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Llibres d'Art, Cinema i Música
T'apassiona el setè art? Tot el que té a veure amb la cultura? Si la resposta és sí, no et pots perdre la nostra gran selecció de llibres d'art, cinema i música. Compra llibres d'art, cinema i música online. En aquesta secció disposem d'una àmplia selecció de llibres d'art, cinema i música en diferents formats i en múltiples idiomes. Hi trobaràs lectures sobre diferents disciplines artístiques com interpretació, entre altres, sobre sèries de televisió i pel·lícules com Harry Potter, Joc de Trons, Star Wars o Stranger Things i sobre la història de cantants i grups de música com ara Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre molts altres.
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En un excel·lent exercici de periodisme literari Martí Sales reuneix cantants i segells, manàgers, festivals, crítics i bars per entendre què ha passat, què està passant i què passarà a la reserva indi catalana, sense inventar-se res, sense inflar res, només descabdellant vides creuades amb música, música i persones agafades amb imperdibles, imperdibles que emparellen ossos i distorsió, orelles i vinils, punys i hits, sexes i concerts. Hi ha un grapat de cassets seminals, moltes casualitats i empenta, emocions a dojo, algunes patacades, moments estel·lars, ganes infinites de fer-la grossa, germanor i cops de cap contra la paret, elevació, entusiasme i elegància, com deia l'amic Casavella. Hi ha una comunió generacional, hi ha una bastida que s'aixeca i l'edifici no sabem ben bé quin és. D'aquí, el llibre. ''Aquest és un llibre contra la nostàlgia. Contra el mite i la nostàlgia. Contra els feliços anys 20, contra les jornades llibertàries del 77, contra els vuitantes hardcoretes barcelonins, contra la mitificació dels temps passats.''
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En la primavera de 1963, tres miembros del grupo de rock británico The Beatles, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, estuvieron once días de vacaciones en la isla de Tenerife, mientras John Lennon le hacía lo propio en Sitges y Torremolinos, junto a Brian Epstein. Para los cuatro, fueron merecidos descansos que su mánager les ofreció pero, sobre todo, fue un premio por la reciente grabación de su primer álbum, Please Please Me. The Beatles, por tanto, disfrutaron de las que probablemente fueron sus últimas vacaciones en total tranquilidad y anonimato, antes de que se desatara la beatlemanía. Apenas dos días después de abandonar Canarias, el 11 de mayo de 1963, lograban el número uno en las listas de éxito británicas y ya nada volvería a ser igual ni en sus vidas privadas, ni tampoco en la vertiente profesional. Este libro, escrito en formato epistolar, cuenta cómo fueron esos días, la antesala del éxito de unos muchachos de tan solo veinte años que estaban a punto de convertirse en el grupo de rock más importante de la historia. Las cartas que aparecen en él son fruto de la imaginación del autor, aunque los hechos que se describen en ellas sean absolutamente reales.
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Un reto en forma de pregunta acompaña cada ilustración para que conozcas la historia de algunas de las mejores bandas de todos los tiempos.
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Un acercamiento al sentido de la vida a través de la músicaLa música es capaz de dar respuesta a las cuestiones que más nos importan y más nos afectan: las que tienen que ver con el amor, la muerte y la trascendencia. Por eso constituye una auténtica vía de conocimiento. La música despliega su enorme poder transformador, penetrando suavemente en el ámbito más íntimo del ser humano y convocándonos a un encuentro que, si nos sentimos interpelados, posee la capacidad de cambiarnos y volvernos mejores personas. Con un registro cercano y profundo, este ensayo sitúa a la música -la gran música- en diálogo con una realidad cultural más amplia, y nos muestra cómo el contacto con la belleza puede ser una verdadera solución a muchos de los problemas que aquejan al mundo, haciéndonos conscientes de la importancia que realmente tiene en nuestras vidas.
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El arte pop, que alcanzó su punto álgido en la década de 1960, surgió como una revolución contra las concepciones establecidas del arte y la cultura y acabó cuestionando todos los aspectos de la sociedad moderna, la cultura del consumo, el papel del artista y lo que constituye una obra de arte.Centrado en temas como el materialismo, la fama y los medios de comunicación, el arte pop bebió de fuentes del mercado del consumo, ya fueran imágenes publicitarias, cómics, rostros famosos de Hollywood o envases de artículos comerciales, epitomados estos últimos en las latas de sopa Campbell's de Andy Warhol. Además de desafiar el establishment mediante el ensalzamiento de tales imágenes populares, banales y kitsch, el arte pop desplegó métodos de producción en serie y desdibujó el papel del artista singular con la adopción de técnicas mecanizadas como la serigrafía.Con artistas como Andy Warhol, Allen Jones, Ed Ruscha, Robert Indiana, Jasper Johns, Robert Rauschenberg y Roy Lichtenstein, este libro presenta todo el alcance y la influencia de un movimiento moderno decisivo.Sobre la serieCada libro de la Serie Básica de Géneros de TASCHEN incluye:una introducción detallada,una selección de las obras más importantes de la época, cada una es presentada a doble página con una imagen a toda página, una interpretación de la obra correspondiente, un retrato y una breve biografía del artista,aproximadamente 100 ilustraciones en color con comentarios explicativos.
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La biografia d'un temps i d'un país. L'home que ha construït la banda sonora de diverses generacions.A propòsit de Joan Manuel Serrat no és només un llibre seu. És la biografia d'un temps i d'un país, des que va néixer el 27 de desembre de 1943 fins l'últim concert que ha fet, el 23 de desembre de 2022 a Barcelona, vista pels ulls d'un periodista i escriptor que l'ha seguit des que era petit, quan el va sentir per primera vegada i va demanar a familiars emigrats a Barcelona que li portessin els seus primers discos gravats en català. Serrat ha construït la banda sonora de diverses generacions. Ara, Juan Ramon Iborra escriu sobre el noi del Poble Sec com una peculiar magdalena de Proust, intercalant capítols de les seves trobades i entrevistes en el seu context, des que es van conèixer el 1973, després del concert que va fer a la plaça de toros de València. Serrat representa, més enllà de les seves cançons, un exemple d'honestedat, de conceptes morals ben arrelats. Va néixer quatre anys després que s'acabés la Guerra Civil en el si d'una família de perdedors que va patir la postguerra de l'estraperlo i les penúries. Ell va saber pujar fins a dalt de tot. Ara que s'ha jubilat dels escenaris, en un món polític cada vegada més sord, dividit entre bons i dolents, rics i pobres, val la pena acostar-se al bagatge que ens deixa Serrat amb un manat de boniques cançons i una ètica a prova d'insensats. I de nostàlgies.
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“Le paysage n’existe pas,” aurait dit Modigliani lors d’une discussion à Paris avec Diego Rivera que reporte Ramón Gómez de la Serna. Et pourtant...“Le paysage n’existe pas,” aurait dit Modigliani lors d’une discussion à Paris avec Diego Rivera que reporte Ramón Gómez de la Serna. Et pourtant, Modigliani fut élève à Livourne de Guglielmo Micheli, peintre de paysage dans la tradition des Macchiaoli italiens. Et pourtant avec Modigliani, de par ses nombreux portraits, c’est aussi l’Italie, le Midi et surtout Paris qui parlent.
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Los Madelman lo pueden todo. Ese fue el lema de los Madelman cuando vieron la luz en 1968.Pero, en el 2002, ¿seguirían los nuevos Madelman de Popular de Juguetes -los apodados Pdj- pudiéndolo todo?La respuesta queda clara en El último Madelman.
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Vuelve PhotoEspaña, el festival de fotografía más importante de nuestro país y uno de los más importantes del mundo, del 10 de mayo al 29 de septiembre. Bajo el lema Perpetuum mobile , esta edición del festival tendrá el movimiento como eje central, y contará con 84 exposiciones y la participación de 293 fotógrafos y artistas visuales. El movimiento es pues, el eje principal de PHotoESPAÑA 2024. Una metáfora sobre la propia historia de este festival, uno de los más longevos en su disciplina, pero también sobre la propia práctica fotográfica como un medio en constante evolución. En la edición también veremos como la representación del movimiento ha sido fundamental desde los orígenes de la fotografía hasta los ejemplos más experimentales y transgresores de la actualidad, también el empleo del movimiento y la performance corporal como recurso creativo, como la fotografía ha recogido a lo largo de la historia movimientos y cambios territoriales, sociales y políticos o como los propios fotógrafos han abandonado sus territorios y se han desplazado para descubrir otros nuevos. El festival decano de nuestro país: esta es la edición número 27. Esta guía es una pieza de coleccionismo para los aficionados al arte y la fotografía.
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La memoria es la capacidad humana para evocar, reconstruir y reproducir el pasado. La memoria permanece íntimamente unida a la identidad: nos permite conocer quiénes somos ''nosotros'', pero también quiénes son ''los otros''.La memoria es la capacidad humana para evocar, reconstruir y reproducir el pasado. La memoria permanece íntimamente unida a la identidad: nos permite conocer quiénes somos ''nosotros'', pero también quiénes son ''los otros''. La memoria del poder ha erigido enfáticos monumentos, algunos todavía orgullosamente presentes en plazas públicas, mientras que otros muchos han sido olvidados o incluso demolidos al repudiarse sus contenidos y sus formas. El poder de la memoria ha sido utilizado por los regímenes totalitarios de todos los tiempos y lugares que han entendido que la forma más tenaz y sistemática de aniquilar a una cultura es precisamente borrar por completo sus recuerdos.En este libro se reflexiona sobre el culto a la memoria, sobre la ética y la estética de la memoria. Las transformaciones sucedidas en la conciencia universal nos llevarán a constatar los cambios experimentados en el arte de la rememoración que han provocado una total inversión de categorías: frente al monumento se propone hoy el contramonumento, frente a lo heroico, lo antiheroico, frente a la celebración de la victoria y la gloria se invoca el trauma y la opresión, frente a la glorificación de los héroes se alza el reconocimiento a las víctimas. Estos sustanciales cambios en la cultura de la memoria se detectan especialmente en sociedades que realizan tránsitos de dictaduras a sistemas democráticos o en lugares sometidos a conflictos armados, guerras o vulneraciones de los derechos humanos.Pero es un proceso que también afecta a los viejos continentes sumidos en el lánguido bostezo de sus democracias consolidadas. Así podremos comprobar cómo la memoria es una sustancia viva, cambiante y fugitiva que muchas veces provoca reacciones encontradas que oscilan desde la identificacióny la exaltación de la memoria hasta su olvido o incluso su destrucción iconoclasta.
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La vida de El Hombre de negro revelada a través de las letras de sus canciones con fotografías inéditas del archivo familiar y otras rarezas aportadas por amigos y familiares, en edición ilustrada y autorizada por la familia del artista. Venerado por sus coetáneos (de Elvis a Bob Dylan) y considerado custodio de las esencias del country y del folk sureños, Johnny Cash es una de las estrellas más respetadas e influyentes de todos los tiempos, habiendo compuesto más de 600 canciones y vendido más de 90 millones de discos. Ha recibido, a lo largo de su carrera, veintinueve discos de oro, platino y multiplatino, y ha dejado su impronta en el Salón de la Fama de los Grammy, el Salón de la Fama del Rock & Roll, el Salón de la Fama de la Música Country y el Paseo de la Fama de Hollywood. Es esta la primera vez que se edita una antología que abarca cincuenta años de carrera con las letras de 125 canciones y las historias que hay detrás de cada una de ellas. Más que ningún otro artista estadounidense, Cash habló al alma de la nación, mas sin olvidar tampoco la crónica de sus propia vida y tribulaciones. Un documento de época de gran valía que nos acerca al hombre y al artista, así como a la propia historia de Estados Unidos que él mismo y el country contribuyeron a forjar. Entrelazar las venturas y desventuras del bardo con las historias de sus propias canciones es una fórmula sin parangón en el género y acaso más reveladora que cuanto accediera a compartir en sus propias memorias.
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Las memorias del genio del pop. Después de muchos años de posponer la tarea, Jarvis Cocker se decide finalmente a revisar los objetos personales que conserva amontonados en un desván londinense, para decidir cuáles debe tirar y cuáles conservar. El resultado de dicho inventario es Buen pop, mal pop, un entrañable, lúcido y muy divertido relato de una de las trayectorias musicales y artísticas más importantes de las últimas décadas. Cocker utiliza los objetos que marcaron su vida como referentes para contar la historia de un chico tímido... extraño, que desde la adolescencia tenía libretas donde apuntaba cuál sería el vestuario de su futura banda, de nombre Pulp, y de cómo puso en marcha con gran tenacidad su plan para plasmar en su música y su arte un inmenso impulso creativo. Entre muchas otras cosas, se trata de una oda a la creatividad y al poder de la música y de la cultura pop en general, como una de las principales fuerzas culturales del mundo contemporáneo. Y es también el recuento íntimo y personal de una vida musical que ha tocado y puesto a bailar a millones de personas a lo largo y ancho del mundo.
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El Acueducto de Segovia es una de las obras de ingeniería civil romana más importantes y espectaculares que se conservan. Pese a ello, ha mantenido hasta ahora un poético misterio, tanto en torno a su fecha de construcción como respecto al nombre de su arquitecto e incluso bajo qué emperador se inició la magna obra. Este libro parte de un análisis epigráfico de las escasas inscripciones sobre el monumento de las que se tiene noticia, continúa con el apoyo del análisis estilístico de las formas del propio Acueducto y un estudio comparativo con otras construcciones de diversas épocas romanas para concluir ofreciendo posibles respuestas a los principales interrogantes planteados. Por todo ello, creemos marcar un hito, un antes y un después en la Historia del Arte Romano en España, poniendo a disposición del público esta obra, escrita en un lenguaje poético y casi coloquial, con expresivas ilustraciones, que acercará al lector medio al sempiterno problema de la datación del Acueducto de Segovia y a su propuesta de solución, dejándole en libertad para formarse su propio criterio a través de los datos existentes.
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Descubre el mundo íntimo de las Maiko de la mano de la mayor experta en los Hanamachi de Kioto y en la cultura de las geishas.Los hanamachi —literalmente, «ciudad de las flores»— son los barrios en los que residen y trabajan las geishas: un pequeño universo donde el tiempo parece haberse detenido, un lugar en el que perviven antiguas tradiciones y en cuyas calles se respira el arte y la belleza de la milenaria ciudad imperial de Kioto. La fama de los hanamachi ha trascendido las fronteras de Japón y hoy en día estos pintorescos barrios son conocidos en todo el mundo atrayendo a miles de turistas. Las maiko —aprendices de geisha— son su símbolo y, ataviadas con sus coloridos kimonos, recorren sus calles, acuden a eventos y reciben formación e instrucción en las artes y las tradiciones más antiguas de Japón.
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La biografía más personal y original de uno de los grandes genios de la música española de todos los tiempos.Paco de Lucía es uno de los músicos españoles más populares en todo el mundo. Expandió los límites del flamenco y lo fusionó con músicas como el jazz sin abandonar sus raíces. Fue pionero y guía de la revolución musical de los setenta. Aprendió a tocar la guitarra con un ambicioso plan parecido al que siguió Mozart y se convirtió en un virtuoso que superó a todos sus maestros. Hizo su primera gira mundial con catorce años y formó pareja artística con el mítico Camarón de la Isla. En 2024 se cumplen diez años de su muerte y, con ese motivo, este libro recorre su vida con un enfoque narrativo, aportando material inédito y profundizando en su atormentada personalidad, su necesidad creativa y su permanente insatisfacción. Con ustedes, el fabuloso Paco de Lucía.
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En el 75 aniversario del film Los tres mosqueteros, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: el original literario, los actores y sus personajes, el rodaje, las otras versiones... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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A través de 31 lecciones prácticas y sencillas, la acuarelista y profesora estadounidense Jeanne Dobie nos abre las puertas a una nueva manera de pensar el color que nos permitirá desbloquear nuestra creatividad y encontrar el modo de expresarnos a través del arte. Elaborar una paleta de pigmentos puros, entender el avance y el retroceso de los colores cálidos y fríos, generar atmósferas con veladuras, crear puentes cromáticos, aprender a camuflar con color, planificar los blancos y las sombras... Publicado originalmente en 1986 y convertido en todo un referente, este práctico manual nos ofrece las claves para entender no solo cómo actúan los colores y cómo se relacionan entre sí, también otros aspectos esenciales en la creación pictórica como la composición y el diseño.
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Paco de Lucía no nació siendo una estrella. Vivió de joven a veces en las giras, una vida de aventurero. Aprovechó una reyerta en un restaurante en México para echar mano a dos helados con un amigo e irse sin pagar el almuerzo. Pisó muchos camerinos cutres con espejos rotos y olor a humedad, pero lo recordaba como una época de juventud y libertad. Desde ahí, en un abrir y cerrar de ojos, su nombre en la marquesina de un teatro de ópera en cualquier ciudad del mundo era garantía de colgar el ''no hay billetes'' dos meses antes de la actuación. Alonso Escacena explora la personalidad del guitarrista a través de cientos de anécdotas, al mismo tiempo que analiza las habilidades tanto humanas como técnicas que hicieron posible su ascenso a la categoría de figura mundial destacada. “Paco atrae enormemente a las mujeres. Atrae a la gente, se mete en su piel. Esa expresión seria, los ojos cerrados, ese aire de misterio lo hace atractivo para los jóvenes. Tiene una inteligencia superlativa. Ha conocido la fama, pero lo irrita. La necesita, pero le ha robado la paz y la soledad. Puede tocar durante horas. Pero nunca dice: ¡Hoy he tocado bien! Disfruta de las pequeñas cosas. Busca la compañía de gente sencilla, de Bartolo, un perro sin raza ni pedigrí. De su papagayo brasileño que le canta flamenco, por canasteras” (Casilda Varela, primera esposa de Paco de Lucía, en una entrevista en 1978). “Me parece magnífica, pero magnífica, la sensibilidad con la que están reflejados los matices. Creo que has intuido muy bien los rasgos de Paco. Difícil en un hombre con tantos matices” (Casilda Varela, al autor).''
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La metrópolis contemporánea cuestiona nuestros valores más profundos, o al menos aquellos a los que estamos más apegados sentimentalmente. ¿Por qué arquitectos, regímenes políticos y culturas (europeas, americanas, asiáticas) que son completamente diferentes entre sí llegan a configuraciones similares? A través de temas generalmente desatendidos por los arquitectos, como la tabla rasa, el espacio basura o la congestión, Rem Koolhaas cuestiona ''lo que en su momento se llamó'' la ciudad como un espacio único para la reflexión. Este libro recoge los ensayos dedicados a algunas ciudades con las que Koolhaas ha tenido contacto por motivos profesionales, académicos o biográficos en las dos décadas de plena madurez: Atlanta, París, Lille, Tokio, Berlín, Nueva York, Moscú y Londres. No se trata de escritos teóricos, sino de un conjunto de textos coyunturales atravesados por laberínticas remisiones internas, situados a mitad de camino entre la experiencia y la reflexión.
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Las representacions del poder femenino (diosas, espíritus, demonios y santas) han ocupado a lo largo de los siglos un lugar central en las creencias de muchas culturas. Representaciones simbólicas y encarnaciones de un poder espiritual, imágenes que nos hablan de los ciclos naturales de la fertilidad y de la continuidad de la vida. Personifican el deseo y la pasión, el caos y la harmonia. Se asocian con brujerias y maleficios, representan la independencia femenina y se situan al margen de la sociedad. Son una Fuente de autoridad y liderazgo que ponen al Servicio de la comunidad. Encarnan el amor incondicional, la compasión y la salvación. Son veneradas y, al mismo tiempo, temidas.
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Desde Stravinsky, existe el prejuicio académico de que la música «no significa nada»: la crítica defiende que solo es ritmo, melodía, armonía, contrapunto, timbre y otros asuntos formales, como si no existiera todo un mundo interno que es el verdadero territorio de la música y de la vida misma. Y es que, como nos revela Claudio Naranjo, la música es un alimento psicoespiritual que nos eleva, nos sana y nos hace mejores. Esta es la tesis principal de La música interior: un conjunto interactivo de textos y ejemplos sonoros sobre el significado profundo de la música clásica, una obra revolucionaria que ayuda a comprender la influencia sutil de compositores que, como Bach, Beethoven, Brahms, Schumann, Mozart o Schubert, constituyen poderosos guías espirituales para la cultura occidental.«Que el tesoro vivencial de la música, en vez de servir para compensar nuestra vida superficial a manera de un sustituto de nuestro propio sentir, sirva más bien para la recuperación de nuestro propio sentir. Pues una cosa es que la música comunique devoción, compasión o gozo, y otra que lleguemos a sentir estas formas del amor, que es lo que verdaderamente importa porque nos enriquece». CLAUDIO NARANJO
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Después de casi 40 años de no parar de escribir sketches, programas de televisión, series, tvmovies, películas y obras de teatro y de más de 25 años de dar clases en los estudios de comunicación audiovisual de la Universitat Pompeu Fabra, Piti Español ha decidido publicar un libro que explique todo lo que ha aprendido sobre la escritura de diálogos para cine y televisión. Cómo escribir diálogos que funcionen para cine y televisión es un libro basado en su experiencia, tanto de escribir escenas dialogadas como de analizarlas en sus clases. Un libro que quiere ser una especie de manual con reflexiones teóricas y consejos prácticos, lleno de ejemplos sacados del cine, de la televisión e, incluso, de anuncios comerciales, que sirva tanto a estudiantes que quieren aprender las bases de escritura de diálogos, como a profesionales que quizás descubran recursos, ejemplos y trucos narrativos que desconocían.
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¿Quiénes somos después de David Cronenberg? Tras más de cinco décadas desbordando los límites del cine fantástico, y tras el impacto de films como La mosca, Crash, Inseparables, Videodrome, Cromosoma 3, Crímenes del futuro..., ¿dónde nos ha dejado el cine de David Cronenberg? ¿Hasta dónde nos ha llevado el perfeccionamiento y desarrollo de su paradigma de la nueva carne, que ha fascinado a los pensadores de nuestro tiempo -y de sus imágenes- casi tanto como a los amantes del cine? ¿Cómo pensar la nueva sexualidad que se desprende de su estética? ¿Cómo afrontar el deseo en un cuerpo que se hunde y se entrevera con la máquina y la tecnología? ¿Sobrevive Dios a David Cronenberg? En busca de los límites más extremos del cineasta canadiense, exploramos sus orígenes más arcaicos, profundas reminiscencias que conectan su cine con las imágenes radicales del accionismo vienés, de la performance, el body art, la transformación y la performatividad del cuerpo, el imaginario cyber, imágenes-shock con las que vislumbrar la llegada de la nueva carne, y que aún hoy la reconfiguran. Pero también nos preguntamos por el legado de sus perversiones, sus transgresiones culturales, el desenlace de sus alcances y sus inercias contemporáneas: el sentido -casi final- de una filmografía única. Este volumen cuenta con los textos de análisis y pensamiento de autores de múltiples disciplinas: ensayo fílmico, análisis textual, reflexiones desde el psicoanálisis o la filosofía, y textos de autores especializados en cine fantástico y de terror con objeto de llevarnos a los límites de David Cronenberg.
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Colección Manga Style 06. Pistachio.
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Shilpa Gupta es conocida internacionalmente por su práctica multifacética profunda y socialmente comprometida. Su trabajo es una exploración continua de cómo las acciones e interacciones humanas están sujetas a una variedad de ofertas externas e internas, desde construcciones sociopolíticas hasta relaciones personales y tecnología. La naturaleza sinestésica de su práctica tiene sus raíces en la ciudad posliberalizadora de Mumbai en India, donde creció en la década de 1990, y el complejo panorama político del sur de Asia. El trabajo de Gupta ha sido defendido por muchas luminarias del arte y curadores de alto perfil, incluidos David Elliott, Massimiliano Gioni, Geraldo Mosquera y Hans Ulrich Obrist. Es la primera artista del subcontinente asiático, una región con una escena artística en auge, en ser elegida para ser perfilada en la Serie de Artistas Contemporáneos. Una aguda observadora de lo cotidiano, Gupta crea videos, instalaciones interactivas, esculturas y performances participativos, estimulando en el espectador una reflexión sobre cómo se definen los lugares y las personas y el significado de pertenencia. Esta es la primera monografía completa de su obra.
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En otoño de 1965, la cantante de blues Willie Mae «Big Mama» Thornton hace una gira por Europa con el American Folk Blues Festival. En cinco semanas recorre ciudades como Berlín, Copenhague, Estocolmo, Bruselas, Amsterdam, Dublín, Londres, París y Barcelona. La acompañan, entre otros, los músicos John Lee Hooker, Buddy Guy, Walter «Shakey» Horton y JB Lenoir. Una chica sin suerte sigue a la salvaje Big Mama Thornton en esta gira en la que se descubre el pulso cambiante de los contradictorios años sesenta. De fondo, la lucha de los afroamericanos por los derechos civiles, la guerra en Vietnam, los movimientos contraculturales y las drogas. Todo a ritmo de blues, una música nacida de la pobreza y de la resistencia. «Soy gorda. Y negra. Pero valgo más que todos vosotros, bastardos. Nunca nadie me enseñó nada. Nunca fui a la escuela de música ni nada parecido. Si escucho un blues que me gusta, intento cantarlo a mi manera. Siempre es mejor hacer las cosas a tu manera. Mi forma de cantar viene de la experiencia. De mi propia experiencia. De mis propios sentimientos. No canto como nadie excepto como yo misma».
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El ocaso y el alba son las dos caras del mismo fenómeno: mientras los que estamos aquí vemos la puesta de sol, los que están al otro lado ven el amanecer. dibujar el sol es el segundo libro de la serie dedicada a los históricos talleres de Bruno Munari. El artista italiano recopila algunos ejemplos de soles dibujados por niños, junto con otros representados por distintos artistas, para mostrarnos las infinitas formas en que el sol puede ser interpretado y representado.
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Marc de Mazières pertenece a una familia de famosos arquitectos en Marruecos, aunque no era conocido por su faceta de escritor, también compartía esta afición. Su actividad como presidente de la «Fédération des Syndicats d’Initiative» en Marruecos, le ofreció la oportunidad de conocer el país, conocimiento patente en tres obras suyas: Les kasbas du Haut Atlas (1932), Promenades à Fès (1933) y Promenades à Marrakech (1937).Por lo que se refiere a la presente obra, es evidente que no es fruto de la sola observación de la estancia del autor en Fez, también se nutre de lecturas eruditas previas, cuyas referencias abundan en Promenades à Fès. Se trata de autores árabes, españoles y franceses de diferentes épocas: el-Bekri, Ibn Abi Zara el Fesi, León el Africano, Mármol y Carvajal, Pierre Loti, Maurice le Glay, Gómez Carrillo, etc. A veces dichas lecturas parecen interponerse entre él y la realidad.Así pues, de Mazières relata con mucha precisión los usos y costumbres de Fez y no escatima detalles en sus descripciones y comentarios. Evoca la diversidad de la población activa y productiva, así como las élites refinadas y cultas. Explora casi todos los rincones, ya sean en la Adwa de los Andalusíes, el barrio de los andalusíes, o en la Adwa de la Qarawiyyin, el barrio alrededor de la famosa mezquita. Todo lo que ve es para el autor motivo de encanto: palacios, santuarios, madrazas, zagüías, jardines, zocos, fiestas… Le seduce la luz del amanecer y del atardecer, le encandila el canto del agua que fluye sin cesaren los múltiples canales subterráneos del ued [río] o que corre por las fuentes…
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El objetivo de este libro es recopilar y arreglar buenas piezas musicales, creando nuevas partituras para piano que sean claras de leer y mantengan su sonoridad original. Estas partituras son adaptaciones de las originales, con un nivel medio de dificultad pianística, muy asequibles para un estudiante o pianista de cualquier edad. La última intención de este trabajo es la de animarse a sentarse al piano y que disfrute de la música cualquier persona aficionada a este instrumento
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¿Cuál es la distancia que separa una obra de arte valiosa de la que no lo es? ¿Acaso es una mera cuestión de gusto, de bagaje, de canon, de accesibilidad, de marketing? Juan Cárdenas aventura en este libro una teoría: «Todo gran arte trae consigo la marca de la ligereza». No es tan fácil distinguir lo ligero de lo pesado, pero hay algo que está claro: la fuente primordial de la ligereza es el placer. El arte da placer no porque imite a la vida, sino porque es capaz de traducir sus leyes secretas al lenguaje de las formas sensibles. Y la vida es ligera, fugaz, esquiva, grácil, vulnerable y resistente de un modo inexplicable. En su afán por desentrañar este concepto, el autor nos lleva de la mano por una serie de cuestiones esenciales para reflexionar sobre lo que hoy consideramos digno de admiración, ya sean las modas, lo militante, las inercias del mercado, la posibilidad de la utopía o el lado oscuro de uno de los mantras de la sensibilidad contemporánea: la búsqueda de la autenticidad. Un recorrido original que acaba por ser, además, una manera de esclarecer los mecanismos de su propia escritura. La precisión y la afabilidad de su prosa, la plasticidad de sus ideas y su deslumbrante capacidad para exponerlas de una forma tan sencilla como profunda hacen de La ligereza un ensayo estimulante y fértil, una grieta luminosa en el imperturbable territorio de lo mayoritario.
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Un análisis interdisciplinar de la concepción, construcción y representación del espacio en la obra velazqueña desde la pintura como la arquitectura.Velázquez y el espacio es un análisis de la concepción, construcción y representación del espacio en la obra velazqueña. En la Historia del Arte, su trayectoria creativa suele acotarse al terreno estrictamente pictórico, pero hay otro Velázquez. Tras los —pocos— datos que de su vida nos han llegado, podemos descubrir a un creador interdisciplinar, interesado tanto en la pintura como en la arquitectura, la escenografía y la reflexión teórica, labores oscurecidas, tanto por su propia genialidad como pintor, como por la clasificación académica de las artes, que tienden a encasillar la creación en cotos cerrados —pintura, escultura, arquitectura, artes menores, artes aplicadas…—. Este es un intento de trascender esas clasificaciones y abordar el trabajo de Velázquez en su conjunto a través del estudio del espacio en su obra.
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Amandine Gallienne despliega una paleta de cien definiciones para reflexionar sobre nuestra percepción y mostrarnos que el color es un marcador cultural por excelencia.El color es como el aire que respiramos. Está en todas partes: desde la naturaleza hasta los edificios, desde la pintura hasta los carteles publicitarios, desde la moda hasta el lenguaje de las flores, desde la cromatografía hasta la heráldica...Pero, ¿sabías que el significado de los colores difiere según las culturas e incluso las épocas? ¿O que las catedrales eran originalmente multicolores? ¿Hay nombres de colores que no pueden traducirse a algunos idiomas? ¿Quién descubrió el espectro electromagnético de la luz? ¿El negro es un color?Amandine Gallienne despliega una paleta de cien definiciones para reflexionar sobre nuestra percepción y mostrarnos que el color es un marcador cultural por excelencia.
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Press Here retoma las cuestiones que orientan la práctica artística de Marta Pujades como el análisis de la construcción de las imágenes y de la representación de los sujetos, así como las relaciones que se establecen en torno a la materialidad de la fotografía en cuanto cuerpo y la intangibilidad del cuerpo en cuanto imagen fotográfica.
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Este ensayo es un apasionante relato arraigado en la historia de Andalucía y los pueblos de España. Con un lenguaje ameno, pero no por ello menos riguroso, su autor, Manuel Ruiz Romero, nos muestra cómo Blas Infante y los andaluces de su generación lideraron un movimiento y un ideal que moldearon el futuro de Andalucía hasta nuestros días. Una lectura esencial para comprender el pasado y el presente de Andalucía, así como la vigencia del mensaje de esa primera ola de andalucistas y la semilla que plantaron. No en vano, el Andalucismo Histórico, lejos de tópicos, lleva como estandarte la confianza en las capacidades propias del pueblo andaluz y la defensa de sus características singulares. La obra de Ruiz Romero es un espejo en el que podemos mirarnos para conocernos mejor y creer en nuestras posibilidades como pueblo. Es una reivindicación histórica desarrollada en un trabajo especialmente dirigido a aquellas generaciones que sienten la inquietud de conocer más y mejor su tierra. Hacía falta una obra cercana y accesible para todos los públicos, de la mano de uno de los mayores especialistas en esta temática, para que el andalucismo como parte de la historia, identidad y aspiraciones de nuestra tierra deje de ser asunto de eruditos y estudiantes, y pase a ser sentimiento y conciencia en cada andaluz. Sus contenidos, sin dogmatismos y enriquecidos con las últimas contribuciones al respecto, no dejan a nadie indiferente. Los sugestivos capítulos de esta síntesis representan un relato instructivo que acerca hechos, personajes y mensajes, sin comparaciones, demagogia ni complejos, de un periodo de nuestra historia reciente del que los andaluces y andaluzas somos herederos y protagonistas. Un libro cercano y popular que no concluye en la última de sus páginas y que, con seguridad, es el comienzo de una gran amistad.
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Cézanne est le créateur de formes inédites qui inspirera aux jeunes peintres, cubistes et autres, l’ambition de réaliser avec des éléments naturels connus des ensembles essentiellement nouveaux. Cézanne est l’inventeur de cette perspective sensible qui abandonnera à la sculpture la notion de troisième dimension pour réussir à faire de la peinture “ l’art de creuser une surface ”.Grâce à Cézanne, une nouvelle conception optique est née en même temps qu’une vision esthétique qui aura délivré la peinture de l’ancien concept d’imitation.
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En aquesta obra s'han reunit quinze treballs de caràcter divulgatiu que s'emmarquen en la història de les arts escèniques referida sobretot a les Balears. S'hi aborda, en general per primera vegada, la història del circ a Mallorca, la normalització del teatre català a Mallorca, el teatre de titelles a les Balears, el teatre dels presoners francesos a l'illa de Cabrera, els costums de fumar i de dur capell als teatres mallorquins en els segles xix i xx, les biografies de cinc actors mallorquins del segle xix i l'accés dels autors illencs a les companyies professionals. També s'hi presenten uns panorames del teatre mallorquí i gallec contemporanis, un estudi sobre les edicions teatrals d'autors balears en el segle xxi i unes notícies de les Miniatures teatrals i de la recepció del teatre de William Shakespeare, Henrik Ibsen i Arthur Miller a Mallorca. Una obra de lectura i consulta imprescindibles per als estudiosos i amants de les arts escèniques illenques.
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