Encara no hi ha cap producte a la teva cistella
Llibres de Teatre, Poesia i Relats
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Esta antología señala los pasos de una travesía que comienza como una aventura hacia lo desconocido y a lo largo de un camino que nos ofrece hallazgos imprevistos. Jorge Urrutia asume como propia la proverbial frase de Sócrates sobre el saber y el no saber. Por eso, desde el asombro y el no saber nos llegan las verdades que a veces duermen en los compartimentos más profundos del ser y que el poeta rescata. El carácter comunicativo de la poesía nos instala en la dialéctica de la pregunta. Desde la perspectiva distanciada, que propone Urrutia, crece nuestra capacidad de comprensión porque el placer estético esta precisamente en el hallazgo, respecto del cual, como lectores, no somos ajenos, ya que descubrimos con el poema aquello que alguna vez sonamos.
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«Tratado de egoísmo+ adentra al lector en esas inflexiones que hacen de la vida una conjunción imposible entre el espejo y la realidad, en esos detalles esenciales que todos percibimos como el eje de nuestro ser y que barajan el destino: el amor, el deseo, la duda, la tristeza, la desolación, la muerte y el sentido último de las cosas.Una mirada introspectiva que emplea a la sociedad como lente para analizar ùcon vehemencia y humanidadù lo que nos conforma.Juanma Ruiz percibe la poesía como una búsqueda de perfección, y en ello se afana con una rima y métrica precisas, con un ritmo sonoro y unos versos cuidados que convierten en música la palabra.
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Aplec de 29 poemes de caire reivindicatiu, d'assemblees, d'ecologisme, defensa de la classe obrera, autogestió, centres socials, educació alternativa, moviments veïnals, associacionisme... i d'amor. ''Aquesta evocació escènica de fets històrics, llegendaris o de qualsevol altre tipus que en Marcel ens presenta com a sutjosa és, realment, un retaule, no podem negar-ho. Ara bé, si eliminàssim les connotacions religioses que ens evoca la paraula i acceptàssim que «tot trontolla» i que és «tot fora de lloc» i em demanassin una sola paraula per a expressar-ne l'atmosfera, ja ho tenc clar: és punk''. Antònia Font.
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Cuando esas, las noches es el poemario con el que Victoria Marín presenta sus cartas en el espacio extenso del quehacer poético. Parece como si hubiere hecho caso a los consejos de Rainer María Rilke y Platón, dos de los grandes maestros para los que el saber de hondura, con registro humano, requiere madurez, haber vivido lo suficiente, experiencia. Ambos fueron conscientes de que el canto poético y la reflexión filosófica solo echan raíces profundas en la madurez de la vida. Este es el espacio apropiado para el poetizar y la reflexión profunda: el poso que deja la vida. Ajenos a la experimentación y al recurso fácil a la metapoesía, los versos de la autora rezuman sencillez y verdad.
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El flujo del tiempo, que es algo casi siempre más constatado que percibido, es el nexo común de los poemas reunidos en este libro, pero no como melancólicos cantos de nostalgia ni recuerdos del pasado, sino desde la emoción simbólica y el sentido de lo maravilloso.Encerrados en estas páginas combaten como dos boxeadores el amor y la muerte, murmuran las piedras de una silenciosa abadía, se pierden los niños en el laberinto de espejos. El fuego vive en la muerte de lo que arde y como cometas también arden, contigo, los poemas.
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'La vida aparte' discurre por los cauces de una poética reflexiva que aúna pensamiento y emoción. La narratividad y la anécdota se han adelgazado en aras del discurso introspectivo y contemplativo. La parte nuclear de sus poemas la configuran tanto los aspectos biográficos como la hondura meditativa que impregna cada uno de sus versos. El libro, de gran riqueza expresiva, ofrece una contenida modulación elegiaca, apoyada en el uso de la elipsis y la tendencia a la concentración y a la tensión del fragmento. Todo ello sostenido sobre la potencia de los aforismos, especialmente en los versos finales, que contribuye a la belleza y contundencia de los poemas.
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El libro de Javier Gutiérrez Lozano nos marca el camino para ir averiguando las respuestas: la infancia y su temor de niño, la juventud unánime que se levanta siempre para contestarle al mundo, la muerte ùesa primera preguntaù y el amor, y las habitaciones que van dejando un recuerdo de paredes húmedas y noches compartidas.
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En este libro, el poeta Arturo Carrera nos brinda traducciones de los más destacados compositores japoneses de haikus, versiones modeladas a través de ejercicios de lectura y de dominio de ese alfabeto misterioso que entreteje sensaciones y ensoñaciones. Ejercicios que, a fuerza de someterse a la pequeñez y el rigor de esta forma poética, derivan en el impulso creador de versos capaces de transmitir los sentidos que algún monje y poeta japonés volcaba con pincel y tinta sobre un lienzo, reflejando esa devoción experimentada hace más de cuatro siglos por la transparencia del mundo y su naturaleza, y que aún hoy nos interpela con la misma potencia.
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CEES NOOTEBOOM (La Haya, 1933) es uno de los más grandes escritores de las letras contemporáneas internacionales, y desde hace años se le considera un serio candidato al premio Nobel de literatura. Es autor de innumerables novelas, relatos de viaje y ensayos sobre el arte. Pero aunque su obra poética sea la menos conocida entre su producción literaria, Nooteboom parece sentirse fundamentalmente un poeta. En su nuevo poemario, Ojo de Monje, vemos a un escritor en la cima de su maestría, un escritor capaz de crear un relato universal y arquetípico por medio de sus fascinaciones personales (islas, conchas, viajes, silencio) y de su pasado. «Uno de los escritores más notables de esta época.» ALBERTO MANGUEL «Nooteboom es un escritor de grandes temas, pero su obra nunca es demasiado pomposa. Esconde reflexiones filosóficas en observaciones cotidianas, de manera que sus ideas —de forma inesperada y espectacular— se aparecen al lector como angelitos escondidos en alacenas abandonadas.» The Washington Post «Los versos de Nooteboom se leen como si descendieras lentamente una colina por un camino rural, con todo el tiempo para absorber dentro de ti el paisaje. Tan perfectamente límpido, tan hipnóticamente descrito.» Trouw «Cees Nooteboom es una voz impresionante y única en el coro de los escritores modernos.» The New York Times
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Mercedes Carrión Masip acierta a reunir en los poemas de 'Asuntos propios' toda una profunda experiencia de vida con gran fuerza emotiva y una encomiable capacidad de síntesis e intensificación temporal. A través de su palabra sencilla y natural, de serena fluencia, importantes momentos de su biografía sentimental, los más hondos y dolorosos, son convocados para su revisión a la luz del corazón maduro. De este modo, piadosa y confiadamente, el tiempo y los afectos colorean los hilos que tejen su intimidad y ayudan a formar el dibujo aquilatado de un ser reconciliado con su historia.
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Siempre reviste emoción el encuentro con la poesía. Pero si se trata del descubrimiento de una voz poética que ha permanecido, como dijera Fray Luis, en un rincón secreto y «lejos del mundanal ruido», se redoblan los latidos del corazón a la espera de que prendan los fogonazos del entendimiento. Los poemas de Rafael Valero Oltra, escritos fundamentalmente para sí mismo y como cauce de exploración de sus sentimientos, están sellados por el dolor del tiempo ido y por la desgarradora ausencia de su esposa. Al amparo del quehacer cotidiano, que es abrigo y refugio ante el gran revés de la vida, surge una poesía de tono intimista, que refleja los estados del alma del poeta. La antología poética de Rafael Valero Oltra (Valencia, 1944 - Madrid, 2009) traza una amplia retrospectiva de su producción, que abarca desde los iniciales poemas de juventud hasta la segunda etapa de fecundidad creativa a partir del fallecimiento de su mujer Elisa. Estamos ante una poesía intimista, ligada a la escritura del yo enamorado, y catalizadora de la memoria, en la que con profundo lirismo se aúnan el sentimiento de la Naturaleza, la mirada gozosa y amorosa sobre el mundo y la expresión poética de los estados interiores del alma humana.
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Nos encontramos ante un grito revelador y pragmático, una salida honesta contra la barbarie que corrompe al hombre y le condena al vacío, a la negación de su propia idiosincrasia y perfección.«El ojo del abismo toma de la mano el arco iris+ nos sitúa frente a una sociedad (la contemporánea) regentada por el egoísmo y la ambición.
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TRAS Las identidades (2012), publicado en esta misma colección, al igual que Libro de poemas (y otros poemas), que recopila su obra escrita entre los años 1978 y 2008, Felipe Benítez Reyes ofrece en este nuevo libro un conjunto de poemas en que despliega una gran variedad de registros tanto temáticos como estilísticos, aunque marcados por el ahondamiento en los enigmas de “la cueva del tesoro sin tesoro que es el tiempo”. Armonizando y modulando las tradiciones del simbolismo, del surrealismo y de la lírica cancioneril, los poemas de Benítez Reyes, desde una voluntad meditativa, indagan en la extrañeza del ser, en las trampas de la conciencia y en los espejismos de la memoria.
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La expresión de Víctor Vázquez es aquí, la de un big bang, y el poema, corto sólo en apariencia, va repercutiendo en el siguiente en una cadena de eslabones cada vez más irresistiblemente necesarios e inevitables, hasta finalizar, en la liberación paradójica del deseante por asunción del deseado y la renovación, siempre incesante, de su codicia.
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Antonio Jiménez Millán (Granada, 1954) es catedrático de Literaturas Románicas en la Universidad de Málaga. Es autor de los ensayos Los poemas de Picasso (1983), La poesía de Rafael Alberti (1984), Vanguardia e ideología (1984), Poesía catalana contemporánea (1993), Entre dos siglos. Estudios de literatura comparada (1995), Poesía gallega contemporánea (1996, en colaboración con Luciano Rodríguez), Madrid fin de siglo. Modernismo, bohemia y paisaje urbano (1998), Promesa y desolación. El compromiso en los escritores de la generación del 27 (2001) y Amor y tiempo. La poesía de Joan Margarit (2005). Ha realizado ediciones críticas de la obra literaria de Pablo Picasso (Poemas y declaraciones, Málaga, Fundación Pablo Ruiz Picasso, 1990), de la novela de Louis Aragon Aniceto o el panorama (Madrid, Cátedra, 1989) y del libro de Luis Cernuda Donde habite el olvido (Madrid/ Málaga, Residencia de Estudiantes/ Centro Cultural de la Generación del 27, 2003). Una selección de sus primeros libros de poemas se encuentra en La mirada infiel Antología 1975-1985 (Granada, Maillot Amarillo, 1987, a ed. ampliada, 2000). Con Ventanas sobre el bosque (Madrid, Visor, 1987) obtuvo el premio internacional de poesía «Rey Juan Carlos 1». Posteriormente ha publicado Casa invadida (Madrid, Hiperión, 1995) y ha obtenido el premio internacional de poesía «Ciudad de Melilla» (2002) con el libro Inventario del desorden (Madrid, Visor, 2003).
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Se suele decir que ''Chile es país de poetas'' por la gran altura que tiene la creación poética chilena que ha estado siempre a la vanguardia en lengua castellana. Esta antología permite una visión panorámica de conjunto de su evolución durante el siglo XX.
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ANTOLOGÍA INVISIBLE reúne muchas voces en una sola voz. Y una sola voz que se abre, como la luz del espectro solar, en todas las posibilidades, en todos los colores, visibles e invisibles, para el goce y la reflexión. Antología invisible reúne textos desconocidos de autores reales, vivos o muertos, textos reales de autores desconocidos, imaginarios, posibles o imposibles, textos que construyen una poética polifónica, heterodoxa, múltiple, cuyo punto focal es el uruguayo Rafael Courtoisie, un reconocido autor iberoamericano con voz propia que despliega un mundo de voces entre la intertextualidad y la invención que es, como hubiera dicho Octavio Paz, “homenaje y profanación”, deconstrucción y nacimiento. A los premios Loewe, Casa de América, Blas de Otero (España), al Plural y al Jaime Sabines (México), al Premio Internacional José Lezama Lima (Cuba), a los Premios Nacionales y de la Crítica (Uruguay), entre muchos otros reconocimientos otorgados a Courtoisie, se suma ahora esta distinción en el Premio Gil de Biedma. Antología invisible es, más que un libro de poesía, un proyecto cultural que emplea, entre otros procedimientos, tal vez lo contrario de un ejercicio de “heteronimia”: una práctica de asimilación y suma dialéctica de las voces de la tradición para crear desde la tormenta y el salto, desde la ruptura con esa tradición.
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ROBERTO FERNÁNDEZ RETAMAR (La Habana, 1930) es una de las voces indispensables en el proceso de la poesía hispanoamericana contemporánea. Asociado en sus inicios al grupo literario Orígenes, Retamar se incorpora en los años sesenta a la intensa corriente del coloquialismo —junto a poetas como Ernesto Cardenal y Juan Gelman—, y en términos de Ángel Rama, “alambica esta poesía del hoy dentro de una centenaria cultura poética elaborando un producto de incesante riesgo”. Su trayectoria ha sido reconocida muy tempranamente por autores como José Lezama Lima, Cintio Vitier, Fina García Marruz, Alejo Carpentier, Mario Benedetti o José Emilio Pacheco, y la excelencia y proyección de su obra le han dado ya la condición de los clásicos. Desde el verso cincelado con maestría de sus primeras entregas hasta la “prosa rota” de sus últimos poemas, son signos de su escritura el fervor humanista y el compromiso con su tiempo, la conjunción de cubanidad y universalismo, la transparencia y la musicalidad, el suave humor y la melancolía, la ironía serena y el intimismo trascendente. Como ha escrito Jorge Luis Arcos, la poesía de Retamar “quedará como uno de los testimonios más lúcidos, más conmovedores de nuestra época”.
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La poesía no solo es una composición literaria concebida como expresión artística por medio de la palabra sino que es la esencia más pura y espiritual de lo que podríamos ser o lo que seremos algún día. En un caminar tortuoso y no falto de dudas vamos creando momentos y situaciones desde que nacemos hasta que finalizamos nuestras vidas. Las niñas de la imagen muestran sencillez, inocencia, pureza de un momento que nos transporta a los orígenes de nuestra infancia primigenia, recuerdos de poemas que seremos.
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Guitarra negra pertenece a la colección de poesía Biblioteca del Erizo la cual está dirigida por Delfina Muschietti. Guitarra negra es un puñado de poemas, es su primer y único libro de poesía. Se articula en siete partes sin título y una octava denominada ''escorias diferenciales del alma de la letra poética''. Un Spinetta de juventud, donde se funden la poesía y el problema crucial del ser. Son poemas decididamente surrealistas, de tono onírico.
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JOSÉ LUIS REY (Puente Genil, Córdoba, 1973) es doctor en Literatura Contemporánea por la Universidad de Córdoba. Poeta, traductor y ensayista. Sus poemas han sido antologados en numerosas ocasiones y traducidos a una decena de lenguas, entre ellas al inglés en la Universidad de Harvard. Ha recibido, entre otros, el Premio Loewe. Ha publicado en Visor todos sus poemarios anteriores: La luz y la palabra, La familia nórdica, Volcán vocabulario (La luz y la palabra II), Barroco, Las visiones y La fruta de los mudos. Es autor de varios ensayos. Ha traducido las Poesías completas de Emily Dickinson (editorial Visor) y las Poesías completas vol. I de T. S. Eliot (editorial Visor). La epifanía surge como una celebración de la trascendencia del espíritu gracias al amor y la poesía misma. Este libro expresa la necesidad de elevación espiritual que acucia al hombre, mediante símbolos asistidos por un tono cálido y cercano, todo lo cual hace de esta obra visionaria una investigación en los misterios del Ser. Un libro que confirma el lugar de privilegio que ocupa su autor en la poesía española del siglo XXI.
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POETA, dramaturga y novelista, antes también profesora universitaria en Montreal (UQAM), Louise Dupré (Sherbrooke, Canadá, 1949) es miembro de la Academia de letras del Quebec y de la Sociedad Real de Canadá desde 1999. Es una reconocida autora en Quebec que plasma en más de una veintena de obras, tanto en verso como en prosa, las heridas que inflige la vida. Su escritura de la fragilidad, la vulnerabilidad, el sufrimiento y la esperanza, ha obtenido numerosos galardones, entre los que destacan el premio Ringuet, El premio del Gobernador General, uno de los más importantes concedidos en Canadá junto con el premio internacional Jaime-Sabines /Gatien- Lapointe o el Gran Premio Quebecor del Festival Internacional de la poesía obtenido en dos ocasiones. En 2014, recibe la Orden del Canadá por el conjunto de su obra. “Escribir empieza siempre por una traición” confiesa Louise Dupré en Muy cerca, la de la mano izquierda, continúa, ella que es zurda. Traición sutil, pudorosa, donde se dibuja una poeta de lo íntimo, reflexiva y comprometida con la subjetividad femenina cuyo imaginario esculpe —y renueva— poema a poema. A través de un lenguaje depurado que adopta el ritmo pausado de una respiración suave, los poemas de Louise Dupré se rinden al arte de la lentitud para exponer con voz de mujer la cotidianeidad y sus menudencias. Pero en este día a día, laten soledades y pesares que despejan las noches, despoblándolas de sus sueños, y convierten la escritura de Louise Dupré en una escritura de la herida. Su poesía, profunda e intuitiva en torno al ciclo de la vida, se instala en la durabilidad y nos acerca a las grandes verdades: “Tarde o temprano los humanos /se dejan caer al fondo de un hoyo/ donde sus cabelleras se enredan…”/ en un sólo despojo...
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El ALBOROTO DE LOS PÁJAROS fue el último de sus títulos que John Ashbery (1927-2017) vio publicado en vida. A sus casi noventa años, después de haber escrito otros veintisiete volúmenes de poesía, una novela, tres obras de teatro y varias antologías de ensayos y traducciones del francés, y de haber recibido todos los premios y honores literarios del mundo anglosajón, desde la Medalla Robert Frost hasta el National Book Critics Award for Poetry, pasando por el Pulitzer, el anciano poeta compuso una elegía involuntaria que sintetiza de algún modo su quimérica aspiración a reflejar en la página, en el poema, la experiencia vital sin filtros, tal como la mente la percibe, la entiende o simplemente la experimenta. El poeta dedicó su vida entera a profundizar en la elaboración de «la experiencia de la experiencia», a soñar y olvidar para más adelante recordar y dejar constancia de lo percibido, o de lo meramente intuido. Este libro puede leerse como un análisis sobre nuestra pobre percepción del paso del tiempo, una meditación sobre la fugacidad y la incapacidad para apreciar plenamente el momento presente que ya ha dejado de serlo. Lo mejor que puede hacer el lector, lejos de buscar explicaciones o conclusiones, es zambullirse en El alboroto de los pájaros sin ideas preconcebidas y dejar que las palabras le permitan experimentar el triunfo sensorial de la poética del fracaso de John Ashbery, reencontrándose entre ellas con el poeta plenamente vivo. EDUARDO IRIARTE
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FINLANDESA, nacida en San Petersburgo (1892), y de lengua sueca, Edith Södergran está considerada como la más importante poeta de Escandinavia, y ha sido comparada con Pound o Rilke. De intensa espiritualidad y enorme sensibilidad, la acentuación del problema de Dios la llevó a la resignación y, quizás, a su precoz final. Murió en Carelia en 1923, cuando sólo contaba 31 años. «Que mi literatura es poesía, nadie lo puede negar. Que sea o no sea verso, es otra cuestión. He tratado de someter a un ritmo ciertos poemas refractarios, y he descubierto que sólo poseo el poder de la palabra y la imagen en condiciones de completa libertad, esto es, a expensas del ritmo. Mis poemas son descuidados esbozos a lápiz. En cuanto a su contenido, dejo que mi instinto construya lo que ve mi mente. Mi aplomo se basa en que he descubierto mis dimensiones. Y no tengo porqué hacerme menos de lo que soy.» E. SÖDERGRAN
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Este primer libro de Jesús Díaz Armas muestra a un poeta ya admirablemente maduro que celebra la llamada vibrante y dolorosa del deseo, la infancia súbitamente recobrada en la palabra, la infinita sorpresa del mundo.
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Yanis Patilis (Atenas, 1947) estudió Derecho y Filología Neohelénica en la Universidad de Atenas. Trabajó como filólogo en Educación Media. Ha publicado nueve libros de poemas y dos antologías. Su último libro editado lleva el título de Imágenes de una joven (2016). Estuvo al cuidado de la edición de Poemas (1893-1943) de Ángel Th. Simiriotis, dos tomos (con Elsa Liaropulu, 1995) y ha editado cuatro volúmenes de ensayos críticos. Fue cofundador de la revista To Dendro (1978), coeditor de las revistas Nisos. Musikí ke Píisi (1983-85) y Kritikí ke Kímena (1984-85) y editor de la revista Planodion (1986-2012). En abril de 2010 fundó en la red, para pequeños relatos, Istoríes Bonsai, que codirige con la poetisa y creadora plástica Iró Nikopulu. Sus poemas han sido traducidos al inglés, al francés, al ruso, al holandés, al italiano, al serbocroata, etc. Lo roto es más persistente constituye una antología de toda la poesía de Yanis Patilis que abarca desde 1973 hasta 2016. El poeta, contemporáneo nuestro, ciudadano diario de Atenas, vive la historia de tres mil años de su país como una continuidad de ruinas pedagógicas, entre las que se contienen las viviendas ciudadanas contemporáneas en las que vive. «La situación regular de cada cultura es definitivamente las ruinas», escribe en un ensayo, tomando con claridad la parte de lo «roto» frente al poder que ejerce el totalitarismo racional y la altivez de los que piensan que manipulan su propio destino y el de sus coetáneos, mientras lo único que hacen es provocar la cólera de los dioses y de los hombres. Dignificando el material histórico y mitológico desde Homero hasta las efemérides diarias del presente, Yanis Patilis moviliza, en su poesía, todos los ricos estratos de la lengua griega, desde la antiquísima palabra arcaica hasta la del argot y las jergas greeklish.
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MARÍA ALCANTARILLA (Sevilla, 1983) ha publicado el poemario Ella: invierno (Valparaíso), el volumen de poesía visual El agua de tu sombra (Musa a las 9), La verdad y su doble (Sonámbulos), una antología visual de la poesía española contemporánea y, más recientemente, su primera novela, Un acto solitario (La Isla de Siltolá). Con todo, su horizonte artístico es más amplio y ha trabajado en arte audiovisual, pintura y fotografía. Su obra ha sido expuesta en galerías de arte contemporáneo de Madrid o Lisboa y ha llevado a cabo colaboraciones gráficas con editoriales y medios de comunicación como Le Monde Diplomatique
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ÓSCAR WILDE nació en Dublín en 1854 y murió en París en 1900, ciudad en la que vivió exiliado tras salir de la prisión de Reading tras su escandaloso juicio por sodomía. La Esfinge, la obra más ambiciosa y personal de Oscar Wilde, antes de entrar en prisión, es un poema perfecto. Este joyel simbolista y barroco, con ecos de El cuervo de Poe, Las Flores del Mal de Baudelaire y Las tentaciones de san Antonio de Flaubert supone un revulsivo contra una sociedad anquilosada en sus formas de vida. Completa la entrega una precisa selección de los poemas de Oxford, donde Wilde afianzó sus convicciones y gustos y nació su pasión por el esteticismo de las artes y la belleza.
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La sutura y la piel es una invitación a trascender la superficie de las cosas en busca de un sentido. Propone un paseo y una mirada a escenas donde algo parece estar desmantelándose y reconstruyéndose, destejiéndose e hilándose, tachándose y reescribiéndose. La búsqueda es un trenzado que ata la reflexión y el abrazo, el silencio y la proclama, la niebla y el aliento.
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El autor, en este poemario hace que Adán se adentre en la vorágine del padecer amoroso y nos habla de su expulsión del paraíso (una sala de Jazz), del encuentro gozoso con una Eva hecha ya amazona libre de toda culpa, amante perfecta y satisfecha en una imaginada fábula erótica, y por fin, nos refiere el sosiego del amor en el prado, en la dorada y jubilosa mediocridad que es esa cotidiana sorpresa del vivir abrazados.
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Crear es un placer digno de dioses. Mortales, pero dioses. Intrínseco y consustancial con la más profunda de las sensaciones y el más puro de los instintos: la propia locura vital necesaria para sobrevivir. Sin límites. Sin horizonte alguno capaz de confinar la utopía al marco en el que se plasma. Sin jalonar el camino, sin pasos de retorno y, sobre todo, sin credo y sin certidumbre. Crear es un espasmo, un clímax compulsivo que nace entre las tripas y explota entre las manos. Y el resto es una entelequia... Aun a costa de pervertir los sueños, negaré, siempre a la mayor, al crédulo de miserias. Al ser enojoso y pedigüeño que se nutre de cantos de sirena y pétalos de rosa. Nada hay más triste que mendigar esperanzas. Nada hay, aunque humano sea, más tétrico que subjetivar la sensación al hecho execrable de la recompensa. Si me gusta jugar a ser omnisciente es porque siempre envido cuando voy de mano. Y siempre pierdo la apuesta...
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Glòria Calafell dóna gran importància a l'eufonia, a la música del vers. I el ritme queda ben definit. Aquesta qualitat -que, en l'època actual, molts poetes semblen menystenir- és, al meu entendre, un senyal clar de maduresa en el quefer poètic.
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Eduard Sanahuja ha escrit set llibres de poemes en trenta-cinc anys, la qual cosa revela que el seu procés creatiu és lent, que el poeta s'allunya de la temptativa fàcil i la banalitat i aposta per la qualitat i la veracitat del seu missatge. Un dels mèrits indiscutibles de l'obra d'Eduard Sanahuja és la realitat de la llengua com a cosa viva, i no en va confessa que «estem desesperats / sense el llenguatge». Sanahuja compleix amb el rigor lingüístic que imposa la tradició, que ell viu dins de casa mateix, dels llavis del seu pare poeta, David Sanahuja, però la seva llengua no pateix d'encarcaraments ni fa fàstics a les veus del carrer, ni encara menys a la tradició forana, que ell sap incorporar amb normalitat. La seva llengua i la seva poètica s'enriqueixen amb la collita, i el resultat és consistent i agombola el lector, perquè és també el reflex de la seva personalitat càlida i incisiva. Del pròleg d'Isabel Graña Eduard Sanahuja va néixer a Barcelona el 20 de març de 1953. Va estudiar Filologia Romànico-Hispànica i Filologia Catalana a la Universitat de Barcelona. Actualment és professor permanent del Departament de Didàctica de la Llengua i la Literatura d'aquesta universitat. En poesia ha publicat El gos del Galiot (Edicions del Mall, 1981), Mirador (Edicions del Mall, 1983), Doble joc (Columna Edicions, 1988), En defensa pròpia (Editorial Bromera, 1994), Compàs d'espera (Editorial Bromera, 2006), El llançador d'espases (Pagès Editors, 2013), i l'antologia Sang barata (AdiA Edicions, 2015). Ha estat inclòs a Sol de sal. La nova poesia catalana, Antologia 1976-2001 (DVD Ediciones, 2001) i a 20 del xx. Poetas catalanes (La Otra/Universidad Autónoma de Nuevo León, 2013). Com a traductor, ha traduït al català una part de l'obra poètica de Blaise Cendrars (Prosa del Transsiberià, Edicions 62, 1992) i Capsa d'escats (Servei de Publicacions de la UAB, 2008), del poeta aragonès Javier Carnicer. En l'àmbit de la difusió i promoció de la poesia, va fundar el 1989, amb altres tres poetes, l'Aula de Poesia de Barcelona, de la qual en aquests moments és vicepresident.
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Inèdit fins ara al nostre país, Edward Hirsch (Chicago, 1950) és un dels poetes nord-americans més reconeguts de l'actualitat. Atent al valor comunicatiu de la poesia, amic de l'expressió cenyida i essencial, reflexiona sobre la seva pròpia condició humana (il·lustrada, urbana i jueva), sense deixar mai de convertir les vivències en situacions generals que obren al lector la porta a la reflexió sobre si mateix, com si cada poema fos una pausa per pensar una mica. Aquest tret estilístic aparentment simple -la indagació en la quotidianitat de la vida moderna- assoleix tanmateix altes fites de torbament, un desfici quasi filosòfic o religiós que intensifiquen els imprevistos i els arcans d'una existència inaprehensible i plena de matisos. De factura impecable i profunditat extraordinària, la seva poesia traça un itinerari que va de l'hostilitat del destí i els elements exteriors al goig més gran i elemental. L'antologia que teniu a les mans, que recorre el corpus anterior a Gabriel (2014) i pren com a base The living fire (2010), mostra l'obra d'Edward Hirsch per primer cop traduïda al català. Edward Hirsch és una de les figures cabdals de la poesia nord-americana dels nostres dies. Nascut a Chicago el 1950, ha estat professor a la Universitat Estatal Wayne i a la Universitat de Houston, col·laborador en diaris i revistes -cal destacar, per la seva popularitat, els articles setmanals sobre poesia a The Washington Post Book World del 2002 al 2005- i actualment és president de la Fundació John Simon Guggenheim de Nova York. Autor de set poemaris publicats entre els anys 1981 i 2008, va recollir el millor de la seva producció fins aleshores a The living fire (2010). El 2014 va aparèixer la seva darrera obra, Gabriel, un llarg poema elegíac a la mort del seu fill. També ha escrit diversos assaigs literaris, entre els quals destaca How to read a poem and fall in love with poetry (1999), que va esdevenir un supervendes. Ha rebut nombrosos premis, com ara el MacArthur Fellow el 1997. Aquest volum antològic comprèn una tria significativa de la poesia de Hirsch, per primer cop traduïda al català.
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Juan SÁNCHEZ PELÁEZ (Altagracia de Orituco, 1922 - Caracas, 2003) a los 18 años forma parte del grupo surrealista La Mandrágora de Chile. A su regreso a Caracas, la libertad en el uso del lenguaje propició fuese considerado como el gran renovador de la poesía venezolana de la segunda mitad del siglo XX. Después de su primer libro, la expresión poética en Sánchez Peláez pasa de la exuberancia al despojamiento verbal. La palabra, concisa, necesaria y a la sombra de la soledad, nada pide ni propone, prefiere hablarnos con la intimidad de sus visiones y su sabiduría en el tono del susurro que no cesa en su reverberación. Si bien, en los años cincuenta el autor se desempeña como profesor en Trinidad, y luego es agregado cultural de la Embajada de Venezuela en Colombia, a fines de los sesenta vive en los Estados Unidos y en 1976 se instala en Madrid, de nuevo para ocupar un cargo diplomático. En 1978 vuelve a Caracas donde vivirá hasta su muerte trabajando en sus dos últimos libros: Por cuál causa o nostalgia (1981) y Aire sobre el aire (1989), que representan lo más decantado de su experiencia poética.
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El poemario recoge las reflexiones del escultor enfrentado a la colección del museo. La voz del autor talla el juego y la pulsión que los artistas emplean desde siempre para afrontar la fugacidad de lo presente y lo aleatorio de la existencia.
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