Encara no hi ha cap producte a la teva cistella
Llibres de Teatre, Poesia i Relats
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Un amor profundo y único, la vida enfrentándose a la muerte y el vértigo ante la ausencia conforman los versos de Ignacio Mª Muñoz, que se nos desvela como el poeta de la pasión.El lector profundizará en estas páginas en el sufrimiento ante la lejanía de la amada y ante la proximidad de un fin siempre manifiesto. Versos teñidos de esperanza que rememoran un pasado ahogado y que ansían la luz de la mirada del amor.Crónica de ausencias y De la luz y del olvido están dotados de un lenguaje poético sincero y rítmico en donde el cuerpo y el alma quedan aprisionados por la emoción y ùtodo aquel que ha amado y perdidoù se identificará plenamente con estos versos.
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Estos haikus practican la fe de sus mayores en la elocuencia del sigilo, persuadidos de que no hay mucho que decir, si está bien dicho, porque a la poesía (como a la vida) las verdades más claras le llegan siempre tan callando. Javier Almuzara (Oviedo, 1969) ha publicado los libros de poemas El sueño de una sombra (1990), Por la secreta escala (1994), Constantes vitales (2004), con el que obtuvo el Premio Emilio Alarcos, Caravana y desierto (2014), una colección de recreaciones líricas a partir de las rubayatas de Omar Jayyam, y Quede claro: Antología poética 1989-2013 (2014), donde se incluye el poemario inédito Siempre y cuando. Es también autor del dietario Letra y música (2001), de la prosa miscelánea Títere con cabeza (2005, Premio Café Bretón), y del libro de ensayos Catálogo de asombros (2012). Próximamente se estrenará una ópera con libreto suyo y partitura de Jorge Muñiz inspirada en la comedia de Lope de Vega Fuenteovejuna.
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Igual que si uno hojeara un álbum con las fotografías que recogen viajes y experiencias, o igual que si una paseara por un museo de su propia vida, este libro hace recuento y se detiene y juzga. Martín López-Vega replantea en ''Gótico cantábrico'' su propia genealogía, y las herencias que impone o que supone: de dónde venimos, dónde estamos, hacia dónde nos encaminamos, y mientras tanto qué significa ser hombre hoy, qué significa escribir hoy, qué significa vivir hoy. Un poemario con los rasgos de su escritura -el viaje exterior que es interior, las creaciones de otros que nos configuran-, pero que aquí se expande hacia otras formas de mirar.
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Escuela de vida y de poesía, El arte de ser abuelo (1877) compila los últimos poemas escritos por Victor Hugo antes de su muerte, cerrando de manera magistral toda su obra y toda una época.
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José Miguel Desuárez no sólo intenta fabricarse (como Leopardi) su siglo, en el que necesita contener lo mejor de los otros todos y de sí mismo, sino que trata de reunir en una alquimia maravillosa de amor a la vida y de milagro, el aire, ese aire que intentan ser sus poemas cantados con emoción, en silencio, en cualquier tiempo, antes que ese amor ''muera en nuestros brazos...'' No abundan en nuestra poesía contemporánea voces celebratorias. José Miguel Desuárez es una de esas pocas tan raras, tan necesarias...
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La caricia del fantasma o, dicho de otra forma, lo Invisible que nos atraviesa hasta hacernos esclavos de lo desconocido. +Qué es un fantasma? Mejor dicho, +existe el Fantasma? Si es así, +nos puede tocar?, +y acariciar?Este poemario de Oriol Alonso Cano rastrea las huellas de lo intangible que vulnera nuestras certezas, persigue las señales de la mano que se evade cuando se intenta capturar, pero cuya rozadura sentimos incansablemente hasta que perturba y distorsiona nuestra cotidianidad. Con un verso trabajado, y dotado de fuerza y magnetismo, La caricia del fantasma se adentra en lo que parece imposible: apresar y cartografiar el deseo que se perfila tras lo más recóndito de nuestra identidad.
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Mercedes de Velilla nació en 1852 en Sevilla y falleció en 1918 en la localidad sevillana de Camas. Es, pues, una escritora entre dos siglos. Sus poemas juveniles tienen la hechura y la intensidad de las Rimas becquerianas. Sus versos últimos, escritos en los comienzos del siglo XX, están ya en la órbita del simbolismo de Juan Ramón Jiménez y Machado. Se trata de una escritora de fronteras que conduce el hilo de oro de las Rimas becquerianas hasta las Soledades de don Antonio Machado. Los méritos literarios de Mercedes de Velilla son varios. Es una magnífica versificadora, tanto en las estrofas de arte menor como en las del endecasílabo. Escribió poesía popular concisa y misteriosa, en la línea de la mejor poesía oral andaluza. Dejó sonetos de extraordinaria intensidad. En ellos declara, con ardiente precisión y sin ambages, una pasión amorosa frustrada. La fuerza de estos sonetos puede compararse a los de la escritora inglesa Elizabeth Barrett Browning en sus célebres Sonetos del portugués. Finalmente, los poemas escritos en su madurez, ya en los comienzos del siglo XX, son lo más hondo y universal de su obra. Inexplicablemente, la obra de esta poeta ha permanecido casi inédita y en el secreto de unos pocos. Sin duda, la timidez, la discreción, las carencias económicas jugaron en su contra. El amor profundo a la libertad -a la libertad de la literatura y de la propia conciencia- suele pagarse con soledad y aislamiento. Su vida fue, sin duda, un sueño de libertad, solo en parte logrado. Entre las Rimas de Bécquer y el simbolismo de Machado la crítica sitúa a Rosalía de Castro. Acaso este libro nos haga comprender que, junto a ella, hemos de añadir otro nombre de mujer: Mercedes de Velilla.
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El poeta nos adentra en el miedo a perder la memoria, a olvidar a las personas que conforman nuestra vida y que nos van acompañando a lo largo de ella, en definitiva se plantea el miedo al olvido y a la soledad haciendo que nuestro futuro pueda ser una quimera.
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«L'amor per la lletra (la paraula escrita i, si és possible, sublimada) i per la música (la musicalitat, el ritme, l'emoció abstracta dels sons que resten dins la nostra memòria) són part essencial d'El llegat de la cendra, llibre molt acurat i amb forta càrrega d'intel·ligència emocional, perquè, tot i que Joan Antoni Cerrato és un escriptor molt líric, els seus versos no sempre parlen d'ell, ans d'altres éssers que li provoquen una incontrolable necessitat d'introspecció no exempta d'estètica, de temptejar el camí que ens porta a desxifrar la definició de la poesia, on és, i com emergeix.» Bernat Nadal
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Ante el mosaico de perplejidades sobre los sucesos cotidianos que ofrece este libro, el lector experimenta un sensación de asombro e incomprensión de la realidad. Paulatinamente, las ventanas se van abriendo para dejar pasar al aire del vitalismo ante un gesto de valentía, un atisbo de cariño o libertad, un enfrentamiento a lo obligatorio. Huyendo de versos cargados de conceptos, Aquella mujer que cantaba un blues pretende dibujar visiones con lenguaje abierto a todos, alejado de la ocultación, atento al presente. Con este poemario, Fernando Ruiz de Osma ha obtenido el XXI Premio de Poesía Eladio Cabañero.
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El ingenioso Carrère perteneció a aquella generación perdida de «La Novela corta», aquélla de López de Haro, de Tomás Borrás o de Hoyos y Vinent, de cuyas famosas tertulias del té, allá por 1905, fue un asiduo (también, en aquella casa de la calle Marqués de Riscal, coincidiría con la Pardo Bazán, con Manuel Machado y con Villaespesa). En definitiva, una generación de tranvías, de toreros y teatros, de medias tostadas, de cupletistas y de tertulias con veladores y de reservados de peluche rojo donde regalar a las queridas. Todo un submundo que él puso a disposición de sus lectores, quienes de inmediato se reconocieron en su tiempo y pasaron a ser sus protagonistas. Soguillas, bigardos, sablistas, rameras, hampones, pícaros y comadres forman parte del tugurio poético y novelesco de la producción carreriana, tan en consonancia con aquel teatro español del XVII con atrezzos del XIX.
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Un texto cuya desafortunada protagonista es una valiente mujer trans que pierde la vida por hacerse demasiado visible en una manifestación LGTBI, tras publicarse su foto en los medios de comunicación. La última escena es tan dura que duele leer las terribles palabras que describen el final de la vida de la joven a manos de sus verdugos. Poesía de la crueldad que emana de un mundo enfermo de codicia, repleto de absurdas normas y ávido de poder.
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Esta antología señala los pasos de una travesía que comienza como una aventura hacia lo desconocido y a lo largo de un camino que nos ofrece hallazgos imprevistos. Jorge Urrutia asume como propia la proverbial frase de Sócrates sobre el saber y el no saber. Por eso, desde el asombro y el no saber nos llegan las verdades que a veces duermen en los compartimentos más profundos del ser y que el poeta rescata. El carácter comunicativo de la poesía nos instala en la dialéctica de la pregunta. Desde la perspectiva distanciada, que propone Urrutia, crece nuestra capacidad de comprensión porque el placer estético esta precisamente en el hallazgo, respecto del cual, como lectores, no somos ajenos, ya que descubrimos con el poema aquello que alguna vez sonamos.
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«Tratado de egoísmo+ adentra al lector en esas inflexiones que hacen de la vida una conjunción imposible entre el espejo y la realidad, en esos detalles esenciales que todos percibimos como el eje de nuestro ser y que barajan el destino: el amor, el deseo, la duda, la tristeza, la desolación, la muerte y el sentido último de las cosas.Una mirada introspectiva que emplea a la sociedad como lente para analizar ùcon vehemencia y humanidadù lo que nos conforma.Juanma Ruiz percibe la poesía como una búsqueda de perfección, y en ello se afana con una rima y métrica precisas, con un ritmo sonoro y unos versos cuidados que convierten en música la palabra.
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Aplec de 29 poemes de caire reivindicatiu, d'assemblees, d'ecologisme, defensa de la classe obrera, autogestió, centres socials, educació alternativa, moviments veïnals, associacionisme... i d'amor. ''Aquesta evocació escènica de fets històrics, llegendaris o de qualsevol altre tipus que en Marcel ens presenta com a sutjosa és, realment, un retaule, no podem negar-ho. Ara bé, si eliminàssim les connotacions religioses que ens evoca la paraula i acceptàssim que «tot trontolla» i que és «tot fora de lloc» i em demanassin una sola paraula per a expressar-ne l'atmosfera, ja ho tenc clar: és punk''. Antònia Font.
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Cuando esas, las noches es el poemario con el que Victoria Marín presenta sus cartas en el espacio extenso del quehacer poético. Parece como si hubiere hecho caso a los consejos de Rainer María Rilke y Platón, dos de los grandes maestros para los que el saber de hondura, con registro humano, requiere madurez, haber vivido lo suficiente, experiencia. Ambos fueron conscientes de que el canto poético y la reflexión filosófica solo echan raíces profundas en la madurez de la vida. Este es el espacio apropiado para el poetizar y la reflexión profunda: el poso que deja la vida. Ajenos a la experimentación y al recurso fácil a la metapoesía, los versos de la autora rezuman sencillez y verdad.
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El flujo del tiempo, que es algo casi siempre más constatado que percibido, es el nexo común de los poemas reunidos en este libro, pero no como melancólicos cantos de nostalgia ni recuerdos del pasado, sino desde la emoción simbólica y el sentido de lo maravilloso.Encerrados en estas páginas combaten como dos boxeadores el amor y la muerte, murmuran las piedras de una silenciosa abadía, se pierden los niños en el laberinto de espejos. El fuego vive en la muerte de lo que arde y como cometas también arden, contigo, los poemas.
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'La vida aparte' discurre por los cauces de una poética reflexiva que aúna pensamiento y emoción. La narratividad y la anécdota se han adelgazado en aras del discurso introspectivo y contemplativo. La parte nuclear de sus poemas la configuran tanto los aspectos biográficos como la hondura meditativa que impregna cada uno de sus versos. El libro, de gran riqueza expresiva, ofrece una contenida modulación elegiaca, apoyada en el uso de la elipsis y la tendencia a la concentración y a la tensión del fragmento. Todo ello sostenido sobre la potencia de los aforismos, especialmente en los versos finales, que contribuye a la belleza y contundencia de los poemas.
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El libro de Javier Gutiérrez Lozano nos marca el camino para ir averiguando las respuestas: la infancia y su temor de niño, la juventud unánime que se levanta siempre para contestarle al mundo, la muerte ùesa primera preguntaù y el amor, y las habitaciones que van dejando un recuerdo de paredes húmedas y noches compartidas.
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En este libro, el poeta Arturo Carrera nos brinda traducciones de los más destacados compositores japoneses de haikus, versiones modeladas a través de ejercicios de lectura y de dominio de ese alfabeto misterioso que entreteje sensaciones y ensoñaciones. Ejercicios que, a fuerza de someterse a la pequeñez y el rigor de esta forma poética, derivan en el impulso creador de versos capaces de transmitir los sentidos que algún monje y poeta japonés volcaba con pincel y tinta sobre un lienzo, reflejando esa devoción experimentada hace más de cuatro siglos por la transparencia del mundo y su naturaleza, y que aún hoy nos interpela con la misma potencia.
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CEES NOOTEBOOM (La Haya, 1933) es uno de los más grandes escritores de las letras contemporáneas internacionales, y desde hace años se le considera un serio candidato al premio Nobel de literatura. Es autor de innumerables novelas, relatos de viaje y ensayos sobre el arte. Pero aunque su obra poética sea la menos conocida entre su producción literaria, Nooteboom parece sentirse fundamentalmente un poeta. En su nuevo poemario, Ojo de Monje, vemos a un escritor en la cima de su maestría, un escritor capaz de crear un relato universal y arquetípico por medio de sus fascinaciones personales (islas, conchas, viajes, silencio) y de su pasado. «Uno de los escritores más notables de esta época.» ALBERTO MANGUEL «Nooteboom es un escritor de grandes temas, pero su obra nunca es demasiado pomposa. Esconde reflexiones filosóficas en observaciones cotidianas, de manera que sus ideas —de forma inesperada y espectacular— se aparecen al lector como angelitos escondidos en alacenas abandonadas.» The Washington Post «Los versos de Nooteboom se leen como si descendieras lentamente una colina por un camino rural, con todo el tiempo para absorber dentro de ti el paisaje. Tan perfectamente límpido, tan hipnóticamente descrito.» Trouw «Cees Nooteboom es una voz impresionante y única en el coro de los escritores modernos.» The New York Times
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Mercedes Carrión Masip acierta a reunir en los poemas de 'Asuntos propios' toda una profunda experiencia de vida con gran fuerza emotiva y una encomiable capacidad de síntesis e intensificación temporal. A través de su palabra sencilla y natural, de serena fluencia, importantes momentos de su biografía sentimental, los más hondos y dolorosos, son convocados para su revisión a la luz del corazón maduro. De este modo, piadosa y confiadamente, el tiempo y los afectos colorean los hilos que tejen su intimidad y ayudan a formar el dibujo aquilatado de un ser reconciliado con su historia.
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Siempre reviste emoción el encuentro con la poesía. Pero si se trata del descubrimiento de una voz poética que ha permanecido, como dijera Fray Luis, en un rincón secreto y «lejos del mundanal ruido», se redoblan los latidos del corazón a la espera de que prendan los fogonazos del entendimiento. Los poemas de Rafael Valero Oltra, escritos fundamentalmente para sí mismo y como cauce de exploración de sus sentimientos, están sellados por el dolor del tiempo ido y por la desgarradora ausencia de su esposa. Al amparo del quehacer cotidiano, que es abrigo y refugio ante el gran revés de la vida, surge una poesía de tono intimista, que refleja los estados del alma del poeta. La antología poética de Rafael Valero Oltra (Valencia, 1944 - Madrid, 2009) traza una amplia retrospectiva de su producción, que abarca desde los iniciales poemas de juventud hasta la segunda etapa de fecundidad creativa a partir del fallecimiento de su mujer Elisa. Estamos ante una poesía intimista, ligada a la escritura del yo enamorado, y catalizadora de la memoria, en la que con profundo lirismo se aúnan el sentimiento de la Naturaleza, la mirada gozosa y amorosa sobre el mundo y la expresión poética de los estados interiores del alma humana.
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Nos encontramos ante un grito revelador y pragmático, una salida honesta contra la barbarie que corrompe al hombre y le condena al vacío, a la negación de su propia idiosincrasia y perfección.«El ojo del abismo toma de la mano el arco iris+ nos sitúa frente a una sociedad (la contemporánea) regentada por el egoísmo y la ambición.
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TRAS Las identidades (2012), publicado en esta misma colección, al igual que Libro de poemas (y otros poemas), que recopila su obra escrita entre los años 1978 y 2008, Felipe Benítez Reyes ofrece en este nuevo libro un conjunto de poemas en que despliega una gran variedad de registros tanto temáticos como estilísticos, aunque marcados por el ahondamiento en los enigmas de “la cueva del tesoro sin tesoro que es el tiempo”. Armonizando y modulando las tradiciones del simbolismo, del surrealismo y de la lírica cancioneril, los poemas de Benítez Reyes, desde una voluntad meditativa, indagan en la extrañeza del ser, en las trampas de la conciencia y en los espejismos de la memoria.
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La expresión de Víctor Vázquez es aquí, la de un big bang, y el poema, corto sólo en apariencia, va repercutiendo en el siguiente en una cadena de eslabones cada vez más irresistiblemente necesarios e inevitables, hasta finalizar, en la liberación paradójica del deseante por asunción del deseado y la renovación, siempre incesante, de su codicia.
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Antonio Jiménez Millán (Granada, 1954) es catedrático de Literaturas Románicas en la Universidad de Málaga. Es autor de los ensayos Los poemas de Picasso (1983), La poesía de Rafael Alberti (1984), Vanguardia e ideología (1984), Poesía catalana contemporánea (1993), Entre dos siglos. Estudios de literatura comparada (1995), Poesía gallega contemporánea (1996, en colaboración con Luciano Rodríguez), Madrid fin de siglo. Modernismo, bohemia y paisaje urbano (1998), Promesa y desolación. El compromiso en los escritores de la generación del 27 (2001) y Amor y tiempo. La poesía de Joan Margarit (2005). Ha realizado ediciones críticas de la obra literaria de Pablo Picasso (Poemas y declaraciones, Málaga, Fundación Pablo Ruiz Picasso, 1990), de la novela de Louis Aragon Aniceto o el panorama (Madrid, Cátedra, 1989) y del libro de Luis Cernuda Donde habite el olvido (Madrid/ Málaga, Residencia de Estudiantes/ Centro Cultural de la Generación del 27, 2003). Una selección de sus primeros libros de poemas se encuentra en La mirada infiel Antología 1975-1985 (Granada, Maillot Amarillo, 1987, a ed. ampliada, 2000). Con Ventanas sobre el bosque (Madrid, Visor, 1987) obtuvo el premio internacional de poesía «Rey Juan Carlos 1». Posteriormente ha publicado Casa invadida (Madrid, Hiperión, 1995) y ha obtenido el premio internacional de poesía «Ciudad de Melilla» (2002) con el libro Inventario del desorden (Madrid, Visor, 2003).
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Se suele decir que ''Chile es país de poetas'' por la gran altura que tiene la creación poética chilena que ha estado siempre a la vanguardia en lengua castellana. Esta antología permite una visión panorámica de conjunto de su evolución durante el siglo XX.
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ANTOLOGÍA INVISIBLE reúne muchas voces en una sola voz. Y una sola voz que se abre, como la luz del espectro solar, en todas las posibilidades, en todos los colores, visibles e invisibles, para el goce y la reflexión. Antología invisible reúne textos desconocidos de autores reales, vivos o muertos, textos reales de autores desconocidos, imaginarios, posibles o imposibles, textos que construyen una poética polifónica, heterodoxa, múltiple, cuyo punto focal es el uruguayo Rafael Courtoisie, un reconocido autor iberoamericano con voz propia que despliega un mundo de voces entre la intertextualidad y la invención que es, como hubiera dicho Octavio Paz, “homenaje y profanación”, deconstrucción y nacimiento. A los premios Loewe, Casa de América, Blas de Otero (España), al Plural y al Jaime Sabines (México), al Premio Internacional José Lezama Lima (Cuba), a los Premios Nacionales y de la Crítica (Uruguay), entre muchos otros reconocimientos otorgados a Courtoisie, se suma ahora esta distinción en el Premio Gil de Biedma. Antología invisible es, más que un libro de poesía, un proyecto cultural que emplea, entre otros procedimientos, tal vez lo contrario de un ejercicio de “heteronimia”: una práctica de asimilación y suma dialéctica de las voces de la tradición para crear desde la tormenta y el salto, desde la ruptura con esa tradición.
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ROBERTO FERNÁNDEZ RETAMAR (La Habana, 1930) es una de las voces indispensables en el proceso de la poesía hispanoamericana contemporánea. Asociado en sus inicios al grupo literario Orígenes, Retamar se incorpora en los años sesenta a la intensa corriente del coloquialismo —junto a poetas como Ernesto Cardenal y Juan Gelman—, y en términos de Ángel Rama, “alambica esta poesía del hoy dentro de una centenaria cultura poética elaborando un producto de incesante riesgo”. Su trayectoria ha sido reconocida muy tempranamente por autores como José Lezama Lima, Cintio Vitier, Fina García Marruz, Alejo Carpentier, Mario Benedetti o José Emilio Pacheco, y la excelencia y proyección de su obra le han dado ya la condición de los clásicos. Desde el verso cincelado con maestría de sus primeras entregas hasta la “prosa rota” de sus últimos poemas, son signos de su escritura el fervor humanista y el compromiso con su tiempo, la conjunción de cubanidad y universalismo, la transparencia y la musicalidad, el suave humor y la melancolía, la ironía serena y el intimismo trascendente. Como ha escrito Jorge Luis Arcos, la poesía de Retamar “quedará como uno de los testimonios más lúcidos, más conmovedores de nuestra época”.
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La poesía no solo es una composición literaria concebida como expresión artística por medio de la palabra sino que es la esencia más pura y espiritual de lo que podríamos ser o lo que seremos algún día. En un caminar tortuoso y no falto de dudas vamos creando momentos y situaciones desde que nacemos hasta que finalizamos nuestras vidas. Las niñas de la imagen muestran sencillez, inocencia, pureza de un momento que nos transporta a los orígenes de nuestra infancia primigenia, recuerdos de poemas que seremos.
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Guitarra negra pertenece a la colección de poesía Biblioteca del Erizo la cual está dirigida por Delfina Muschietti. Guitarra negra es un puñado de poemas, es su primer y único libro de poesía. Se articula en siete partes sin título y una octava denominada ''escorias diferenciales del alma de la letra poética''. Un Spinetta de juventud, donde se funden la poesía y el problema crucial del ser. Son poemas decididamente surrealistas, de tono onírico.
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JOSÉ LUIS REY (Puente Genil, Córdoba, 1973) es doctor en Literatura Contemporánea por la Universidad de Córdoba. Poeta, traductor y ensayista. Sus poemas han sido antologados en numerosas ocasiones y traducidos a una decena de lenguas, entre ellas al inglés en la Universidad de Harvard. Ha recibido, entre otros, el Premio Loewe. Ha publicado en Visor todos sus poemarios anteriores: La luz y la palabra, La familia nórdica, Volcán vocabulario (La luz y la palabra II), Barroco, Las visiones y La fruta de los mudos. Es autor de varios ensayos. Ha traducido las Poesías completas de Emily Dickinson (editorial Visor) y las Poesías completas vol. I de T. S. Eliot (editorial Visor). La epifanía surge como una celebración de la trascendencia del espíritu gracias al amor y la poesía misma. Este libro expresa la necesidad de elevación espiritual que acucia al hombre, mediante símbolos asistidos por un tono cálido y cercano, todo lo cual hace de esta obra visionaria una investigación en los misterios del Ser. Un libro que confirma el lugar de privilegio que ocupa su autor en la poesía española del siglo XXI.
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POETA, dramaturga y novelista, antes también profesora universitaria en Montreal (UQAM), Louise Dupré (Sherbrooke, Canadá, 1949) es miembro de la Academia de letras del Quebec y de la Sociedad Real de Canadá desde 1999. Es una reconocida autora en Quebec que plasma en más de una veintena de obras, tanto en verso como en prosa, las heridas que inflige la vida. Su escritura de la fragilidad, la vulnerabilidad, el sufrimiento y la esperanza, ha obtenido numerosos galardones, entre los que destacan el premio Ringuet, El premio del Gobernador General, uno de los más importantes concedidos en Canadá junto con el premio internacional Jaime-Sabines /Gatien- Lapointe o el Gran Premio Quebecor del Festival Internacional de la poesía obtenido en dos ocasiones. En 2014, recibe la Orden del Canadá por el conjunto de su obra. “Escribir empieza siempre por una traición” confiesa Louise Dupré en Muy cerca, la de la mano izquierda, continúa, ella que es zurda. Traición sutil, pudorosa, donde se dibuja una poeta de lo íntimo, reflexiva y comprometida con la subjetividad femenina cuyo imaginario esculpe —y renueva— poema a poema. A través de un lenguaje depurado que adopta el ritmo pausado de una respiración suave, los poemas de Louise Dupré se rinden al arte de la lentitud para exponer con voz de mujer la cotidianeidad y sus menudencias. Pero en este día a día, laten soledades y pesares que despejan las noches, despoblándolas de sus sueños, y convierten la escritura de Louise Dupré en una escritura de la herida. Su poesía, profunda e intuitiva en torno al ciclo de la vida, se instala en la durabilidad y nos acerca a las grandes verdades: “Tarde o temprano los humanos /se dejan caer al fondo de un hoyo/ donde sus cabelleras se enredan…”/ en un sólo despojo...
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El ALBOROTO DE LOS PÁJAROS fue el último de sus títulos que John Ashbery (1927-2017) vio publicado en vida. A sus casi noventa años, después de haber escrito otros veintisiete volúmenes de poesía, una novela, tres obras de teatro y varias antologías de ensayos y traducciones del francés, y de haber recibido todos los premios y honores literarios del mundo anglosajón, desde la Medalla Robert Frost hasta el National Book Critics Award for Poetry, pasando por el Pulitzer, el anciano poeta compuso una elegía involuntaria que sintetiza de algún modo su quimérica aspiración a reflejar en la página, en el poema, la experiencia vital sin filtros, tal como la mente la percibe, la entiende o simplemente la experimenta. El poeta dedicó su vida entera a profundizar en la elaboración de «la experiencia de la experiencia», a soñar y olvidar para más adelante recordar y dejar constancia de lo percibido, o de lo meramente intuido. Este libro puede leerse como un análisis sobre nuestra pobre percepción del paso del tiempo, una meditación sobre la fugacidad y la incapacidad para apreciar plenamente el momento presente que ya ha dejado de serlo. Lo mejor que puede hacer el lector, lejos de buscar explicaciones o conclusiones, es zambullirse en El alboroto de los pájaros sin ideas preconcebidas y dejar que las palabras le permitan experimentar el triunfo sensorial de la poética del fracaso de John Ashbery, reencontrándose entre ellas con el poeta plenamente vivo. EDUARDO IRIARTE
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FINLANDESA, nacida en San Petersburgo (1892), y de lengua sueca, Edith Södergran está considerada como la más importante poeta de Escandinavia, y ha sido comparada con Pound o Rilke. De intensa espiritualidad y enorme sensibilidad, la acentuación del problema de Dios la llevó a la resignación y, quizás, a su precoz final. Murió en Carelia en 1923, cuando sólo contaba 31 años. «Que mi literatura es poesía, nadie lo puede negar. Que sea o no sea verso, es otra cuestión. He tratado de someter a un ritmo ciertos poemas refractarios, y he descubierto que sólo poseo el poder de la palabra y la imagen en condiciones de completa libertad, esto es, a expensas del ritmo. Mis poemas son descuidados esbozos a lápiz. En cuanto a su contenido, dejo que mi instinto construya lo que ve mi mente. Mi aplomo se basa en que he descubierto mis dimensiones. Y no tengo porqué hacerme menos de lo que soy.» E. SÖDERGRAN
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