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Llibres d'art
A Abacus disposem d'una gran selecció de llibres d'art per a despertar els dots creatius i artístics tant de nens com d'adults. Compra llibres d’art online. En la secció llibres d'art, trobaràs una àmplia col·lecció de bibliografia sobre una gran varietat de temes, com per exemple: l'origen i la història de l'art, el simbolisme, curiositats sobre els colors pantone, els principis bàsics del color i l'harmonització cromàtica o la museografia, entre altres disciplines artístiques. A més a més, disposem de llibres sobre llenguatge visual, estampació japonesa, per a fomentar la creativitat o per aprendre a dibuixar retrats, entre molts altres. Descobreix-los tots a Abacus!
-10% en Llibres la diada de Sant Jordi
El dibujo nace con la mano, es ésta la que conecta los ojos con el carbón, el lápiz o la pluma, el muro o el papel: la mano es el instrumento de creación, sin manos es imposible dibujar. Lo advierte Henri Focillon en su ensayo Elogio de la mano: «Lo que distingue el sueño de la realidad es que el hombre que sueña no puede engendrar un arte: sus manos duermen». El dibujo es una de las actividades humanas más básicas pero que, al igual que el descubrimiento del fuego o la invención de la rueda, revolucionó la historia de la humanidad: en el dibujo es donde la idea encuentra su concreción. Para el artista el dibujo es su forma de expresión más íntima y espontánea, la que no está sujeta a un encargo ni tiene aún en mente la mirada del espectador. Es, según Artur Ramon, allí donde se funden el azar y el don.En este volumen, un viaje desde las cuevas de Altamira hasta el despliegue de las imágenes realizadas en arcilla por Miquel Barceló en los pasillos de la Biblioteca Nacional de París, nos invita a recorrer los entresijos de este gran arte menor, el que reduce la idea del creador a lo fundamental y constituye la prueba irrefutable de su calidad como artista. «Aún aprendo», reza la inscripción en uno de los últimos dibujos de Goya, en el que un anciano anda con gran dificultad apoyado en dos bastones, «Ancora imparo», responde un octogenario Miguel Ángel a alguien que se le acerca para elogiar sus trabajos en la Capilla Sixtina. Una lección reveladora que en los albores de un siglo incierto nos recuerda la importancia de cultivar la mirada como forma de aprendizaje.
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Excepcional pintora suizo-italiana de finales del siglo XVIII, destacada representante del clasicismo.Angelica Kauffmann, nacida en Suiza, crecida en el norte de Italia, por unos años residente en Londres y romana de adopción en sus años de madurez, fue una pintora muy celebrada en vida, retratista de las familias reales europeas y de la alta sociedad británica e italiana, fue también, con sus cuadros históricos, mitológicos o religiosos, figura destacada de la propuesta clasicista que, en la segunda mitad del siglo XVIII, vino a rescatar a la Pintura de los estertores del manierismo.
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Este libro analiza las implicaciones estético-políticas de la presencia del cuerpo en las prácticas performáticas de los últimos años de la dictadura franquista. La performance, como estrategia estética, puede convertirse en un espacio de resistencia desde el que torcer la lengua para interrumpir la literalidad del discurso e imaginar visualidades periféricas. El cuerpo cita. Cita a aquellos cuerpos que lo precedieron y también a aquellos que lo circundan. Cita distintos aspectos de la realidad, los materializa y les «da cuerpo». Citar es hacer aparecer en el presente las imágenes de unos actos y el relato de quienes los cometieron. Citar implica recuperarlos y repensarlos desde posicionamientos feministas que contribuyan a cuestionar la historiografía del arte contemporáneo en el Estado español.
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Modigliani est surtout un peintre de portraits : c’est un portraitiste.“Ce que je cherche, ce n’est pas le réel, ni l’iréel, mais l’Inconscient, le mystère de l’instincitivité de l’être”, disait‐il à propos de ses tableaux. Ce livre regoupre les portraits que Modigliani a peint de ses amis avec les souvenirs de Modigliani qu’ont écrit ses amis. Livre, compagnon de celui intitulé Paysages, publiés tous deux à l’occasion de l’exposition au Musée de l’Orangerie dédiée à Amedeo Modigliani, septembre 2023.
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Esta é a historia dunha escola que se propuxera ser o xerme dun novo mundo, dun xeito diferente de entender e aplicar a arte as nosas vidas. Pero, sobre todo, é a crónica das mulleres da Bauhaus, fundamentais para alentar o ímpeto revolucionario co que naceu e a intensidade duns ideais que eran rompedores para a época.
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Con su estilo personal y provocador, a través de estos pequeños ensayos el filósofo inglés Timothy Morton nos invita a reflexionar sobre ecología, arte y antropocentrismo y apela a nuestras emociones y experiencias como base para la construcción de un compromiso filosófico con el medio ambiente.
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Un texto breve y apasionante, polémico, en el que se articulan los ejes principales de la gran pintura italiana. Tres protagonistas fundamentales por encima de los nombres más consagrados: Giotto, Piero della Francesca, Giovanni Bellini. Con ellos, Paolo Uccello, Antonello da Messina, Miguel Ángel y los grandes venecianos, también Caravaggio. La narración de Longhi rompe los esquemas preestablecidos y se aventura en una articulación histórica original. Si algo le preocupa es mirar las obras y analizarlas en esa mirada: su argumento prescinde de los elementos externos y trata de precisar con rigor los caracteres de su plasticidad. En 1914, cuando solo tenía veinticuatro años, Roberto Longhi redactó esta síntesis de la historia de la pintura italiana para uso de los estudiantes del liceo en el que impartía clase. Reproducida en numerosas ocasiones, se convirtió en un texto legendario que solo muchos años después sería publicado, que ofrecemos en traducción castellana. Como ha dicho su introductor, Cesare Garboli, aquí está en embrión el Longhi posterior. Un embrión apasionante y polémico, que se lee «de un tirón», casi como si fuera una novela.
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El nacimiento del movimiento DadáHugo Ball y su compañera Emmy Hennings ya venían improvisando -él al piano, ella recitando y cantando- veladas en algún local de Zúrich, cuando en enero de 1916 decidieron abrir su propio Cabaret donde exponer obras de arte, organizar lecturas de poesía y montar espectáculos de música y baile, todo con el ánimo de denunciar la violencia desatada en Europa con la Gran Guerra y denigrar los supuestos valores en nombre de los cuales se combatía.Desde el mismo día de la inauguración, se asomaron al local artistas que, huyendo de la guerra, se habían refugiado en la neutral Suiza. Especialmente un poeta rumano, Tristan Tzara, adquirirá protagonismo en cuanto acontecerá en el Cabaret Voltaire, tanto que pronto liderará una revolución que desde esas paredes no tardaría en estallar: la revolución DADÁ.
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A través de sus numerosos retratos, hablan también Italia, el sur de Francia y, sobre todo, París.“¡El paisaje no existe!,” habría dicho Modigliani durante una discusión en París con Diego Rivera, que refiere Ramón Gómez de la Serna. Y sin embargo, Modigliani fue alumno en Livorno de Guglielmo Micheli, pintor de paisajes en la tradición italiana de los Macchiaioli. Y sin embargo, con Modigliani, a través de sus numerosos retratos, hablan también Italia, el sur de Francia y, sobre todo, París.
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El crecimiento de las derechas populistas, la necesidad o dependencia de las redes sociales, la vigilancia permanente «por su seguridad» o el estado de bienestar como aspiración -para generar riqueza, no para repartirla- son algunos de los temas de los que parte Politizaciones del malestar para vislumbrar cómo se politiza el desasosiego o la angustia. Politizaciones del malestar surge de la voluntad de profundizar en el malestar desde los procesos creativos, a través de varias experiencias artísticas que perfilan el malestar en su dimensión política, colectiva, devolviendo a la sociedad lo que ésta invisibiliza. De esta manera, se combaten las promesas inalcanzables de libertad, prosperidad y felicidad en contraste con el tratamiento de los estados de ánimo que no se aceptan socialmente: tristeza, rabia, hastío, cólera, histeria, con la medicación como única alternativa. La presente muestra propone una aproximación a diferentes proyectos y acciones de los artistas Rufino Mesa, Enmedio, Virginia G. del Pino, Ulla Blanca Lima y Nora Ancarola. Se completa con las aportaciones en forma de artículos y entrevistas de Amador Fernández-Savater, Espai en Blanc, BAR Project, Martí Peran, Alfonso Levy, Laura Mercader, Manuel Delgado, Pere Salabert, Joan M. Minguet, Elsa Plaza y Tania Alba -que analiza once proyectos artísticos más-a fin de exponer y compartir la gestión del desasosiego, de la vulnerabilidad, siendo esencial en todos ellos el proceso, el compromiso y una dimensión colaborativa.
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La mirada múltiple del objetivo mecánico es la que el arte moderno incorpora a su visión a partir del influjo de la imagen tecnológica, siendo el montaje y el dinamismo los elementos consustanciales de esa multiplicidad de la mirada. Es evidente el impa
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En este lúcido ensayo, el erudito ensayista francés analiza la obra de Élisabeth Louise Vigée Le Brun, una de las pintoras más brillantes e ignoradas de las últimas décadas prerrevolucionarias en Francia. Retratista magistral «capaz de conjugar el parecido fiel con la idealización impalpable», Vigée Le Brun fue la aliada a la que escogió María Antonieta para ofrecer una imagen humana y digna de ese mundus muliebris que ella representaba y que, supuestamente, corrompía el prestigio y la autoridad de los monarcas a fuerza de afeminarlos. Un relato fascinante que recrea con magnífica precisión el virulento despertar de una misoginia política, moral y social que hizo de la reina María Antonieta y su retratista oficial sus chivos expiatorios.
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En este manual paso a paso, el artista Ernest R. Norling nos acerca de forma sencilla y eficaz a los conceptos fundamentales de las leyes de la perspectiva. Con su método en veinte pasos, y a través de más de doscientas cincuenta ilustraciones claras y precisas, Norling desentraña las bases del dibujo que nos permitirán crear a mano alzada todo tipo de paisajes y edificios sin caer en representaciones rígidas y mecánicas.
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¿Por qué escriben novelas los artistas? ¿Qué efecto tiene la novela de artista en las artes visuales? ¿Cómo se debería experimentar una novela de este tipo? En la actualidad, existe una proliferación de artistas visuales que crean novelas como parte de proyectos artísticos más amplios, favoreciendo un tipo de arte basado en el proceso y la subjetividad, introduciendo nociones como la ficción, la narración y la imaginación. En este sentido, es posible hablar de un nuevo medio en las artes visuales. La novela de artista: La novela como medio en las artes visuales es una obra en dos volúmenes: Un nuevo medio, ensayo de enfoque teórico, y La fantasía de la novela, proyecto de investigación en forma de novela. Un nuevo medio tiene como objetivo esclarecer las cuestiones planteadas por la aparición de un nuevo medio artístico, con un enfoque teórico a través de una serie de casos de estudio que examinan críticamente las diferentes formas en que los artistas contemporáneos han empleado la novela de artista. La intención no es establecer una definición categórica de la novela de artista, sino más bien situar este fenómeno dentro del campo de las artes visuales, con la esperanza de iniciar un muy necesario debate sobre una práctica que, durante mucho tiempo, ha sido ignorada por las principales corrientes críticas del discurso artístico. Un ensayo acompañado de entrevistas con Benjamin Seror, Cally Spooner, Mai-Thu Perret, Goldin+Senneby, Francis McKee, Vivian Ziherl, Natasha Soobramanien, Clive Phillpot, Alex Cecchetti, Lukasz Gorczyca y Jan Jasinski. La fantasía de la novela es un proyecto de investigación en forma de novela que examina el proceso de creación de una novela de artista, la cual se desarrolló a través de cinco performances episódicas y una exposición. El protagonista se encuentra en la posición de un detective que intenta comprender las condiciones bajo las cuales un artista decide escribir, y cómo eso es posible dentro de un entorno artístico. Sus descubrimientos aparecen en forma de pistas que conectan las diferentes capas de la investigación. La fantasía de la novela cuenta la historia de cada una de las seis entregas y cómo fueron producto de un esfuerzo colectivo. El proceso creativo de la novela de artista se vio afectado por las condiciones bajo las cuales fue producida, incluidas las relaciones intersubjetivas usualmente invisibles para el público. Este libro narra la trayectoria desde la fantasía del artista (cómo el artista imaginó inicialmente que su novela existiría en el mundo) hasta la realidad de la obra (cómo se lee y recibe realmente). La narrativa se vuelve cada vez más compleja capítulo tras capítulo, conectando imágenes, referencias e ideas recurrentes que reflejan la rica composición del proyecto general.
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![Jordi Colomer. Façana foto festa futur fideus [castellano]](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dw57853e1c/images/large/1531933.94.jpg?sh=240 "Jordi Colomer. Façana foto festa futur fideus [castellano]")
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Eclecticismo, acumulación, superposición, relación, celebración… estas son algunas de las palabras que sirven para describir la publicación de Jordi Colomer (Barcelona, 1962). Jordi Colomer. Façana Foto Festa Futur Fideus (Fachada Foto Fiesta Futuro Fideos) hace un recorrido por el universo artístico y vital del artista a través de unas sesenta obras que van desde finales de los años ochenta hasta la actualidad y que se materializan en forma de esculturas, collages, fotografías, instalaciones, vídeos y acciones en vivo.El libro incluye una selección de textos de Elvira Dyangani Ose, Martí Peran, Benedetta Casini, Ignasi Duarte, Carolina Olivares y Núria Gómez Gabriel, que ayudan a poner el foco en diferentes aspectos de su práctica, y reúne una amplia selección de imágenes de las acciones y obras del artista, así como vistas de sus diferentes instalaciones. La intención final es conseguir dinamitar el orden cronológico de la narrativa y establecer una contaminación de relatos que ayuden a entender su universo.La publicación consta de tres ediciones separadas en catalán, castellano e inglés.
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Una recopilación de pensamientos e investigaciones sobre las prácticas perfomativas y el mundo de la cultura contemporánea. Uno de los procesos más relevantes en el mundo de la cultura contemporánea ha consistido en el increíble auge de las prácticas perfomativas.Surgidas a mediados del siglo XX, pero con antecedentes en las vanguardias incluso antes, las performances se desarrollaron en todo tipo de espacios: calles, galerías, teatros, cines, universidades.No obstante, es muy reciente su introducción en los museos como espacios de consagración cultural.¿Qué tipo de transformaciones supone este traslado al museo de la performance?, ¿qué efectos produce en las obras y, más importante aún, hacia dónde apunta el museo de lo vivo? Nunca lo vivo ha estado tan presente en la museología contemporánea, un proceso que contrasta con la casi total desaparición de las iniciativas independientes que, hace no tanto, le sirvieron de plataforma.¿Qué modelos temporales e historiográficos permite y produce este auge del performance en el museo? ¿Es quizás el deseo de contener lo que se desvanece en el aire lo que genera nuevos modelos de mercancía fácilmente consumible, de inmediato museificable? Los seis ensayos que componen este libro abordan estas cuestiones desde diferentes puntos de vista incidiendo en la necesidad de abrir un debate que en la actualidad está modificando la concepción de las prácticas artísticas y las instituciones que las contienen.
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Este libro es una reflexión sobre la crisis ecosocial que afecta a nuestro mundo y de cómo las películas y las series de ficción contemporáneas, de las que disponemos en abundancia en las plataformas o los cines, pueden ayudarnos a afrontar los miedos y los desafíos planteados por el futuro incierto que se avecina. Aún estamos a tiempo de actuar y pensar de manera positiva, y por eso en este libro se analizan películas y series que presentan soluciones colectivas en lugar de esperar que los héroes fantásticos nos salven del desastre, como suele ocurrir en el universo mainstream. La mujer en la montaña, Alcarràs, El Olivo, Sweet Tooth, Don?t Look Up, Okja, Estación Once, Una vida a lo grande y La última lección son ficciones audiovisuales que, además de entretenernos, nos impulsan a hablar y debatir sobre temas importantes. Este texto busca ofrecer palabras de aliento y utopía, porque la ficción es un espacio privilegiado para llegar al corazón y a la mente de las personas que anhelan vivir con la esperanza de un mundo que sea no mejor, sino posible.
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Catálogo de exposición sobre la obra Jorge Pineda.
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En este vívido y cautivador viaje a través de los colores de la paleta de un artista, Victoria Finlay nos lleva a una apasionante aventura alrededor del mundo y a través de los tiempos, iluminando cómo los colores que elegimos valorar han determinado la historia de la propia cultura. ¿Cómo viajó el preciado color azul desde las remotas minas de lapislázuli de Afganistán hasta el pincel de Miguel Ángel? ¿Cuál es la relación entre la pintura marrón y las antiguas momias egipcias? ¿Por qué Robin Hood vestía de verde Lincoln? En Color, Finlay explora los materiales físicos que colorean nuestro mundo, como los minerales preciosos y la sangre de los insectos, así como los significados sociales y políticos que el color ha tenido a lo largo del tiempo. Los emperadores romanos solían llevar togas teñidas de un color púrpura que se fabricaba con un oloroso marisco libanés, lo que probablemente significaba que su olor les precedía. En el siglo XVIII, el tinte negro se llamaba logwood y crecía a lo largo del Meno español. Algunas de las primeras plantaciones de índigo fueron iniciadas en América, sorprendentemente, por una chica de diecisiete años llamada Eliza. Y el popular cuadro de Van Gogh Rosas blancas de la Galería Nacional de Washington tuvo que ser rebautizado después de que un investigador descubriera que las flores estaban hechas originalmente con una pintura rosa que se había desvanecido hacía casi un siglo. El color está repleto de personas, acontecimientos y anécdotas extraordinarias, pintadas de forma aún más deslumbrante por el atractivo estilo de Finlay. Embárquese en una emocionante aventura con esta intrépida periodista mientras viaja en burro por las antiguas rutas comerciales de la seda, con los fenicios que navegaban por el Mediterráneo en busca de una concha especial de color púrpura que cosechaba riqueza, sustento y prestigio, con los modernos agricultores chilenos que crían y desangran insectos por su viscosa sangre roja. Los colores que elaboran nuestro mundo nunca han sido tan brillantes.
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¿Sabías que el diseño gráfico es hijo de un poeta que fracasó como pintor pero se casó con su modelo?, ¿y que la mítica Bauhaus lo instituyó como disciplina artística? ¿Cuándo la música se vistió de color para venderse? ¿Cómo llegó a parar un pingüino a la biblioteca de tu casa?, ¿te han contado que la tipografía de esos libros, que es la del logo del Gobierno de España, es obra de un pederasta zoofílico? ¿Por qué las cajetillas de Lucky Strike en «Mad Men» era blancas y no verdes? ¿Cuánto tardó en diseñarse el «Iy#9829,NY»? ¡Bienvenido a la más desconocida y apasionante historia del diseño gráfico! Entrar en ella es sumergirse en un universo infinito de luces y sombras, de colores, contornos, ideas y emociones que a lo largo de los años han moldeado el arte de la comunicación visual y, con él, nuestra forma más poderosa de pensar y transmitir. Fascinantes peripecias, asombrosas genialidades, estrepitosos fracasos y alucinantes azares se han traducido en los símbolos más icónicos del mundo del cine, la literatura, la publicidad y la empresa: ¿cómo surgieron?, ¿de dónde vienen? El diseñador Carlos Cubeiro ha investigado a fondo el trabajo de los mejores y más heterodoxos e ignorados artistas gráficos del mundo, y ha conocido a un buen número de ellos a lo largo de su trayectoria. Tras su «Manual de fundamentos del diseño gráfico», ahora nos embarca en una fantástica aventura narrativa para acercarnos la revolución de la monja Corita Kent, la de Grapus o la de Carles Fontserè, para presentarnos los carteles de Saul Bass o Mac y Jano, los discos de Jim Flora y Reid Miles, para hablarnos de la primera identidad corporativa y de la que dibujó un simple tenedor, para hacernos partícipes de una historia extraordinaria del diseño gráfico, forjada a través de muchas que nadie nos ha contado y merece la pena descubrir y disfrutar.
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Este catálogo nos brinda la oportunidad de destacar la relevancia de nuestra Colección en un proyecto que plantea una ámplia reflexión sobre como observamos, experimentamos y representamos la naturaleza. Retoma la exploración de la idea de paisaje, pero centrándose exclusivamente en la creación artística de nuestros días.
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Más allá del dibujo académico, existe un manera de dibujar más espontánea e intuitiva. Este manual es una invitación a perder el miedo a manchar el papel, explorar y crear libremente. A partir de tres movimientos, tres manchas de acuarela superpuestas, aprenderemos a dar vida a 15 animales y nos adentraremos en las infinitas posibilidades de la mancha y el trazo. ''Cada uno de los animales de este libro es un reto, una oportunidad para aprender a explicarlo reduciéndolo a mancha y trazo, un proceso de desaprendizaje y de deconstrucción.''
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La vida salvaje te rodea y es la inspiración perfecta para la creatividad, dondequiera que vivas.En 365 días de arte y naturaleza, Lorna Scobie te invita a observar y experimentar el mundo natural y a utilizarlo para inspirarte en tu arte todos los días. Ya seas principiante o un artista experimentado, Lorna te muestra cómo explorar y expandir tu potencial artístico a través de una variedad de actividades artísticas reflexivas y atractivas basadas en la naturaleza. Las tareas abarcan todos los entornos naturales, desde dibujar flores en tu hogar hasta estudiar paisajes, aves y animales en el exterior. Con citas inspiradas en la naturaleza y muchas sugerencias y consejos de apoyo, 365 días de arte y naturaleza encenderá tu imaginación y te ayudará a abrir los ojos a la belleza natural de nuestro mundo.
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La nostalgia de la belleza reúne varios ensayos del escritor napolitano Raffaele La Capria, recientemente fallecido a los 99 años. El derecho a no renunciar a un ideal de Belleza en el arte, a reivindicar cierto sentido del límite, junto a su defensa apasionada de la nostalgia por una Belleza natural maltratada, desaparecida, arrasada, constituyen el núcleo sensible del libro.Porque la de La Capria no es la vieja añoranza de los románticos: «Es una nostalgia que sirve para armar la memoria contra la resignación, es un combustible para alimentar la no adaptación. Es una nostalgia que sabeque las ciudades, las costas, los ríos, los paisajes, los cielos, los mares y las tierras han cambiado y se han degradado, y que la vulgar adaptación de los no-nostálgicos encuentra normal esta catástrofe. Contra este desencanto empuño mi nostalgia».
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El artista Joan Rabascall inicia este ensayo aproximándose al universo de la tarjeta postal como fenómeno emergente de comunicación de masas del último tercio del siglo XIX. Además de presentarnos sus hitos históricos —incluido el nacimiento de la postal turística—, repasa de forma concisa el interés de este género en las prácticas artísticas más experimentales del siglo XX. Acto seguido entra en matices más particulares, contribuyendo con un completo y agudo análisis de la historia de la postal turística en España a partir de la 'apertura' económica de la dictadura —momento en el que comienza a constatarse su gran transformación en contenido y forma. Las postales que el autor ha seleccionado para la ocasión —todas ellas pertenecientes a su colección particular— son en su mayoría de la década de los 60, 70 u 80, pues, aunque no falten oportunas consideraciones sobre la supervivencia de la postal en la era virtual, este libro se centra fundamentalmente en esos años de expansión y consolidación del turismo de sol y playa en España.
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Described by Kenneth Clark as 'one of the most brilliant books of art criticism that I have ever read', Art and Illusion is a classic study of image-making. It seeks to answer a simple question: why is there such a thing as style? The question may be simple but there is no easy answer, and Professor Gombrich's brilliant and wide-ranging exploration of the history and psychology of pictorial representation leads him into countless crucial areas.Gombrich examines, questions and re-evaluates old and new ideas on such matters as the imitation of nature, the function of tradition, the problem of abstraction, the validity of perspective and the interpretation of expression: all of which reveal that pictorial representation is far from being a straightforward matter.First published more than 40 years ago, Art and Illusion has lost none of its vitality and importance. In applying the findings of experimental science to a nuanced understanding of art and in tackling complex ideas and theoretical issues, Gombrich is rigorous. Yet he always retains a sense of wonder at the inexhaustible capacity of the human brain, and at the subtlety of the relationships involved in seeing the world and in making and seeing art.With profound knowledge and his exceptional gift for clear exposition, he advances each argument as an hypothesis to be tested. The problems of representation are forever fundamental to the history of art: Art and Illusion remains an essential text for anyone interested in understanding the complexities of art.For the sixth edition Professor Gombrich has written an entirely new 12-page preface, in which he makes use of the distinction between an image and a sign, so as to clarify his intentions in writing the book in the first place.
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Este libro es uno de los estudios clásicos sobre aquella «ciudad de genios» de hace un siglo, a la que han convertido en un espléndido paradigma de investigación: la llamada «Viena fin-de-siglo» o «Viena 1900» como marchamo de la decadencia de toda una cultura y forma de vida y del resurgir genial de otras. Ha originado un acervo impresionante de bibliografía de altura digna de esa Viena ya eterna donde la clara conciencia de la extinción inmediata del imperio austro-húngaro y su mundo hizo más evidente que en ninguna parte la famosa «crisis» cuya conciencia había comenzado a reventar con Nietzsche, su paisaje fantasmal: un mar que se vacía, un horizonte que se borra, un sol que gira alocadamente en torno a sí, ser, verdad y bien desvanecidos, desquiciados. Ciudad de gentes hipersensibles también a los signos de los tiempos desde todos los campos de la ciencia, la cultura y el arte, que pusieron sobre nuevas vías una renovada autoconciencia cultural de Europa: crearon la impronta, marca, estilo de lo que hoy somos o al menos de lo que hasta ayer mismo éramos. Junto con Sigmund Freud máximo ejemplo en aquellas cimas: Ludwig Wittgenstein.
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Aprende a dominar el mejor lenguaje para conectar contigo mismo: el dibujo.Cómo dibujar un cocodrilo es el libro perfecto para descubrir que el arte del dibujo se puede practicar a lo largo de toda la vida. En el fondo, nadie nace sabiendo dibujar, pero solo los que se dedican a ello conocen esta verdad. Con este práctico método, David Peña Toribio (alias Puño) nos devuelve la ilusión por una de las primeras formas de expresión que aprendemos cuando somos pequeños (como escribir, tocar un instrumento o hablar), pero que, por diversas razones, en seguida olvidamos. A lo largo de estas páginas, no solo nos pondremos manos a la obra con lápiz y papel, sino que también vamos a adquirir las herramientas necesarias para pensar, observar y crear. Aunando teoría y ejercicios muy entretenidos, este libro será útil para lectores de todas las edades. Eso sí, con un objetivo en común: dejar los prejuicios sobre nuestras capacidades creativas atrás y disfrutar de nuestras ideas sobre el papel.
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El best seller del crítico de arte más importante del mundo: un manual que todos los artistas, expertos y aficionados deberían leer.Ingenioso, apasionado y ganador del Premio Pulitzer, Jerry Saltz -crítico de arte de New York Magazine-, es contactado a menudo por artistas, comisarios, galeristas, profesionales y todo tipo de aficionados al arte para pedirle consejos. Basándose en su experiencia durante décadas de inmersión en el mundo del arte, Jerry Saltz ha logrado reunir todas las respuestas y las ha ordenado en un manual imprescindible para defenderse en el mundo del arte. Cómo ser un artista está repleto de consejos, reglas y ejercicios diseñados para dejar atrás los bloqueos creativos, incentivar la motivación y saber cómo defender una voz y lenguaje propios. Este libro ayudará a cualquier persona creativa a trabajar sus rutinas, mejorar los procesos, entender cómo funciona el mundo del arte y lograr sus sueños.¿A qui va dirigit el llibre Cómo ser un artista?Aquest llibre s'adreça a qualsevol persona amb inquietuds creatives, tant artistes professionals com aficionats. Es presenta com una guia útil per a aquells que busquen millorar els seus processos creatius, superar bloquejos artístics i comprendre millor el funcionament del món de l'art. Independentment del nivell d'experiència, el llibre ofereix eines i consells per desenvolupar una veu artística pròpia i aconseguir els objectius professionals. Està especialment indicat per a aquells que busquen orientació i suport en el seu camí artístic.Temes que tracta el llibre Cómo ser un artistaEl llibre aborda una àmplia gamma de temes rellevants per al desenvolupament artístic. Es centra en proporcionar consells pràctics i exercicis per:Superar bloquejos creatius: L'autor ofereix estratègies i tècniques per desbloquejar la creativitat i mantenir la motivació. S'emfatitza la importància de la perseverança i la pràctica regular.Desenvolupar una veu artística pròpia: El llibre guia el lector en el procés de definir el seu estil personal i desenvolupar un llenguatge visual únic. S'anima a l'experimentació i a la recerca de la pròpia identitat artística.Millorar els processos creatius: S'ofereixen eines per optimitzar les rutines de treball, millorar l'eficiència i desenvolupar una metodologia efectiva per a la creació artística.Comprendre el món de l'art: El llibre proporciona informació sobre el funcionament del mercat de l'art, les relacions entre artistes, galeristes i col·leccionistes, i les estratègies per promocionar el propi treball.Assolir els objectius artístics: Es proporciona orientació sobre com establir metes realistes, desenvolupar un pla de treball i perseverar en el camí cap a l'èxit artístic.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre Cómo ser un artistaEncara no hi ha opinions o crítiques disponibles públicament sobre Cómo ser un artista.
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Georges Duby sitúa las altas producciones del Occidente medieval en el movimiento general de la civilización y ofrece las claves para penetrar en este universo de formas fascinantes. Muestra cómo, en el sigloX, el gobierno de la producción artística pasa de manos de los reyes a las de los monjes, cómo, cien añosmás tarde, el renacimiento urbano establece la catedral como foco de las mayores innovaciones, y cómo, enel siglo XIV, la iniciativa artística vuelve a los príncipes y se abre a los valores profanos.
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Hubo un tiempo en que la institución escolar representaba la apertura a un mundo nuevo inaccesible de otro modo para la población sumergida en pequeñas comunidades tradicionales. Fue un tiempo en que unos pocos enseñaban a algunos más, y en el que, después de todo, había claridad y seguridad sobre los fines de la educación, en el que había, sobre todo, una gran estabilidad en la estructura organizativa y en el entorno, lo que se traducía en un contexto de previsibilidad, tranquilidad y certidumbre para los docentes. Las cosas han empezado ha cambiar cuando este entorno humano y tecnológico ha perdido esta estabilidad. La respuesta: la reforma. La cantinela: que las reformas deben venir acompañadas por aumentos de los recursos. Es, ciertamente, una demanda justificada (los nuevos alumnos necesitan más), pero también una manera de desentenderse y un reconocimiento de la impotencia (los nuevos profesores ofrecen menos). Sin embargo, aunque la consigna 'más dinero para la educación' es algo que siempre suena bien (los niños, el futuro, la sociedad del conocimiento…), no puede ser una demanda incondicional. Puede incluso que la sociedad haya de considerar otras prioridades. En todo caso, estos son los mimbres que tenemos y con ellos hay que construir el cesto, pero lo que significa esencialmente es que los centros de enseñanza ya no pueden funcionar solos, ni de cualquier manera, ni abandonados a las prácticas profesionales aisladas de sus integrantes. La cuestión es cómo obtener más que la suma de los incrementos individuales de recursos docentes. La solución sólo puede estar en la organización de la escuela entendida en su sentido más amplio: estructura formal, clima de trabajo, papel de los órganos colegiados, estilo de dirección, cultura profesional, relaciones con la comunidad, ubicación de la capacidad de decisión, grado de autonomía de los profesores y los centros, intervención municipal, cooperación con otras organizaciones, grupos e instituciones, clima escolar y de aprendizaje, relaciones con las familias, etc. Ése es el camino que, en varias de sus facetas (no necesariamente en todas), abordan los trabajos que forman este volumen.
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Optimiza cualquier espacio de tu casa para que esté siempre ordenada.¿Eres de esas personas que están siempre luchando contra el desorden? ¿Sientes que no tienes suficiente espacio para guardar tus cosas? ¿O que lograr que el salón esté ordenado es imposible viviendo en familia? Si aspiras a un orden real que transmita paz y que mejore tu calidad de vida y la de quienes viven contigo, Armonía de hogar es la guía que necesitas. Teresa Fernández recorre cada estancia de la casa para enseñarte que, con motivación, esfuerzo y las herramientas adecuadas, se puede optimizar cualquier espacio y conseguir que esté organizado y, sobre todo, que ese orden sea duradero, independientemente de si vives en familia o solo. Descubre cómo diseñar armarios que se ajusten a tus necesidades, cómo doblar la ropa de manera efectiva y cómo hacer uso de los accesorios de almacenamiento adecuados para organizar el típico «cuarto desastre». También aprenderás a establecer unas normas básicas para todos los habitantes de la casa que ayudarán a crear un ambiente más agradable y acogedor. El orden perfecto no existe. La armonía en tu hogar y en tu vida, sí.
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Made by MSCHF es un estudio del trabajo del colectivo de arte MSCHF, con sede en Brooklyn, conocido por sus proyectos eclécticos que critican las mismas áreas de la cultura popular que habitan. Desde una línea de bolsos de diseño que solo son visibles bajo un microscopio hasta un juego de citas anime que ayuda a los jugadores a generar una declaración de impuestos funcional, las obras de MSCHF son incisivas, a menudo virales y siempre están imbuidas de su estilo único de humor subversivo.Con imágenes nunca antes vistas, este libro presenta estudios de casos que exploran en profundidad 12 de los proyectos de MSCHF, brindando a los lectores un modelo de cómo se desarrollan sus trabajos desde la idea hasta el lanzamiento. Escrito por dos de los cofundadores del colectivo, el libro presenta 6 ensayos temáticos adicionales y un archivo de todas las obras de arte del MSCHF hasta la fecha, que en conjunto revelan el alcance y la evolución del grupo experimental.Los proyectos incluyen: Big Red Boot, un par de botas de goma grandes y caricaturescas, Jesus Shoes, sus zapatillas de deporte de marca llenas de agua bendita, ATM Leaderboard, un cajero automático instalado en Art Basel Miami Beach que clasificaba a los usuarios por saldo bancario, y Severed Spots, en el que recortaron manchas de grabados de Damien Hirst y las vendieron como obras de arte individuales.
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El museo occidental es un campo de batalla ideológico, político y económico. Mientras que hoy día casi todo el mundo quiere ''repensar el museo'', pocos tienen la audacia de cuestionar los presupuestos mismos del museo universal, producto de la Ilustración y del colonialismo, de una Europa que se presenta como guardiana del patrimonio de toda la humanidad.Recorriendo la historia del Louvre, discutiendo los callejones sin salida de la representación de la esclavitud y examinando los intentos fallidos de subvertir la institución museística, Françoise Vergès esboza un horizonte radical: descolonizar el museo significa poner en marcha un programa de desorden absoluto, inventar otras formas de aprehender el mundo humano y no humano que alimenten la creatividad colectiva y devuelvan la justicia y la dignidad a las poblaciones desposeídas de ellas.
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Desde un vestido de alta costura de Dior y una Barbie adornada con rosas hasta mosaicos antiguos y tarjetas de San Valentín victorianas, esta colección curada de más de 200 impresionantes imágenes celebra la flor más emblemática del mundo. Descubra las ex
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Breve tratado sobre filosofía de la pintura china escrito a principios del siglo XVII. Shitao presenta la actitud espiritual que debe tener el pintor a la hora de ejecutar su arte, de manera que pueda conseguir la comunión con el universo y consigo mismo.
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