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Llibres d'art
A Abacus disposem d'una gran selecció de llibres d'art per a despertar els dots creatius i artístics tant de nens com d'adults. Compra llibres d’art online. En la secció llibres d'art, trobaràs una àmplia col·lecció de bibliografia sobre una gran varietat de temes, com per exemple: l'origen i la història de l'art, el simbolisme, curiositats sobre els colors pantone, els principis bàsics del color i l'harmonització cromàtica o la museografia, entre altres disciplines artístiques. A més a més, disposem de llibres sobre llenguatge visual, estampació japonesa, per a fomentar la creativitat o per aprendre a dibuixar retrats, entre molts altres. Descobreix-los tots a Abacus!
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Una relectura de la intimidad en la Edad Media a través del arte románico.Vulvas, partos, penes erectos y parejas en pleno coito pueblan las iglesias románicas de nuestra geografía repartidos por portadas, capiteles y canecillos. Estas imágenes sexuales, algunas de ellas muy explícitas, han generado estupor, sorpresa e incluso rechazo en nuestra contemporaneidad, dando lugar a todo tipo de explicaciones sobre sus intenciones y significado. Sin embargo, su proliferación y espontaneidad indican que, lejos de tratarse de una representación del pecado, como a menudo se han interpretado, mostraban una sexualidad mucho más abierta y acorde con la mentalidad de quienes promovieron la construcción de estos templos. El libro demuestra cómo, entre los siglos XI y XIII, tuvo lugar una intensa lucha por el poder político en la que el sexo (o su ausencia) se convirtió en uno de los principales argumentos legitimadores de las élites sociales. Una batalla ideológica que dejó su huella en las imágenes sexuales románicas que desafían nuestra lógica actual.¿A qui va dirigit el llibre El sexo en tiempos del románico?Aquest llibre està dirigit a un públic ampli interessat en la història, l'art i la cultura medieval, especialment en el període romànic. Es dirigeix a lectors que desitgin explorar una nova perspectiva sobre la sexualitat a l'Edat Mitjana, desafiant les interpretacions tradicionals i oferint una visió més complexa i matisada. És d'interès per a estudiants, investigadors, aficionats a la història de l'art i a qualsevol persona curiosa per conèixer una faceta poc explorada de la societat medieval. L'obra es presenta com un assaig accessible, encara que també pot ser d'utilitat per a estudiosos del tema.Temes que tracta el llibre El sexo en tiempos del románicoEl llibre EL SEXO EN TIEMPOS DEL ROMÁNICO es centra en l'anàlisi de les representacions sexuals presents en l'art romànic, específicament en les esglésies i els seus elements arquitectònics. S'exploren les següents temàtiques:Representacions explícites de la sexualitat en l'art romànic: S'examinen les imatges de vulves, parts, penis erects i parelles en ple coit que apareixen en portades, capitells i canecillos de les esglésies romàniques. S'analitza la freqüència i la varietat d'aquestes representacions, així com el seu context artístic i cultural.Interpretacions històriques de les imatges sexuals: Es qüestionen les interpretacions tradicionals que veuen aquestes imatges com a simples representacions del pecat, proposant una lectura alternativa que les situa dins d'una visió més oberta i complexa de la sexualitat medieval.El sexe com a eina de poder polític: El llibre argumenta que la sexualitat (o la seva absència) va jugar un paper crucial en les lluites de poder polític entre les elits socials durant els segles XI i XIII. S'analitza com les representacions sexuals es van utilitzar per legitimar el poder i les relacions socials.La perspectiva de gènere en l'art romànic: Es considera el paper de les dones en la creació i el significat de les imatges sexuals romàniques, explorant la participació femenina en la construcció de les esglésies i la seva influència en la iconografia.Desafiament a la lògica actual: El llibre convida a replantejar la forma en què entenem la sexualitat a l'Edat Mitjana, confrontant les interpretacions modernes amb l'evidència proporcionada per l'art romànic.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre El sexo en tiempos del románicoS'han trobat algunes opinions positives que destaquen l'amenitat i la documentació del llibre, així com la seva capacitat per sorprendre el lector i canviar la seva percepció de la sexualitat a l'Edat Mitjana. Altres opinions assenyalen l'originalitat de l'enfocament i la rigorositat de la investigació. No obstant això, es precisa de més informació per oferir un resum complet de les crítiques i valoracions.
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Breve tratado sobre filosofía de la pintura china escrito a principios del siglo XVII. Shitao presenta la actitud espiritual que debe tener el pintor a la hora de ejecutar su arte, de manera que pueda conseguir la comunión con el universo y consigo mismo.
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Frida Kahlo se ha convertido, más allá de su indiscutible calidad artística, no solo en un icono de la nación mexicana, sino también de los movimientos feministas de todo el mundo. ¿Qué ha sucedido? Nadie lo sabe a ciencia cierta. Pero acaso tenga que ver con la compasión y admiración que provoca esta mujer de extremos: el hecho de que Frida fue una persona que sufrió como pocas y transformó su dolor en arte. Esta caja incluye un libro en el que muestra su vida y obra, así como 40 fichas comentadas con otras tantas de sus más representativas obras.
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Lois Van Baarle (Loish) recoge en este libro una mirada única de su proceso creativo y la importancia que desempeñan los bocetos en su obra. Descubre cómo la autora explora la gestualidad, la estilización y da vida a sus personajes utilizando diferentes técnicas tradicionales y digitales. El libro incluye detallados tutoriales sobre la construcción de personajes y paisajes que te mostrarán cómo Loish captura el espíritu de su obra final gracias a un exquisito trabajo preliminar. Déjate llevar por la magia de Loish a través de sus bocetos, de las obras de arte exclusivas que presenta en este libro y del capítulo especial donde se exploran los conceptos personales de la autora para ofrecerte una visión en profundidad de cómo sus ideas iniciales evolucionan hasta culminar en logrados diseños conceptuales. Inspirador y divulgativo, con El Sketchbook de Loish ¡desearás ponerte a dibujar! Libro estilo The art of con grandes dibujos
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Hubo un tiempo en que la institución escolar representaba la apertura a un mundo nuevo inaccesible de otro modo para la población sumergida en pequeñas comunidades tradicionales. Fue un tiempo en que unos pocos enseñaban a algunos más, y en el que, después de todo, había claridad y seguridad sobre los fines de la educación, en el que había, sobre todo, una gran estabilidad en la estructura organizativa y en el entorno, lo que se traducía en un contexto de previsibilidad, tranquilidad y certidumbre para los docentes. Las cosas han empezado ha cambiar cuando este entorno humano y tecnológico ha perdido esta estabilidad. La respuesta: la reforma. La cantinela: que las reformas deben venir acompañadas por aumentos de los recursos. Es, ciertamente, una demanda justificada (los nuevos alumnos necesitan más), pero también una manera de desentenderse y un reconocimiento de la impotencia (los nuevos profesores ofrecen menos). Sin embargo, aunque la consigna 'más dinero para la educación' es algo que siempre suena bien (los niños, el futuro, la sociedad del conocimiento…), no puede ser una demanda incondicional. Puede incluso que la sociedad haya de considerar otras prioridades. En todo caso, estos son los mimbres que tenemos y con ellos hay que construir el cesto, pero lo que significa esencialmente es que los centros de enseñanza ya no pueden funcionar solos, ni de cualquier manera, ni abandonados a las prácticas profesionales aisladas de sus integrantes. La cuestión es cómo obtener más que la suma de los incrementos individuales de recursos docentes. La solución sólo puede estar en la organización de la escuela entendida en su sentido más amplio: estructura formal, clima de trabajo, papel de los órganos colegiados, estilo de dirección, cultura profesional, relaciones con la comunidad, ubicación de la capacidad de decisión, grado de autonomía de los profesores y los centros, intervención municipal, cooperación con otras organizaciones, grupos e instituciones, clima escolar y de aprendizaje, relaciones con las familias, etc. Ése es el camino que, en varias de sus facetas (no necesariamente en todas), abordan los trabajos que forman este volumen.
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Anatomía humana dinámica continúa donde termina Anatomía humana básica y ofrece a los artistas y estudiantes de arte una comprensión más profunda de la anatomía, incluida la anatomía en movimiento, y cómo esa habilidad esencial se aplica a la creación de bellas artes figurativas.
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El manual definitivo para hacer detonar ideas y mejorar tus habilidades creativas Olvídate de las anécdotas de relleno y descubre los fundamentos de la creatividad de una manera sencilla, efectiva y visual. Este PROCESO CREATIVO te guiará, a través de seis pasos, en tu viaje hacia tu próxima idea, desde definir lo que quieres lograr hasta comenzar a hacerlo realidad. Si llevas tiempo deseando innovar, crear cosas distintas sobre lo que a ti te interesa (arte, diseño, tecnología, marketing, negocios...) o, simplemente, estás pasando por un bloqueo creativo, esta guía es la herramienta que te hacía falta.
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Se reúnen aquí los tres textos que Wassily Kandinsky (1866-1944) escribió para El jinete azul, el almanaque que, junto con Franz Marc y otros artistas expresionistas, publicó en Múnich 1911. Unos textos donde aborda tres puntos cardinales de toda creación artística -la forma, la composición y el color-, pero desde un punto de vista totalmente innovador y liberador: el que lleva a la abstracción.
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Parafraseando a Georges Perec (que algo sabía de clasificaciones), podríamos decir que todo herbario res- ponde a una doble necesidad, que muchas veces es también una doble manía: la de conservar plantas y la de ordenarlas de una determinada manera. Pero lo que convierte las colecciones recogidas y anotadas en este libro en algo tan complejo e increíblemente fascinante es el hecho de que se suman dos necesidades más: la de inventar plantas inexistentes y la de inventariarlas con los medios y técnicas más dispares. Los herbarios no son solo instrumentos de representación y transmisión para la comunidad científica, sino que también se han dedicado a narrar la relación de los humanos con la naturaleza a través de las épocas. ''Herbaria'' es un volumen finamente ilustrado, en un estilo a caballo entre obra científica y obra de arte. Un libro de gran tamaño que pone de relieve la manera en que las colecciones de hierbas y la transmisión de sus poderes han ofrecido una oportunidad a las invenciones gráficas, artísticas y literarias a lo largo del tiempo. Los herbarios y antologías que se recopilan y describen en esta edición única son resultado de la visión de artistas, científicos, arquitectos, escritores, diseñadores gráficos e ilustradores desde la Edad Media hasta nuestros días.
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Las galerías de arte son elementales para comprender la contemporaneidad y el desarrollo de sus tendencias plásticas más innovadoras. Son las precursoras de lo que, más adelante, aparecerá legitimado en museos e instituciones y son creadoras de contenido cultural. Sin embargo, la mayoría de los textos que reflexionan sobre ellas lo hacen desde el punto de vista del mercado del arte. ¿Qué es una galería de arte? ¿Cómo funcionan? ¿Por qué son importantes? ¿Cómo son los espacios galerísticos? ¿Cuál ha sido su evolución histórica? ¿En qué momento se encuentran? ¿Cuál será su futuro? El presente libro aborda estas preguntas recorriendo la historia de las galerías de arte, desde cuestiones conceptuales y prácticas hasta reflexiones sobre las expectativas y retos de futuro, pasando por definir el momento y los condicionantes en los que surgieron y su apasionante evolución.
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En la década de los años ochenta se produjo un incremento muy significativo en el nacimiento de nuevos museos y desde entonces las exposiciones se han convertido en un fenómeno sociocultural insustituible entre las actividades habituales de los museos. De ahí que se haya potenciado el protagonismo del comisario o curator, o el diseñador de exposiciones a quienes cada vez se les exige una profesionalización más rigurosa. Este texto cubrirá una laguna importante en la bibliografía en español, puesto que se plantea y se ofrece como un manual sencillo, completo y práctico que contribuirá a formar profesionales en el campo del diseño y montaje de exposiciones.
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Retomando algunas de las temáticas abordadas en el clásico estudio ''Arte e ilusión'', Gombrich defiendeen este ensayo, centrado en la teoría y práctica de la interpretación, la necesidad de controlar los poderes asociativos de la mente atemperándolos con evidencias contextuales. Evidenciando la dimensión constructiva, y no pasiva, del proceso perceptivo, el autor nos invita a realizar un valioso ejercicio de reflexiónsobre ''el arte de ver''. El texto está dividido endos capítulos, en los cuales el historiador británicoda cuenta de su extraordinaria erudición aportando multitud de ejemplos y referencias.
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Art (in)útil reflexiona al voltant de la idea d'artista emergent i institució cultural com a ens legitimador. El contingut d'aquest marc només és la punta de l'iceberg sobre la mediatització cultural entre art, artista i institució, però serveix per entendre com s'inicia l'artista en un circuit i quins mecanismes es fan servir per absorbir-lo. Així és com s'allunya l'art de ser una eina política crítica de pensament, i es converteix en producció i, per tant, en un producte més del context postfordista. A partir del canvi de paradigma sobre la idea d'exposició amb l'objectiu de donar visibilitat a obres -una visibilitat necessària perquè arribin a ser art-, Daniel Gasol es pregunta si l'artista s'adapta a la producció institucional que s'entén com a art. L'autor també valora si, per contra, és l'exposició institucional la que dota el treball d'una importància hipotètica, amb la conseqüència indirecta de generar legítimament creacions confrontants de semblança formal i conceptual. Gasol explora l'existència de diversos tipus de creació o contextos que projecten què ha de ser art, així com sobre què considerem art emergent o obra expositiva. També qüestiona les institucions adients per exhibir produccions artístiques, i com el sistema del capital i laboral afecta la creació i l'exposició d'art. -------------------------------------------- És útil, l'art? Què ens porta a decidir què consumim? ¿Relacionem inconscientment que una obra artística és millor per tenir un volum d'audiència elevat i per aparèixer als mitjans de comunicació? Són els artistes realment lliures a l'hora de crear o estan sotmesos a certs paràmetres i s'hi adapten?
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Son las manos del vestidor las que culminan el trabajo que comenzó el imaginero con una gubia en su taller. El arte de vestir a las imágenes de la Virgen María (Imago Mariae), ha ido trasladándose desde el anonimato y hasta casi lo accesorio, a una parcela que actualmente tiene gran importancia, puesto que se ha puesto de relieve la necesidad que existe de una correcta estética en las hermandades, que mueva a la piedad de los fieles y que por la misma, se exalte la figura mariana. De ello, siempre se han encargado los vestidores, hombres en su mayoría, de los que ya tenemos constancia en el siglo XVI, auténticos artistas de lo efímero, creadores de estilos para cada Virgen, que han sabido suplir con su trabajo en una obra de candelero lo que hace el escultor y el policromador con las de talla completa. El interés por este tema va mucho más allá que la mera contemplación de los diversos atavíos con el que durante el año lucen las vírgenes, sino que hay una auténtica demanda por conocer su historia, su lenguaje iconográfico e iconológico y por saber qué mensajes se esconden tras los mantos terciados o sueltos, las ráfagas, coronas, tocas y demás prendas y aditamentos. Todo esto es lo que ha hecho que nazca este libro, una publicación en la que recogemos la evolución de la vestimenta de la Virgen desde sus orígenes hasta la actualidad.
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La obra escrita de Remedios Varo, con excepción del paródico tratado De Homo Rodans (1960), permaneció prácticamente oculta durante muchos años o fue publicada de forma fragmentaria y dispersa. Sin embargo, supuso para ella una prolongada oportunidad para dar rienda suelta a sus pensamientos más íntimos. En los cuadernos aparecidos tras su muerte se encontraron cartas, relatos, proyectos y sueños que reflejan nítidamente su compleja personalidad. Angustiosos o humorísticos, espontáneos siempre, los escritos de Remedios Varo completan la imagen de una artista total, que logró expresarse por igual a través de la página y del lienzo. Editar este material, en principio no concebido para su publicación, supone asomarse al taller de una artesana solitaria, que anteponía el proceso creador al éxito y que, a la vez, se relacionó intensamente con destacadas figuras de su época como Benjamin Péret, Leonora Carrington, Kati Horna, Wolfgang Paalen, Esteban Francés, Gerardo Lizarraga o César Moro. Viajar a través de la obra, escrita y pictórica, de Remedios Varo nos permite revivir la agridulce aventura del exilio y reconstruir un panorama colectivo de creación, amistad, libertad y resistencia. «Remedios combina máquinas, poesía, misterio, imágenes oníricas de un laboratorio, aparatos científicos, instrumentos musicales, creación, alquimia y magia». Irene Vallejo «El surrealismo reivindica su obra por entero». André Breton Primera recopilación completa de la obra escrita de Remedios Varo. Reúne cartas, sueños, relatos, recetas humorísticas, ejemplos de escritura automática y proyectos inacabados. Incluye textos inéditos. Remedios Varo (Anglés, Gerona, 1908-México, 1963) es una de las más interesantes figuras del exilio republicano español. Inició sus estudios en 1924 en la Academia de San Fernando de Madrid y posteriormente se trasladó a Barcelona, donde se impregnó del espíritu vanguardista de la época. Al estallar la Guerra Civil, viajó a París y se integró en el grupo surrealista. En 1942, se trasladó a México, país en el que residió hasta su muerte. Su obra pictórica, profundamente personal y a la vez resultado de diferentes influencias que van desde el surrealismo hasta la pintura flamenca o la alquimia, es actualmente reconocida y reclamada en los más importantes museos del mundo. Además de su extensa producción pictórica, Remedios Varo se dedicó a otras actividades como la creación de objetos, esculturas y figurines para el teatro, y, muy especialmente, a la escritura. A través de la palabra, Remedios Varo recrea el mismo ambiente onírico que se despliega en su pintura y nos conduce a un mundo de prodigios habitado por criaturas singulares, en un tiempo y un espacio diluidos por el humor y la poesía. Isabel Castells Molina (1965) es profesora titular de Literatura Española en la Universidad de La Laguna. Estudiosa del surrealismo y del exilio republicano español, ha editado la obra literaria de Eugenio F. Granell. Ha editado también a autores de la vanguardia canaria como Antonio Dorta, Julio Antonio de la Rosa y Emeterio Gutiérrez Albelo. Es responsable de la primera recopilación de la obra escrita de Remedios Varo (México, Era, 1997). La edición que presentamos ahora reúne de nuevo todo ese material, actualiza la bibliografía que ha generado el creciente interés hacia su obra e incluye documentos inéditos.
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Los antiguos escribas mayas registraron profecías y observaciones astronómicas en las páginas de libros pintados. Aunque la mayoría se perdieron por descomposición o destrucción, se sabe que sobrevivieron tres códices mayas prehispánicos cuando, en la década de 1960, un cuarto libro que difería de los demás apareció en México bajo misteriosas circunstancias. Después de cincuenta años de debate sobre su autenticidad, investigaciones recientes utilizando análisis científicos e históricos del arte de vanguardia determinaron que, El Códice Maya de México, (anteriormente conocido como Grolier Codex) es de hecho el más antiguo libro de las Américas, anterior a todos los demás, al menos doscientos años. Este volumen proporciona una introducción multifacética a la creación, descubrimiento, interpretación y autenticación científica del Códice Maya de México. Además, un facsímil a todo color y una guía página por página de la iconografía hacen que el códice sea accesible a una amplia audiencia. Los temas adicionales incluyen los usos y la importancia de los libros sagrados en Mesoamérica, el papel de la astronomía en las antiguas sociedades Mayas, y la continua relevancia del códice para las comunidades mayas contemporáneas.
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El concepto de calidad siempre ha resultado escurridizo. La relatividad de los juicios de valor en estética es algo que desde Aristóteles hasta Kant y Croce ha quedado bien establecido en el pensamiento europeo, lo que suponía un freno a cualquier intento de definir y establecer con claridad conceptual en qué consiste la calidad en el arte. Alejandro Vergara se enfrenta a la difícil tarea de cercar este concepto convencido de la importancia de ese esfuerzo intelectual y para ello primero expondrá el recorrido sinuoso y esquivo de la idea de calidad a lo largo de la historia del pensamiento occidental y posteriormente, basándose en su amplio y reconocido conocimiento de la pintura europea de los siglos XV al XVIII, se adentrará en una exposición práctica, acompañándonos a descubrir, como si se tratara de una indagación detectivesca, qué se entendió en Europa por calidad durante tres largos siglos en los que se produjo gran parte de la mejor pintura europea.
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“A la pregunta ¿qué es el arte? puede responderse bromeando, con una broma que no es completamente necia: que el arte es aquello que todos saben lo que es. Y verdaderamente, si no se supiera de algún modo lo que es el arte, no podríamos tampoco formularnos esta pregunta, porque toda pregunta implica siempre una noticia de la cosa preguntada, designada en la pregunta y, por ende, calificada y conocida''
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Amb les primeres avantguardes, Catalunya surt al món i transforma la història universal de l'art amb pintors com Picasso, Miró o Dalí. Però també molts altres artistes de gran nivell, com Togores, Torres-García o Barradas, que assoliran un prestigi majúscul en els centres de decisió de l'art europeu i nord-americà. Dirigit pel doctor Joan Maria Minguet i amb textos dels principals especialistes, Pintura catalana. Primeres avantguardes, reuneix, per primera vegada, una amplíssima selecció d'obres de 40 pintors i pintores avantguardistes de Catalunya, actualitzant els coneixements sobre els artistes més coneguts i reivindicant-ne molts d'altres que també van participar d'aquella gran revolució cultural: Garcia Lamolla, Ángeles Santos, Joan Massanet, Àngel Planells, Artur Carbonell o Joan Sandalinas, entre d'altres.
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Cómo una idea de hace siglos controla y monetiza casi todos los aspectos de la vida moderna. El copyright está en todas partes y es la base de nuestro sistema económico. Desde la canción que tarareamos por la mañana hasta las aplicaciones del móvil, prácticamente todo lo que configura nuestra vida cotidiana está sujeto a la propiedad intelectual. Pero para entender su irrupción hay que viajar hasta inicios del siglo XVIII, cuando los derechos de una obra literaria eran del impresor y no de su autor. La historia de una idea que revolucionó el mundo y que hoy, en manos de las grandes corporaciones, se ha convertido en otro elemento más para la especulación. «Fascinante.» The Telegraph «Minucioso y atractivo.» The Washington Post «Extremadamente oportuno.» The New Yorker
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Drawing the Body, el tercer título del exitoso autor Robert Osti, es un libro muy accesible que presenta una forma atractiva y sistematizada de dibujar la figura humana, desde representaciones estáticas, estructurales y anatómicas hasta formas realistas y expresivas.Con un texto mínimo y esencial, el libro está organizado como un cuaderno de bocetos con abundantes imágenes y ejercicios prácticos. Se incluyen demostraciones paso a paso que incluyen ilustraciones originales del autor, fotografías de figuras humanas y referencias históricas del arte de viejos maestros.Esta hermosa y utilitaria guía es indispensable y atraerá a artistas, estudiantes de arte y cualquier persona interesada en la representación artística y científica de la figura y la anatomía humanas.
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Sirva Picasso para recorrerlo con la pregunta que rige estas páginas: la que indaga en las fuerzas con las que la pintura conquista su saber más propio —ni recibido ni transferible—, el que consiste en resistirse con furia y determinación al sentido verbalizado. ¿Qué saben, entonces, las obras de Picasso de tal modo que su voluntad de poder radique en no prestarse a decirse? Saben poseerse en sus fuerzas páthicas, trágicas, plásticas. Tres nociones —y tres regímenes sucesivos en el conjunto de su obra— referidas a cómo aprenden a hacerse presencias. Para confrontarse con las mañas del usurpador, para «quitarse de encima» —pintar para quitar— cuanto no contribuya a la culminación plástica de las líneas, las formas, los colores, arrancando las figuras a la figuración, para conseguir que los profanadores permanezcamos fascinados y ofuscados, rebajados a no poder entender. Las imágenes emergen, así, plenas de insolencia, soberbias, vengadoras, dionisíacas, demoníacas, destructoras del sentido y sus distancias. Enloquecedoras de todo atisbo de racionalidad definitoria. Heráclito, Aristóteles, Kant, Nietzsche, Bachelard, Deleuze, Lyotard…, nos prestarán sus útiles para merodear el corpus ingente de Picasso, resultando de estos encuentros entre lo plástico y los teóricos una potencia inexpugnable, dichosamente ajena a las retóricas del museo. Un Picasso imprevisto.
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Esta guía reúne veinte curiosidades geológicas, como puentes naturales, miradores, cuevas, paredes erosionadas, ermitas incrustadas en abrigos rocosos, barrancos, enormes rocas en equilibrio, prodigiosas montañas de sal, restos de conos volcánicos... La piedra, cuando está desnuda, es bella y ofrece un festival de colores y texturas.
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El bonheur-du-jour es, además del título original de este libro, un pequeño mueble con cajones en el que se guardan papeles y pequeños objetos a los que se les tiene cariño, un tipo de mueble que dejó de fabricarse a finales del siglo XVIII. Justo la misma función que cumple este curioso dietario, que va de marzo a marzo, en el que Jacques Brosse guarda los momentos en que se maravilla al presenciar el espectáculo de la vida de las plantas, los pájaros y el paisaje de su verde región del Périgord, en el interior del suroeste francés.El vivo azul de las verónicas, el susurro de las hojas, el rojo resplandor de la puesta de sol, la majestuosidad de los nísperos, el negro brillante de los plumajes, el verde jade de los amentos del avellano, el aroma de los higos que estallan al sol o el límpido canto de la alondra irrumpen exultantes en las páginas de este volumen, en el que Brosse entabla un amoroso diálogo con la fauna y la flora que lo circunda, y se lo ofrece al lector a través de pequeñas máximas filosóficas que presentan las cualidades más seductoras que puede poseer el espíritu humano, esas que son fruto de una rara aleación de serenidad y fervor.Frente a los desmanes del progreso y los peajes del modo de vida contemporáneo, que nos obliga en todo momento a estar al corriente, nos hipnotiza y nos arrastra a una vida que ya casi no nos pertenece, Brosse preconiza una saludable ética de la desposesión y una plena consciencia de lo efímero. Con sencillez, belleza y una profunda inmersión en la naturaleza, La alegría del momento nos impele al acto más subversivo que se pueda acometer hoy en día: el revolucionario arte de la contemplación.
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A través de un fragmentario conjunto de fotografías, recuerdos e intuiciones, Rodrigo Hernández reconstruye en Conchita la historia de su abuela materna, nacida en el País Vasco, a la que la Guerra Civil llevó de muy niña a México, apartándola de su familia y de un origen al que jamás volvió. A través de un juego de espejos invertidos, teje una biografía escindida y el paisaje común transitado por abuela y nieto, que, como en un sueño que quisiéramos atrapar, se dibuja y desdibuja a golpe de memoria.El artista comienza en el callejero de Durango («El nacimiento de Conchita aparece ligado al número 25 de la calle de Barría en Durango, provincia de Vizcaya. El año es poco claro si se comparan todos sus documentos, cada uno dotado de alguna incongruencia con respecto al resto, quizás 1932, el 30 de noviembre o el primero de diciembre. Nadie sabe a ciencia cierta») y termina visitando a su abuela en la residencia donde pasa sus últimos años: «Recuerdo que en alguna ocasión entramos a su cuarto y nos sentamos juntos al borde de su cama. Sacaba una cajita con fotos, cartas y pequeños recuerdos que mirábamos mientras ella los describía uno a uno. No sabía entonces —ni sé ahora tampoco— qué pasaba realmente en el corazón de mi abuela, qué o quién era lo primero que aparecía en su mente cuando despertaba en esa habitación pequeñita, en ese edificio lleno de personas solitarias. Me preguntaba qué la hacía o la había hecho feliz durante su vida, cuál era su idea del amor. A quién recordaba. Qué provocaba ese recuerdo en el presente».
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Madelman es mucho más que un juguete, mucho más que una figura de acción, Madelman está vivo en el imaginario colectivo desde hace muchas décadas, y como algo vivo, salta, corre, dispara, rema y esto -y mucho más- es lo que Óscar Tahoces nos muestra en este libro con sus toys photographoes. Un volumen indispensable para todos aquellos que tuvieron un madelman entre sus manos y soñaban con verle moverse por sí solo. Ahora, lo verán salir de estas páginas con fuerzas renovadas para seguir proyectándose en el futuro.
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Grandes viajeros y entusiastas de la naturaleza, Hokusai e Hiroshige revolucionaron el grabado japonés a partir de finales del siglo xviii, llevando el paisajismo a su apogeo. A través de las estaciones, estos artistas y sus sucesores rinden homenaje a una naturaleza deslumbrante y eterna que se encuentra en el corazón del pensamiento y la cultura japoneses, y nos invitan a redescubrir la belleza sencilla del cerezo en flor, a saborear la frescura de una tarde de otoño, a contemplar las primeras nieves inmaculadas, a dejarse sorprender por el ligero vuelo de un pájaro... en suma, a «vivir el momento presente». Inserto en un bonito cofre, este volumen en forma de acordeón, a modo de antiguo libro japonés, reúne una antología de los grabados más famosos de los grandes paisajistas, desde la época de Hokusai hasta la de Hasui, y acompañados por un opúsculo explicativo.
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¿Una maga que vuela en una escoba? ¿Una hereje condenada a la hoguera? ¿Una mujer fatal que extravía a los hombres? ¿Una experta en el arte de los venenos? La bruja, una figura odiada en la Edad Media, se ha convertido en un icono feminista que encarna el poder y la independencia. Este libro bellamente ilustrado ofrece una colección única de obras de arte en las que las brujas son las protagonistas. Déjate hechizar por la sorprendente selección y descubre las historias míticas sobre las brujas. - Una combinación magistral de obras artísticas y literarias. - Referencias visuales claras, como cronologías y mapas. - Información adicional: anécdotas, contexto e influencias.
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París hechiza a sus visitantes no sólo por los Campos Elíseos, el Louvre y la Torre Eiffel, sino sobre todo por sus callejuelas escondidas, sus pequeños cafés, sus tiendas centenarias y sus atelieres, que son los que dan encanto a la ciudad. Este libro es un recorrido mágico que descubre talleres y tiendas escondidas en lugares únicos que han sobrevivido durante siglos.
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Los divertidos y sencillos libros de la serie Dibujar en 10 pasos están diseñados especialmente para aspirantes a ilustradores, dibujantes y aficionados al arte.Ayudarán a los nuevos artistas a familiarizarse con las nociones de dibujo básicas para que puedan aprender a hacer obras de arte con soltura.Dibujar en 10 pasos: figuras humanas enseña a dibujar personas de distintas edades en más de 50 posturas diferentes paso a paso, incluidas las formas básicas del cuerpo y varias poses cotidianas. La explicación básica sobre los materiales necesarios y el repaso general de las técnicas para colorear completan esta magnífica introducción al dibujo de una gran variedad de figuras humanas.
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Por su gracia, su belleza y su aire de misterio, los gatos han sido venerados por artistas de todos por los tiempos. Estas fascinantes criaturas han sido musas de grandes pintores como Andy Warhol, Leonardo Da Vinci o David Hockney, y protagonistas de formidables historias, como los cuentos que Mark Twain contaba a sus hijas a la hora de dormir o la fascinación que sentía Edwar Lear por su gatito Foss.Entre ilustraciones, pinturas, anécdota y frases, este libro no es solo una compilación de las obras de motivos felinos más formidables, es también una oda al carisma y el carácter de estos seres asombrosos y nuestra relación con ellos.
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Desde adorables mascotas hasta animales exóticos, Lorna Scobie te ayudará a capturar toda la maravilla del reino animal en cada página. Descubrirás los consejos y trucos de Lorna para crear animales llenos de energía y personalidad, sea cual sea tu nivel de habilidad artística. Ya sea que quieras crear una jirafa usando un collage, dibujar a tu gato dormido o pintar algunos pingüinos, Lorna te inspirará a encontrar al artista que llevas dentro y, lo más importante, ¡a divertirte un montón mientras lo haces! De la creadora de 365 Días de Arte.
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En un filósofo es una infamia afirmar: «Lo bello y lo bueno son la misma cosa», y merecería de palos si aún añadiera: «y también la verdad». La verdad es fea. Tenemos el arte para no perecer a manos de la verdad.
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El patrimonio cultural es la herencia recibida del pasado y depósito de la memoria. El reconocimiento, valoración y conservación del patrimonio cultural se orienta al mantenimiento de nuestra identidad histórica como comunidad humana. Este amplio y crucial cometido convierte al patrimonio en un concepto enunciado desde presupuestos dialécticos y críticos, en constante redefinición. Este libro invita al lector a adentrarse en la reflexión sobre el concepto de patrimonio cultural, su sentido y sus valores dentro de nuestra sociedad actual. Mientras que los primeros capítulos se centran en la formación del concepto de patrimonio cultural y su expansión, en los siguientes se plantea una reflexión acerca de los principios de la conservación del patrimonio cultural teniendo en cuenta el notable incremento de la patrimonialización (ciudades históricas, patrimonio inmaterial, cultura popular, etc.) que se ha producido en las últimas décadas.
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Genio del Renacimiento, pintor, ingeniero, hombre de inquietudes innumerables, Leonardo da Vinci (1452-1519) recogió en su manuscrito titulado tradicionalmente «Tratado de Pintura» las notas, ideas y conocimientos que su mente inquisitiva y privilegiada fue acumulando respecto al ejercicio pictórico en el transcurso de la continua experimentación y observación de la naturaleza que constituyó su vida. Este texto único, del cual -en palabras del reconocido historiador del arte Sir Kenneth Clark- «no es exagerado afirmar que es el documento más precioso de toda la historia del arte», nos revela a un artista de curiosidad universal. La presente edición es la primera en español que se realiza directamente de los manuscritos originales en italiano y resulta una fuente inapreciable para el conocimiento y el estudio de Leonardo.
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