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Llibres de disseny i arts decoratives
Descobreix la nostra col·lecció de llibres de disseny. Una àmplia i variada selecció de lectures per aprendre les tècniques professionals de pintura i dibuix. Converteix-te en un artista! Compra llibres de disseny online. En aquesta secció disposem d'una extensa selecció de llibres de disseny i arts decoratives. Lectures que et convidaran a aprendre a explicar històries i dibuixar, a crear objectes amb ceràmica, a escriure, a pintar a l'oli o amb aquarel·les, a fer maquetes, gravats, marqueteria, serigrafia o cal·ligrafia amb pinzell. Així mateix, hi trobaràs equips complets de dibuix, manuals de tècniques de dibuix i guies introductòries sobre tot tipus de materials, com ara esmalts ceràmics, llapis, pintures i tintes, entre altres.
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La gran aventura intelectual del surrealismo agrupó, en los primeros años del siglo xx y a la sombra no siempre protectora del movimiento Dadá, a un reducido grupo literario que acabaría pronto con los gestos y actitudes de la vanguardia rezagada. Contaminó e hizo suyas pintura, escultura, cine y solo la música parece haber estado fuera de su influencia. Intervino en política con la contundencia de una izquierda sin ataduras, ajena al escalafón y al consenso, uniendo a Marx y a Rimbaud en una frase que ha hecho fortuna: «Objetivo triple e indivisible: transformar el mundo, cambiar la vida, rehacer de arriba a abajo el pensamiento humano». A despecho de ellos mismos que siempre se consideraron al margen del orden establecido, fue la literatura su campo de acción y en muchas ocasiones su campo de batalla. André Breton, Paul Éluard, Benjamín Péret, René Crevel, Antonin Artaud, Louis Aragon y Tristan Tzara forman parte de la literatura francesa del siglo xx. Saber lo que se quiere era una forma de ser del surrealismo y nunca se encontraron a gusto en el escalafón de los manuales: «Desaparecer es triunfar» (Éluard, 1921), «Cuando no se tiene genio el consuelo es tener éxito» (Leiris, 1929), «Es precisa la perseverancia para llegar al fracaso» (Chavée, 1958). Repertorio de ideas del Surrealismo (1919-1970), reúne textos publicados en libros y revistas, muchos de ellos de difícil acceso para el lector actual. Recoge una parte importante de la agitada historia del Surrealismo y de la actitud de los surrealistas sobre los problemas de su tiempo. Su contenido, a pesar de diferentes autores y de un largo periodo de más de cincuenta años, tiene un carácter, un tono que lo recorre y lo identifica.
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Este libro reúne una selección de veintiuna entrevistas con el artista Santiago Sierra (Madrid, 1966) realizadas por críticos, periodistas, comisarios e investigadores entre 2002 y 2015. En estas conversaciones se discuten muchos de los proyectos más representativos de su amplísima producción, por lo que el volumen ofrece una visión panorámica de la obra de uno de los artistas más clarividentes y mordaces de las dos últimas décadas.
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Con estos cuadernos vamos a poder realizar unos estupendos ejercicios siguiendo los mismos pasos que un artista profesional. Para ello sólo hay que prestar atención a las explicaciones y observar detenidamente las imágenes que configuran cada paso a paso. Al comienzo de cada ejercicio se indica el material y los colores que precisaremos, y a lo largo de ellos, las mezclas o los pinceles adecuados. Para facilitar la labor inicial, se incluyen plantillas con el dibujo base hecho que se podrá calcar cómodamente teniendo así ese paso solucionado de antemano. También incluimos algunos consejos para enmarcar su cuadro, teniendo en cuenta el equilibrio de color, la forma del dibujo, la composición y todos aquellos factores que se plantean al escoger un marco adecuado. En estos cuadernos hemos puesto nuestro empeño en conseguir que cualquier persona, además de aprender la técnica, logre un resultado atractivo y digno.
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Two authorities on popular culture reveal the ways in which art can enhance mood and enrich lives - now available in paperback.This passionate, thought-provoking, often funny, and always-accessible book proposes a new way of looking at art, suggesting that it can be useful, relevant, and therapeutic. Through practical examples, the world-renowned authors argue that certain great works of art have clues as to how to manage the tensions and confusions of modern life. Chapters on love, nature, money, and politics show how art can help with many common difficulties, from forging good relationships to coming to terms with mortality.
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A volume examining queer lives caught between empowerment and stigmatization in early twentieth-century Germany.The contributions in this volume present the story of queer lives in Germany during the first half of the twentieth century—from the first emancipation movements around the turn of the century via attempts at self-empowerment in the Weimar Republic to the destruction of queer subcultures under the National Socialist regime and the continued discrimination against LGBTIQ* persons in the postwar period. Since the late nineteenth century, increasing numbers of people have self-assuredly championed the recognition of queer lifestyles. These pioneers formed collectives, made their voices heard, and questioned dominant gender categories politically, scientifically, and artistically. Through essays, interviews, and artworks, the authors and artists illustrate this struggle for recognition which was forcefully prevented and destroyed following the seizure of power by the National Socialists and almost forgotten after 1945.
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«Getting up» es el término utilizado por los grafiteros para lograr de jar su sello personal en la red de metro. A través de entrevistas espo ntáneas, Castleman documenta las vidas y actividades de estos jóvenes artistas de la calle, a través de su jerga y mitología. Con un enfoque más descriptivo que analítico, deja que los «escritores» hablen por s í mismos, dando como resultado una historia concisa y descriptiva de la cultura suburbana, pero también de la elástica sociedad que la creó. Al margen del debate que suscita esta controvertida forma de expresió n, cuando uno termina de leer Getting Up siente admiración por el inge nio de los jóvenes escritores.
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Tras padecer una devastadora epidemia, la ciudad de Córdoba encontró apoyo en la Iglesia, la Nobleza y el Cabildo municipal, quienes se unieron para erigir numerosos Triunfos a San Rafael. Este viaje se inició en 1651, con la construcción del primero, y culminó en 2014, con la finalización del último. Una historia de 372 años que ha legado a la ciudad monumentos únicos, enriqueciendo aún más su excepcionalidad. Lo más destacado es cómo Córdoba ha dotado a la figura del Arcángel de una iconografía propia. En lo que respecta a sus Triunfos, San Rafael se alza en lo alto de su pedestal, con su característico nimbo, vestido con túnica, portando el bordón de peregrino, una capa o manto y calzas hasta media pierna. En una mano sostiene un pez y en la otra, la cartela con el juramento que lo declara el custodio de la ciudad: ''Yo soy Rafael ángel, a quien Dios tiene puesto para guardia y custodia de esta ciudad''. Para experimentar esta singular iconografía, una visita a Córdoba es imprescindible. “Este libro es un tributo a la figura de San Rafael y a la ciudad que tanto lo venera, una invitación a explorar la magia y la profundidad de su legado. Bienvenidos pues a un viaje por la ciudad de Córdoba a través de los triunfos de San Rafael, donde la fe, la historia y la tradición se entrelazan en una narrativa que celebra la grandeza de este arcángel, “medicina de Dios”. ¡Feliz paseo y felices encuentros!” Monseñor Juan José Aguirre, obispo de Bangassou, Centroáfrica
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The scale and organisation of the Roman army was unprecedented in the ancient Western world. This book tells the story of everyday aspects of the army in the heyday of the Roman Empire – from life in a tent to the food soldiers consumed – and explains its hierarchy, roles, equipment and place in a vast multiethnic society divided between citizens and subjects. Through this social evolution, the army gradually transformed the state it was established to protect. Innovations in military training and technology, including medicine, allowed common Roman soldiers to be as wellequipped as their generals and to have realistic prospects of surviving the 25 years of military service. This book dispels preconceived notions about the Roman army – for example, that forts were exclusively the domain of male soldiers – and addresses the violence committed by soldiers towards women, conquered subjects and enslaved peoples. The risks of becoming a soldier are also explored, especially the consequences for convicted soldiers (decimation, crucifixion or becoming amphitheatre entertainment). Most importantly, readers will discover a vivid picture of what life was really like in the Roman army, including how soldiers signed up and were trained what life was like in tents, forts, and on the battlefield and soldiers’ dress, diets, health and relationships.
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A glorious illustrated history of twenty of the world's greatest cathedrals, interwoven with the extraordinary stories of the people who built them.Heaven on Earth covers an entire millennium of cathedral-building from c. AD 500 to the sixteenth century. The central core of Emma Wells's book focuses on the explosion of ecclesial construction that began with the emergence of the Gothic style in twelfth-century France, which produced such remarkable structures as the cathedrals of Notre-Dame, Canterbury, Chartres, Salisbury, St Mark's Basilica in Venice and the Sainte-Chapelle in Paris. From Constantinople's Hagia Sophia to London's Westminster Abbey, from Florence's Duomo to St Basil's in Moscow, Emma Wells tells the story of the feats of engineering that brought twenty great cathedrals into being.More than architectural biographies, these are human stories of triumph and tragedy that take the reader from the chaotic atmosphere of the mason's yard to the cloisters of power. Together, they reveal how 1000 years of cathedral-building shaped modern Europe, and influenced art, culture and society around the world.
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As one of the most recognizable brands in the world, Marvel has spent the last 80-plus years inspiring generations of creatives through its approach to visual storytelling. Marvel’s comic books, in particular, established a distinct graphic language that has found its way into mainstream culture, including 1960s Pop Art, and present-day digital culture, gaming, advertising, and more. Marvel By Design will celebrate the company’s visual language with an in-depth exploration of the design process behind the brand’s most recognizable graphical elements including logos, covers, lettering, layout, and color palettes. Readers will learn how the renowned Marvel Method established a unique approach to the creative process and how that process can serve as a template for creatives working beyond comics. Throughout the book, Marvel by Design will connect the dots between comic culture and its undeniable influence in every creative field including the evolution of graphic design, editorial design, movies, and visual culture at large. Highlights include:- An expansive, five-part visual encyclopedia, highlighting examples of Marvel’s exceptional approach to logos, layout, lettering, cover design, and color palettes. This section will feature insights from some of Marvel’s most renowned contributors including artist Klaus Janson and letterer Todd Klein, among others.- Essays from famous graphic designers including Mike Essl and Paul Sahre, as well as from well-known Marvel contributors including letterer Chris Eliopolous and designer/editor Carl Potts. An oral history of the making of House of X, featuring Jonathan Hickman, editor Jordan D. White, and designer Tom Muller.- Case-studies that trace the visual evolution of ten iconic characters.- Hundreds of images from Marvel’s past and present.
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Pinturas negras de Goya analiza una de las obras más herméticas del artista y, a la vez, de mayor efecto visual y emocional. Pintadas entre 1819 y 1823 en las paredes de la Quinta sobre el Manzanares que poseía el pintor, constituyen un verdadero paradigma de la modernidad, de «Capilla Sixtina» de la modernidad se dice en el libro, y constituyen un verdadero resumen de la obra del artista aragonés. Realizadas entre 1819 y 1823 sobre los muros de dos salas de la Quinta llamada del Sordo, las Pinturas negras proporcionan una imagen del mundo sombrío y del mundo luminoso que siempre ha sido característico de Francisco Goya. Más allá del interés histórico y de la preocupación académica, sin ignorarlos, se contemplan como obras vivas, imágenes vivas en las que, a pesar de su carácter enigmático (quizá también por él), nos reconocemos.
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Sólo unos cuantos devotos de la forma se han acercado a las radicales contribuciones que Rembrandt Harmenszoon van Rijn aportó al arte del autorretrato. Desafió las convenciones consagradas por sus predecesores y transformó este formato en un medio capaz de comunicar profundidad emocional, en lugar de plasmar simplemente el aspecto físico en un ambiente lujoso. Con más de 80 obras que abarcan pinturas, grabados y dibujos, los autorretratos que el holandés realizó a lo largo de su vida son un medio para fijar lo efímero. A lo largo de cuatro décadas, una constante llama la atención en todas las técnicas y estilos: el empeño de Rembrandt por presentarse desde múltiples perspectivas, de celebrar la multiplicidad del individuo y de apostar por un retrato natural y sin filtros de la expresión emocional.Además de las preocupaciones temáticas presentes en el conjunto de autorretratos de Rembrandt, las creaciones también son un ejemplo de innovación técnica y experimentación. En toda su obra encontramos una humanidad inequívoca, cada pincelada expresiva y cada detalle confuso se traducen en una caracterización resuelta y honesta de sí mismo, de todas sus debilidades, sentimientos encontrados y etapas de la vida.Esta monografía presenta todos los autorretratos de Rembrandt. Desde sus primeros experimentos cuando tenía 22 años hasta su último autorretrato pintado un año antes de su muerte, esta colección monumental es testimonio de una vida dedicada a revolucionar la práctica pictórica en forma y contenido.
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Esta exposición, organizada por el MNAC en colaboración con el Centre Pompidou-Metz y el Musée d'Art de Nantes, revisa la figura de la artista Suzanne Valadon (1865-1938), una figura emblemática de la bohemia de Montmartre a principios del siglo XX. Pintora, dibujante y grabadora, Suzanne Valadon practicó todos los géneros, desde el retrato y el desnudo hasta la naturaleza muerta y el paisaje.
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En este catálogo destaca la diversidad de materiales y técnicas que el artista exploró a lo largo de su carrera. Cada pieza es un testimonio de su búsqueda incansable por entender y expresar la relación entre el espacio, la materia y el tiempo. En las décadas de los ochenta y noventa, las obras de Eduardo Chillida se transformaron a través de su diálogo con la arquitectura, un intercambio que marcó su evolución artística y dejó una huella indeleble en su legado.
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«He de decidir qui soc? Com m'expresso? Amb quina mena d'alfabet de gènere o discurs m'identifico? D'on trec la concreció? Dels corrents «actuals »? Com puc trapar l'alè i encapsular-lo? Potser dins d'una carpeta comprimida? Qui ho dictamina? I la recepta? M'automedico o li demano al farmacèutic de la fàrmac-IA que m'ho mescli i ho configuri tot de nou? Com puc parlar si no és després d'escoltar atentament cadascun dels artistes que em viuen? Dels pintors! Els convoco, perquè no vull deixar de banda la idea d'ofici ni esborrar les seves empremtes de les meves primeres passes, ni abandonar aquesta patologia de les múltiples personalitats que em fan ser u.»
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LOS GENIOS DEL RENACIMIENTO Y DEL BARROCO ITALIANO EN EDICIÓN DE LUJO. PREMIO AL LIBRO MEJOR EDITADO DEL MINISTERIO DE CULTURA.EDICIÓN DE LUJO DE LA PINTURA ITALIANA: LOS GENIOS DEL RENACIMIENTO Y DEL BARROCO ITALIANO.ENCUADERNADO EN TELA CON SOBRECUBIERTA, PAPEL MATE EN EL TEXTO TIPO PASPARTÚ Y PAPEL SEMIBRILLANTE PARA LAS ILUSTRACIONES ENCOLADAS ARTESANALMENTE.RECONOCIDO CON EL PREMIO AL LIBRO MEJOR EDITADO OTORGADO POR EL MINISTERIO DE CULTURA.
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Libro publicado con ocasión del recorrido Un paseo botánico por el Prado, celebrado en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 28 de octubre de 2024 y el 30 de marzo de 2025.El presente volumen fija su atención en treinta especies botánicas representadas en otras tantas obras del Museo del Prado: pinturas y esculturas destacadas de la colección permanente, como El jardín de las delicias del Bosco, El descendimiento de Van der Weyden o La Anunciación de Fra Angelico. Cada una de las treinta plantas va acompañada de un comentario de Eduardo Barba y de una ilustración botánica realizada por Juan Luis Castillo, así como de la reproducción completa y en detalle de la obra del Museo.En palabras de Eduardo Barba: «Muchas obras de arte rebosan de plantas. En otras, se encuentran un poco más escondidas. En todos los casos, la botánica es una parte indispensable del relato que el artista quiere narrar: hay flores que aluden a la dinastía de la persona retratada, hojas que resumen un sentimiento, árboles que transmiten a la escena cualidades que les son propias. Las especies escogidas podían estar presentes en el entorno del artista, incluso al pie de su taller de trabajo.Pero otras veces, y como fruto de las expediciones a distintos lugares del mundo, se incorporaban plantas exóticas que provenían de países lejanos y que enriquecían la flora artística, especialmente a partir del siglo XVI. De cualquier manera, las obras de arte dejan constancia de la fascinante capacidad de observación del medio natural de los artistas, que retrataban las plantas con delicadeza, como si fueran un personaje más».
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La paraula Renaixement transporta tothom a un període historicoartístic gairebé mític, vinculat als grans mestres de l’art occidental i ple de bellesa, però la seva expansió no es va desenvolupar de la mateixa manera ni al mateix ritme arreu d’Europa. A la Catalunya del segle XVI és sinònim de contrastos, entre la tradició gòtica i l’impuls de les noves idees humanístiques: esglésies, grans casals, retaules grandiosos, mobiliaris exquisits o decoracions fascinants. A través d’un itinerari, intens però no exhaustiu, proposem presentar-vos obres, artistes, objectes, viatgers, descobridors i introductors del nou llenguatge plàstic que es va anar imposant des de l’epicentre italià. En el relat de la nostra història cultural, l’art del segle XVI hi ocupa un espai propi, excepcional i ple de singularitats, massa sovint passades per alt.
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La Spanish Gallery de Bishop Auckland tiene una colección pequeña pero extraordinaria de obras que representan a la Magdalena penitente en su cueva del sur de Francia, pintadas por tres artistas del siglo XVII que hoy son poco conocidos fuera de España pero que en su día fueron celebrados. Juan Bautista Maíno pasó una temporada en Roma y más tarde se hizo fraile dominico. Luis Tristán fue el discípulo más famoso del Greco y, aunque trabajó sobre todo en Toledo, de joven pasó unos años en Italia, probablemente en compañía de José de Ribera. Mateo Cerezo fue el pintor más importante salido de su ciudad, Burgos, aunque murió joven y tuvo una carrera muy breve.
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Con la ayuda de su segunda esposa, Francesca Fontana, y una serie de amanuenses y artistas que trabajaron para él durante muchos años, el naturalista boloñés Ulisse Aldrovandi (1522-1605) dirigió una empresa colectiva cuyo objetivo era por encima de todo la acumulación: la acumulación de saber y de objetos que llegaron a conformar la mayor colección de naturalia de la Europa del siglo XVI. Apoyado en el epistolario que se extiende a lo largo de más de cincuenta años de la vida de Aldrovandi, el presente libro abre una ventana sobre el contacto directo con individuos dentro y fuera de Italia, destacando su interés por las novedades del Nuevo Mundo y por las anomalías físicas del mundo natural. En este libro el lector encontrará información sobre su vida, cómo encaró el estudio de las antigüedades y de la historia natural, su red de corresponsales y patronos, así como la influencia y el legado de sus voluminosas publicaciones.
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Tamarit Viena
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Malgrat la importància de Nonell en la història de l'art català i la seva projecció internacional, fins ara no hi havia un catàleg raonat de la seva obra. Aquí presentem el catàleg raonat de la seva obra pictòrica sobre tela. Es reprodueixen tots els quadres que, a parer de l autora, són obra de Nonell, amb els detalls tècnics pertinents, les exposicions en què han estat exposats i la bibliografia (fins el 2023), a més d'observacions. El catàleg està ordenat cronològicament i per etapes. L'obra està prologada per Francesc Fontbona.
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Nuevo volumen de la colección de catálogos razonados del Museo del Prado, tras El Greco, Pintura holandesa, Las miniaturas en el Museo del Prado y Luca Giordano. Este catálogo estudia las pinturas realizadas en los Países Bajos durante el siglo XV que custodia el Museo del Prado, incluyendo las de artistas activos en el XVI pero vinculados con el quehacer del siglo anterior. Se trata de un momento trascendente para la cultura artística occidental, que alumbra la obra de creadores revolucionarios, como Jan van Eyck, Rogier van der Weyden o el Maestro de Flémalle, la de los maestros que siguieron su estela, como Dirk Bouts, Hans Memling o Hugo van der Goes, y la de otros autores de menos fama pero de producción igualmente notable. La pintura flamenca temprana es célebre no solo por su delicadeza técnica e intensidad narrativa, sino por la dificultad que entraña interpretar los asuntos representados. Además, la ausencia de documentación cierta sobre sus creadores, de muchos de los cuales se ignora hasta su identidad, y la escasez de datos sobre las propias obras, hacen que su estudio sea uno de los más complejos pero también más atractivos de la historia del arte. Esta publicación actualiza el conocimiento de esas obras y sus autores en el Museo. Se catalogan creaciones individuales, trípticos completos o escenas fragmentarias de unos veinte artistas, de quienes se ofrece una sucinta biografía con sus obras seguras y clave para atribuir las que se examinan, sean estas autógrafas, de taller o de seguidores. A los datos y el análisis histórico y artístico de cada una se añade un exhaustivo estudio técnico, fundamental para precisar conclusiones, incluyendo la revisión de atribuciones tradicionales y la propuesta de la más certera autoría para pinturas que hasta hoy se tenían por anónimas. Su autor, José Juan Pérez Preciado, técnico del Museo en el Área de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte, ha llevado a cabo este trabajo en colaboración con el Gabinete Técnico y Laboratorio del Museo y con la asesoría científica de Lorne Campbell, reconocido experto en la pintura de los Países Bajos, que escribe la introducción sobre el temprano interés que esas bellas creaciones despertaron en España.
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Exposición Sorolla, cien años de modernidad: es un proyecto de Light Art Exhibitions en colaboración con Patrimonio Nacional, que tendrá lugar en la Galería de las Colecciones Reales, desde el16 de octubre de 2024 hasta el 16 de febrero de 2025.
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La fascinación de Adriana Varejão por el mestizaje y el color de la piel se explora en esta obra inédita, que adopta la forma de una doble baraja de cartas.Aquí aborda la noción de identidad interracial en su Brasil natal. Aunque el censo brasileño divide tradicionalmente a su población en cinco grupos según patrones predefinidos de tono de piel (blanco, negro, amarillo, rojo (o indígena) y pardo*), en 1976 planteó una pregunta abierta: “¿Cuál es su color?”. El resultado fueron 136 autodefiniciones. Algunos de los términos parecen poéticos o inusuales, más figurativos que literales, o pertenecen a un contexto cultural específico. Pero la encuesta y su representación de la diversidad de tonos de piel también parece descubrir el racismo latente de Brasil de una manera poco convencional.Esta lista de nombres y expresiones, abierta a la libre interpretación de los colores correspondientes, fue el origen de este libro de artista.(*) Término genérico que no define una raza o color específico, utilizado para describir “mezclas” variadas e indistintas entre blancos, negros y/o indígenas.
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Este libro abarca cuarenta años (1984-2024) de la carrera del artista japonés, arrojando luz sobre el proceso conceptual de Nara a través de pinturas, dibujos, esculturas, cerámicas e instalaciones que reflejan su visión empática del mundo que le rodea.“El artista confronta la verdadera esencia de las personas y las cosas […], y como resultado crea obras que funcionan como espejos que devuelven el reflejo de su propio corazón a los espectadores”. Yositomo NaraUna de las sensaciones editoriales de este año: exposición en el Museo Guggenheim de Bilbao (del 28 de junio al 3 de noviembre de 2024).
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Georgia O'Keeffe (1887-1986) fue una gran figura del arte moderno estadounidense durante siete décadas. Su fama no estuvo asociada al cambio de tendencias y estilos artísticos, sino a su visión única, basada en la búsqueda de formas abstractas y esenciales en la naturaleza. Los temas primordiales de O'Keeffe fueron los paisajes, las flores y los huesos, que desarrolló en distintas series a lo largo de varios años. Algunos trabajos se prolongaron durante décadas y dieron como resultado una docena o incluso más variaciones de una misma imagen. Un ejemplo de ello son sus famosas ampliaciones de lirios de agua y azucenas. Aumentando los más diminutos pétalos hasta llenar enormes lienzos, O'Keeffe creó un lenguaje proto-abstracto de formas y líneas que le valió el apodo de ''madre del arte moderno americano''. En 1946, O'Keeffe se convirtió en la primera mujer a la que el MoMA de Nueva York dedicaba una exposición individual. Esta introducción de la serie Basic Art 2.0 de TASCHEN descubre la larga y luminosa carrera de O'Keeffe por medio de pinturas clave, fotografías de su época y retratos que hizo de ella Alfred Stieglitz, su marido. Seguimos a la artista a través de sus grandes creaciones y éxitos, y la acompañamos en sus viajes internacionales, llenos de inspiración, del sudeste asiático a India, Oriente Medio y, en particular, Nuevo México, cargada de magníficos paisajes, vivos colores y vegetación exótica.
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El primer ciclo de la programación del nuevo Santa Mònica orbitó alrededor de un conjunto de preguntas derivadas de los procesos de deconstrucción y reconstrucción de un centro de artes, en los ámbitos institucional, arquitectónico y simbólico.
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