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Llibres de música
Descobreix tot el que has de saber sobre l'art de combinar els sons amb la nostra variada selecció de llibres de música. Compra llibres de música online. En la secció llibres de música trobaràs una àmplia selecció de lectures sobre aquest art en múltiples idiomes i sobre una gran varietat de temes que abasten des de la història de la música, instruments i gèneres musicals, com ara rock, hip-hop o pop, fins a coneguts cantants i grups de música com Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre altres. Així mateix, disposem d’equips per aprendre a tocar la guitarra o el piano amb exercicis per a practicar aquests instruments.
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Excesivos y descarados, Måneskin es el retrato de una generación cosmopolita y sin etiquetas claras, dispuesta a ocupar su propio espacio sin necesidad de transigir. Desde tocar en las calles del centro de Roma hasta abrir el concierto de los Rolling Stones en el estadio Allegiant de Las Vegas, la historia de Måneskin es una historia de determinación y éxito. Este libro, tanto para los fans como para los que no lo son, cuenta la historia de la banda que ahora encabeza las listas de éxitos en todo el mundo.
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La tecnología de ordenadores y sintetizadores o la perfección técnica que alcanzan las grabaciones, con todas sus ventajas, pueden tender a convertir una interpretación musical en una mera ejecución, muy perfecta pero aséptica, fría, sin alma. Monique Deschaussées, pedagoga de reputación internacional, penetra en el misterio de una partitura, y propone al intérprete un itinerario humano, filosófico y artístico, exigente y luminoso, a la hora de situarse ante la partitura, ante el compositor y, quizá y sobre todo, ante sí mismo. Invita así a descubrir la música en su realidad orgánica, como algo vivo, frente a interpretaciones rutinarias que parecen olvidar que este arte tiene corazón. La música es una historia, no una gramática: no hay que esterilizarla, sino escucharla, comprenderla e interpretarla vinculada a una concepción global de la vida. Desde esa perspectiva valora el ritmo, el tiempo o la respiración.
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La diversitat d’inquietuds, la labor i el pensament de Felip Pedrell (1841-1922) van tenir una gran influència entre els músics del seu temps i posteriors. En línia amb els corrents regeneracionistes i inspirat pel wagnerisme i els nacionalismes de la segona meitat del segle XIX, Pedrell volia aplicar les novetats tècniques i estètiques de la música europea. La celebració del centenari de la seva mort convida a revisitar el seu llegat.
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Como pianista innovador y constantemente inventivo, Brad Mehldau ha atraído a un ingente número de seguidores a lo largo de los años, quienes aguardan una experiencia singular e intensa en sus actuaciones. Con este libro, Brad busca extender esa experiencia, compartiendo elementos muy personales de su vida y cómo se fusionaron para convertirlo en el músico y persona que es hoy. Esta obra dibuja un retrato vibrante del mundo del jazz en Nueva York a finales de los 80 y principios de los 90, mostrando cómo una generación de músicos llevó su arte hacia nuevas direcciones, aprovechando un sinfín de influencias pero manteniendo la tradición, tanto la arraigada en el mundo del jazz como en el clásico. La atmósfera de los clubes, la escena creativa en Manhattan y Brooklyn están brillantemente plasmadas. Se evoca la formación del cuarteto con Joshua Redman, así como de los propios grupos de Brad, que lleva a su aclamada serie de grabaciones Art of the Trio con el bajista Larry Grenadier y el baterista Jorge Rossy, y sus posteriores revisiones de Bach o Brahms. Brad no esconde nada cuando aborda el período de adicción a la heroína, su dolorosa decadencia y su redención final hacen que la lectura sea emotiva y, a menudo, angustiosa. Sus lecturas y audiciones son una constante referencia, desde las obras de James Joyce y Thomas Mann hasta el rock progresivo y Bob Dylan, sin olvidar a críticos como Harold Bloom. El libro traslada una experiencia vivida intensamente. Íntimo, vulnerable y profundo, ofrece una mirada al interior de la mente de un artista en la cima de su talento y con sus propias palabras. ''Una escritura increíble, libre y afilada como un cuchillo. Brad escribe palabras como toca el piano, con una fuerza delicada y el don de acceder a recuerdos para convertirlos en emociones. Me siento afortunado al ser contemporáneo de Brad. Amo su escritura tanto como su música''. PAUL THOMAS ANDERSON ''Brad Mehldau es el Jefe de nuestra generación. Su música es magia, un asombroso prodigio de comunión creativa y empática, del cual he sido testigo una y otra vez. En estas memorias penetrantes y provocadoras comparte con nosotros algunos de los secretos ocultos tras sus numerosos sortilegios. Una lectura valiosa para cualquiera que esté intrigado por el origen del genio''. JOSHUA REDMAN
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Históricamente, el flamenco ha contado con figuras masculinas prominentes, mientras que las mujeres a menudo han sido reconocidas principalmente por su papel en el baile. Sin embargo, Eduardo Castro nos muestra cómo, más allá de los roles tradicionales, las mujeres han dejado una huella profunda y duradera en el cante y el toque flamenco. A través de una investigación meticulosa, Castro nos guía por un viaje que revela la riqueza y el talento de las intérpretes femeninas en el flamenco. Desde los vibrantes cafés cantantes hasta la profesionalización del flamenco en el siglo XX, estas mujeres no solo han sido partícipes, sino verdaderas protagonistas y creadoras de tendencias dentro del género. Su arte ha influido profundamente en la evolución del flamenco y ha sido esencial en la formación de algunos de los más grandes maestros de este arte. «Flamencas» es una obra que celebra la excelencia artística y la contribución de las mujeres al flamenco. No es solo un libro sobre música y danza, es una reivindicación del talento y la maestría de aquellas mujeres que han enriquecido y transformado la historia del flamenco con su pasión y habilidad incomparable.
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La fascinante historia de cuatro chicos normales que convirtieron la música en una fábrica de sueños Tras treinta años de trayectoria en los que han marcado para siempre el panorama de la música indie rock en España, la banda Niños Mutantes deja una huella imborrable con esta obra que recoge lo mejor de su recorrido, y que es al mismo tiempo memoria y despedida. Juanjo Ibáñez aúna en estas páginas el testimonio, el valor y la riqueza de la carrera de los Niños Mutantes y, para ello, ha contado con las voces de muchos de los que se han enamorado de su música en estos años: periodistas, críticos musicales, productores y amigos. Todos, incluidos los integrantes de la banda -Migue, Juan Alberto, Nani y Andrés-, se reúnen para homenajear a una banda que representa también un momento irrepetible para la historia de la música en nuestro país. Un libro de anécdotas, de historias tras el telón, de sueños en furgoneta, de crecimiento y descubrimiento: una joya que atesorarán todos los que han disfrutado de su música. «A través de las canciones de Niños Mutantes hemos visto evolucionar las reivindicaciones de nuestra sociedad». Àngels Barceló
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En esta antología se realiza una aproximación poética al flamenco, con una selección de algunas de las letras más populares y tradicionales, junto con otras más recientes y de autor conocido. Para la selección se han seguido criterios poéticos, pero también se ha tenido en cuenta el valor histórico y tradicional de las letras dentro de los estilos flamencos. La presentación de estas, agrupadas por palos, facilita una aproximación a la compleja estructura de los estilos flamencos. Además, para resaltar la importancia de los letristas y sus letras dentro del flamenco, se acompaña un listado de los autores conocidos de los que se han seleccionado algunas de sus creaciones. Una aproximación al flamenco a través de una antología de coplas centrada en su valor poético y tradicional. La selección ha sido realizada por: José Cenizo Jiménez. Profesor, experto en flamenco y poesía, crítico literario, escritor y letrista. Rafael Domínguez Villa. Escritor, poeta y letrista. Domingo Giménez Cánovas. Aficionado al flamenco y la poesía, coordinador de esta antología. Catalina León Benítez. Profesora, escritora, estudiosa del flamenco y experta en su didáctica. Francisco Antonio Linares Lucena. Profesor, escritor, investigador, poeta, letrista, lexicógrafo, dialectólogo y estudioso del flamenco. José Francisco Ortega Castejón. Experto en música y flamenco, editor de la Revista de Investigación sobre Flamenco La Madrugá. María del Mar Prats Yusta. Profesora de baile, poeta y letrista. María Victoria Verdú González. Escritora, poeta, letrista y experta en flamenco.
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Adivina Los Beatles, 65 canciones ilustradas en forma de acertijo que representan 65 canciones de la discografía de los cuatro de Liverpool. ¿Serás capaz de adivinarlas?Has oído hablar de Los Beatles. Has escuchado su música y probablemente te guste o te intrigue, porque te estas fijando en un libro que tiene su nombre en grande en la portada. Tal vez simplemente sientes curiosidad o eres superfan y sabes que normalmente solo se suele hablar de Yesterday, de Here Comes the Sun y de Yellow Submarine. Pero el cuarteto de Liverpool grabó más de 200 canciones, cada una con su historia, su letra y su sonido particular. ¿Dónde aparecen personajes como Father McKenzie o Henry the Horse? ¿Sabrias reconocer cada canción a partir de un dibujo?Este no es solo un libro-juego, encontrarás un montón de datos sobre la formación de la banda, su trayectoria y curiosidades sobre sus canciones.En cada acertijo ilustrado te invitamos a descubrir la historia de Los Beatles y a poner a prueba tu conocimiento de su discografía mediante un juego, en realidad te proponemos varias formas de jugar con diferentes niveles de dificultad. Son 65 acuarelas para 65 canciones y todo el fascinante universo de la banda más famosa de la historia: ¿te atreves a adivinar?
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Una recopilación de textos, excepcional en el panorama editorial español, que nos confronta con una cartografía amplísima de paisajes diversos dentro de la música.Cartografías de la música contemporánea nos invita a un intenso recorrido en el que cada lector, de manera no necesariamente lineal, puede conocer algunos de los estilos e hitos fundamentales de la música y las artes de los siglos XX y XXI. Con una perspectiva multicultural e interdisciplinaria, Paco Yáñez y Joan Gómez Alemany profundizan, desde sus propias experiencias artísticas y personales, en las claves estéticas de una serie de compositores, obras, interpretaciones y publicaciones que han marcado el último cambio de milenio y nuestra actualidad, enraizándolos tanto en la tradición de la música culta europea como en la creación internacional.Estructurados en seis apartados, este libro recoge ensayos, críticas y artículos.publicados en revistas culturales y musicales de referencia, como Scherzo, Sibila, Sul Ponticello, Mundoclasico, Melómano, Artes y Cosas, Itamar y El Compositor Habla, además de textos inéditos, entre los que se encuentra el prólogo del compositor y académico español José María Sánchez-Verdú, quien destaca en Cartografías de la música contemporánea que «las perspectivas que abren estos dos autores se despliegan en meandros a través de los ricos cauces de los textos presentados», con una voluntad divulgativa que aúna la profundización técnica y lo didáctico. La presencia de José María Sánchez-Verdú se une a la del pintor Luis Gordillo, que refuerza la apuesta de este libro por el diálogo interdisciplinario, a través de una portada creada ex profeso por el artista andaluz, en quien se centra uno de los ensayos de este volumen.Esta publicación puede ser utilizada, igualmente, como una completa guía para descubrir y escuchar un amplio abanico de partituras y grabaciones esenciales, facilitando al lector rutas discográficas por las que transitar este mapa de la música de nuestro tiempo. Completa el libro un extenso índice onomástico que nos ofrece una herramienta con la que buscar rápidamente y de manera fácil a sus muchos protagonistas.
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Miles Davis ha sido uno de los músicos más importantes e influyentes del mundo. En esta autobiografía Miles se desnuda ante el lector y habla con toda crudeza de su vida personal, de su adicción a las drogas, del alcohol, de su relación con las mujer
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En esta obra, considerada desde hace años un clásico de la disciplina, Enrico Fubini arroja luz sobre los temas fundamentales, las corrientes más importantes y los problemas clave de la estética musical. Proporciona así una síntesis cronológica del pensamiento musical en Occidente, desde los poemas homéricos hasta las últimas tendencias contemporáneas, que comprende las reflexiones sobre la música no sólo de los propios músicos y estudiosos de la estética, sino también de filósofos, matemáticos, físicos y pedagogos.
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TURBULENTAS Y FASCINANTES MICROHISTORIAS DE ESTRELLAS DEL ROCK QUE SE ROMPIERON EN AÑICOS. Algunos músicos forjaron su mito y su halo de misterio y de grandes estrellas tras una muerte temprana. El espléndido libro Eternos 27 de David Luna y Rebeka Elizegi, publicado previamente, recoge los últimos momentos del llamado Club de los malditos, artistas fallecidos a los 27 años. Este libro, en cambio, abarca todos los demás artistes que vivieron una vida intensa pero breve en sus meteóricas carreras. Carlos Cubeiro recrea los últimos momentos o las turbulentas vidas de algunos de estos músicos queacabaron por convertirse en leyendas antes de tiempo. Con enlaces a 30 playlists ¡EDICIÓN A TODO COLOR CON ILUSTRACIONES ORIGINALES DEL AUTOR!
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Pocos compositores parecen tan esenciales en el repertorio operístico como Giacomo Puccini, favorito del público mundial, si bien su consideración entre críticos y académicos actuales es desigual, división de opiniones que ya sufrió en su tiempo el propio músico. Su obra se inscribió en el centro de la profunda crisis de identidad nacional que, tras la unificación, atenazó a Italia a principios del siglo xx, y convirtió a Puccini en un «problema»: mientras que para unos era el símbolo de la decadencia finisecular, para otros era el emblema de la nueva italianidad y el progreso. Este fascinante libro es el primer estudio en profundidad de las óperas de Puccini y el primer intento serio de contextualizar al compositor en su entorno político, estético e intelectual, identificando las ideologías que dieron forma a las diversas reacciones antagónicas en vida del compositor. Un libro revelador tanto para los amantes de la ópera como para todo lector interesado en la vida artística e intelectual de Italia en los albores del convulso siglo pasado.
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Nos vamos de viaje a la Italia de los años cincuenta y sesenta Dolce vita, glamour y mucho, mucho cine Por el Festival de Venecia, las playas de Sorrento o en el cautivador ambiente nocturno de Roma se pasean Sophia Loren, Pier Paolo Pasolini, Brigitte Bardot, Orson Welles…, ¡y nuestras divas cañís!Las trayectorias artísticas de Lola Flores, Carmen Sevilla y Sara Montiel coinciden en presentar numerosas conexiones con Italia: el debut cinematográfico de Lola Flores bajo la dirección de Fernando Mignoni y sus explosivas colaboraciones con Raffaella Carrà, la participación de Carmen Sevilla en la coproducción italo-española Pan, amor y…, Andalucía dirigida por Javier Setó en 1958 junto a Vittorio de Sica y la vida de película de Sara Montiel, que enamoró dentro y fuera de la gran pantalla a varios galanes italianos y que intentó «redimirse» de su fama de mujer fatal con una desventurada boda celebrada en Roma. En este libro, fruto de sus investigaciones en la Real Academia de España en Roma, Lidia García -creadora de ¡Ay, campaneras!- explora los vínculos entre estas tres populares estrellas del cine, la canción española y el panorama cultural italiano de la época.Tarantela sevillana, un libro maravilloso, repleto de anécdotas, historias increíbles y fotografías inéditas, ofrece un análisis pormenorizado de este fascinante trasvase cultural con aire de tarantela y espíritu de copla.
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El baix d'òpera Miquel Riera (Manacor, 1859-1939) va cantar al Teatre Alla Scala de Milà, al de Sant Petersburg, a Odessa, al Teatro Colón de Bons Aires, a l'Albisú de l'Havana, al Teatro Real de Madrid, a Mèxic, Puerto Rico, l'Uruguai i molts altres indrets. La seva carrera fou, sens dubte, de dimensió internacional, però la seva figura no és coneguda. Aquesta obra presenta un treball coordinat per Bàrbara Duran sobre dos estudis previs: els records, les anècdotes i els articles reunits per Ramon Codina Bonet, i la recerca realitzada per la mateixa Duran a partir d'una biografia elaborada pel net del cantant Riera, l'arquitecte Antoni Riera Jaume. El pròleg de Maria del Mar Trias Magraner enquadra els dos treballs, i també la riquesa del món mallorquí de la música escènica al final del xix i al començament del xx, que arribava a més de cent cinquanta representacions per temporada.
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Este libro analiza un fenómeno musical sin precedentes en nuestro país: Mecano sigue siendo, más de dos décadas después de su separación, la formación española con más discos vendidos en el mundo. La obra nos sumerge en sus letras para señalar su dimensión poética y mostrar las influencias literarias, pictóricas y cinematográficas de sus autores, En el terreno musical, se detiene en la evolución del sonido del grupo, desde el tecnopop hasta una propuesta de raíces españolas, De este modo, el estudio de las letras y la música de Mecano permiten valorar en su justa medida la notabilísima aportación del grupo a nuestro cancionero popular contemporáneo, Sus autores se preguntan también si Mecano nació para ser una banda políticamente correcta, cuyas letras exhibieran algunos asuntos de calado sociológico sin hacer mover los pilares del statu quo establecido, El estudio de los motivos líricos y musicales de sus canciones invita a concluir que el grupo fue rupturista en todos los sentidos, también en el plano social y cultural,
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En Free Play, Stephen Nachmanovitch propone una meditación magistral sobre cómo la improvisación se puede aplicar no solo al arte sino también a la vida y sobre cómo, al hacerlo, desbloquearemos nuestra creatividad.«¿Cómo se aprende a improvisar? ¿O, en todo caso, cómo se aprende cualquier arte? ¿O cualquier cosa? Es una contradicción, un oxímoron. Ve y dile a alguien: ''¡Sé espontáneo!''. O trata de que alguien te lo diga. Nos sometemos a maestros de música, de baile o de talleres literarios que pueden criticar o sugerir, pero lo que realmente nos piden es que ''seamos espontáneos'', que ''seamos creativos''. Y eso, por supuesto, es más fácil decirlo que hacerlo. ¿Cómo se aprende a improvisar? La única respuesta es otra pregunta: ¿Qué nos lo impide? La creación espontánea surge de lo más profundo de nuestro ser. Lo que tenemos que expresar ya está en nosotros, somos nosotros, de manera que la creatividad no es una cuestión de encontrar el material, sino de desbloquear los obstáculos para que fluya naturalmente.» -Stephen Nachmanovitch Si bien la espontaneidad y la inspiración pueden quedar bloqueadas, descarrilarse o ser eclipsadas por factores inevitables de la vida, Stephen Nachmanovitch apuesta por una fluidez de la energía creativa sin obstáculos, es decir, por el goce de hacer arte en todas sus variantes vitales. Basándose en ejemplos de las artes, las ciencias y las tradiciones espirituales de la humanidad, Free Play nos revela por qué creamos y lo que aprendemos cuando lo hacemos. Lleno de citas inusuales, anécdotas divertidas y metáforas originales, el autor nos guía para esclarecer cómo podemos liberar la inspiración de nuestro interior- y a la vez liberarnos a nosotros mismos- para hablar, cantar, escribir, pintar, bailar o jugar con nuestra verdadera voz. Sabia, generosa y atemporal, Free Play es una obra de referencia para personas de cualquier campo a la que podemos acudir una y otra vez en casos de necesidad creativa.
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LA HISTORIA DEL GRUNGE, CONTADA POR ALGUIEN QUE ESTUVO ALLÍ DESDE EL PRINCIPIO. Escrito por Steve Turner, el legendario guitarrista de Mudhoney y uno de los padres fundadores del grunge, este libro es una crónica veraz y sin pelos en la lengua del nacimiento y la evolución de la escena grunge de Seattle: unos chavales punk inadaptados que se encontraron en pistas de skateboard y en conciertos underground de hardcore, y luego terminaron montando bandas juntos. Así, aparecen las influencias musicales y los experimentos que dieron forma al sonido grunge, y se relata la historia de las bandas de Turner, Green River y Mudhoney, que saltaron de los conciertos en locales de mala muerte a tocar en estadios repletos junto a Nirvana y Pearl Jam. «El libro es una montaña rusa de recuerdos musicales, tan lúcida a veces como lunática en otras ocasiones, extraña y sorprendente, y siempre propulsiva. Turner nos relata desde su perspectiva privilegiada la génesis del sonido de Seattle y de su espíritu, todo con humor, drama y esas pepitas de oro históricas que tanto aprecian los fans.» Jonathan Evison, novelista «Steve Turner me enseñó todo lo que sé sobre punk rock, arte folk y sobre cómo hallar el curso de tu vida: cómprate una guitarra barata, un ampli pequeño que ya no fabriquen más, y funda un grupo.» Stone Gossard autor del prólogo, guitarrista y miembro fundador de Pearl Jam «Este libro es un documento esencial: la historia de esa estética y de ese estilo que vino a denominarse grunge, de boca de uno de sus padres intelectuales y esprituales.» Greg Vandy, presentador de radio y autor del libro 26 Songs in 30 Days (Woody Guthrie) PRÓLOGO DE STONE GOSSARD (PEARL JAM)
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Cuando ''Hamp'' -diminutivo por el que era conocido entre sus pares el gran vibrafonista, pianista, baterista, cantante y director de orquesta Lionel Hampton- proclamó en 1956 «haber descubierto al mejor pianista de jazz de Europa» poco podía imaginar Tete Montoliu que aquella sentida soflama fuera a propinarle un vuelco tan radical a su vida. Alumno aventajado de la generación que asentó la modernización del jazz, aunque insobornable hardbopper, Tete Montoliu hizo suyas las virtudes de los grandes -que siempre lo trataron y consideraron como a un igual (Dexter Gordon, Johnny Griffin, Thelonious Monk, etc.)- pero, acaso precisamente por ello, tampoco se libró de algunos de sus defectos y excesos. Es por este motivo que una personalidad tan compleja y determinante para la historia del jazz lugareño como la suya hace necesaria, a los veinticinco años de su muerte, una aproximación coral que trace un recorrido biográfico plural, y aperturista -sin ánimo de caer en la exaltación hagiográfica, pero sin voluntad, tampoco, de silenciar ciertas controversias y testimonios contradictorios-. Tomando y mutilando parcialmente el título de una composición de uno de sus autores predilectos, Thelonious Monk -con quien compartía iniciales: T. M.-, 'Round About Tete ofrece una mirada caleidoscópica a través de vivencias, opiniones, artículos, declaraciones, cartas y otros documentos exhumados que versan sobre su vida y obra, aportados por muchos de los que tuvieron ocasión de conocerlo: músicos, mánager, programadores, productores, periodistas, escritores, cineastas, cantantes, amigos, familiares, amantes, empresarios... Se acompaña esta edición de las transcripciones de algunas de las composiciones que integraban su repertorio: estándares, canciones populares y composiciones de otros admirados colegas.
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DESCUBRE TODO AQUELLO QUE PUEDE OFRECERTE LA MÚSICA MÁS ALLÁ DE SU MERA PERCEPCIÓN, DE SU DISFRUTE O DE SU ENTRETENIMIENTO. Escuchar música beneficia el bienestar en general, ayuda a regular las emociones, y crea felicidad y relajación en la vida cotidiana. Y también nos ayuda a ser mejores personas. Nos anima cuando decaemos, fortalece nuestra autoestima y nos da confianza. Si te aventuras a descubrir todo lo que una obra musical tiene para ofrecerte, más allá de su sonoridad, es posible que termines disfrutándola y dejes de considerarla sólo como algo que te gusta. Este libro no únicamente te habla sobre la música que conocemos, sino que tiene la rara habilidad de interrelacionar este arte con cuestiones tan aparentemente alejadas como la filosofía, la conciencia, el arte, la psicología o la literatura. «El arte es la mentira que nos ayuda a ver la verdad.» · Pablo Picasso «Si una obra de arte no sacude nuestras conciencias, a lo mejor no es arte.» · Ramon Gener «Lo que tengo en mi corazón y en mi alma debe encontrar una salida. Esa es la razón de la música.» Ludwig van Beethoven Una invitación para comprenderla y amarla para ser mejor persona.
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Como producto del romanticismo europeo, el flamenco andaluz ha sido entendido durante mucho tiempo como una misteriosa expresión de la poesía y la música de los gitanos andaluces, transfigurada y utilizada comercialmente. Desde una perspectiva crítica y científica, el presente estudio desmitifica el flamenco como fenómeno del romanticismo gitano, iniciado hacia finales del siglo XVIII en el teatro menor, y lo analiza en el contexto del folclore urbano agitanado y popularizado que hacia 1850 se perfiló como género artístico propio de la modernidad emergente. Así, las bases del surgimiento del flamenco se describen a partir de la dialéctica entre tradición y modernización en la transición de la cultura popular rural-agraria a la cultura popular urbana de la sociedad burguesa que imperaba en España en el siglo XIX. Partiendo de los datos existentes, Steingress analiza esta manifestación cultural andaluza como expresión de un arte gitano imaginario y artificial, donde la tradición, la inquietud artística y la autoconciencia del pueblo gitano se afirmaron y desarrollaron hasta convertirse en un elemento clave de la cultura andaluza. Al igual que en los casos del blues, el rebético, el tango, el fado, la samba o el raï, el flamenco se comprende entonces como una música del pueblo español étnicamente polifacética y surgida de una serie de hibridaciones transculturales que han contribuido a la consolidación de Andalucía y sus regiones colindantes como espacio culturalmente autónomo, capaz de aportar su singularidad al desarrollo de la música y el arte a escala mundial. Libro revolucionario desde su primera edición a principios de los años noventa, Sociología del cante flamenco marcó el inicio de una profunda reconsideración en la hasta entonces dominante flamencología tradicional.
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La dramática y truculenta vida de Jerry Lee Lewis es una de las más legendarias de la historia de la música popular norteamericana.Considerada una de las mejores biografías jamás escritas, Fuego eterno (Hellfire) es un fascinante relato que bascula en
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El bullicio alegre de las zambombas es una tradición única que ilumina las noches de adviento en Jerez con sus cantos y ritmos cargados de historia popular. Este libro invita a conocer la magia de una fiesta donde la música del pueblo se mezcla con el aroma del anís y los dulces típicos, en un ambiente que cada compás de la zambomba y cada rasgueo de la guitarra transportan a un mundo de alegría compartida. Descubra cómo estas celebraciones, tan arraigadas en los patios y plazas de Jerez, han evolucionado desde sus raíces en las comunidades moriscas hasta convertirse en un fenómeno cultural que atrae a miles de personas cada año. Con un análisis histórico y una rica descripción de los peculiares y picantes letras de los cancioneros que dan vida a estas festividades, este libro es una invitación a vivir y entender la verdadera esencia de la Navidad andaluza.
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Walter Lezcano, con su estilo reflexivo y provocador, nos invita a recorrer la evolución de la música, desde los últimos vestigios del rock hasta la explosión imparable del freestyle. En este ensayo lúcido y personal, Lezcano no solo examina el declive de
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Dans la composition, l’immuable (le spirituel) s’exprime à travers la ligne droite et les plans non colorés (blanc, noir, gris), tandis que ce qui est variable (le naturel) trouve son expression dans les plans colorés et dans le rythme…Le son, comme la couleur, ne dépend pas du volume. La musique peut donc s’inspirer directement de la peinture.
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Robert Gerhard i Ottenwaelder (Valls, 1896 – Cambridge 1970) es el compositor catalán más importante del siglo xx y seguramente uno de los pocos compositores catalanes universales. Su periplo vital, estético e intelectual es fascinante y explica de forma paradigmática la desdichada historia de Cataluña, de España y de Europa. A pesar de todo ello, todavía es una figura bastante desconocida para el gran público y su música de calidad y modernidad deslumbrantes sigue ausente de las programaciones.Con este libro, el apasionado gerhardiano Oriol Pérez i Treviño llena un vacío inexplicable. A partir de la bibliografía y de los estudios existentes, relativamente abundantes pero parciales y muy a menudo hechos desde ópticas extranjeras, construye un relato personal, documentado y con nuevas aportaciones de la trayectoria personal y artística de este creador único que dejó Cataluña para exiliarse a Cambridge, donde falleció en 1970.Les ofrecemos, ahora que las conmemoraciones de Gerhard ya han pasado, una verdadera invitación al descubrimiento de una mente privilegiada y apasionante de un hombre comprometido de la forma más radical, y sobre todo una invitación a escuchar una música extraordinaria y a profundizar en la misma.
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A inicios de la década de los ochenta, el estilo skinhead se concretó inicialmente en ciudades como Barcelona, Madrid y Valencia. Pronto, el mismo se propagó y evolucionó al unísono, definiéndose las peculiaridades que lo convirtieron en un estilo singular y atractivo para un segmento relevante de la juventud. Fruto de una tesis doctoral y años de investigación, la obra reconstruye a través de entrevistas, documentos, fanzines, bibliografía y testimonios los orígenes, el desarrollo, el proceso de politización y la popularización que caracterizó al estilo skin en España a partir del análisis de un conjunto de elementos –estéticos, culturales, deportivos, musicales e iconográficos– que permiten interpretar su heterogéneo recorrido. Lejos del cúmulo de relatos alarmistas precedentes, Rapados ofrece una panorámica rigurosa, extensa y detallada de una concreción subcultural que en su momento de máximo apogeo fascinó a miles de jóvenes.
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Todo lo que nunca se ha contado sobre Mari Trini Yo no soy esa que tú te imaginas nos acerca a una de las artistas más populares y quizá más enigmáticas de la música española, una cantautora inigualable que abrió caminos, en todos los sentidos, a las generaciones que la siguieron. Tras un largo proceso de investigación, esta biografía indaga en las facetas que, durante medio siglo, han alimentado la leyenda en torno a su figura: la singularidad de su aspecto, la enfermedad que marcó su infancia, la relación con Nicholas Ray -menos idílica y desinteresada de lo que aparentaba-, el pulso constante con una industria discográfica manejada por hombres o las razones del injusto ostracismo al que se vio sometida en sus últimos años de vida. Liberada de la falsa imagen que siempre la presentó como solitaria, arisca y triste, Mari Trini se nos muestra ahora como una mujer luchadora y valiente, empoderada, pertida y solidaria, capaz de vivir su sexualidad sin ocultarse, de plantar cara a la censura y al machismo, y de mantenerse siempre fiel a sus ideas. A medio camino entre la nostalgia y la reivindicación, este libro recupera la voz de una estrella, icono de los movimientos feministas y LGTBIQ+, que se apagó demasiado pronto en el olvido después de haber brillado con intensidad suficiente para iluminar nuestros días.«Cuando Mari Trini canta, ¡hasta Dios se levanta !» Gloria Fuertes «Me parece que, sin figuras como la de Mari Trini, sería difícil que yo, por ejemplo, existiera.» Rozalén
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Escasean análisis serios y rigurosos de lo que ha acontecido en Euskal Herria tras los acelerados años ochenta. Desde entonces han irrumpido con fuerza otras corrientes musicales, estilos, tribus e identidades que han sido eclipsadas por un movimient
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Esta obra documenta uno de los fenómenos clave de la cultura contemporánea: la debacle de la industria musical tal y como la conocíamos, y la irrupción de la cultura digital, la piratería y los archivos de audio MP3. Stephen Witt construye un fascina
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Un viaje delicioso en busca de las huellas que la melancolía ha dejado en la música clásica, un libro que abre puertas al goce a través de la comprensión y el conocimiento. Explica el autor que «este libro es un viaje en busca de las huellas que la melancolía ha dejado en la música clásica (...). La melancolía nos lleva a las esferas de la locura, de la desesperación, del tedio y de la muerte, pero también es un sentimiento de goce espiritual y de dulzura. Es una enfermedad maligna y al mismo tiempo es una emoción noble y un tipo de personalidad».Lo que se nos ofrece aquí es un seductor recorrido por la presencia de la melancolía y sus formas cambiantes en la historia de la música occidental, desde el Renacimiento hasta nuestros días. Roger Bartra aborda piezas de Dowland, de Händel, el Cuarteto número 6 de Beethoven, los lieder románticos de Schubert y Schumann, el impresionismo de Debussy, las evocadoras partituras de los nórdicos Sibelius y Nielsen y del británico Vaughan Williams, el desgarro dodecafónico...¿Cómo transmite el lenguaje musical las emociones y las sensaciones vinculadas con la melancolía? ¿Cómo ha evolucionado la expresión de ese sentimiento en cada periodo histórico?Roger Bartra despliega una inmensa erudición y una inteligencia mayúscula al servicio del disfrute y el enriquecimiento del lector. Un libro precioso.
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Una cuidada recopilación de las canciones más populares y famosas de España y Latinoamérica, con las letras y los acordes para guitarra y piano. Este cancionero incluye algunas de las más conocidas y recordadas canciones de hoy y de siempre con los acordes para piano y guitarra. No es fácil realizar una antología como esta, ya que el acervo musical en español no solo es rico en calidad sino también en cantidad.
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Los Brincos (Juan Pardo, Antonio ''Junior'' Morales, Manolo González, Fernando Arbex) aparecieron a finales de 1964, a imagen y semejanza de los Beatles, dominadores del panorama pop mundial. El sello Zafiro-Novola puso en órbita a su nueva banda tratando de emular a los de Liverpool, con buenas canciones beat originales e inequívoco aire español. Esta es la historia de Los Brincos, el mejor grupo pop español de los sesenta, pero también de sus múltiples historias vividas: grabaciones, actuaciones y sus éxitos, desde el punto de vista de los propios músicos, junto con la copiosa hemeroteca disponible. Los Brincos forman parte de nuestro imaginario colectivo cultural pues con ellos arrancó la música moderna, liderando con autoridad aquella primera edad de oro del pop-rock nacional.
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Aquest llibre és alhora un mètode i una guia pensats per als docents que desitgen iniciar-se en l'escriptura creativa i integrar-la a classe. És el fruit d'anys d'experiència en aquest àmbit: des de l'aula hospitalària de l'Hospital Trueta de Girona, i les escoles de primària, fins als instituts de la província de Girona, els jocs que ho componen han demostrat la seva eficàcia. Per què aquest mètode té èxit en l'àmbit escolar? Perquè s'adreça, primer de tot, a la imaginació de l'alumnat (abans de fer-ho als seus coneixements lingüístics). Un cop han jugat amb els elements de l'escriptura (lletres o paraules, frases o textos), i segons unes consignes, els infants són capaços de fer que vegin la llum la seva sensibilitat i la seva visió del món. Amb aquest mètode, molts alumnes de primària i de secundària ja han descobert el plaer i l'alegria de jugar a escriure. Quan proposem aquests jocs d'escriptura creativa, com a educadors i educadores, ens podem preguntar: quantes vocacions d'escriptor i d'escriptora estic despertant?
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A partir de casi un centenar de entrevistas y un proceso de documentación de más de dos años, ''Balearic'' cuenta ''a través del relato en primera persona de sus protagonistas'' la historia de una de las mecas del clubbing mundial: Ibiza. Por primera vez, y a partir del testimonio de DJs y músicos de fama internacional, periodistas, disqueros, bailarines, promotores, hosteleros y propietarios de discotecas míticas como Pacha, KU (ahora Privilege), Amnesia o Space, y bares como Café del Mar y su DJ José Padilla ''artífice del fenómeno de las puestas de sol con banda sonora'', se da cuenta de la fascinante historia de la cultura de club de la Isla Blanca. El relato arranca a finales de los años cincuenta, cuando empieza a acudir el turismo internacional, primero los beatniks norteamericanos, y luego los hippies, en los sesenta, huyendo de la guerra de Vietnam y atraídos por la cultura de libertinaje y desinhibición retratada en aquel film de culto con música de Pink Floyd que fue ''More'', rodado entre Formentera e Ibiza. Con el sustrato musical de estos viajeros, las drogas que trajeron consigo y la iniciativa de algunos empresarios entre visionarios y chalados, se cimentaron las bases de un paraíso del ocio nocturno que explotaría en 1987, cuando unos intrépidos clubbers ingleses se quedaron prendados de la ecléctica sesión musical de los DJs Alfredo Fiorito y Leo Mas en las noches de Amnesia. Cuando exportaron el fenómeno a Inglaterra y lo bautizaron como ''Balearic beat'', la cultura de club se extendió como un reguero de pólvora por todo el mundo al grito de acieeeeeed. Lo que siguió fueron oleadas de turistas en busca de la salvaje descarga de música y espiritualidad telúrica de la isla, amén de otras sustancias, e Ibiza devino, para bien o para mal, en emporio mundial del turismo y del clubbing. Con la intervención de: Carl Cox, Peter Hook, Paul Oakenfold, Danny Rampling, DJ Harvey, Luciano, Louie Vega, Alfredo Fiorito, José Padilla, Nightmares on Wax, Julien Temple, Irvine Welsh, Trevor Fung, Terry Farley, Bill Brewster, Phil Mison, César de Melero, Pippi y muchos más...
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Tras el éxito de La Música de la Memoria, libro dedicado a los grandes músicos del siglo XIX, Xavier Güell se adentra en los años más oscuros del siglo XX para analizar la relación entre la música y el poder totalitario. Y para ello narra la historia de cuatro compositores que luchan por su vida y por su música cuando los totalitarismos y el horror bélico asolan Europa. Béla Bartók, Richard Strauss, Dmitri Shostakóvich y Arnold Schönberg se enfrentan al poder político de su tiempo, para evitar que su obra sea sometida, dirigida y utilizada, a la vez que procuran desesperadamente la supervivencia de los seres que aman. En Richard Strauss y el nazismo. Nadie logrará conocerse, Richard Strauss, considerado el mayor compositor de su tiempo, decide permanecer en la Alemania nazi y aceptar la presidencia de la Cámara de Música del Reich con el propósito de proteger a su familia -su nuera y sus dos nietos son judíos-, asegurar el estreno de su ópera La mujer silenciosa, cuyo libreto ha escrito el judío Stefan Zweig, y favorecer la cultura alemana. Decisión controvertida que le hará aparecer a los ojos del mundo como un colaboracionista y ser sometido, al final de la guerra,
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