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Llibres d'Art, Cinema i Música
T'apassiona el setè art? Tot el que té a veure amb la cultura? Si la resposta és sí, no et pots perdre la nostra gran selecció de llibres d'art, cinema i música. Compra llibres d'art, cinema i música online. En aquesta secció disposem d'una àmplia selecció de llibres d'art, cinema i música en diferents formats i en múltiples idiomes. Hi trobaràs lectures sobre diferents disciplines artístiques com interpretació, entre altres, sobre sèries de televisió i pel·lícules com Harry Potter, Joc de Trons, Star Wars o Stranger Things i sobre la història de cantants i grups de música com ara Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre molts altres.
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A lo largo de una fructífera vida consagrada al arte, Joaquín Sorolla forjó un estilo propio, lleno de luz, color, incluso sabor. Pero en su vasta obra también abordó estilos con los que habitualmente no se le identifica, como el costumbrismo, el modernismo o la pintura social, e incluso realizó una importante obra en tonalidades oscuras. Triunfó en Roma, París o Nueva York y recorrió España para pintar sus rincones y sus gentes. A los cien años de su muerte, su obra sigue muy vigente. Con el ritmo de una novela de intriga y el estilo de un narrador con voz propia, Sorolla en 30 claves muestra el perfil humano y revindica la riqueza artística de este singular pintor. El libro se ilustra con una selección de las obras de Sorolla, así como con obras de precursores, coetáneos o admiradores del artista, y otras imágenes variadas (desde los lugares en que vivió hasta objetos de la época) que en su conjunto contextualizan y ofrecen una cuidada edición.
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Representaciones que van mucho más allá de la simple antropología del delito y del delincuente, del enfrentamiento entre el Bien y el Mal. El polar fílmico es, probablemente, una de las mayores aportaciones europeas al cine del género de la historia del cine, pues es el punto de encuentro entre las vanguardias europeas, las películas de Hollywood y la poética trágica, tremendista, sobre la marginación, sobre les bas-fonds, que nace de la novela naturalista francesa de finales del siglo XIX. Todo ello ligado a la fascinación por unas imágenes metafóricas, líricas o ferozmente realistas. De este modo, el polar se define como un cine ideológicamente diverso y estéticamente poliédrico. Un fenómeno transcultural, transhistórico y transgenérico, cuyo estilo visual definido pero, a la vez, dúctil en función de las inquietudes de sus autores, se convierte en miradas, pensamientos, emociones, alrededor del lado oscuro de la sociedad y, sobre todo, de sus individuos. Un género, el polar, dentro del cual encontraremos las mejores obras de cineastas de la categoría de Jacques Becker, Marcel Carné, Pierre Chenal, Claude Chabrol, Alain Corneau, Julien Duvivier, José Giovanni, Jean Grémillon, Jean-Pierre Melville, Jean Renoir o Henri Verneuil, entre otros.
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Las mujeres en el sistema artístico, 1804-1939 ofrece claves para esclarecer el relevante papel que en ese periodo desempeñaron las artistas en España, y en otros focos como Italia, Francia o Reino Unido. Promovido por el proyecto I+D+i Mujeres artistas en España, 1804-1939, el libro plantea una necesaria reflexión sobre la participación y consideración de las artistas en la escena cultural contemporánea, así como sobre los lenguajes plásticos que desplegaron y con los que impulsaron la renovación del arte y el desarrollo de las vanguardias. Conforme a ello, el libro contribuye a la construcción de un nuevo relato historiográfico, que valora, de forma justa, las invisibilizadas aportaciones de las creadoras a la Historia del Arte.
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La innovación es un proceso. También es una actitud. Es igualmente un desafío. Y se ha ido consolidando, década a década, como una de las asignaturas pendientes de nuestras sociedades. La universidad se sumergió hace tiempo en el desafío de ser permanentemente innovadora. El ''I Congreso Innovacom: Nuevos y viejos desafíos del periodismo'', iniciativa del Departamento de Periodismo y Ciencias de la Comunicación de la Universidad Autónoma de Barcelona, inaugura un espacio para la reflexión que busca renovar procesos, temáticas y enfoques. Este libro recoge una selección de las contribuciones de diferentes profesores, investigadores y profesionales iberoamericanos que compartieron ideas y propuestas alrededor de cuatro grandes bloques temáticos: docencia, investigación, profesión e innovación. Los trabajos ofrecen ideas y caminos para los que buscan aprender, investigar o crear en el terreno de la comunicación y el periodismo. Sus aportes son muy valiosos. Desde diferentes enfoques y perspectivas, suman miradas y voces a la acción de innovar.En un contexto impactado por la pandemia planetaria del coronavirus, el congreso ha tratado de generar espacios de intercambio de ideas ante los grandes desafíos informativos y formativos que introduce la nueva coyuntura marcada por el rol protagónico de las plataformas, los medios y los contenidos. Así, en una sociedad que ha pasado de ser ''informativa'' a ''infoxicada'', la universidad ha de ser capaz de erigirse como un punto de encuentro y debate multidisciplinar que aborde ?desde la criticidad y la ética? los desafíos que emergen, cada vez, de forma más acelerada en nuestras sociedades. En este entorno, la conexión entre la academia, la industria y la sociedad se torna insoslayable y, a la vez, urgente. Es necesario que la institución educativa responda a los problemas que existen en el mercado y en el conjunto de escenarios que edifica la cotidianeidad. Pero es igualmente provechoso e importante que se anticipe a ellos. Esto es: la universidad ha de asumir el reto de buscar, describir, explicar, comparar, analizar, identificar?, pero también el estimulante desafío de predecir, anticipar y proponer. Este libro reúne una colección de textos que reflexionan sobre la importancia de la innovación y algunos posibles caminos para alcanzarla.
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Domina más de 80 técnicas de dibujo con talleres paso a paso y consejos de artistas profesionales Para principiantes o expertos, aprende a pintar a carboncillo, lápiz o pastel y descubre todo lo que necesitas saber sobre tonos, colores, texturas, líneas y composición, con consejos detallados para artistas principiantes, intermedios y avanzados.Los talleres paso a paso completamente ilustrados de artistas profesionales te guían a través de más de 80 técnicas de dibujo, que incluyen sombreado, punteado, mezcla y enmascaramiento. Todas las técnicas van acompañadas de ejercicios y proyectos inspiradores para ayudarte a desarrollar tus habilidades, descubrir tu propio estilo y crecer como artista. Domina cada aspecto del dibujo con esta guía esencial, desde elegir un tema hasta enmarcar tu primera obra. Cualquiera que sea tu nivel, puedes aprender a dibujar con confianza y tal vez crear una obra maestra.
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El jardín es un lugar híbrido desde sus orígenes, nace del anhelo humano por domesticar la naturaleza y de nuestra eterna búsqueda de la belleza, y representa, por todo ello, el espacio de mayor tensión entre lo natural y lo artificial. Como representación del paraíso perdido es asimismo universal, de ahí que a lo largo de la historia se hayan creado infinidad de idílicos vergeles que responden a la imaginación, las aspiraciones y las necesidades de sociedades concretas. En estas extraordinarias páginas Marta Llorente nos invita a aproximarnos de forma sutil a la realidad del jardín desde múltiples perspectivas: el itinerario por edenes pasados y presentes, reales y ficticios, nos ayudará a comprender su función en el tejido urbano, las manifestaciones que ha tenido en la literatura y el arte, y su futuro como espacio natural en un contexto de emergencia climática.
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El fet d'aplegar cent caricatures que el mestre Manuel Cuyàs i Duran (1922-2005) va fer al periòdic Mataró, dels anys 1948 al 1953, m'ha servit per adonar-me, encara més, de l'excel·lència de l'artista -dibuixant prolífic i de molta categoria- i de la seva actuació ciutadana en uns anys que mantenir la torxa de la convicció cívica i catalana no gaudia de la llum pública oficial, ni estava a primer pla de les disposicions institucionals. Més aviat tot tenia una pàtina de boira forana que comportava avançar amb precaució, dissimul i aprofitar les possibilitats i les circumstàncies per donar constància de l'existència d'una catalanitat que no s'havia extingit, malgrat la cruel patacada de la guerra i la perseverança dels vencedors per esborrar tot el que els feia nosa.
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Este libro es una reflexión sobre la crisis ecosocial que afecta a nuestro mundo y de cómo las películas y las series de ficción contemporáneas, de las que disponemos en abundancia en las plataformas o los cines, pueden ayudarnos a afrontar los miedos y los desafíos planteados por el futuro incierto que se avecina. Aún estamos a tiempo de actuar y pensar de manera positiva, y por eso en este libro se analizan películas y series que presentan soluciones colectivas en lugar de esperar que los héroes fantásticos nos salven del desastre, como suele ocurrir en el universo mainstream. La mujer en la montaña, Alcarràs, El Olivo, Sweet Tooth, Don?t Look Up, Okja, Estación Once, Una vida a lo grande y La última lección son ficciones audiovisuales que, además de entretenernos, nos impulsan a hablar y debatir sobre temas importantes. Este texto busca ofrecer palabras de aliento y utopía, porque la ficción es un espacio privilegiado para llegar al corazón y a la mente de las personas que anhelan vivir con la esperanza de un mundo que sea no mejor, sino posible.
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Como podrá comprobarse con echar un rápido vistazo al índice, el lazo que anuda la diversidad de artículos recogidos en el presente libro no se limita a su temática. Lo que, y, sobre todo, anuda, son ciertos motivos y motivaciones. Y es que el empeño que destilan las páginas que el lector tiene frente a sí no es otro que el de seguir pensando nuestras instituciones, esforzándose por proponer formas de institucionalidad que respondan a las transformaciones de la época en que vivimos y a los retos que ella conlleva. En este sentido, el objetivo que el libro se impone es el de profundizar en el conocimiento de las transformaciones y alteraciones que sufren las instituciones contemporáneas, las profesiones (tan ligadas a formas de institucionalidad), el estado de derecho y de bienestar o las políticas públicas, sociales y educativas. Profundizar en el conocimiento de lo que (nos) acontece, como no puede ser de otro modo, para extraer todas sus consecuencias y, en última instancia, orientar otras concepciones y otros modos de acción.Desde distintas disciplinas científicas, las y los autores de cada uno de los textos aquí recogidos apuestan por una investigación de las prácticas sociales en y desde las mismas prácticas, articulando el trabajo de problematización teórica y la orientación de la intervención en instituciones y organizaciones sociales y educativas.
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La evidencia científica de fenómenos como el cambio climático, el agotamiento de recursos (comenzando por los combustibles fósiles) y la acelerada pérdida de biodiversidad revela que estamos chocando con la realidad impuesta por los límites biofísicos del crecimiento. Pero, a pesar de ello, continuamos sin emprender el camino de la transformación social necesaria para evitar un cada vez más probable colapso civilizatorio a escala planetaria. Lo que de aquí se desprende es que esta crisis no es un problema meramente ''técnico'': en su origen encontramos factores sociales, culturales y políticos que la convierten en una crisis que más bien deberíamos denominar ''sociecológica'' o ''ecosocial''. En este sentido, las Humanidades ecológicas aportan visiones transdisciplinares que, en el marco de un diálogo constante con las ciencias naturales y sociales, permitan pensar las diferentes dimensiones de la crisis -filosóficas, éticas, estéticas, económicas, sociales y culturales- con el fin de abordar los difíciles pero necesarios procesos de transición hacia formas de organización social de verdad sustentables: una humanidad justa integrada en una biosfera próspera.
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A fascinating new take on the architecture of Sir David Adjaye OM OBE, exploring how he chooses, uses, and combines materials, and the extraordinary buildings and structures that resultDavid Adjaye is one of the most in-demand architects today, known for his thoughtful interpretation of public spaces. In order to understand him as an architect, you must look at his projects through the lens of material – a crucial consideration in his practice. Organized into five sections – Stone/Concrete, Wood, Metal, Glass, and Rammed Earth – Alchemy reimagines the traditional architect monograph by examining the importance of material in architecture, a study vital to Adjaye and his design process.In 2021, David Adjaye was awarded the RIBA Gold Medal, and he was among seven global leaders to receive a TIME100 Impact Award in 2022. The book features over 30 public, commercial, and residential projects around the world, from his 2001 Concrete Garden in London to the Amoako Boafo Gallery in Accra, Ghana, built with rammed earth and completed in 2022.
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En otoño de 1965, la cantante de blues Willie Mae «Big Mama» Thornton hace una gira por Europa con el American Folk Blues Festival. En cinco semanas recorre ciudades como Berlín, Copenhague, Estocolmo, Bruselas, Amsterdam, Dublín, Londres, París y Barcelona. La acompañan, entre otros, los músicos John Lee Hooker, Buddy Guy, Walter «Shakey» Horton y JB Lenoir. Una chica sin suerte sigue a la salvaje Big Mama Thornton en esta gira en la que se descubre el pulso cambiante de los contradictorios años sesenta. De fondo, la lucha de los afroamericanos por los derechos civiles, la guerra en Vietnam, los movimientos contraculturales y las drogas. Todo a ritmo de blues, una música nacida de la pobreza y de la resistencia. «Soy gorda. Y negra. Pero valgo más que todos vosotros, bastardos. Nunca nadie me enseñó nada. Nunca fui a la escuela de música ni nada parecido. Si escucho un blues que me gusta, intento cantarlo a mi manera. Siempre es mejor hacer las cosas a tu manera. Mi forma de cantar viene de la experiencia. De mi propia experiencia. De mis propios sentimientos. No canto como nadie excepto como yo misma».
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Frente a la estabilidad y parálisis propias de la abstracción intelectual, la casa arde para mostrarnos, finalmente, que toda entidad es efímera.La casa en llamas nos habla de casas y de incendios, de casas vascas y de incendios epistemológicos. La propuesta de su autor es arrasar con las abstracciones que piensan la casa más allá de las vidas de sus habitantes. Ubicada en el Valle de Araotz (Oñati, Gipuzkoa), esta etnografía presenta los encuentros particulares que dan forma y vida a varios caseríos de la zona. A lo largo de la misma acompañamos las decisiones vitales y los acontecimientos vividos por sus protagonistas, pero también a los autores que a lo largo de más de un siglo han hecho del baserri o caserío vasco y de sus moradores una idea central del imaginario vasco.Con este trabajo, Ion Fernández de las Heras aviva y revitaliza uno de los campos clásicos de la antropología vasca, los estudios en torno a la casa, y les otorga un lugar dentro de los debates contemporáneos de la disciplina. La antropología está hoy más preocupada por establecer marcos de conocimiento que den cuenta de sus propios hábitos y convicciones -de “descolonizar el pensamiento”, expresión de Eduardo Viveiros de Castro-, que de “comprender las buenas y malas maneras indígenas”, como decía Bronislaw Malinowski. Los estudios sobre la casa vasca no habían trascendido esta finalidad clásica, que omitía el contexto ideológico, o el proyecto civilizador -nacional en este caso-, implícito en toda tarea de investigación.
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Material didáctico, sencillo y práctico, estructurado en ocho ejes temáticos que recogen todos los elementos del sonido.
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La publicación aborda la relación que el célebre marchante de arte parisino Paul Durand-Ruel estableció con los pintores postimpresionistas Henry Moret, Maxime Maufra, Gustave Loiseau, Georges d’Espagnat y Albert Andrè, con los que firmó un contrato de exclusividad «moral» y a los que protegió a lo largo de toda su trayectoria artística, tanto desde su galería parisina de la Rue Lafitte como desde la que abrió más tarde en Nueva York. La publicación cuenta con textos de su comisaria, Claire Durand-Ruel Snollaerts y Dominique Lobstein, así como con las biografías realizadas por la propia Claire, además de por Flavie Durand-Ruel Mouraux, Jean-Dominique Jacquemond, Christophe Duvivier, Guillaume Ambroise y Caroline Durand-Ruel Godfroy que clarifican la trayectoria de los mencionados pintores, así como el desarrollo de la escena artística en Francia durante uno de los periodos más fecundos de la historia del arte universal.
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A los 50 años de su fallecimiento, Pablo Picasso (1881-1973) continúa siendo un referente, un sinónimo de Arte. Eugenio d´Ors finalizaba su ensayo sobre Goya con estas palabras: «Cualquier asunto parece claro, hasta el día en que se le concede un poco de estudio». Probablemente sea lo que aquí sucede cuando profundizamos en estas páginas para oír hablar al artista en primera persona a través de sus propios amigos, de los galeristas, de los críticos de arte, de los periodistas de turno que jamás saciaron su necesidad de conocer más a fondo el polifacético universo de este hombre que abarcó y estremeció toda la cultura del siglo XX. Por vez primera se recoge en la amplia bibliografía picassiana el mayor número de entrevistas y conversaciones editadas hasta la fecha (ciento treinta), la mayoría desconocidas en España. Y Picasso está presente en todas, incluso en sus silencios. Aquí habla el Picasso artista, pero además el ser humano: el familiar, el de su mundo privado, el comprometido con las causas... Ya lo sentenció en 1945: el artista «es al mismo tiempo un ser político, en constante alerta ante los acontecimientos del mundo, ya sean desgarradores, urgentes o agradables, moldeándose por completo a su imagen». A través de la palabra impresa, pero también del timbre de su voz grabada, tenemos ahora la sensación de abarcar más a este personaje, al menos de conocer rasgos inéditos de su vida y de acercarnos mejor a las claves, siempre controvertidas, de una ingente producción que todavía nos asombra, nos sobrecoge y perdura.
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La fusión de oriente y occidente se consuma sobre el muro que Antoni Tàpies pinta desde dentro, «a tientas». Desde la opacidad se puede vislumbrar la luz. De ahí que sea interesante seguir la presencia y la función espiritual de aquellos órganos que aluden a los dos sentidos más presentes en su obra: el ojo y la mano.El ensayo traza un recorrido por la obra de Tà̀pies desde sus inicios para rastrear esa búsqueda de conciencia interior, pero también se aproxima «ciegamente» y con más detenimiento a las pinturas del último período de Tà̀pies, una etapa que muestra la fuerza de la pérdida, y en la que la obra se hace aún más fetiche, más mágica.
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Colorea sus rostros, sus expresiones ante un micrófono, sus movimientos en el escenario? y descubre al mismo tiempo aspectos de su vida y su trabajo que quizá desconocías.» «Un reto en forma de pregunta acompaña cada ilustración para que conozcas la historia de algunas de las mejores bandas de todos los tiempos.»
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Limpieza y suciedad no son conceptos que se deban dirimir exclusivamente en el marco de las normas de higiene dictadas por las autoridades sanitarias o el de los servicios de limpieza y tratamiento de residuos dependientes de cualquier ayuntamiento. Por el contrario, ambas nociones han ido incorporando, a lo largo de su devenir histórico, una dimensión simbólica que ha conllevado su interpretación en términos morales. Los planos de la limpieza física y la limpieza moral aparecen socialmente fundidos y, por lo tanto, imposibles de disociar. Lo limpio es correcto, moral y decente, lo sucio constituye una transgresión de la norma. En el presente libro se abordan las estrategias discursivas. sobre lo limpio y lo sucio que se han desarrollado en el ámbito de las prácticas artísticas contemporáneas. Para ello, se examinan las acciones de lavar o ensuciar como actos políticos conducentes a la definición de cuerpos alternativos que buscan escapar a las presiones disciplinarias del orden social. Asimismo, se analiza cómo los conceptos de suciedad y polución son aplicados a una de las grandes construcciones culturales que han servido para clasificar y excluir: la raza. Por último, y como no podía ser de otro modo cuando se habla de las políticas de la limpieza como garantes del orden moral imperante, se estudia el caso de la sangre menstrual y de su invisibilización -por temor a su efecto de contagio y de corrupción por parte de las políticas visuales patriarcales-. Raza, genero y moral se entrelazan, en consecuencia, en el entramado discursivo elaborado en este ensayo, en el que, por primera vez, se afronta la gestión que los artistas contemporáneos han realizado de conceptos tan connotados simbólicamente como los de limpieza y suciedad.
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* ¡Cante con todas sus fuerzas! Es una certeza: cantar es bueno para nosotros. Entre otros beneficios, reduce la presión sanguínea y mejora la autoestima y la postura. * Este libro ofrece una guía experta y ejercicios prácticos para ayudarle a añadir ritmo a su vida. * De la mano de Rosie Dow, profesora de canto con una extensa carrera y experiencia, descubra cómo controlar la voz, disfrutar de los beneficios físicos y emocionales del canto, y conectar con sus necesidades y sus puntos fuertes. Tener voz significa ser humano. Su voz es solo suya, un sonido que surge de lo más hondo de su espíritu, creado con su cuerpo y dotado de su historia personal. Cuando utilizamos la voz al cantar, compartimos experiencias y emociones. Conectamos con los demás y con el mundo que nos rodea de un modo único. Para cantar con confianza es preciso que el cuerpo esté preparado y que el corazón y la mente estén abiertos. Con algunos conocimientos y práctica, todo el mundo puede encontrar su voz de cantante y, de ese modo, dar rienda suelta a la convicción y la inspiración para compartir su historia y mejorar su vida. Ha llegado el momento de que el mundo escuche su voz.
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Una guía para la adaptación transformadora de los edificios existentes. Un estudio de la práctica contemporánea de una de las oficinas líderes en este campo, Deborah Berk.Durante más de 30 años, Deborah Berke Partners ha sido líder en la transformación de edificios antiguos para nuevos futuros. Transform: The Architecture of Adaptation explorará y documentará el imperativo ecológico y urbano para revivir y adaptar el tejido construido existente, y demostrará herramientas y métodos innovadores y atemporales para crear una nueva arquitectura exitosa a partir de estructuras antiguas y condiciones encontradas.El libro estará ilustrado principalmente, pero no exclusivamente, con proyectos de Deborah Berke Partners, incluidos edificios académicos, hoteles boutique y centros comunitarios y culturales. Los ensayos de Deborah Berke, Noah Biklen, Arthi Krishnamoorthy y Alan Brake introducen cada capítulo. También incluirá contribuciones de críticos, planificadores y artistas con un interés compartido en la creación de un entorno urbano sostenible, equitativo y enriquecedor. Los colaboradores incluyen al artista Titus Kaphar, la historiadora urbana Karen Seto, los líderes de diseño ambiental Atelier Ten y el fotógrafo Christopher Payne.El término 'reutilización adaptativa' es anodino e impreciso. Implica una falta de rigor, como si los edificios antiguos fueran objetos desechados que pueden reutilizarse fácilmente, como convertir una vieja caja de leche en una estantería. Los edificios, buenos, malos, diseñados por un arquitecto famoso o sin autor, son cosas complejas, con historias, con impactos en su entorno, con relaciones con personas y lugares. No todos merecen ser salvos, pero muchos sí. A veces, un edificio anodino puede transformarse en algo mejor de lo que nunca fue. Incluso los buenos edificios de arquitectos destacados se pueden mejorar, especialmente si su uso ha cambiado o si su contexto se ha alterado significativamente.En gran parte del país, en particular en las ciudades posindustriales de tamaño pequeño a mediano, abundan las oportunidades para la reutilización creativa de los edificios existentes. Deborah Berke Partners aborda estos edificios (antiguos almacenes, edificios de oficinas, incluso un sanatorio histórico diseñado por H. H. Richardson) como recursos materiales y como la base de una remodelación urbana sostenible. Estos proyectos tienen impactos que se extienden mucho más allá de sus muros: este trabajo es parte de un replanteamiento urgente del urbanismo estadounidense.
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Que me parta un rayo no es solo uno de los mejores discos de rock en castellano de todos los tiempos. Con él, Christina Rosenvinge abrió un camino que hasta entonces transitaban muy pocas mujeres, sin aspavientos pero con valentía, y sin pedirle ni deberle nada a nadie.El álbum conoció el éxito y cautivó a oyentes de toda condición en España y, al mismo tiempo, fue una obra de referencia, de libertad y de esperanza para cientos de miles de muchachas en Latinoa mérica, a las que ayudó a comprender que había otras vidas posibles.Con Que me parta un rayo, Christina Rosenvinge dio un giro radical a su carrera, buscando su propia voz e identidad artística, pero ocurrió algo más: se destapó también como una inmensa compositora, des lumbrante tanto en unas cuidadas, personales y narrativas letras como al imaginar melodías arrebatadoras. Para poner en pie el disco, recurrió al grupo de directo de Joaquín Sabina (Antonio García de Diego, Pancho Varona, Jaime Asúa), rebautiza para la ocasión como Los Subterraneos.
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Nuevo libro de uno de los máximos exponentes de la crítica de la arquitectura contemporánea actual, donde analiza la relación entre la arquitectura y la abstracción.En este estudio teórico sobre la abstracción en la arquitectura, el primero de su tipo, Pier Vittorio Aureli aboga por reconsiderar la abstracción, sus significados y sus fuentes. Aunque los arquitectos normalmente han interpretado la abstracción en términos formales —la reducción deliberada de las complejidades del diseño a lo esencial—, Aureli demuestra que la abstracción surge de las condiciones materiales de la producción de edificios. En este texto se presenta la abstracción en la arquitectura no como una tendencia estética, sino como un movimiento que surge de las divisiones modernas del trabajo y las consecuentes asimetrías sociales. Estas divisiones fueron anticipadas por la arquitectura de la Antigüedad, que estableció una distinción entre trabajo manual e intelectual colocando el primero al servicio del segundo. Más abstracciones aparecieron a medida que la geometría, utilizada para medir territorios, se convirtió en intermediaria entre la tierra y el dinero, y finalmente produjo la lógica de la retícula. En nuestra época, la abstracción arquitectónica sirve a la lógica del capitalismo bajo la premisa de que todas las cosas pueden intercambiarse, incluso la experiencia misma es una mercancía. Para resistir este giro, Aureli busca una crítica de la arquitectura que se sitúe en la práctica material.
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Undécimo volumen de la colección de ''Ensayos sobre Arquitectura y Cerámica'', desde la Cátedra Cerámica MadridEn este undécimo volumen de la colección de ensayos, que la Cátedra Cerámica de Madrid viene desarrollando desde el curso 2007-2008, y con el ánimo de continuar estudiando y analizando el material cerámico como imprescindible en la Arquitectura, se compila en esta edición una serie de reflexiones en relación al material cerámico y al espacio arquitectónico generado a través del mismo.Esta edición recoge el trabajo de diferentes arquitectos que trabajan la cerámica desde diferentes puntos de vista, ampliando y multiplicando de esta forma el campo de interés de un material completamente arraigado en la arquitectura, con unas aportaciones que extienden su conocimiento aunando valores históricos, técnicos y espaciales.
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La obra de este arquitecto, ingeniero y artista plástico valenciano ha traspasado fronteras desde los inicios de su carrera. En España le lanzó a la fama la Ciudad de las Artes y de las Ciencias de Valencia y desde entonces ha estado a la cabeza de grandes obras, como complejos urbanísticos, puentes, torres o arte cinético, por todo el mundo.
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Éste es un libro sobre el habitar del ser humano. Tenemos que saber dónde estamos y cómo somos para experimentar la existencia como algo significativo. La orientación y la identificación se consiguen mediante el espacio organizado y la forma construida, que juntos constituyen el lugar concreto, es decir, la arquitectura. Así pues, este libro es una introducción a la arquitectura.
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El objetivo de este libro es convertirse en una referencia en el debate actual sobre los espacios de aprendizaje y educación.Este libro presenta contribuciones de expertos en los campos relevantes, junto con la investigación que sustenta el proyecto, estudios de caso seleccionados y testimonios de las iteraciones de esta iniciativa en Francia, Portugal y Bélgica. El estudio también consolida la visión optimista compartida por los participantes del proyecto a lo largo de los años: la creencia de que la educación pública es la base de la Europa contemporánea y que las soluciones arquitectónicas y de diseño adecuadas realmente pueden mejorar y multiplicar su poder.Classroom, a teenage view es un proyecto organizado por arc en rêve centre d'architecture (Burdeos, Francia), Centro Cultural de Belém / Garagem Sul Architecture Center (Lisboa, Portugal) y Z33 House for Contemporary Art, Design & Architecture (Hasselt, Bélgica). Este proyecto está cofinanciado por la Unión Europea.
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Esta Addenda viene a completar el Catálogo de manuscritos medievales de la Biblioteca Histórica «Marqués de Valdecilla» (Universidad Complutense de Madrid) editado en 2019. Se describen ahora de manera sistemática los manuscritos medievales de la Biblioteca Histórica (posteriores al BH MSS 161), es decir, los datados desde el siglo XIII al XVI de diferentes procedencias que no se incluyeron en el mencionado catálogo por no proceder de la colección fundacional ildefonsina recogida por José de Villaamil y Castro. Desde el punto de vista de su contenido son piezas que preservan importantes repertorios o documentos jurídicos y canónicos que constituyen fuentes de primer nivel para la historia cultural. Aunque es menor el aporte de los textos clásicos (Salustio y Esopo), su presencia en la Biblioteca Histórica nos informa de su recepción en la Península en fechas bastante tempranas. El corpus no ha sido adecuadamente estudiado y catalogado hasta la fecha y, por su antigüedad y variedad temática, merece ser puesto a disposición del público y los investigadores, como parte importante del rico patrimonio bibliográfico español
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La monografía definitiva sobre la obra del escultor, artista de instalaciones y pionero del Arte Povera Luciano FabroLuciano Fabro fue miembro fundador y luego crítico principal de Arte Povera, el movimiento artístico basado en materiales y experiencias que comenzó en Italia a fines de la década de 1960. Continuó siendo exhibido internacionalmente, convirtiéndose en el primer artista del grupo en recibir una importante retrospectiva en los EE. UU., en el Museo de Arte Moderno de San Francisco en 1992. Fabro fue un artista controvertido, pero aún así un favorito de la crítica: en 2018 el arte líder la publicación The Brooklyn Rail dedicó un número entero a Fabro, y la crítica del New York Times, Roberta Smith, escribió que Fabro trató ''la creación artística menos como una profesión y más como un experimento continuo destinado a mantenerse entretenido y al espectador un poco fuera de balance''. Esta monografía completa y muy ilustrada es la primera descripción completa de la vida y carrera de Fabro, escrita por la estimada crítica y curadora Margit Rowell, quien interactuó repetidamente con Fabro en sus últimos años, y se publica con el apoyo y la participación total del patrimonio del artista y galerías internacionales, Paula Cooper (Nueva York), Christian Stein (Milán) y Simon Lee (Londres y Hong Kong).
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Hidden Architecture establece un Atlas de arquitecturas y proyectos que han permanecido fuera del foco dogmático de la Arqutiectura.En una disciplina en la que la imagen de la ciudad y el entorno antropizado son una construcción ficticia creada a partir de una selección determinada, Hidden Architecture desafía los dogmas asumidos en relación a lo que se publica masivamente poniendo el foco en aquello que permanece velado.Este libro es una recopilación de proyectos basada en la idea del viaje, tanto real como imaginario, que esboza un Atlas en expansión enfatizando la experiencia física, emocional y cultural de recorrer las obras.
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El grupo de k-pop que ha revolucionado el panorama musical internacional. Si quieres enterarte de las últimas novedades de la boy band del momento, este es tu libro. En él, recorrerás cada uno de los álbumes que han ido lanzando a lo largo de su trayectoria y podrás conocer todo sobre: J-Hope, RM, Jimin, Jin, Suga, V y Jungkook. Te convertirás en un auténtico ARMY, y podrás estar a la última de las last news.
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En ''Por qué Beethoven tiró el estofado'' el famoso violonchelista Steven Isserlis nos sorprendió a todos con un maravilloso regalo tal y como en su momento su profesor de chelo le hizo a él, la posibilidad de conocer a los grandes compositores como si fueran nuestros amigos y hablaran con nuestras propias palabras. En este nuevo libro nos dibuja con su atractivo lenguaje el mundo de otros seis compositores extraordinarios –Händel, Haydn, Schubert, Tchaikovsky, Dvorák y Fauré–, haciéndolos revivir en nuestra imaginación como si pudiéramos escucharles hoy en día. Amenizado con historias coloridas sobre estas increíbles personalidades y sus amigos, este libro es una lectura atractiva y accesible tanto para niños como para adultos.
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En este libro se muestra la capacidad compositiva de la improvisación libre y se describen otras cualidades que desarrollan los músicos y artistas que la practican. Es un intento de equilibrar la balanza entre la improvisación libre y la composición escrita, recuperar el valor que se le ha negado a la improvisación. A través de los escritos de diferentes autores, de las entrevistas personales a un número importante de compositores e improvisadores del panorama internacional, así como del análisis de su experiencia práctica (las relaciones entre la improvisación libre/composición y el free jazz, la poesía escénica, la sensibilización artística de personas con discapacidad intelectual y las orquestas de improvisadores), Chefa Alonso investiga las similitudes y diferencias entre la improvisación libre y la composición escrita. La historia musical occidental se ha centrado en las composiciones escritas y ha sobrevalorado la importancia de la partitura, que ha terminado por convertirse en el objeto central de la actividad musical oficialmente reconocida. Por otro lado, es comprometido estudiar y analizar algo que no está escrito, es difícil entender comportamientos donde las reglas no son transparentes, como es el caso de la improvisación libre. El mundo académico infravalora la formación de los improvisadores y desconfía de los resultados musicales de una negociación artística y social espontánea que implica tolerancia y habilidad para tomar decisiones dentro de un contexto colectivo. Las razones que justifican el rechazo de la improvisación no están basadas en cuestiones de “forma” o de “poética” musical, sino que obedecen más a prejuicios ideológicos derivados de condiciones históricas y sociales.
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¿Sabías que el diseño gráfico es hijo de un poeta que fracasó como pintor pero se casó con su modelo?, ¿y que la mítica Bauhaus lo instituyó como disciplina artística? ¿Cuándo la música se vistió de color para venderse? ¿Cómo llegó a parar un pingüino a la biblioteca de tu casa?, ¿te han contado que la tipografía de esos libros, que es la del logo del Gobierno de España, es obra de un pederasta zoofílico? ¿Por qué las cajetillas de Lucky Strike en «Mad Men» era blancas y no verdes? ¿Cuánto tardó en diseñarse el «Iy#9829,NY»? ¡Bienvenido a la más desconocida y apasionante historia del diseño gráfico! Entrar en ella es sumergirse en un universo infinito de luces y sombras, de colores, contornos, ideas y emociones que a lo largo de los años han moldeado el arte de la comunicación visual y, con él, nuestra forma más poderosa de pensar y transmitir. Fascinantes peripecias, asombrosas genialidades, estrepitosos fracasos y alucinantes azares se han traducido en los símbolos más icónicos del mundo del cine, la literatura, la publicidad y la empresa: ¿cómo surgieron?, ¿de dónde vienen? El diseñador Carlos Cubeiro ha investigado a fondo el trabajo de los mejores y más heterodoxos e ignorados artistas gráficos del mundo, y ha conocido a un buen número de ellos a lo largo de su trayectoria. Tras su «Manual de fundamentos del diseño gráfico», ahora nos embarca en una fantástica aventura narrativa para acercarnos la revolución de la monja Corita Kent, la de Grapus o la de Carles Fontserè, para presentarnos los carteles de Saul Bass o Mac y Jano, los discos de Jim Flora y Reid Miles, para hablarnos de la primera identidad corporativa y de la que dibujó un simple tenedor, para hacernos partícipes de una historia extraordinaria del diseño gráfico, forjada a través de muchas que nadie nos ha contado y merece la pena descubrir y disfrutar.
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Desde el momento en que las películas se convirtieron en un fenómeno popular en Occidente, el cine fue utilizado como un útil medio de adoctrinamiento moral y cristiano: un vehículo para difundir la palabra de Dios y poner en imágenes las Sagradas Escrituras. La aparición de Dios en las pantallas es tan antigua como el cinematógrafo, y su representación ha dependido no solo de la conveniencia circunstancial que necesitaran los intermediarios del poder divino en la Tierra para sus ambiciones religiosas, sino de la propia evolución tecnológica del invento. Cuando el cine hubo extendido suficientemente las enseñanzas religiosas, algunos cineastas utilizaron este arte para tratar su particular relación con Dios, de manera que la cámara, dotada aún del elemento mágico que fascinó en sus orígenes, facilitó dar forma a un pensamiento que ha trascendido en algunos casos a su propio trabajo mediante una influencia intelectual dentro de la sociedad. A través del análisis de cincuenta títulos esenciales abordaremos diferentes posturas acerca de la idea de Dios desde la perspectiva de unos cineastas formados dentro de una cultura judeocristiana, católica o protestante, de manera que, conforme han evolucionado las costumbres religiosas en las que su culto ha estado arraigado, han ido transformándose las visiones de Dios a lo largo de la historia del cine.
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Miriam Margarita Basilio Gaztambide (nacida en 1967 en San Juan, Puerto Rico) es una historiadora del arteestadounidense y profesora asociada de estudios de museos e historia del arte en la Universidad de NuevaYork. Los intereses intelectuales de Basilio incluyenel arte latinoamericano, el arte político y otros temas de política, arte e identidad.
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