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Llibres de disseny i arts decoratives
Descobreix la nostra col·lecció de llibres de disseny. Una àmplia i variada selecció de lectures per aprendre les tècniques professionals de pintura i dibuix. Converteix-te en un artista! Compra llibres de disseny online. En aquesta secció disposem d'una extensa selecció de llibres de disseny i arts decoratives. Lectures que et convidaran a aprendre a explicar històries i dibuixar, a crear objectes amb ceràmica, a escriure, a pintar a l'oli o amb aquarel·les, a fer maquetes, gravats, marqueteria, serigrafia o cal·ligrafia amb pinzell. Així mateix, hi trobaràs equips complets de dibuix, manuals de tècniques de dibuix i guies introductòries sobre tot tipus de materials, com ara esmalts ceràmics, llapis, pintures i tintes, entre altres.
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Compuesto de una serie de cuatro cuadernos en acordeón, este libro transmite la densa textualidad que define la obra de Michal Rovner, así como su interés porla palabra escrita, el tiempo y los códigos visuales.En este libro, el título más reciente de la colección LiberArs (una serie de libros de artista en pequeñoformato), Rovner va más allá de los límites de lo escrito para considerar los residuosque deja el tiempotanto en las palabras escritas como en las impresas.
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Catßlogo publicado con motivo de la exposici≤n del Museo Nacional del Prado, 31 de mayo-11 de septiembre de 2016. Jheronimus van Aken (h. 1450-1516) naci≤ y vivi≤ en Hertogenbosch (Bois-le-Duc), una ciudad al norte del ducado de Brabante, en la actual Holanda, a laque vincul≤ su fama al firmar sus obras como ½Jheronimus Bosch╗. En Espa±a, donde fue conocido como ½el Bosco╗, tuvo un enorme Θxito desde fecha muy temprana,y no en vano se conservan aquφ ocho de las veinticinco pinturas originales que se le atribuyen, la mayorφa de ellas atesoradas por Felipe II, que sinti≤ una verdadera pasi≤n por su arte.Este libro es el fruto dela colaboraci≤n de un selecto grupo de especialistas. En sus pßginas se pone al dφa la biografφa del pintor y la de su familia, se analiza lo que se sabe sobre sus comitentes, se profundiza en su condici≤n de pintor y dibujante y se aborda el anßlisis de sus fuentes visuales y textuales, asφ como sus valores y su ideologφa, con especial atenci≤n al ''Jardφn de las delicias'' y a sus escenas infernales. Entre las fichasde catßlogo de las obras expuestas cabe destacar lasde los ''boscos'' del Museo del Prado, sobre los quela nueva documentaci≤n tΘcnica realizada para esta exposici≤n ha arrojado nueva luz.
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Tanto si eres un dibujante experimentado como si estás empezando, Arquitectura y paisajes urbanos te ofrece estrategias que te serán útiles cada vez que abras tu cuaderno de dibujo.
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Matisse soñaba con «un arte de equilibrio, de pureza, de serenidad...». Su trayectoria constituyó un meticuloso intento de encontrar el orden en medio del caos y la miseria, así como de afirmar la riqueza y la belleza de la vida. Vivió con intensidad y percibió cosas que normalmente no vemos, como la suntuosa luz de vainilla en Tahití o el movimiento sinuoso de un caracol de jardín que sale de su caparazón. Una sobrecarga de sensaciones: los vivos colores nos refrescan mientras se desata una energía poderosa y ceremonial. «Siempre he tratado de ocultar mis esfuerzos, deseando que mis obras tuvieran la ligereza y la alegría de la primavera, que no permiten imaginar a nadie el trabajo que ha costado...». así es... Esta colección presenta la historia del arte de forma visual y atractiva. Cada volumen contiene, además de textos muy amenos escritos por expertos en historia del arte, ilustraciones hechas expresamente para esta colección por algunos de los mejores ilustradores del mundo. Históricamente precisos y fruto de una investigación meticulosa, las ilustraciones dan vida a la historia de cada artista y explican el contexto de su obra y sus influencias. Los amantes del arte encontrarán en esta colección una introducción vívida y accesible a la vida y la obra de los artistas. Autores Catherine Ingram es historiadora del arte y trabaja como autónoma. Se licenció con matrícula de honor en la Universidad de Glasgow. Tras estudiar un máster en arte del siglo xix en el Courtauld Institute of Art, obtuvo una beca del Trinity College de Oxford. Después de concluir su doctorado, fue nombrada Prize Fellow por el Magdalen College de Oxford. Catherine ha impartido clases de máster en Christie's y ha dado conferencias sobre historia del arte a científicos en el Imperial College. También ha impartido cursos en la Tate Gallery y ha trabajado como asistente personal en la South London Gallery. Vive en Londres con su familia. Agnès Decourchelle es una ilustradora que trabaja principalmente con lápiz y acuarelas. Se graduó en ilustración en la École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs en 2001 e hizo un máster en comunicación, arte y diseño en el Royal College of Art de Londres en 2003. Vive y trabaja en París.
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Desde su llegada a Nueva York desde su natal Lousiana a fines de la década de 1960, Lynda Benglis ganó reconocimiento por crear un cuerpo de trabajo innovador que desafió las convenciones de escultura y pintura a la vez en un mundo del arte hasta entonces dominado en gran medida por hombres.Exploradora incansable de nuevas formas y materiales, el enfoque formal y gestual de la creación artística de Benglis la ha elevado, a lo largo de los años, a un estatus icónico, siendo su trabajo una prueba de cómo el proceso puede manejar la materia maleable y dejar que ''tome su propia forma''.Lynda Benglis (nacida en 1941, Lake Charles, Luisiana, vive y trabaja en Nueva York) es una artista que fue reconocida por primera vez a fines de la década de 1960 con sus obras de espuma y látex vertido. El trabajo de Benglis creó una réplica perfectamente sincronizada a la fusión dominada por los hombres de la pintura y la escultura con el advenimiento del arte procesual y el minimalismo. Conocida por su exploración de formas metafóricas y biomórficas, está profundamente preocupada por la fisicalidad de la forma y cómo afecta al espectador, utilizando una amplia gama de materiales para generar impresiones dinámicas de masa y superficie: lo suave se vuelve duro, lo duro se vuelve suave y los gestos. están congelados.Benglis recibió una beca Guggenheim y dos becas del National Endowment for the Arts, entre otros elogios. Su obra se encuentra en algunas de las colecciones públicas más importantes, entre ellas: Museo Guggenheim, Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, Museo de Arte Moderno, Nueva York, la Galería Nacional de Victoria, Melbourne, Australia, Museo de Arte Moderno de San Francisco, Tate Modern, Londres, Walker Art Center, Minneapolis y el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York.
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Siempre se ha considerado al siglo XVIII como la edad de oro de la difusión y empleo de la técnica del pastel, pero lo cierto es que no fue hasta el siglo XIX cuando el pastel conquistó poco a poco su autonomía respecto a otras técnicas como la pintura al óleo. Las cualidades del material (intensos colores, aire difuminado, ejecución ágil y facilidad de manejo) enlazaban perfectamente con una cierta idea de modernidad que se gestaba en la época. La exposición ahonda en esa historia del renacimiento del pastel desde una perspectiva internacional y pone de relieve tanto sus principales episodios como sus figuras más destacadas, las que lo convirtieron en una forma de arte por derecho propio.
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La Casa Encendida
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Felipe V, primer rey Borbón español y nieto de Luis XIV, heredó de su padre, Luis, el Gran Delfín de Francia (1661-1711), una excepcional colección de vasos encristal de roca y piedras ornamentales, tradicionalmente denominadas “piedras duras”, enriquecidos en sumayoría con guarniciones de oro y plata, y con diamantes, rubíes, esmeraldas, perlas y otras gemas. Este conjunto es conocido como el Tesoro del Delfín. La rareza de los materiales empleados en este tipo de creaciones conceptualmente complejas y la destreza técnicaque implicaba su factura y decoración explican que fueran tan apreciadas, a veces por encima de otras obras de arte como pinturas o esculturas, históricamentemejor valoradas. Esta guía ayuda a conocer el Tesoro, su origen, los materiales utilizados en su fabricación y los diferentes talleres involucrados, así comola historia del conjunto y los valiosos estuches queprotegían las obras. Una colección única que se exhibe completa, desde 2018, en el Museo del Prado. Ilustrada con fotografías y detalles de la máxima fidelidada las obras originales, la guía está divida en los diez capítulos en que se divide también su exposiciónen el Museo. Además, incluye un glosario de términosy un capítulo dedicado a las marcas de los plateros yde fedatarios públicos (fermiers) realizadas en París durante el último cuarto del siglo XVII, que resultan importantes ya que permiten identificar autorías yfechar las guarniciones de los vasos con bastante precisión. Incluye también índice onomástico de autoresy obras.
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Philip V, the first Spanish Bourbon monarch and grandson of Louis XIV, inherited an exceptional group of vessels from his father Louis of France, the Grand Dauphin (1661-1711). Made of rock crystal and decorativestones traditionally known as “hardstones”, most areembellished with gold and silver mounts and with diamonds, rubies, emeralds, pearls and other gems. Thiscollection is known as the Dauphin’s Treasure.
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Pack de dos titulos para hacer dibujos de objetos cotidianos y animales, edición vintage. Empiece con una sencilla línea recta y descubra todo lo que es capaz de dibujar.
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Esta obra, estructurada en dos grandes partes, es un compendio sobre la realización de vitrales y su restauración. En la primera parte el lector encontrará los conocimientos indispensables. La segunda parte del libro aborda los materiales y las técni
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El Museu Picasso presenta els dos primers números d’una nova col·lecció DESCOBRIR PICASSOdedicada al públic infantil. Es tracta de llibres il·lustrats íntegrament amb imatges d’olis, dibuixos, gravats i ceràmiques que pertanyen al fons del museu i que, a través deldibuix, la pintura i el joc, volen apropar els infants i també els grans, a l’obra de Picasso. El primernúmero, Els ulls de Picasso, posa èmfasis en el besant retratista de Picasso i en les múltiples tècniquesque va dominar. Al segon, El bestiari de Picasso, descobrim com els animals són també protagonistes de moltes de les seves obres.
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Apreciados internacionalmente por sus pinturas de carácter orientalista, Antonio Fabrés y Gabriel Morcillocayeron en el olvido tras su muerte. Sin embargo, suobra sorprende por su atrevimiento temático y expresa una noción de género que dialoga con los planteamientos de la teoría queer.Los cuerpos de los personajes de Fabrés y de Morcillo son cuerpos que renuncian a una concepción binaria del género y de la diversidad sexual para construirse como espacios de libertad donde las identidades se cruzany transitan sincristalizarse en edificaciones únicas e irrevocables.La modernidad de sus propuestas resulta aún más sorprendente si se analiza su vínculo con el podery el aprecio que su obra, en particular la de Morcillo, tuvo en la España franquista.El ensayo que el lector tiene en sus manos propone una nueva mirada sobre estos pintores y explora las relaciones entre Orientalismo y homoerotismo en la pintura española.
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Amb aquesta obra, Puig i Cadafalch situa el romànic català en l'òrbita europea i posa en relleu el paper preponderant que havia acomplert Catalunya en la formació de l'arquitectura romànica.
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Con su estilo gráfico, la distorsión de las figuras y el desafío a los ideales convencionales de belleza, Egon Schiele (1890-1918) fue un pionero del expresionismo austriaco y uno de los retratistas más asombrosos del siglo XX.Tras un breve flir
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El ojo eléctrico, comisariada por antonia gaeta y pilar soler montes, es el resultado de una labor de estudio y selección en la colección de art brut coleccióntreger/saint silvestre, depositada en el centro de arte oliva de são joão da madeira (portugal) desde 2014. iniciada en la década de 1980 por richard treger yantónio saint silvestre, se ha convertido en una delas más importantes de europa. en la muestra se presenta la obra de 41 artistas con cronologías desde principios del siglo xx hasta la actualidad y con una gran representatividad geográfica.
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En aquesta guia t’expliquem en detall la iconografiai simbologia de cada una de les escenes que es trobena les dues façanes principals de la Basílica de la Sagrada Família, la Façana de la Passió i la del Naixement, que contenen multitud de detalls plens d’al·legories i misticisme.
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Bernar Venet es uno de los artistas vivos franceses más celebrados. Surgió en la escena Avant-Garde del Nueva York de los años 60 donde desarrolló un estilo personal sustentado en el uso de las matemáticas y la ciencia, donde la suerte, el control y el caos convergen para formar un equilibrio a la vez que estudia sirelación con el entorno. Tras abandonar su carrera artística y continuar su andadura como matemático durante décadas, volvió a irrumpir en el mundo artístico con unas enormes esculturas que han acabado exponiéndose permanentemente en varias ciudades centroeuropeas.“Mi meta es hacer algo realmente cierto en la historia del arte, no únicamente ser un artista conocido mientras viva. Lo que deseo es que, dentro de 300 años,la gente diga: Mira lo que hizo” Bernar Venet Forbes
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Los secretos para dibujar cualquier cosa El arte al alcance de todos los aspirantes a artista La creación artística de calidad no tiene por qué ser una empresa cara. Por el precio de un lápiz de grafito y de un lápiz de color negro corrientes, se pueden hacer dibujos merecedores de ser enmarcados y expuestos. En esta guía sencilla, que enseña al aspirante a ilustrador a representar un amplio abanico de temas populares con solo dos lápices, Mark Crilley, dibujante y profesor de Bellas Artes, presenta un método directo, abordable y realizable para dibujar sencillamente cualquier cosa. Este libro desglosa las técnicas de Crilley en seis capítulos de cinco lecciones cada uno. En cada lección se aprenderá a utilizar este método para añadir profundidad y sombreado, y conseguir dibujos audaces y singulares que vayan más allá de simples garabatos de cuaderno de bocetos. Empieza por las nociones básicas de dibujo para el principiante y explica paso a paso ejemplos de realización de naturalezas muertas, paisajes, animales, apuntes de viaje y retratos. En cada ejercicio, la visión de experto de Crilley anima y alienta al dibujante, al tiempo que explica cómo conseguir unos resultados artísticos asombrosos con los materiales más sencillos.
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Com afirma el prologuista Albert Mercadé, el recull de l'obra de Joan Ferrer, que arriba finalment gràcies a una gran retrospectiva, mostra i demostra les arts d'un pintor valent, coherent, persistent, i el que és més important: compromès amb el seu ento
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¿Sabrías trazar un cuadrado, un triángulo o un rectángulo? Si es así, íentonces sabes dibujar! Este libro te ofrece un método de iniciación al dibujo que parte de una constatación muy simple: el cuerpo humano y todo lo que nos rodea puede descomponerse en formas geométricas elementales. A partir de esta premisa, Pierre Pochet propone una sencilla técnica que te permitirá dibujar lo que quieras rápidamente y de memoria. · Aprenderás a dibujar eficazmente rostros, bustos, el cuerpo humano, animales, automóviles, edificios, paisajes, interiores. Más de 500 dibujos te ayudarán a visualizar todas las claves para reducir a formas geométricas cualquier imagen compleja. · Un libro útil para todas aquellas personas que carecen de formación artística pero que quieren desarrollar su carrera en algún sector creativo: la publicidad, el diseño, la comunicación. íY también para cualquiera que simplemente desee aprender a dibujar!
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AMAZONAS CON PINCEL propone un recorrido fascinante, claro y didáctico, por la vida y la obra de las mujeres artistas. Camille Claudel, Frida Kahlo o Dora Maar, entre otras, ocupan las páginas de este libro ilustrando un amplio períodotemporal y sus correspondientes estilos, desde el impresionismo hasta los años cuarenta del siglo XX. Esta obra constituye una parte, corregida y aumentada, de Amazonascon pincel, libro publicado en 2006. Los textos persiguen un equilibrio entre la importancia histórica de las creadoras y el interés de su vida, que arroja mucha luz sobre las dificultades de ser mujer y artista a la vez. Por ello, se ha concedido una especial atención a sus condicionesde trabajo, a su éxito o al olvido de sus carreras, y a quienes pudieron alentarlas o, por el contrario, silenciarlas. Ellas lucharon, al igual que los hombres, por expresar su visión del mundo y renovar el lenguaje artístico, pero en un contexto social muy alejado de la igualdad deoportunidades.
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Formgiving, el nuevo libro de BIG (Bjarke Ingels Group), lanza una mirada visionaria al horizonte del tiempo. La palabra danesa para “,diseño”, es formgivning, que literalmente significa “,dar forma a aquello que todavía no la tiene”,. En otras palabras, dar forma al futuro. Usar nuestras capacidades para dar forma al futuro, en lugar depermitir que este tome forma, es ahora más importanteque nunca, ya que el impacto de la humanidad en el planeta es cada vez mayor y plantea desafíos a todas las formas de vida. La arquitectura desempeña un papelespecial: propone espacios para nuestras vidas que son fragmentos del futuro que se avecina. Estas palabras de William Gibson resumen a la perfección la función de la arquitectura: “,El futuro ya está aquí, pero su distribución no es uniforme”,.Con Formgiving. An Architectural Future History, BIG presenta la tercera parte de la trilogía de TASCHEN, que comenzó con Yes is More, uno de los libros de arquitectura con más éxito de su generación, y prosiguió con Hot to Cold. An Odyssey of Architectural Adaptation. El libro se presenta en forma de cronología, que se extiende del Big Bang al futuro más lejano. Losproyectos multimedia se estructuran en torno a seislíneas de evolución: “,Hacer”,, “,Percibir”,, “,Sostener”,, “,Pensar”,, “,Curar”, y “,Mover”,, conceptos interdisciplinarios queabarcan la industria de la construcción. La cultura,el clima y el paisaje, así como todas las energías procedentes de los elementos (la masa térmica del océano, la dinámica de las corrientes marinas, la energíay el calor del sol, la fuerza del viento) se incorporan a estos proyectos. A lo largo de más de 700 páginas, Bjarke Ingels presenta su selección personal de proyectos, incluida la Casa LEGO de 12.000 metros cuadrados en Dinamarca, los ecosistemas artificiales queflotan en océanos, la transformación de un búnker dela Segunda Guerra Mundial en un museo contemplativo yla central eléctrica con forma de pista de esquí queproclama el compromiso de Copenhague con la neutralidad de carbono. A través de la arquitectura y el diseño, BIG da forma a un mundo sostenible y colorido a la vez.Bjarke Ingels: “,Descubrimos quecolaborar a distancia no es tan malo como pensábamos.De hecho, al no tener que estar físicamente presentes en todas partes todo el tiempo, tenemos el lujo deestar mentalmente presentes. De repente, el talento local se ha convertido en global. […,] En lugarde dejarnos seducir por el material o de sentirnos coaccionados por el valor del consenso, la colaboración a distancia puede ayudarnos a arrojar luz sobre cómo convertimos los principios en principios de diseño,sobre cómo convertimos los valores en volúmenes”,.Formgiving es también el volumen que acompaña auna exposición con el mismo título diseñada en el Centro de Arquitectura Danesa en Copenhague, desde dondeviajará a otros lugares del mundo. Más de 100 proyectos documentan el trabajo de BIG en todo el mundo a través de los ojos de sus usuarios, de la mesa de dibujo a obras en curso y proyectos terminados. A lo largo de todo el libro se abordan obras que se proyectancinco, diez o cincuenta años hacia el futuro, una prueba más del compromiso de BIG por trascender lo ordinario e inmediato y de contribuir al futuro con cada proyecto. Con cada paso no solo se desvela un mundo que se parece a nuestros sueños, sino que estos sueñostambién se hacen realidad de manera pragmática. ¡Crear el mundo del mañana está en nuestras manos!El libroincluye:ensayos inéditos de Bjarke Ingels,fotografías premiadas de Laurian Ghinitoiu, IwanBaan y Rasmus Hjortshøj, entre otros,propuestas para hábitats en la Luna y centros de investigaciónen Marte,20 maquetas del trabajo de BIG hechas con piezas de LEGOuna aproximación a Masterplanet: el proyecto de BIG de elaborar un plan maestrocolectivo y colaborativo que asegure la sostenibilidad de nuestro planeta.
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Las pinturas reunidas en este catálogo representan una pequeña pero significativa parte de la colección de pintura hindú de los siglos XVI al XIX perteneciente al San Diego Museum of Art. Dicha colección, que fue reunida por Edwin Binney III (1925-1986), es una de las mejores y más completas colecciones de pintura del sur de Asia que se puede encontrar fuera de la India, pues no en vano cuenta con casi mil quinientas obras. Agrupadas en dos secciones tituladas «El trono, la caza y el corazón» y «El elefante en la cultura india», la mayor parte de las pinturas guarda relación con la cultura religiosa y visual hindú, y fueron realizadas para mecenas hindúes asociados a reinos dispersos por diversas zonas del norte y el centro de la India. Los textos que integran este catálogo profundizan en el conocimiento de estas bellas y atemporales obras, muchas de las cuales se muestran aquí por primera vez.
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Felguérez fue un pintor y escultor inclinado a un cambio continuo, que incluyó la ambición de producir obra mural pública de materiales de desecho, la participación en las producciones escénicas de vanguardia de Jodorowsky, la experimentación pionera con la computadora como herramienta creativa y la afiliación a la idea de investigación como plataforma de creación artística.Esta publicación celebra la contribución de Felguérez en una variedad de planos. Incluye un testimonio sustancial de la memoria del artista en una conversación con el crítico Cuauhtémoc Medina y se completa con una selección inédita de los dibujos que Felguérez producía en juntas y sesiones burocráticas. Todo un material que, en su dimensión múltiple, expresa el ''espíritu de fiesta'' que definió la aventura de Manuel Felguérez en la cultura de México.
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Este es un proyecto del comisario Ángel Calvo que consiste en una exposición de 27 artistas y además, un proyecto editorial entendido como medida para tomar elpulso a una escena a la que quizás, sea la falta depuntos en común lo que podría mantenerla unida, o sino unida, con una separación tan latente que terminepor unificarla
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En enero y febrero de 1938, en la célebre ExposiciónInternacional del Surrealismo el gramófono ''Jamais''de Óscar Domínguez causó tanta sensación como el ''Taxi pluvieux'' de Salvador. Aunque estaban convencidos de que el objeto surrealista ''Jamais'' había desaparecido, se ha descubierto que el pintor canario se lo regaló a su amigo Pablo Picasso hacia 1945.
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Vamos a entrar en los estudios de Marina Abramovic, George Condo, Will Cotton, John Currin, Thomas Demand, Rachel Feinstein, The Haas Brothers, Alez Israel, Rashid Johnson, KAWS, Maya Lin, Julie Mehretu, Wangechi Mutu, Sarah Sze, Mickalene Thomas, William
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Un cuaderno de artista que acompaña al número especial aniversario de la revista Matador. Recoge las impresionantes imágenes del lucernario que el artista mallorquín realizó para la Biblioteca Nacional de Francia, en París en 2016: un gigantesco fresco en arcilla sobre los cristales de la mítica biblioteca y pobladopor las fantásticas formas, animales y criaturas queconforman el imaginario Barceló.
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Catálogo publicado con motivo de la exposición Georges de La Tour, celebrada en el Museo Nacional del Prado, del 23 de febrero al 12 de junio de 2016. Georgesde La Tour (1593-1652) ha pasado en un siglo de ser unperfecto desconocido a encumbrarse como una de lasfiguras más populares de la historia de la pintura francesa, junto a Monet, Renoir o Cézanne. Antes de su«descubrimiento» en 1915 por el historiador alemán del arte Hermann Voss, susobras conocidas habían sido atribuidas a pintores nórdicos, sobre todo sus célebres nocturnos, oespañoles, principalmente a Zurbarán, Ribera o Velázquez. La exposición reúne treinta y unapinturas de La Tour, lo que constituye un número excepcional considerando que se conocen poco más de cuarentaobras de su mano. Entre las expuestas se encuentran sus más celebres composiciones, procedentes del Louvre, el Metropolitan, entre otros museos.Tanto la exposición como el catálogo permiten contemplar la evolución del estilo del pintor, el avancesutil de su técnicay el distinto tratamiento otorgado a los personajesque le interesaron, desde los rudos representantes delos estratos más desfavorecidos de la sociedad de sutiempo, hasta los queprotagonizan sus refinadasescenas nocturnas iluminadas a la luz de la vela, enlas que desarrollanactividades cotidianas o ilustranpasajesde la Biblia cargados de lirismo, soledad y quietud.Prestigiosos especialistas en pintura barrocaactualizan el conocimiento sobre Georges de La Touren este catálogo, que incluye textos de Jean-Pierre Cuzin, Guillaume Kazerouni, Dimitri Salmon y AndrésÚbeda de losCobos, Jefe de Conservación de Pintura Italiana y Francesa (hasta 1700) del MuseoNacional del Prado y comisario de la exposición.
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Cai Guo-Qiang (Quanzhou, provincia de Fujian, China,1957) es uno de los artistas de mayor renombre internacional, un atrevido creador de novedosas formas artísticas (pintura con pólvora, pirotecnia e instalaciones) que siguen ampliando el concepto de experiencia cultural. Sus proyectos ponen de manifiesto una espectacular fusión entre ciencia y arte. Catálogo publicado con motivo de la residencia del artista chino Cai Guo-Qiang en el Museo del Prado entre el 15 de septiembre y el 23 de octubre de 2017, y la posterior exposición de su obra, que se podrá visitar hasta marzo de2018.
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Inspirado en los grandes maestros de la historia, Ferri profundiza en la pintura del Romanticismo, Academicismo y Simbolismo y tomacomo principal referencia aCaravaggio. El estilo del artista italiano llamó la atención del Papa Francisco y este le encar
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La gran exposición para el año 2012 en el Museo Nacional de Arte Reina Sofía de Madrid. Una ambiciosa retrospectiva de las principales corrientes artísticas de los años 30 del siglo xx: de man Ray a Miró pasando por Brassai o Picasso
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Este volumen ofrece una panorámica ricamente ilustrada de las importantes transformaciones culturales promovidas en Sudamérica por los movimientos artísticos tanto abstracto como concreto entre mediados de la década de 1940 y finales de la de 1970. Publicado para acompañar a una gran exposición celebrada en el Museumof Modern Art, el catálogo presenta obras de artistas que desarrollaron su labor en Argentina, Uruguay, Brasil y Venezuela —incluyendo a Lygia Clark, Hélio Oiticica, Lygia Pape, Jesús Rafael Soto, Alejandro Otero y Tomás Maldonado— y que exploraron los caminos abiertos por la abstracción geométrica a comienzos del siglo XX, creando así una nueva y moderna visión de laregión. El catálogo muestra una selección de obras donadas al MoMA por Patricia Phelps de Cisneros entre1993 y 2016, las cuales tuvieron un efecto transformador en los fondos de arte latinoamericano que albergael Museo. La colección Cisneros, que incluye pinturas, esculturas y obras en papel, hace posible un estudio en profundidad del arte producido en la región durante ese periodo, permitiendo al Museo elaborar un relato más completo, plural y sólido de la contribuciónartística de la región y demostrando así el importante papel desempeñado por América Latina en la consolidación del arte moderno.
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Icono del Nueva York de la década de 1980, Jean-Michel Basquiat (1960-1988) se hizo inicialmente un nombre firmando grafitis con el nombre de ''SAMO'', antes de establecer su estudio y alcanzar rápidamente la fama con tan sólo 20 años. Aunque su carrera apenas duró una década, sigue considerándose una figura de culto del arte comprometido socialmente y un pionero en la mediación entre el grafiti y el arte de galería.En su obra, Basquiat hizo uso de fuentes y medios diversos para crear un vocabulario artístico original y urgente, que supuso, además, una crítica mordaz contra las estructuras de poder y el racismo. En su práctica fusionó la abstracción y la figuración, la poesía y la pintura, mientras que sus influencias englobaban desde el arte griego, romano y africano hasta la poesía francesa, los ritmos del jazz y la obra de artistas contemporáneos como Andy Warhol y Cy Twombly. Los resultados son mezclas vívidas y viscerales de palabras, emblemas africanos, figuras de dibujos animados y manchas de colores vivos, entre multitud de otros detalles.Este libro presenta la carrera breve pero prolífica de Basquiat, su estilo único y su profunda implicación con temas tan relevantes como la integración y la segregación, la pobreza y la riqueza.Sobre la serieCada libro de la Basic Art Series de TASCHEN incluye:un detallado sumario cronológico de la vida y obra del artista en el que se aborda su importancia histórica y cultural,una concisa biografía,aproximadamente 100 ilustraciones en color con comentarios explicativos.
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