internacionales, Sevilla reclamaba aún un estudio pormenorizado que diera consistencia histórica a dicha consideración.A través de la realización de un centenar de entrevistas a protagonistas directos más un exhaustivo trabajo de hemeroteca, el periodista Fran G. Matute ha conseguido levantar un minucioso relato de las principales transgresiones culturales que se sucedieron en la Sevilla de entonces, ofreciendo por el camino un retrato generacional inequívoco de una parte importante de su juventud, en pleno proceso de toma de conciencia antifranquista.Esta vez venimos a golpear. Vanguardismos, psicodelias y subversiones varias (1965-1968) se erige así como el primer gran texto que se publica sobre la materia, llamado a convertirse en referencia ineludible en cualquier investigación futura que se lleve a cabo sobre los movimientos contraculturales en España.
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UN RETRATO ÍNTIMO Y REVELADOR DE FRANK SINATRA, ESCRITO POR QUIEN LE ACOMPAÑÓ EN LA ÚLTIMA DÉCADA DE SU VIDA Se han escrito más de cien libros sobre el legendario cantante y actor Frank Sinatra, y todos los detalles de su vida han provocado interés: su carrera, sus aventuras amorosas, su personalidad, sus negocios, su estilo. Pero entre todo ese glamour y leyendas, resultaba imposible saber qué era real y qué solo espectáculo. Hasta ahora.
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Proclamado en 2013 como el artista masculino en solitario más exitoso de todos los tiempos por la lista Billboard Hot 100, Elton John ha demostrado siempre un extraordinario talento musical, a la vez que un escandaloso sentido del espectáculo. Posee numerosos discos de oro y platino y premios Grammy, Brit y Golden Globe, entre otros.
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En 1911, Archer Milton Huntington, fundador de The Hispanic Society of America en Nueva York, encargó a Sorolla que pintara la denominada Visión de España, una decoración mural a gran escala. La serie completa instalada en la Hispanic Society en 1926, es uno de los espacios interiores más impresionantes de la ciudad de Nueva York. Las obras de Sorolla combinan con brillantez el vibrante naturalismo plenairista con la fuerte influencia del impresionismo, las referencias al arte antiguo y renacentista disfrazadas de vida cotidiana e incluso elementos más modernos y avanzados como unas líneas del horizonte extremadamente altas, unas pinceladas sumamente expresivas, y unos fondos casi por completo abstractos que impregnan las composiciones de energía visual. Toda esta obra de Sorolla queda plasmada en este magnífico desplegable de ocho metros de longitud, en el que las obras se muestran en el mismo orden en el que se pueden ver en la biblioteca de la Hispanic Society of America en Nueva York.
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