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Llibres de Teatre, Poesia i Relats
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En Shelley se conjugan una serie de elementos que, en principio, pudieran parecer paradójicos y que, por el contrario, lo hacen absolutamente singular y, al mismo tiempo, un paradigma del Romanticismo. De origen aristocrático, pero con un pensamiento polí
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Aunque más conocido como uno de los poetas más importantes del siglo XX, desde el comienzo de su carrera William Butler Yeats entendió que el valor de sus obras y su poesía era el mismo. En 1923, cuando aceptó el Premio Nobel de Literatura, Yeats sugirió que «quizás los comités ingleses nunca les hubieran enviado mi nombre si no hubiera escrito obras de teatro... si mi poesía lírica no hubiera tenido la calidad del habla practicada en el escenario». De hecho, el gran logro de Yeats en poesía no debería oscurecer sus impresionantes e innovadores logros como dramaturgo. Este libro reúne las obras en el orden final en el que Yeats planeó que se publicaran y permite a los lectores ver claramente, por primera vez, las formas en que evolucionaron las muy diferentes formas dramáticas de Yeats a lo largo de su vida, y apreciar completamente la importancia del teatro en la obra de este gran poeta moderno.
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A quién pueden interesar mis poemas, se pregunta con escepticismo una de las ensayistas más leídas y citadas en los últimos años. Y la pregunta revela por sí sola no solo la potencia de los mecanismos de autorización sino el papel mismo que parece destinarse habitualmente a la poesía: cosificada en extremo y reducida a menudo a experiencia artística despegada tanto de lo mundano como de la tierra que habitamos. A lo largo de su vida Silvia Federici ha volcado sobre la poesía fuegos sociales e inquietudes compartidas, apoyándose en ella para reflexionar de otra forma, girar la realidad y revelar la fuerza vital de lo que nos rodea. Llegada la gran pandemia de principios del XXI, esa misma poesía reaparecería en un diálogo a distancia con las acuarelas de Begonia Santa-Cecilia, que enraizaban y daban materialidad con sus pigmentos al cuidado de la vida. Este libro, elaborado en varias lenguas y con muchas manos, da cuenta de ello e intenta abrir de par en par todas las puertas que otorgan color a la existencia.
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La más antigua y famosa de todas las antologías poéticas japonesas. Cien poemas de cien poetas diferentes en una edición ilustrada y en versión bilingüe.Hyakunin Isshu es el nombre que comúnmente recibe una antología poética japonesa en la que se recogen cien poemas de cien poetas diferentes, seleccionados y ordenados de acuerdo con el criterio de su autor. Han surgido muchas obras de este tipo en distintas épocas, pero la más antigua y famosa de todas es la presente, traducida aquí al castellano y en versión bilingüe: Ogura Hyakunin Isshu, de Fujiwara no Sadaie (Kioto, 1162-1241).Compuesta por encargo del padrastro de su hijo con el fin de decorar las puertas correderas de su residencia en el monte Ogura, este erudito se atribuiría gracias a ella uno de los mayores clásicos de la poesía de Japón, y la más fiel representación de la cultura del buen gusto del siglo XIII, siguiendo una cronología de casi seiscientos años de historia, hasta alcanzar su propio período, en el que participa incluyendo su poema en la colección.Hombres y mujeres de todos los estratos sociales, desde emperadores, hasta damas de la corte y monjes, conviven en este entramado rico y variado, cantando a coro como «los inmortales de la poesía waka», tejiendo un tapiz de las cuatro estaciones, del amor, del desamor, de los viajes, y de otros quehaceres, marcando un ritmo magistral y memorable, fruto del inestimable intento de lograr por aquel entonces que cien melodías sonasen como una.
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Cuenta Simon Leys que cuando era un joven estudiante tuvo la suerte de acudir a una peculiar escuela en Hong Kong. Uno de sus condiscípulos, calígrafo y grabador, la bautizó como «Escuela de la inutilidad», y en ella pasó Leys unos «años intensos y gozosos, en los que aprender y vivir eran lo mismo». Sólo más tarde descubriría el escritor belga que, puesto que el saber más ocioso constituye el fundamento de los valores esenciales de nuestra humanidad, a esos años debía lo más decisivo de su formación. Esta antología de ensayos reúne toda la sabiduría «inútil» que acumuló a lo largo de su vida: en ella se dan cita personajes, imaginarios o reales, tan diversos como don Quijote y el inspector Maigret, Confucio y Mao Zedong, o Magallanes y los náufragos de las remotas islas Auckland. Todos ellos atestiguan la espléndida travesía intelectual del lector voraz que fue Leys, conocedor privilegiado de la literatura occidental y la cultura china.
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Un vespre d’intensa pluja, una dona més aviat rude i un jove especialment immadur arriben per motius d’entrada inexplicables a la remota cabana on viu en Salvador, El Sibarita de la Pluja, un vell entranyable tocat per un misticisme singular.A conseqüència de les condicions meteorològiques i de la geografia de l’indret, els tres personatges queden aïllats i han de conviure onze dies en aquell petit univers que ha creat en Salvador: una roca encimbellada on medita, una esplanada amb un gos enterrat a qui parla, una passera submergida que potser el riu s’ha endut i una cabana amb infinitat de cites d’autors il·lustres gravades a les bigues del sostre.Amb el pas dels dies, sorgiran tensions, es teixiran complicitats, es descobriran secrets del tot inesperats i, sobretot, es faran reflexions sobre la joventut i la vellesa, la inadaptació, la fugida, la solitud, el límit de la bogeria, la convivència amb la natura, la saviesa, la creativitat, el pas del temps, la mort… I la recerca contínua en un món en canvi constant.
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Acaso la invención de la melodía sea el gran hallazgo de la humanidad. Si a ello añadimos el uso de las palabras y de nuestra capacidad simbólica, tendremos el trípode que sustenta la condición humana. La arqueología nos muestra que música, palabra y símbolo están entre los hombres desde que se irguieron sobre sus dos pies o vieron una estrella a medianoche. Todos los poetas de verdad grandes han tenido algo de visionarios y de músicos. Podrán convencernos de que en verdad el mundo está naciendo a cada instante: nuevo, vigoroso, alegre, casi ciego como los ojos de un recién nacido que nos lleva a la vida con su manita pequeña. Los villancicos nos llevan a la cuna. Son la misteriosa hermandad de unas voces que de pronto son blancas, aniñadas al son mismo del sol que nace. Las palabras, las melodías, vienen de muy lejos y han pasado por generaciones de almas y de labios antes de llegar a nuestra boca.
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Manuel de Cabanyes (Vilanova i la Geltrú, 1808-1833) ha pasado a la historia de la literatura española por una obra anónima, breve, única y editada por primera vez el mismo año de su muerte: ''Preludios de mi lira'' (1833). El libro presentaba una docena de poemas que, desde entonces, ha recibido con marcada regularidad la atención de la crítica y ha supuesto, junto con el puñado de textos rescatados para la publicación de sus ''Producciones escogidas'' en 1858, un interesante punto de confluencia o transición entre los asentados valores del neoclasicismo hispánico y un primer romanticismo de fuerte influencia italiana. El presente volumen presenta, en edición crítica, la totalidad de la poesía que se conserva de Cabanyes.
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Un libro que nos habla sobre el amor y el sexo: una educación sentimental desde el cuerpo, pero también desde el lenguaje.En este libro se desnuda a hombres y a mujeres y se desnuda, ante todo, la voz que los quiso y que los recuerda, no sabemos en qué orden: ''La edad de merecer'' es un libro sobre el amor, y el sexo, y la literatura, y la religión, y todas sus circunstancias, y todas las maneras en que definen nuestra vida, porque la edad de merecer significa aquí la edad de empezar y terminar y comenzar de nuevo. La voz de Berta García Faet se muestra profundamente personal su sintaxis urgente, sus imágenes luminosas y febriles y al mismo tiempo profundamental universal: con esa mirada analiza nuestras educaciones, nuestros aprendizajes y todos los errores que no nos matan y ni mucho menos nos muestran más fuertes.
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La Biblia en la literatura española, dirigida por Gregorio del Olmo Lete, investiga de manera sistemática la influencia que ha ejercido la Biblia en la historia de la literatura española,en sus diferentes épocas y autores. La obra se organiza en tres tomos, correspondientes a la Edad Media (en dos volúmenes), a la Época de Oro y a la Edad Moderna. Al margen de la consideración doctrinal del contenido y valor religioso de la Biblia, ésta se hizo presente desde el primer momento en el arte y la literatura. Tanto el arte religioso cristiano como las literaturas «profanas» aparecen impregnados por la presencia de los textos y los temas bíblicos. El estudio de «la Biblia como literatura», surgido en el siglo XVIII, ha dado paso actualmente al interés por el estudio del influjo de la Biblia en la literatura, a la que le ha suministrado una serie de historias, figuras y escenas que han actuado como arquetipos muy productivos, no sólo en el ámbito de la creación literaria, sino de la artística en general. Este tercer tomo, dedicado a la Edad Moderna y coordinado por Adolfo Sotelo Vázquez, trata de las luces y sombras de los textos bíblicos que se revelan en la biblioteca fundamental de las letras españolas desde el siglo XVIII al siglo XX. De los textos bíblicos emanan una serie de intertextualidades de diversa naturaleza y de diferente calibre, que aparecen entretejidas en los textos literarios estudiados en los artículos aquí reunidos, los cuales se ordenan en tres grandes periodos: «La Biblia en la Ilustración», «La Biblia del Romanticismo al Realismo» y «Del Modernismo a la posguerra: cinco generaciones».
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La poesía de Claudio Rodríguez es un milagro del equilibrio: halla su mejor decir a medio camino entre lo lírico y lo narrativo, sabe sostenerse sobre la delgada línea que separa lo racional de lo irracional, participa del aliento más alto y se nos manifiesta terrestre, casi campesina, hace canto de lo coloquial y lleva la voz de los clásicos hasta su propio instrumento para reinventarla. En su entonación andan juntas la hondura de Quevedo y la gracia aleve de Garcilaso, el misterio de san Juan y el desgarro de Manrique. Su verso nunca nos convence, nos doblega, ni siquiera nos seduce, nos enamora, nos arrebata, sentimos al leerlo la misma gratitud que cuando contemplamos cuajarse en el horizonte, siempre por estrenar, siempre nacida de sí misma, la luz de una nueva amanecida.
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Los nombres tienen poder. Todos lo sabemos. Y los nombres de las brujas siempre han sido más poderosos que los de los humanos, pues contienen su esencia y su magia. «Si te gusta Juego de Tronos y Neil Gaiman, te fascinará este sueño de aventura, terror ymagia del que no querrás despertar.» Eduardo Noriega Los nombres tienen poder. Todos lo sabemos. Y los nombres de las brujas siempre han sido más poderosos que los de los humanos, pues contienen su esencia y su magia. Por eso los ocultan. Esta es la historia de dos brujas milenarias. Y de sus nombres. Y de cómo sobreviven al tiempo. Greta nació en la Edad Media. Irati, mucho más vieja, pertenece a una raza extinta que ya no camina la Tierra. Es la última de su estirpe. Pero en el mundo quedan otras razas como la suya, tribus que conocen los secretos de los bosques primigenios. Y en el presente, un espíritu ancestral sobrevuela los sueños de un niño de aura azul. No solo las brujas ansían su corazón. Solo necesitan su nombre… Heredera directa de Neil Gaiman, Stephen King, Anne Rice y Patrick Rothfuss, Mayte Navales —finalista del Premio Minotauro— combina con maestría el género del terror y la fantasía mítica para adentrase en la oscuridad y la voracidad del corazón humano. Una novela que invita al lector a perderse en oscuros bosques, que le obliga a pasar página tras página hasta encontrar el lugar donde habitan la venganza y la pasión.
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DRAGON, TIGRESS, SHE-DEVIL. For centuries past, and all across the world. HUSSY, SIREN, WENCH. There are words that have defined and decried us. HARRIDAN, MUCKRAKER, SPITFIRE. Words that raise our hackles, fire up our blood. FURY, WARRIOR, VIRAGO. Words that tell a story, In this blazing cauldron of a book, the boldest writers of our day take up these words and take up their pen, celebrating fifty years of Virago,
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La figura de Pier Paolo Pasolini (1922-1975) brilla como un relámpago en la cultura europea de posguerra. Poeta, ensayista y cineasta, su libérrima actitud intelectual le permitió ser un comentarista lúcido, astuto y compasivo de la Italia de su época. Identificó muy pronto a la hidra y luchó con sus tres cabezas: la falta de conciencia social de los humildes y vulnerables, el desarraigo traumático que fue para ellos la modernidad, y la mentira institucionalizada. Como él mismo afirmó, 'en tiempos de la mentira universal, decir la verdad es un acto revolucionario'. La poesía fue para Pasolini no sólo raíz y centro de su proyecto creativo, sino un ejercicio casi vertiginoso de renovación y autocrítica. Con La insomne felicidad, el poeta Martín López- Vega nos ofrece una ejemplar antología bilingüe que incluye la totalidad de Las cenizas de Gramsci (1957), quizá su poemario más celebrado, así como una selección representativa del resto de su trabajo, tanto en friuliano como en italiano, incluidos títulos fundamentales como Poesía en forma de rosa o Transhumanar y organizar.
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Pienso que escribir poesía quizá sea una derrota necesaria. Pienso en la palabra derrota y me abrazo a ella como el náufrago se abraza a la última ola. Pienso en la palabra naufragio. Escribo la palabra naufragio y veo las calles de esta ciudad, los coches, los trenes, las farolas, los alimentos llegando de no se sabe dónde, la gente que viene y va, como las olas, el movimiento confuso las cosas y los seres: tal vez los restos de un viaje transoceánico que nunca supimos a dónde conducía y que ha llegado hasta aquí, hasta la palabra naufragio, hasta la palabra derrota. Escribo la palabra derrota y pienso en la palabra sentido: en el sentido de abrazarse a la última ola, de abrazarse al rescoldo, a la memoria que tartamudea en el centro de cada palabra, a la ceniza desde la que la memoria arde en los ojos, al hueco oceánico y ceniciento por el que se desploman las palabras y que siento como la única juntura posible. Ver, mirar, hablar. El horizonte, el tiempo, la historia. El corazón que trabaja, envejece y no comprende. El alma que comprende, o lo intenta, que se abisma, se aturde, se ilumina, y como nadie sabe si existe dice su palabra con la cautela y la precaución del fantasma. Las palabras, su rescoldo, su ceniza, su sonido, su música de sentido. Pienso en la poesía como en las palabras de un náufrago. Pienso en cada poema como en las últimas palabras de este naufragio, de esta derrota necesaria.
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La maga Baldraga, la bruixa Maduixa i el bruixot Pebrot s'han de presentar a les proves per a assistir a un curs de bruixots d'abast internacional i només hi anirà qui haja fet la malifeta més gran. Per això, la Bruixa Major els ha convocat enmig del bosc: els posarà a tots a examen. El que no saben és que dos parells d'ulls els observen d'amagat.
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Un dia, seguint un conill blanc, la curiosa Alícia arriba al país de les meravelles, un món habitat per personatges extraordinaris i tronats que li fan viure un seguit dïaventures desbaratades.
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UN POEMA PERFECTO PARA CADA ERAQuerido lector, esta es una introducción a las apasionadas palabras de algunos de los poetas ingleses de más renombre.Inspirada en la mejor letrista de la actualidad, Taylor Swift, esta recopilación rebosa de… folklore, amor, dolor, venganza y paz.El bálsamo perfecto para cualquier alma atormentada.Con poemas de Emily Dickinson, Elizabeth Barrett Browning, William Shakespeare, Lewis Carroll y muchos más, esta antología melancólica y nostálgica rinde homenaje a los poetas más famosos y torturados.
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Luis Alberto de Cuenca mezcla clasicismo y modernidad en una deliciosa antología que recrea el mundo antiguo desde una mirada contemporánea.Escritos a lo largo de medio siglo, los poemas que conforman Los dedos de la Aurora giran en torno al mundo clásico, tema nuclear en la obra de Luis Alberto de Cuenca al que se ha acercado como traductor, filólogo y estudioso y que ha dejado una huella profunda y perdurable en su poesía, una de las más prestigiadas e influyentes de las últimas décadas. Los autores helenísticos de la Antología Palatina, en particular, pero también los elegíacos y epigramistas latinos, la épica de Homero o de Virgilio y la lírica arcaica, comparecen en homenajes que a la vez que transmiten el legado de la Antigüedad lo reelaboran en clave irónica o sentimental. Seleccionada por Luis Miguel Suárez, con prólogo del autor y epílogo de Victoria León, la antología ofrece una muestra deliciosa y altamente significativa de un universo poético que recrea las fuentes grecorromanas o se sirve de la narratividad de sus mitos para indagar en los universales de la condición humana, expresando un vitalismo a prueba de tinieblas. Confesional y elegíaco, satírico y lúdico, culturalista y de línea clara, Luis Alberto de Cuenca se nos muestra aquí en toda su riqueza de carácter como un poeta inimitable que, cultivando una de las poéticas más originales, desprejuiciadas y libres de nuestro tiempo, sabe mezclar clasicismo y modernidad, alta cultura y cultura pop, erudición y perfección formal con la naturalidad propia de uno de los grandes renovadores del lenguaje poético contemporáneo.
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Apenas los distingo a esta luz verde entre verdes, al final del día, confundido yo mismo entre los árboles y unido a los demás, también perdidos en la ladera en sombras, tan sólo por el lazo tenue de alguna que otra voz que celebra un hallazgo. Desperdigados entre los quejigos, avanzamos despacio, sin dejar una mata por mirar. Aunque, más que mirar, lo que aquí importa es saber esperar: fijar los ojos como en un fondo de agua en movimiento y aguardar, en lo verde, el surgimiento de un matiz diferente de verdor, más tierno y limpio, recién nacido para un mundo nuevo. Y qué pena cortarlo. “,Espárragos”,, de José Manuel Benítez Ariza. José Manuel Benítez Ariza (Cádiz, 1963) es autor de una treintena de libros. En poesía, sus entregas más recientes han sido Diario de Benaocaz (Pre-Textos, 2010), Panorama y perfil (XXVIII Premio Unicaja de Poesía, 2014) y la compilación temática Nosotros los de entonces / Poesía amatoria 1984-2015 (2015). Alterna sus colaboraciones en la prensa digital (CaoCultura, InfoLibre) con las que mantiene en publicaciones impresas como el suplemento El Cultural del diario El Mundo y la revista Clarín. Desde 2005 mantiene en internet el “,diario abierto”, Columna de humo, del que se han publicado varias entregas impresas.
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HÉCTOR ÁLVAREZ MURENA, más conocido como H. A. Murena (Buenos Aires, 1923-1975) fue un escritor, ensayista, narrador, poeta y traductor argentino. Escribió unos veinte libros de todos los géneros literarios y fue habitual colaborador de la revista Sur y del suplemento cultural del diario La Nación. En 1946, publicó su primer libro Primer testamento, un volumen de cuentos. Murena sostuvo que el escritor debía ser “,anacrónico, en el sentido originario de la palabra que designa el estar contra el tiempo”,. Fue codirector de la Colección de Estudios Alemanes de la editorial Monte Ávila de Caracas, desde la cual realizó una importante tarea de difusión en español de pensadores como Jü,rgen Habermas, Theodor Adorno, Herbert Marcuse y Max Horkheimer. Fue el primer traductor al español de la obra de Walter Benjamin. Su producción ensayística es heredera de la obra de Ezequiel Martínez Estrada. Murena fue también un excelente poeta y un cuentista raro. Muchos de sus relatos tienen forma de parábolas o de ejemplos clásicos. Y a partir de ellos es posible ver una de las características fundamentales de su obra: el misticismo que se hizo cada vez más profundo y que terminó en una obra (La metáfora y lo sagrado) que rebosa mística sin religiosidad. Estuvo casado con la escritora Sara Gallardo.
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El único estudio sobre las trobairitz anterior al siglo xx es una monografía alemana de 1880. No es sino cien años después cuando se convierten de nuevo en objeto de investigación estas mujeres aristócratas de los siglos xii y xiii que dieron la vuelta al concepto masculino del amor cortés. En él, la mujer, ya fuera campesina o dama de alcurnia, aceptaba al galán como sirviente, siendo ella una figura pasiva. Por el contrario, en sus poemas, las trobairitz son sujetos, son ellas las amadoras, las que eligen, las que sufren, también, de adoradas pasan a ser adoradoras. Estas trobairitz iniciaron el debate sobre la igualdad intelectual entre mujeres y hombres, y se dieron a conocer como creadoras, tanto en el sur de Francia, como en el norte de Italia, Cataluña y Navarra, es decir, en la Occitania y la Provenza. En este libro, Clara Janés reúne y traduce los poemas encontrados de no más de 20 trovadoras (frente a los más de 400 trovadores), que, sin embargo, «se encuentran entre las voces más exquisitas de la lírica cortés», según la estudiosa Magda Bogin.
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En esta obra se encuentra el eco de Lesbos, donde la palabra se entrega a la celebración del deseo, el amor y la libertad. Vive Safo en el interior de la pluma de María Folguera, el color de Mowcka y las canciones de Christina Rosenvinge, que se unen para dar belleza a su herencia y su canto. Un canto a través del tiempo donde el lector encontrará la experiencia del susurro de los versos eternos de Safo reinterpretados. Una artista de influencia capital en nuestro presente, un símbolo de artista gloriosa, un manantial para explorar la identidad y la memoria. Este trabajo pone en valor lo femenino, sostiene viva la herencia de Safo, despierta el eco de su ausencia y convierte en presencia visible su lugar, y con ello el lugar del abrazo de todas las mujeres que nos han traído hasta aquí.
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El primer dia de setembre —fèiem la prova inicial— la Carla va preguntar què vol dir ham als exercicis de lèxic. En veu alta, algú va traduir-ho a una altra llengua. Per dins li hauria respost: «Am vol dir estimo, amo vol dir submissió, ham significa ferida, interrogant, record. Tots som, al mateix temps, un peix ferit i un pescador que mira d’omplir el cove, Carla».La marca de l’ham parla de digerir i traginar cicatrius, hagin fet crosta o no. De mostrar-les amb acceptació, dolor i, potser, cert orgull. Hi surten fantasmes, forenses, genolls cansats i cors amb les artèries empantanegades. Però l’anatomia, aquí, es torna anècdota. Perquè aquest llibre és, sobretot, un viatge des del ressentiment fins a la tendresa. La paraula, doncs, hi pot actuar com a fuetada o, també, com a carícia.
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Som també el lloc que habitem i els espais que vam habitar, els punts on han quedat gravades estampes dels nostres actes i inactivitats, de la història personal que ens confirma. A La casa sonora s'evoquen els cruixits, les dilatacions, les passes, els grinyols, els cops de porta i les roncors que omplen el silenci del poeta, que des de la distància temporal entre el seu sedentarisme actual i el nomadisme urbà dels anys passats ha volgut convertir en poemes. El misteri dels passadissos, el vertigen de les fugides, l'ansietat dels trasllats, la il·lusió i la desfeta d'anar d'aquí a allà. I la serenor de la nostàlgia, sempre tan creativa.
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Durante los siglos XVI y XVII Madrid vive una época de esplendor. El brillo de la Corte atrae por igual a nobles y clérigos que a hidalgos, vividores y rufianes. Las gentes de letras encuentran en la ciudad el mejor escenario para ambientar sus obras y se convierte en la gran protagonista literaria del Siglo de Oro. El mejor retrato de un Madrid bullicioso en el que conviven la comedia, el drama, el romance y la mala vida.
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Romancero gitano / Poema del cante jondo es el segundo volumen de la Biblioteca Federico García Lorca que reúne su obra completa, y el segundo que compila su «Poesía completa». En este libro, se ofrecen al lector clásicos lorquianos como el Romancero gitano o el Poema del cante jondo, junto con las dos conferencias pronunciadas por el poeta en la presentación de los mismos, además de las Odas y su primera colección de Poemas sueltos. La edición y los prólogos, a cargo de Miguel García Posada, permiten al lector acercarse a la complejidad de su obra y disfrutar, a lo largo de los siete volúmenes que componen esta Biblioteca Federico García Lorca, de uno de los autores españoles más relevantes del siglo XX. Pablo Neruda dijo...«Desde ese tiempo en que los españoles del pueblo besaban el hábito de Lope de Vega no se ha conocido en lengua española una seducción tan inmensa dirigida a un poeta.» --------------------------------------------------------------------------BIBLIOTECA FEDERICO GARCÍA LORCA Poesía competa:1. Libro de poemas / Primeras canciones / Canciones2. Romancero gitano / Poema del cante jondo3. Poeta en Nueva York / Sonetos Teatro completo:4. La zapatera prodigiosa / Mariana Pineda5. El público / Así que pasen cinco años6. Bodas de sangre / Yerma7. La casa de Bernarda Alba / Doña Rosita la soltera--------------------------------------------------------------------------
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Rosa Montero nos acerca a algunas de sus lecturas preferidas, nos sumerge en un mundo literario propio, íntimo y universal al mismo tiempo. PREMIO NACIONAL DE LAS LETRAS 2017 «Dejar de leer es la muerte instantánea. Sería como vivir en un mundo sin oxígeno.» Al acercarnos a algunas de sus lecturas preferidas, Rosa Montero nos sumerge en un mundo literario propio, íntimo y universal al mismo tiempo, formado por grandes historias, héroes valientes, monstruos memorables, jóvenes misteriosos o malvados geniales. En su original recorrido por grandes títulos de la literatura mundial como Las mil y una noches, La Regenta, El corazón de las tinieblas, Lolita o Frankenstein, nos descubre relatos desconocidos, biografías sobrecogedoras o autores excéntricos. El irrefrenable amor por la literatura que contienen sus palabras es tan contagioso que este libro, que recoge textos publicados en El País entre 1998 y 2010, se convertirá para muchos en una guía de lectura esencial, alejada de convencionalismos y capaz de ofrecer pistas al recién llegado pero también al más avezado lector. ** Premio Leyenda 2019 concedido por la Asociación de Librerías de Madrid
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Palabras para Julia es uno de los mejores y más perdurables libros del poeta José Agustín Goytisolo. Palabras para Julia es uno de los mejores libros de José Agustín Goytisolo. El poema que da título a la presente recopilación es sin duda una de las piezas que más fortuna ha tenido entre el gran público, una de las señas de identidad del gran poeta, cuya obra, publicada íntegramente en Lumen, es una de las aportaciones más brillantes a la poesía de la segunda mitad del siglo XX. «Es hermoso saber que estas palabras que han sido para mí han acabado siendo palabras para todos.»Julia Goytisolo La crítica ha dicho:«Un canto triste, pero a la vez un camino de esperanza, un camino que debemos andar, madurar y disfrutar. Lo que escribió el poeta pensando en su hija Julia ya no es únicamente para ella, es un canto para que los jóvenes nunca se rindan, que disfruten de esta vida bella donde encontrarán amigos y amores.»José Ramón Mata, Europa Sur «Un poeta prolífico cuya obra es una especie de palimpsesto. [...] Somos muchos los que sentimos a Goytisolo como nuestro.»Carme Riera «Uno de los grandes poetas de nuestra lengua. [...] No fue un sermoneador, no confundió creación con consigna, sino que trabajó al servicio de su propia ética.»Luis García Montero «José Agustín usaba su nombre de poeta conocido para llamar la atención sobre escritores que sin él ni sonarían a los lectores de fuera de Cataluña. Lo importante que fue lo vemos ahora que no está y que casi te tienen que traducir los amigos.»Joan Margarit «No sólo es uno de los poetas españoles más importantes de la segunda mitad de este siglo, sino una de las mejores personas que he tenido la oportunidad de conocer en esta vida.»Manuel Vázquez Montalbán «Los versos de Goytisolo definían un estado de ánimo bien conocido, esa entrada al mundo adulto que simultáneamente anhelábamos y temíamos. Nuestro también era su imposible deseo.»Alberto Manguel «Un notable escritor anónimo, pues. Elegiaco y satírico. Muy urbanita y contemporáneo y muy medieval.»Javier Rodríguez Marcos, El País «Quiso demostrar la fuerza -invencible, poderosa- de la palabra.»Eva Belmonte, El Mundo «Con un lenguaje llano, alternó versos urbanos y casi de combate con poemas de un sentimiento muy cercano a la gente de la calle.»Xavier Moret, El País «Cierto que es popular y también es más desconocida de lo que se cree la complejidad de su poesía.»Andreu Jaume «Me parecían poemas de otra persona, escritos como para ser cantados o hechos cantando. [...] José Agustín tenía mucha chispa y mucho sentido del ritmo del espectáculo.»Ibáñez «Para llegar a la gente que gusta de la poesía, José Agustín Goytisolo no baja nunca el tono de su calidad literaria. sino que afina su pluma para alcanzar una dificilísima sencillez de estilo y una transparencia de lenguaje que muy pocos poeta son capaces de conseguir. Por eso gusta a personas de toda condición social y de cualquier edad, y también a los críticos literarios más exigentes y a un público muy cultivado intelectualmente, y se siente feliz legándoles sus poemas, para que los consideren como propios.»María Dolores Fernández Lucio «La contención en el decir, la voluntad transitiva y el empaque moral caracterizan la poesía de Goytisolo, [...] de un rigor y una minucia extremos.»Eduardo Moga, Revista de Libros
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Tras su éxito en el Festival de Otoño de Madrid de 2009, y en el Festival de Aviñón de 2010, donde fue recibida como toda una revolución («Cinco horas trabajadas hasta la exasperación por unas ganas furiosas de entender por qué todo va tan mal», según Le Monde), la editorial La uÑa RoTa publica La casa de la fuerza, inédita hasta hoy. El volumen se completa con otros dos textos inéditos, tan sugerentes como intensos, Anfaegtelse y Te haré invencible con mi derrota. Tres obras en las que Angélica Liddell, una de las escritoras más emblemáticas de lo que va de siglo xxi, se interna por infiernos raramente visitados por la literatura española, con un estilo turbador y vibrante, sin concesiones, y haciendo uso de un hondo intimismo. La casa de la fuerza nos habla sobre cómo «el amor fracasa, la inteligencia fracasa, y nos destrozamos los unos a los otros, por cobardía, y humillamos y somos humillados hasta el final», según la autora. Es una descarnada reflexión sobre la condición de la mujer en este siglo XXI y sobre el machismo cotidiano. Y en concreto, sobre los asesinatos y violaciones de niñas y mujeres que aún hoy tienen lugar en Ciudad Juárez (México). Todo ello dentro de un mundo «colorido por fuera y podrido por dentro», en palabras de Liddell. En la lectura de La casa de la fuerza se superponen multitud de historias que están en juego al mismo tiempo: el desamor, la dominación de género, el dolor, el suicidio, la resistencia, la locura, mientras de fondo suenan rancheras, mariachis, pop y música clásica… En definitiva, una trama marcada por el dolor y por la fuerza, como una forma de llegar a la calma espiritual. En Te haré invencible con mi derrota, asistimos a un diálogo interno de la autora con Jackie du Pre (1945-1987) –una de las mejores chelistas del siglo xx, fallecida a los 42 años–. Un emotivo texto que trata el conflicto entre la materia y el espíritu, cuando el cuerpo y la enfermedad están por encima de la voluntad. Y ahonda en la belleza y en el dolor, un dolor personal que aquí se hace universal, y en la imposibilidad por parte de Jackie de seguir tocando el chelo a causa de una esclerosis que empieza a atrofiar sus manos antes de cumplir los treinta años. Por último, Anfaegtelsees un canto afónico al amor en su versión más cruda, con su luz y sus tinieblas, al amor ya imposible que siente hacia David, un niño de diez años, mientras ajusta cuentas con la figura de la madre y del padre.«Anfaegtelse», que podría traducirse por «angustia«, «horror» o «inquietud» se repite como un mantra a lo largo de la obra. «Cuando amamos entramos en guerra, es decir, entramos en “Anfaegtelse”, y cada uno de nosotros será grande dependiendo de aquel con quien batalló», como dice Kierkegaard en Temor y temblor. «Escritora inalcanzable, nombre de referencia» Escritora, directora teatral y actriz, la trayectoria de Angélica Liddell traza, desde principio de los años noventa, una curva de crecimiento sin parangón en la escena española. Sus obras oscilan entre el expresionismo desgarrador, la crítica social, la pureza y la búsqueda del significado a través del dolor y la subversión. Como escritora, directora y actriz ha estrenado una veintena de creaciones, entre las que destacan El matrimonio Palavrakis (2001), Y cómo no se pudrió Blancanieves (2005), Perro muerto en tintorería: los fuertes (2007) y Maldito sea el hombre que confía en el hombre (2011). Ha obtenido numerosos premios, como el Premio de Dramaturgia Innovadora Casa de América por La pasión anotada de Nubila Wahlheim, el Ojo Crítico Segundo Milenio a toda su trayectoria y el Valle Inclán por El año de Ricardo. Sus textos han sido traducidos al inglés, francés, rumano, ruso y portugués. Con La casa de la fuerza, Te haré invencible con mi derrota y Anfaegtelse, la decidida voluntad de Angélica Liddell de traspasar las fronteras de la ficción, le ha permitido acercarse a la realidad física y social del lector y del espectador. La crítica ha dicho de su teatro que es «vanguardista y político, lleno de sentido, absolutamente necesario». Para Luis María Anson, estamos ante una «escritora inalcanzable, [que] es hoy el nombre de referencia del teatro español». El volumen se cierra con un breve y sugerente ensayo de Óscar Cornago, titular de Lengua y Literatura del CSIC, y especialista en la obra de Angélica Liddell. Cornago es autor, entre otros libros, de Ética del cuerpo y Políticas de la palabra (editados en Fundamentos) sobre destacados creadores escénicos españoles de las últimas décadas. El diseño del libro incluye en su cubierta una ilustración realizada ex profeso por el pintor catalán Ramon Sanmiquel.
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William Shakespeare es en muchos aspectos uno de los autores más fértiles de la literatura universal. Su obra ha dado una innumerable cantidad de reflexiones, aforismos, pensamientos de gran belleza y versos de enorme fuerza poética. Ángel-Luis Pujante, traductor y estudioso de la obra de Shakespeare, ofrece aquí una valiosa selección de sus citas más importantes procurando reflejar la impresionante variedad de registros que exhibe la obra del bardo inglés. «Nadie ha conseguido aún ser postshakespeareano.» Harold Bloom «En realidad, es Shakespeare quien nos ofrece un mapa de la mente. Es Shakespeare quien inventa la psicología freudiana. Freud encuentra la forma de traducirlo a un supuesto vocabulario analítico.» Harold Bloom
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Después de disfrutar de una vida de lujos como funcionario en la corte del emperador Xizong, el poeta chino Si Kongtu se retiró a las faldas del monte Hua para escribir Las veinticuatro categorías de la poesía. Considerada una obra fundamental en la estética literaria china, busca capturar, a través de la contemplación de la naturaleza, el Tao, el principio que rige el orden del universo. Tres siglos más tarde, en Francia, el monje Bernardo de Claraval se propuso convertir los monasterios cistercienses que había fundado en una casa sublime para quienes, tras experimentar las inclemencias del mundo, decidieran retirarse de él. El Paraíso claustral de Carlos Aganzo nace de una inmensa admiración por estos dos pensadores y de una reflexión propia sobre su (nuestra) presencia en el mundo. Un hilo de pensamiento del que el autor tira poco a poco en busca de sus propios aprendizajes, y que nos deja máximas luminosas y esperanzadoras de nuestra relación con el mundo que habitamos y, a la vez, nos habita.
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«El título de este libro nace de la necesidad (no del verbo necesitar desesperadamente, como muchas veces se utiliza y además con dependencia, sino del verbo ''quiero hacerlo con todas mis fuerzas y noto que se me va a salir del alma si no lo hago'') de decir ''Te quiero'', pero tener el sentimiento de hacerlo muy pronto.Apenas llevábamos viéndonos dos semanas y sentí que todavía era precipitado decirle aquellas 8 letras.Entonces recordé las palabras tan conocidas de Víctor Küppers: ''Planta que no riegas, planta que palmas''. - Tengo que decirte algo -le dije, de repente-. Te riego.Porque las plantas, como las relaciones humanas, necesitan cariño y tiempo, dedicación.Y eso es lo que deseaba de una relación. Una persona a la que regar y que me regase, con la que crecer a diario, con la que formar un equipo.»''Te riego'' habla de la superación, del amor propio, de la ansiedad, del dolor y del miedo.''Este libro ha sido mi oscuridad, mi reapertura de heridas, mi infierno y mi desespero. Mi kriptonita y mi talón de Aquiles. Pero, sobre todo, mi salvación'', afirma la autora.
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Ser una mujer y desear a otra que no está pero se niega a irse: se aparece en los objetos y en las sábanas, en el musgo y el moho, en la naturaleza que crece entre las grietas cuando una estructura se rompe. Ser adolescente y temblar con una fiebre incomunicable, aferrarse a visiones voyeuristas e incompletas de la vida que una espera. Mirar entonces a la Historia y ver con nitidez, desde una experiencia propia que se ha construído entre vacíos y reconoce su llenura allí donde los ve. Dos chicas al borde de la cama crece desde esas grietas. La voz de Victoria Mallorga aparece en la ausencia: de la amante, la representación lésbica, el lenguaje. Mujer ordinariamente disidente que no cabe en la norma, ni en el coming of age, ni en los inventarios de una ''feminidad estándar'', busca y encuentra en cada poema un andamio, algo a lo que aferrarse que está hecho de palabras, una manera más de no precipitarse al vacío. NOAH BENALAL
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Ted Kooser viu en un poblet de Nebraska. No gaire lluny, en un altre poblet anomenat Dwight, hi té un estudi on passa hores llegint, escrivint i pintant. La decoració de l’espai remet de manera inconfusible al seu univers poètic: joguines antigues, estris vells, fotografies en blanc i negre. En un dels vidres de la façana de l’entrada hi un rètol que diu Poetry Made and Repaired: es fa i es repara poesia. El toc irònic és remarcable, però també la voluntat d’afirmar-se com a poeta artesà. Kooser, que fa servir el vers lliure i dona al lector peces d’aire aparentment diàfan, explica que fa i refà els seus poemes, fins a quaranta vegades, abans de donar-los per definitius. No és un poeta que cerqui el to extàtic, ni gaires jocs intel·lectuals. Tanmateix, quan fa el cim els seus versos són una expressió feliç de la meravella davant la bellesa del món, una melancòlica constatació del pas devastador del temps o el calfred que sentim quan veiem passar l’ombra de la mort, i el sentit o l’ombra de sentit que batega en tot plegat. Poesia de les coses petites i poesia de les grans qüestions.
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Figura fascinante tanto por la singularidad de su vida y su personalidad como por la magia de su lenguaje y sus imágenes, Arthur Rimbaud (1854-1891) es uno de los fundadores indiscutibles de la literatura moderna. Esta edición de su Poesía ofrece en versión bilingüe el cuerpo principal de la producción lírica del poeta de las Ardenas, aquella que escribió entre 1869 y 1871, antes de trasladarse definitivamente a París y de iniciar su turbulenta relación con Verlaine. Complementario del que, en esta misma colección, reúne su más significativa obra en prosa -«Una temporada en el infierno. Iluminaciones»-, el presente volumen recoge los primeros poemas, los correspondientes a la «etapa de la Videncia» y, finalmente, bajo el epígrafe «Poética», las importantes cartas dirigidas a Georges Izambard y Paul Demeny en mayo de 1871, conocidas como «Cartas del Vidente», en las que Rimbaud expuso de manera rotunda y vehemente su concepción e ideas acerca de la poesía. Traducción de Carlos Barbáchano
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