Encara no hi ha cap producte a la teva cistella
Llibres de Teatre, Poesia i Relats
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Si El alcalde de Zalamea se ha mantenido a lo largo de los siglos como la más popular comedia calderoniana, es, sin duda, porque su protagonista, Pedro Crespo, encarna de modo formidable el sentimiento del honor como síntesis de la dignidad humana. Pero no bastaría ese único mérito para garantizar la universalidad de una obra que incide en un tema tópico, a fuerza de verosímil, en el Siglo de Oro español. Es el arte el que salva la comedia y la hace cada vez más viva. El rigor de los conceptos, polarizados entre Razón y Naturaleza, se encarna en una estructura dramática de gran claridad y enorme riqueza simbólica.
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En este libro se anota la vida: la que se recuerda y se ha perdido, la que nos ha forjado en sangre y en tierra, la que aguarda en la observación del día a día. María Sánchez ha afrontado en ''Cuaderno de campo'' una reflexión sobre la familia, y cómo nos construye, y sobre el cuerpo, y cómo nos acuna o nos aísla -según el lugar al que queramos dirigirnos-, y sobre nuestra propia posición con respecto a nuestros orígenes. Estos poemas transcurren en casas antiguas, durante ceremonias heredadas, entre animales que también nacen, crecen, se reproducen, mueren. Una obra sabia, delicada y a la vez en guardia, dispuesta a protegerse y atacarnos.
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Javier Ruiz Taboada nació en Toledo en 1962. Es locutor de radio y escritor. Profesor universitario en masters de radio. En la actualidad, trabaja en el programa Radioestadio de Onda Cero. Ha publicado cuatro libros de poesía con la editorial Renacimiento: Ropa interior (2009), Tierra mojada (2012), Contra viento y maneras (2014) y Entre tu espalda y mi pared (2016). También es escritor de literatura infantil, con siete títulos, como El niño y la caracola (2012) o Versos del tiempo (2012). Además de la escritura, sus vicios confesables son la pintura y la fotografía, que ha mostrado en varias exposiciones. Muy activo en las redes sociales, destacan sus perfiles en Twitter e Instagram: @ruiztaboada. Muchas de las ocurrencias, greguerías y citas a ciegas que aparecen en este libro quedaron atrapadas en las redes sociales, entre los años 2009 y 2017. Como advierte el autor en la nota introductoria: «Mi deseo es compartir con el lector ese universo de frases bien o malsonantes que, a diario, atraviesan mi cabeza como una bala de fogueo y que mi editorial me ha concedido el deseo de poder recopilar».
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ROSARIO CASTELLANOS (Ciudad de México, 1925 - Tel Aviv, 1974), una de las voces imprescindibles de la poesía en lengua española del siglo XX. Durante su infancia vivió en Chiapas. Cursó estudios de letras en la UNAM y estética y estilística en Madrid. Trabajó en el Instituto Indigenista Nacional apoyando las condiciones de vida de los indígenas y de las mujeres de México. Profesora en la UNAM, Wisconsin, Colorado e Indiana. En 1971 fue nombrada embajadora en Israel, donde falleció. “Una y otra vez la poesía de Rosario Castellanos nos recordó que la vida no es eterna y el sufrimiento no es molestia accidental sino la condición misma de la vida. Pero lo hizo en un lenguaje de tanta fluidez y luminosidad que la impresión final no corresponde a la pesadumbre sino al goce ante el trabajo artístico bien realizado.” JOSÉ EMILIO PACHECO
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Recoge poemas escritos desde la escucha de quien oye voces tras la puerta, y sabe que no la puede abrir: límite que invita a un silencio desnudo, a la contención que potencia este modo de decir la crisis del mundo desde una crisis del lenguaje donde cada flor ha dejado de ser flor, la estrella, estrella, la luz, luz que ahora resbala en cada poema reinventándose y recogiéndose hasta expresarse -ya pulida- en un tono nuevo que roza lo devocional. Un momento y un tiempo compartidos, donde Méndez Rubio se ha puesto a observar, con necesario dolor, y desde un espacio imposible, el mundo de los otros. Se expresa así una comunión, en su sentido más profano: hemos sido abandonados, y sólo la renovación de la flor/voz, sólo el despojo, pueden acercarnos una renovada esperanza.
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Recordo tots els individus que somio. Són com tu, no em miren mai i no puc saber si ploren. Els dies s'assemblen a coses que deies i és de nit en tot el que no oblido. Laia M. Llobera (Coma-ruga, 1997) és graduada en Teoria de la Literatura i Literatura Comparada per la Universitat de Barcelona. Actualment viu a Nova York, on estudia un màster en Art Contemporani. Va publicar L'Arquitecte (Edicions de 1984), després de guanyar el Premi de Poesia Ventura Ametller 2019. Ha inclòs poemes a les antologies Poesia Bloom (AdiA Edicions, 2018) i Liberoamericanas: 140 poetas contemporáneas (Liberoamérica, 2019) i als volums I i II de la revista antipoètica Poetry Spam. És fundadora del projecte de cooperació Un Llapis per Ghana.
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L'estret camí de l'interior, el darrer diari de viatge de Matsuo Bashô (1654-1694), és considerat un dels cims de la literatura japonesa clàssica. Passatges en prosa com els referits a Matsushima, Hiraizumi o Kisakata, o el que serveix per introduir l'obra són presents a totes les antologies, i els nombrosos haikus inserits al llarg del text exemplifiquen perfectament per què l'autor és considerat el primer dels quatre grans mestres d'aquesta forma. Fruit, a pesar de la brevetat, de quatre o cinc anys de treball, el diari narra cinquanta-tres dies d'un viatge que portà Bashô a les províncies septentrionals del Japó durant l'estiu i la tardor de 1689, amb l'objectiu de visitar els indrets famosos que els autors del passat, principalment monjos itinerants com Saigyô, havien cantat a la seva poesia. Així, el viatge esdevé un recorregut de forta càrrega espiritual en què Bashô, seguint la seva màxima de no imitar els clàssics sinó buscar el mateix que van buscar ells, dialoga amb els poetes que l'havien precedit. Per bé que escrit en prosa, el text està estructurat a la manera d'un poema encadenat, la forma de poesia col·lectiva de què Matsuo Bashô fou el mestre indiscutible a la seva època, i la continuïtat del viatge s'enriqueix amb una gran varietat de temes i escenes i una multiplicitat de mirades que l'autor recull de la tradició i projecta, entrelligades amb la seva pròpia, sobre els paisatges que contempla. Matsuo Bashô (1654-1694) és un dels poetes més importants de la tradició japonesa, i sens dubte el més ben conegut fora del seu país. Nascut en una modesta família de samurais de la ciutat d'Ueno, gràcies als seus dots poètics entrà de ben jove al servei dels senyors locals i es formà en el conreu del haikai renga o poema encadenat, una modalitat de poesia col·lectiva de la qual arribaria a ser el mestre indiscutible de la seva època. Tot i la proximitat dels cercles poètics de Kioto i Osaka, més actius, als vint-i-vuit anys es traslladà a la ciutat d'Edo, on es va anar forjant un estil poètic propi a partir de lectures de clàssics xinesos i japonesos, l'estudi del budisme zen i l'assimilació de les tendències més innovadores en el conreu del haikai i de l'haiku, que n'és l'estrofa inicial. L'any 1677 va fundar la seva pròpia escola poètica, que privilegiava les composicions austeres, basades en l'atenció als sentits i el to meditatiu, i el 1680 va prendre el pseudònim de Bashô, el nom de l'arbre que creixia al jardí de casa seva i que representa la sensibilitat del poeta.
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Una bella història és el llibre amb què Bauçà es va donar a conèixer en obtenir el premi Joan Salvat-Papasseit de 1961. Reproduïm les dues versions que en va donar el mateix autor: la redacció original del 1962 (vint-i-quatre poemes) i la del 1985 (vint-i-un poemes).
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Edith Södergran pasó casi toda su vida en un pueblecito llamado Ráivola —residencia de verano de la intelligentsia de San Petersburgo— situado en la frontera con Finlandia. Allí se perdió en ensoñaciones de crepúsculos violeta, flores de otoño y jardines melancólicos, mientras se consagraba a la mudez, al vacío y a un dios íntimo:«Seré durante mi vida entera una mujer silenciosa».También allí enfermó de tuberculosis y compuso poemas intimistas y románticos, de fuertes reflejos simbolistas y nietzscheanos, que después de su muerte pasarían a ser leídos con el oculto fervor que Borges reservaba a la lectura de los clásicos.
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El poema observa i diu, toca de peus a terra, recull i es deixa interpel·lar per l'entorn. La seva funció és interioritzar el que es veu perquè faci pòsit a través de les paraules i abasti el que hi ha de profund en els marges de l'enllà, de l'extraradi del jo que compartim tots. El poema vol esbrossar el que hi ha d'ocult rere el que és evident, rere el brogit que amaga les coses essencials. I humilment les aplega, les endreça i les mostra per dibuixar-nos el món i el que som dins seu. El poema vol esbrossar evidències banals, retalls de món, amb les paraules, per apaivagar neguits, encendre somnis, cridar desitjos, burxar consciències, compartir gestos, pensar i repensar tot el que ens envolta i deixar-nos preguntes en l'aire, pendents, per mantenir-nos vius. Així, les paraules pouen instants, acompanyen soledats, fan reconèixer paisatges i ressusciten els mons que viuen rere les aparences. Perquè més enllà de les imatges ens reconeguem amb els dubtes, els temors, els somnis, els retrets, els silencis i la música que ens fan com som. Per això cal reivindicar l'idioma i el poema, eina de reflexió. I els poetes, que amb paraules fabriquen miralls de l'ànima.
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Labutxaca reuneix en un sol volum l'Obra Completa del poeta Joan Margarit.Poques setmanes abans de morir, Joan Margarit va deixar enllestits els poemes que componen Animal de bosc, l'obra a la qual va dedicar les energies de l'últim tram de la seva vida, aprofitant la mirada nítida que atribuïa a una senectut viscuda sense trampes. Margarit, que havia conclòs un any abans la seva «antologia personal», publicada amb el títol Sense el dolor no hauríem estimat, considerava Animal de bosc «el millor dels meus llibres». En aquest últim volum, que inclou Animal de bosc, reunim l'obra completa de Joan Margarit des de 1975 fins al 2021. La duresa i, al mateix temps, la tendresa del refugi contra la intempèrie que és la seva extensa i reconeguda obra, el situen entre els poetes més valorats per la crítica i els lectors.
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Este poemario pertenece a dos tradiciones de la poesía estadounidense. La primera es la que indaga en el paisaje, esa que proyecta en los grandes espacios del país un sentido de vida. Hay otra más secreta, pero igual de importante: el palimpsesto, la búsqueda de una voz propia en el texto encontrado, entre los materiales comunes. Lydia Davis y Eliot Weinberger componen sus poemas-ensayo a partir de recortes y fragmentos de textos publicados en el siglo XIX.
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Si el mundo tal como lo conocemos se termina, celebrémoslo. Desde la escritura, y desde el sexo, y desde la insurgencia: la fiesta personal y política de Gabriela Wiener.«Pincho la música fuerte en la sobremesa. / Bailo antes del postre. / Me tomo la cerveza antes de que se caliente. / Me salto los preámbulos del amor. / Pero no me doy prisa.» El momento justo, que llegue cuando llegue: Gabriela Wiener sube el volumen y dispone cada elemento en su lugar, no siempre el que se espera, nunca el que conviene.Una pequeña fiesta llamada Eternidad habla de un mundo que se acaba, pero no todavía: del pasado que nos encauza hacia el futuro, de la noche con su día y de la revolución. En estos poemas se baila como bailan los cuerpos al sonar el amor y el deseo, las utopías y las decepciones, la rabia y la esperanza, también las ficciones que «nos ayudan a soportar la vida» frente a la misma vida que no sabemos si decir o no. De fondo se oyen los versos de Sylvia Plath, de Anne Sexton, acaso el golpe beat, tan altos y salvajes los de Carmen Ollé.En esta celebración inagotable se ama y se promete todo, incluso la salvación. Desde la escritura, y desde el sexo, y desde la insurgencia: en Una pequeña fiesta llamada Eternidad hay fuego y purpurina. La primera persona se conjuga singular y se comprende plural, colectiva. Un libro en el que Gabriela Wiener se asoma hacia la eternidad que sigue a la derrota, y nos lo cuenta aún más personal, aún más político.
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El 27. La generación del 27. Los poetas del 27. Cualquier lector sabe de qué poetas estamos hablando: Guillén, Lorca, Dámaso, Aleixandre... Pero ¿no hay algo artificioso en que entre la nómina de poetas que vivieron las mismas circunstancias históricas no se contemple ninguna de las poetas que entretanto se han ganado el reconocimiento como las Sinsombrero? Presentamos, en un solo libro, un nuevo 27 que, enriquecido por las savias antes despreciadas de las Sinsombrero, y articulado en torno a los tres grandes poetas de la época (Lorca, Aleixandre, Cernuda), incluye a un predecesor tan admirado como Juan Ramón Jiménez y a su discípulo más talentoso, Miguel Hernández. Un 27 vibrante, entusiasta, seductor, desafiante y vital. Un 27 como nunca se había leído antes.
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Publicada por primera vez hace ocho años y completamente agotada, ''Hola, mi amor, yo soy tu lobo… y otros poemas de romanticismo feroz'', recoge los poemas de romanticismo feroz de Luis Alberto de Cuenca, incluida la canción ''Caperucita feroz'' que escribió para Javier Gurruchaga y la Orquesta Mondragón, cuyos dos primeros versos dan título al libro. Se trata de un romanticismo real y urbano que se sustenta en lo físico y, por lo tanto, suele ser más sincero y reconocible. En algunos poemas el aullido lobuno aún es de cachorro, en otros es ya el macho alfa de la manada quien se expresa. Miguel Ángel Martín, coautor de la selección, se ha encargado de ilustrarlos expresamente para esta edición, con un trazo de «línea clara» muy próximo al estilo poético de Luis Alberto. Ambos comparten similar mirada pop, mordaz e irónica, para enfrentarse al mundo. Este segunda edición ha sido actualizada con los últimos poemarios publicados por el autor.
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En esta magnífica correspondencia, traducida por Juan de Sola, se cuenta la historia de una amistad, traza dos retratos y revela undrama. Por méritos propios, ocupa un lugar destacado entre las amistades más célebres del primer tercio del siglo XX. Pero
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Un libro de prosa poética que se detiene ante lo extraño, lo singular, lo que se sale de su contexto. «La libertad del no, del sí, tajantes, modulables, con enmienda. De cerrar un libro, de entregar lo que somos, cuanto somos, en el acto sublime de aceptar la necesidad de otro. Y anteponerlo a nosotros. Libre-mente. La entrega libérrima y plena. La maravilla. La locura espesa para quienes nos medican con sus recetas de interés mezquino. La libertad de no admitir el miserabilismo ni la queja constante, alzarse por encima de ambos con pies descalzos y humildad de comuna, pero desde la fuerza de ese discurrir del ser que se atiende en lo primario y en lo alto. Con la vida te respondo».
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Este poemario es una autorreflexión y una toma de conciencia casi diaria de lo vivido en la pandemia y pospandemia, donde cada amanecer era un no saber cuántos muertos o contagiados iban a reflejar ese día las estadísticas y donde la información no tenía garantías.Es una invitación comunitaria a la autorreflexión en un momento terrorífico de aislamiento mundialmente vivido: la comunicación se hacía a través de las pantallas, el mundo paró y los balcones eran el lugar donde manifestarse y/o aplaudir a los cuidadores de las trincheras sanitarias.Solo las camelias fueron libres en los balcones representa simbólicamente el contacto con la naturaleza en las ciudades donde los balcones, las terrazas, las macetas y los animales nos abrían una posibilidad de libertad. Comprobar como el sol ilumina las flores y el aire era una salida del aislamiento, en un momento en el que las pérdidas no pudieron ser acompañadas y los paseos sin destino eran búsquedas de libertad.Nuevamente, la autora nos presenta una salida luminosa después de atravesar la oscuridad. La conciencia se vuelve compañera, la esperanza, guía, y el amor, la única curación del ser humano incluso en momentos de guerra.
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El estreno de canción de cuna «fue para sus autores la aventura más emocionante de su carrera de dramaturgos», recordaba María Lejárraga en sus memorias. Idéntica emoción embargó al público que asistió a aquel estreno el 21 de febrero de 1911 en el madrileño teatro Lara y a los millones de espectadores que, durante décadas, la aplaudieron en los escenarios de todo el mundo, convirtiéndola en una de las comedias españolas más representadas del siglo XX. Tras los triunfos resonantes en el Civic Repertory Theatre de Broadway (Nueva York) y en el Studio des Champs-Élysées (París), fue presentada en 1936 en la Comédie Française como una de las escasas obras extranjeras contemporáneas que figuraban en su selecto repertorio. Mereció también cinco adaptaciones cinematográficas entre 1933 y 1993, y varias versiones televisivas. Hoy permanece alejada de los teatros, pero no ha perdido su encanto ni su fuerza de atracción. Una lectura moderna de la obra nos descubre nuevos valores en una comedia que sigue cautivándonos por su poesía, por el perfecto engranaje de sus escenas, por su belleza formal y por la sutil representación de un mundo complejo más allá de su apariencia sencilla, amable y optimista. «Canción de cuna fue un oasis. Allí, debajo de la fábula, había algo superior a la fábula misma». Emilia Pardo Bazán La obra maestra de María Lejárraga y Gregorio Martínez Sierra. María de la O Lejárraga García (San Millán de la Cogolla, La Rioja, 1874-Buenos Aires, 1974) y Gregorio Martínez Sierra (Madrid, 1881-1947) compartieron su producción literaria con la única firma del marido, incluso desde antes de casarse en 1900. Tras la muerte de Gregorio en 1947, ella adoptó el nombre literario de María Martínez Sierra, que ocasionalmente había utilizado anteriormente. Fueron dos protagonistas esenciales de la historia del Modernismo en España, creadores de revistas literarias (Helios, Renacimiento), novelas (La humilde verdad, Tú eres la paz, El amor catedrático), teatro (Teatro de ensueño, Canción de cuna, El reino de Dios, Triángulo), libretos de zarzuela (Las golondrinas), ópera (Margot, Jardín de Oriente) y ballet (El amor brujo, El sombrero de tres picos), y ensayos, con especial dedicación a la difusión del feminismo (Cartas a las mujeres de España, Feminismo, feminidad, Nuevas cartas a las mujeres). Gregorio Martínez Sierra fue, además, un destacado editor, empresario teatral de éxito y uno de los mejores directores de escena de su época, además de pionero de la industria cinematográfica en Hollywood. María Lejárraga, que comenzó su carrera siendo maestra, desarrolló una importantísima labor como traductora y, al margen de su prolífica dedicación a la literatura, fue feminista militante, fundadora de asociaciones de mujeres (Lyceum Club, Unión de las Mujeres de España, Asociación Femenina de Educación Cívica), diputada a Cortes durante la Segunda República y una de las plumas imprescindibles de la literatura del exilio de 1939. Juan Aguilera Sastre e Isabel Lizarraga Vizcarra son investigadores y estudiosos de la literatura española de la Edad de Plata. Han publicado conjuntamente varios trabajos, entre los que destacan De Madrid a Ginebra. El feminismo español y el VIII Congreso de la Alianza Internacional para el Sufragio de la Mujer (2010) y tres volúmenes sobre la labor periodística de Clara Campoamor: La forja de una feminista (2019), Del Foro al Parlamento (2021) y Clara Campoamor de viva voz (2021). Han dedicado numerosos estudios a la vida y obra de María Lejárraga, desde la pedagogía y la dramaturgia hasta el feminismo, la política o el exilio. Han editado los volúmenes Homenaje del Ateneo Riojano a María de la O Lejárraga (1995), María Martínez Sierra y la República: Ilusión y compromiso (2002), María Lejárraga, pedagoga: Cuentos breves y otros textos (2004), Ante la República: Conferencias y entrevistas (1931-1932) (2006), María Martínez Sierra: Feminismo y música (2008), Cómo sueñan los hombres a las mujeres (2009) y, en esta misma editorial, Tragedia de la perra vida y otras diversiones. Teatro del exilio [1939-1974] (2009), Viajes de una gota de agua (2018), Una mujer por caminos de España (2019), Epistolario del exilio. Cartas familiares [1939-1969] (2021), Cartas a las mujeres de España (2022), Gregorio y yo (2023) y Feminismo, feminidad (2023). Como novelista, Isabel Lizarraga ha convertido a la feminista riojana en protagonista de sus novelas Luz ajena (2020) y Cándida (2022).
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Enrique Jardiel Poncela es un personaje sorprendente por sus claroscuros, su ingente producción literaria, su renovador sentido del humor y los grandes éxitos y fracasos que cosechó, tanto en vida como después de su muerte. Ya lo resume su epitafio, no sin ciertas dosis de reproche y de humor negro: ''Si buscáis los mayores elogios, moríos''. ''Eloísa está debajo de un almendro'' está considerada como una de sus mejores obras. Sus hilarantes situaciones y sus personajes trastornados crean un divertido retrato de lo absurdo que trasciende las barreras del tiempo, convirtiéndola en todo un clásico del teatro de humor.
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Esta antología poética es una celebración de la vida y de la naturaleza. Escrita con un estilo sencillo y cargada de un sentido espiritual cercano al Zen.En las diecisiete sílabas de un haiku el poeta versado es capaz de capturar el mágico destello de un instante, recrear el encanto evocador de un paisaje con apenas unos trazos y condensar la abrumadora sensación de impermanencia que en ocasiones impregna el corazón humano. Fidel Sendagorta se adentra en las sendas del haiku con la sencilla humildad que solo poseen los verdaderos maestros y nos ofrece un poemario que se articula en un diálogo sincero y profundo con la naturaleza, el paso del tiempo y la apreciación de la belleza. De estilo sencillo, natural, sutil y austero, el haiku se aleja de conceptos abstractos para centrarse en los detalles de lo sensible, dejando a un lado el ego del poeta para dar paso a la contemplación pura conocida como aware.
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Luis Alberto de Cuenca (Madrid, 1950) es Doctor en Filología Clásica desde 1976 y académico numerario de la Real Academia de la Historia desde 2010. Ha obtenido, entre otros premios, el de la Crítica por La caja de plata (1985), el Nacional de Poesía por Cuaderno de vacaciones (2014) y el Premio «Federico García Lorca» (2021) por la totalidad de su obra poética. Ha publicado en esta misma editorial Por fuertes y fronteras (1996), Sin miedo ni esperanza (2002), La vida en llamas (2006), El reino blanco (2010), seis ediciones de Los mundos y los días, recopilación de su poesía (1998, 1999, 2007, 2012, 2019 y 2021), Cuaderno de vacaciones, Bloc de otoño (2018) y Después del paraíso (2021). El secreto del Mago reúne treinta y cinco poemas escritos, en su gran mayoría, entre 2021 y 2022 y repartidos en cinco epígrafes: «Cuaderno de bitácora», «Oficio de difuntos», «Aristónico y otras antigüedades», «Por soleares» y «Creo en ti». Partiendo de un homenaje al ilusionismo que se refleja en el título del libro, los temas abordados en sus páginas fluctúan entre lo elegíaco y lo amoroso.
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Stockholm és la història de tres personatges a la recerca del sentit d’una existència pertorbada abans de temps. Sven, Liv i Aud representen en si mateixos la causa i la conseqüència d’una síndrome que els donarà la possibilitat de redempció que la vida els ha negat. Ells necessiten un context d’eixes característiques per parlar de les seues pors, intimitats i somnis, sense negar la seua pròpia tragèdia i Stockholm és una ciutat generosa, representant del civisme més inquietant i capaç d’amagar tota la merda existent sota terra, per fer-la invisible. Estem davant d’una faula sinistra de com l’ésser humà pot esdevindre predador i víctima per tal de sobreviure a un món no apte per a fragilitats.
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Salitre es un libro ligero y ágil, de poemas de costuras extremadamente suaves jugados hacia la extrema claridad, tras el esfuerzo formal y vital que fue escribir Hacía un ruido. Frases para un film político (Contrabando, 2016) y el ensayo El Momento Analírico (en prensa). Forma parte de un plan de investigación en algunos elementos (metáfora, léxico, melodía, sueños, observaciones, recuerdos) de algo así como una Lírica revisitada en perspectiva.
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Dice el escritor Andrew O’Hagan que «desaparecer significa a menudo sufrir una pérdida de identidad, o una pérdida de lugar, a veces comporta perder una vida». Precisamente, la identidad, el lugar y la vida son los tres vértices que se ponen en peligro en las dos fábulas («de fantasmas», según la autora) que concurren en este libro como dos lados de un mismo ángulo:Primera sangre, premio SGAE de Teatro en 2022, un texto contundente a partir de un caso real –el secuestro y el asesinato de una niña– en el que se conjuga violencia y abuso de poder, la infancia y sus cuerpos. Mientras Harakiri, en palabras de Les Impuxibles, la compañía que ha puesto esta obra en escena, «quiere liberar de tabús y estigmas todo lo que envuelve el suicidio para cederle espacio y escucha», y así abordar «el duelo, a través de la presencia de una madre que se explica a sí misma después de morir».Como dice María Velasco: «Ojalá estas obras consigan rendir culto a los muertos y molestar a los vivos».
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Como otros muchos poetas, Miguel Sánchez Robles se comporta como esos pájaros atraídos por los objetos brillantes. Él los halla al escribir y resultan como esos sobres azules y preciosos en los que pone la palabra: Pista. Esas pistas ayudan a encontrar el sentido y a ver mejor y más hondo lo que de verdad ocurre en La Tierra. Producen un placer intelectual inigualable al que es muy difícil llegar por otros caminos más o menos prohibidos. Sin esas pistas brillantes la existencia sería mucho más pobre y la vida se reduciría a las de esos tristes y pacientes herbívoros a los que se les borran todos los caminos y se les seca por entero el agua de los ojos.
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Cuando era un estudiante de medicina en la Universidad de Edimburgo, Arthur Conan Doyle frecuentó las clases de un profesor extraordinario, el doctor Joseph Bell. Bell no solo era un hombre con un enorme carisma y excelentes dotes comunicativas, sino también un médico dotado de una capacidad de observación infrecuente en su época. Para diagnosticar a sus pacientes se fijaba en detalles que cualquier otro profesional habría considerado irrelevantes -su profesión, su aspecto físico, su vestimenta, la manera de hablar y de moverse, e incluso sus hábitos de alimentación-, y que muchas veces arrojaban pistas valiosas para detectar cuál era el origen de una enfermedad. Conan Doyle se acabó licenciando y ejerciendo como cirujano, pero la impresión que le causó el profesor Bell tuvo un eco años después cuando empezó a darle forma a su criatura más popular, Sherlock Holmes, un detective con una intuición singular, observador, músico, químico, médico... ¿Cómo se creó Sherlock Holmes? Bell fue el punto de partida, pero el desarrollo y evolución del investigador privado fue algo mucho más complejo. En este libro, Michael Sims se convierte en un implacable detective literario para seguir de manera tenaz, y con una escritura amena y adictiva, el proceso de maduración de un personaje inmortal. Sims nos sumerge en la época en que Conan Doyle vivió en un entorno deprimido, rodeado de pobreza y violencia durante sus primeros años como médico en ejercicio, su acercamiento a los métodos de trabajo y las rutinas de la policía, la fascinación por la prensa de masas, el rígido código moral de la época victoriana y la moda de la literatura de folletín, aspectos que moldearon el carácter, el entorno y las condiciones posteriores de éxito de una fórmula de entretenimiento que causó sensación a finales del siglo XIX y que hoy mantiene el mismo vigor y atractivo de entonces.
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PREMI MARIA BENEYTO CIUTAT DE VALÈNCIA Aquesta arena amb què els xiquets basteixen castells, saps dir-me si va ser mai rellotge o meta de naufragi?
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El escritor simbolista Marcel Schwob presta a Luis Alberto de Cuenca el título de este poemario, extraído de «El libro de Monelle», lo que supone un tributo más a la cultura como fuente de placer y diversión, escrito con esa «línea clara» y ese clasicismo irreverente que ya son marcas registradas en la obra de este autor. «El reino blanco» agudiza el estado melancólico que impregna sus últimos libros y vuelve a demostrar su maestría formal para modelar la palabra, en un alarde virtuoso que salta de la prosa poética al haiku, la seguidilla o el verso blanco, con homenajes a autores de cabecera y un romanticismo cotidiano donde no faltan el erotismo y el humor.
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Texto y música pautada de la obra de teatro musical 'Alma' estrenada el 26 de septiembre de 2024 en la Sala Gran del Teatre Nacional de Catalunya. Una obra que habla de los sueños, las vocaciones, la identidad y la libertad.
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les bèsties mudes és un descens salvatge i necessari cap a la pròpia timidesa. Una escletxa oberta al món ocult dels noms discrets, acostumats al joc subtil del camuflatge. On la culpa hi fa ferida i les urpes busquen caus com a recer del temporal. Convocar els cossos silents és el primer pas cap al bàlsam d'una mà estesa a la pell que aprèn a lluir-ne l'estampat. En paraules del jurat, format per Meritxell Cucurella-Jorba, Anna Gas, Francesc Gelonch, Anna Pantinat i Anton Not, les bèsties mudes destaca pel ritme i la sonoritat ben aconseguits, a través d'un treball acurat que combina els peus mètrics clàssics amb d'altres sistemes més lliures que donen moviment al llenguatge. També pel tractament que fa del tema de la identitat, una qüestió molt present a l'actualitat, on els moviments ideològics es plantegen la seva raó de ser a partir d'aquestes arrels col·lectives que fan, de la nostra, una societat plural.
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En este libro fundamental de su bibliografía emerge la figura del ángel como símbolo perfecto de esa aparente contradicción que es en realidad simbiosis: una simbiosis no exenta de dolor y desgarro ?aquí no sólo el alma se hace preguntas, también el cuerpo, no sólo el cuerpo desea, también el alma- que no es otra cosa que la búsqueda de una calma que sea dada tras las imposibles respuestas.
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Tres personatges femenins sorgits del mite, dues dones i una nimfa, Penélope des de l’espera conflictiva, Cassandra des de la incomprensió i Eco en la seva reducció a veu sense voluntat, encarnen, tres dones, tres personatges que són negats i a qui el desig els hi és cancel·lat per uns herois que potser no ho eren tant. Tot comença per tibar una paraula, articular un so i buscar la vibració, l’eco, el matís, el desig i a l’amor que donen vida i conformen l’edifici que som, allò de què estem fets. Així ens arriben aquests veus negades, veus que ens parlen sense estridències, amb aparença de dolçor, de bell llenguatge poètic, sense cap intenció de reivindicar res, només la necessitat de mostrar-se i ser escoltades des d’aquesta senzillesa que sorgeix de l’experiència, la intel·ligència i una sensibilitat singular. Tot comença, tot s’origina, en la terra. A partir d’aquí, la simbiosi, el verb, la intempèrie, les fronteres per on no cal infiltrar-se, on només cal sembrar-se, escampar-se per donar pas a un món comú que esdevé rizomàtic.
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Los pájaros entre los cerezos, la lluvia sobre el zorro, la boca gastada de los árboles, el lomo casi azul de los caballos, los álamos del viejo caserón, la nerviosa canción de los barrancos, la savia que se mueve todavía mezclada en nuestra sangre. Carreteras que brillan en el bosque entrecruza el ámbito rural con el urbano. Recoge las voces estropeadas en la ciudad de alimañas, tractores, espíritus del río, la bojeda, la escarcha, los rebaños, todos los dulces frutos del verano. Un tácito permiso para el vuelo con objeto de alcanzar hasta las últimas farolas pisando las hojas secas de un camino. Este libro, en el que el autor aboga porque «los últimos días sean tus brazos, nuestros brazos, ciervos milenarios», ha obtenido el XXVII Premio de Poesía Ciudad de Salamanca.
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El libro de poemas como cuaderno de viaje, como evocación y descripción de grandes escenarios de la cultura europea, como reunión de los lugares de memoria y del arte, como itinerario que es también una lectura en curso, recorrido que es también búsque
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El nuevo libro de poesía de uno de los autores centrales de la poesía en castellano de ambas orillas del Atlántico.
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