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Llibres de disseny i arts decoratives
Descobreix la nostra col·lecció de llibres de disseny. Una àmplia i variada selecció de lectures per aprendre les tècniques professionals de pintura i dibuix. Converteix-te en un artista! Compra llibres de disseny online. En aquesta secció disposem d'una extensa selecció de llibres de disseny i arts decoratives. Lectures que et convidaran a aprendre a explicar històries i dibuixar, a crear objectes amb ceràmica, a escriure, a pintar a l'oli o amb aquarel·les, a fer maquetes, gravats, marqueteria, serigrafia o cal·ligrafia amb pinzell. Així mateix, hi trobaràs equips complets de dibuix, manuals de tècniques de dibuix i guies introductòries sobre tot tipus de materials, com ara esmalts ceràmics, llapis, pintures i tintes, entre altres.
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El artista Okuda es uno de los representantes másimportantes de nuestro país del arte urbano. Reconocido mundialmente, recoge en estas páginas su particular visión del mundo. Su arte colorido y vital es el reflejo de su mundo interior, en el que se repiten varios símbolos que nos encontramos habitualmente en su obra.En este libro muestra toda su iconografia yel significado que tiene para él.
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El pop art, que vivió su época dorada en la décadade 1960, surgió como una revolución contra las convenciones artísticas y culturales, y acabó cuestionandotodos los aspectos de la sociedad moderna, la cultura del consumo y el papel del artista y su obra misma.La principal provocación de los artistas pop fue poner contra las cuerdas las ideas del canon artístico o de la originalidad integrando las imágenes deconsumo masivo a sus obras. A través de eslóganes publicitarios, caras conocidas de Hollywood, personajespropios de las tiras cómicas o embalajes de productosde consumo, artistas como Robert Rauschenberg, ClaesOldenburg, Andy Warhol y Roy Lichtenstein reprodujeron conscientemente imágenes cotidianas y mundanas dela cultura popular.Asimismo, el pop art restóimportancia al papel del individuo y cuestionó la noción de originalidad desplegando técnicas de producción a gran escala como la serigrafía. Cual galería de los espejos, las obras ponen en duda las ideas y los deseos de la cultura contemporánea, así como su condición de simulacro, con lo cual las imágenes, las sustituciones y las representaciones llegan a definir la experiencia de la realidad.En esta edición actualizada y ampliada, Tilman Osterwold muestra cómo estos jóvenes y nuevos protagonistas utilizaron técnicasy motivos inusuales en las décadas de 1950 y 1960 para derribar la frontera entre la alta cultura y lo trivial, y cómo su juego con referencias visuales cotidianas sacudió la escena artística de un modo potentey permanente. El volumen contiene material visual complementario de la colección privada de Osterwold, ilustraciones procedentes de otros títulos de TASCHEN dedicados al pop art, un nuevo epílogo del autor y citas de artistas.Sobre la serie¡TASCHEN cumple 40 este año! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN seha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, yayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. En 2020 celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40 reúne a algunas delas estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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Jean Prouvé, constructor y diseñador de muebles. Trabajó con grandes arquitectos de la modernidad en edificios prefabricados. Su objetivo era la industrialización de la construcción y la producción en serie para que sus diseños llegaran a tantas personas como fuera posible. Para Prouvé, la arquitectura y el diseño eran herramientas de transformación al servicio de la comunidad, el progreso era un ideal deseable que permitiría mejorar la vida social y superar las desigualdades. Experimentaba e innovaba en beneficio de otros, para que incorporasen sus ideas a sus proyectos como respuesta colectiva a problemas compartidos.
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Eternamente cautivadoras, las pinturas de Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) son la encarnación de la felicidad, el amor y la belleza. Basada en el libro de gran formato —,la retrospectiva más completa de su obra publicada hasta la fecha—,, esta edición compacta examina en detalle la historia personal del pintor y las motivaciones detrás de la leyenda. Aunque comenzó su carrera pintando paisajes en estilo impresionista, Renoir encontró su verdadera vocación en los retratos, tras lo cual abandonó por completo el impresionismo. Pese a haber sido malinterpretado con frecuencia, Renoir sigue siendo uno de los pintores más queridos de la historia, sin duda por la calidez, la ternura y la alegría de vivir que emanan sus cuadros.En este texto magistral que detalla toda la trayectoria del artista y traza su evolución estilística, Gilles Néret muestra cómo Renoir reinventó las formas de la mujer en la pintura a través de sus diosas cotidianas de generosas curvas. La última fase en la obra de Renoir, en la que regresó al simple placer de pintar el desnudo femenino a través de su serie de bañistas, fue la más innovadora y de mayor influencia estilística, e inspiraría luego a maestros como Matisse y Picasso.Con una cronología completa, una bibliografía, un índice de obras y espléndidas reproducciones a color, así como fotos y bocetos que ilustran la vida y la obra de Renoir, este es el libro de referencia esencial sobre este maestro de la pintura.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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En sus enérgicas pinturas, la pintora brasileña Beatriz Milhazes fusiona dos formas muy diferentes de mirar el mundo. Sus composiciones abstractas, que pueden emparentarse con la obra de maestros del modernismo como Henri Matisse o Bridget Riley, están empapadas de los colores y la luz de su país. En sus pinturas abundan los símbolos de la vida cotidiana brasileña: el carnaval, la artesanía tradicional y motivos cotidianos desde el barroco al pop, todo ello coreografiado con un exuberante ritmo visual. Su atmósfera colorida tiene un encanto exótico irresistible, pero como en las obras de Paul Gauguin encontramos un paraíso roto en el que tonos más oscuros y melancólicos resuenan tanto en las promesas de la vida tropical como en las de la abstracción modernista. En busca de este equilibrio, Milhazes desarrolló una técnica de transferencia especial a finales de la década de 1980. Esta consistía en pintar sus motivos en láminas de plástico que pegaba sobre lienzos. Una vez secos, retiraba el plástico dejando la pintura adherida al lienzo. Este método permite a la artista trabajar con distintas capas en la superficie del lienzo y crear un efecto que oscila entre el brillo esplendoroso y una reluciente melancolía.
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El Prado conserva una escogida colección de pinturasdel Renacimiento italiano realizadas sobre pizarra ymármol blanco. Estas fragilísimas obras, pintadas porSebastiano del Piombo, Tiziano y los Bassano, reflejan el cambio en las técnicas artísticas que se produjo en las primeras décadas del siglo XVI. Al mismo tiempo, materializan conceptos estéticos y filosóficos renacentistas: la reproducción de nuevos efectos pictóricos, la percepción del entorno natural codificada en los textos clásicos, el paragone con la escultura yel deseo de eternidad. Esta exposición es fruto de un profundo estudio realizado con el apoyo de otras disciplinas como la Historia Natural, la Geología y laArqueología.
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Johanna van Gogh enviudó de Theo, quedando al cuidado de su pequeño hijo, de tan solo un año. Recibió,por toda herencia, algo más de cuatrocientos cuadrosy unos setecientos dibujos de su cuñado Vincent, un abultado patrimonio sin valor comercial alguno. Para poder vivir de ese legado, Johanna tendría que trabajar con tenacidad, cuestionar los criterios de gusto ycambiar los fundamentos del sistema del arte. En La lección de Johanna, Antonio Ortega recurre a esta y aun sinnúmero de historias más para señalar la necesidad de operar dentro del sistema del arte desde posiciones amateurs, que cuestionen las nociones de autoridad y autoría. Ortega empatiza con Johanna van Gogh del mismo modo que, en la novela o el cine negro, preferimos el encanto amateur del detective frente al carácter profesional del policía (Stoichita). Si en Autogestión (2016) Antonio Ortegapresentó diez sospechas entorno a los productos culturales, encontraremos ahora, en estas líneas, nuevos «momentos de alerta» que, bajo la apariencia de reflexiones fugaces, aspiran a echar raíces en cada lector.
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La obra de Henri Matisse (1869-1954) refleja una confianza incesante en la fuerza de los colores radiantes y las formas simples.Pese a que alcanzó la fama sobre todopor sus pinturas, Matisse también trabajó el dibujo, la escultura, la litografía, los
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Aquest catàleg, realitzat en col·laboració amb la National PortraitGallery de Londres, aplegagairebé dues-centes peces que ens aproximen de manera exhaustiva a lapassió de Picasso pelretrat.La figura humana, i en concret el retrat, van ser essencials en l’obrade l’artista, des de l’època deformació fins al final de la seva vida. La perspicàcia per captar lespeculiaritats i els trets decaràcter dels personatges que representava ―bé fossin els membres del’entorn familiar, elsamics o les dones amb què es va relacionar―, i l’habilitat per reproduirexpressions facials,postures i gestos, es van manifestar ja en les caricatures que dibuixavade nen.De la mà dels entenedors i documentats textos de la comissària ElizabethCowling, anemdescobrint com d’importants eren per a Picasso els seus models, comintentava adaptar undeterminat estil a la comprensió de la seva personalitat i com maldavaper plasmar-ne una ideael més completa possible.
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Salvador Dalí (1904-1989) supo representar en sus pinturas los principales temas que interesaron a los pensadores del siglo XX, como Freud, e hizo suyas las vanguardias, todo ello derivó hacia una pintura surrealista, y especialmente metafísica. Contribuyó en gran medida al conocimiento de su obra la exhibición personalísima de su vida. Una gran obra para disfrutar del arte y de la Historia.
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Aprenda a dibujar retratos es una guía moderna imprescindible para dibujar retratos y cabezas humanas conlos materiales de dibujo y los métodos clásicos de los grandes maestros del pasado. Se convertirá en una fuente de inspiración para todo tipo de artistas, desde principiantes hasta experimentados, y les enseñaráa retratar con éxito las sutilezas físicas y la elocuencia emocional del rostro humano.
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A menudo imitado pero nunca igualado, Jan van Eyck (c. 1390-1441) dejó una huella indeleble en el arte renacentista y allanó el camino a los futuros pintores realistas. Con una precisión sin precedentes y un uso magistral del color, El matrimonio Arnolfini, que representa la boda de una joven pareja, es testimonio de la maestría del pintor flamenco, referente de la escuela pictórica holandesa de los primitivos flamencos. Van Eyck pintó temas tanto seculares como religiosos, y enfatizó un realismo y naturalismo que se movía a la perfección entre el reflejo de la vida cotidiana del siglo XV y planteamientos poéticos y celestiales. Trabajó con pintura al óleo y aportó innovaciones técnicas que permitieron lograr colores de gran intensidad y profundidad. Conozca la impresionante obra del artista con esta monografía publicada en tapa dura que incluye retablos, imágenes religiosas y retratos de encargo. Con detalles ampliados y pormenorizados análisis de obras maestras como el Políptico de Gante, este libro también ofrece una cronología de la obra de Van Eyck, incluida la producción de su taller, que continuó incluso tras su muerte.
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Las extremidades —las manos y los pies— presentan unas particularidades anatómicas que determinan muchos aspectos de su representación visual. En esta sexta entrega de sus lecciones de dibujo anatómico, Michel Lauricella utiliza su infalible fórmula pedagógica aplicándola a estas partes del cuerpo, con especial atención al sistema venoso, para facilitar la práctica deldibujo de memoria e incentivar el dibujo del natural. Cerca de 600 dibujos con multitud de detalles matizados, diversidad de posturas y puntos de vista, y representación de osamenta, musculatura y sistema venoso. Recorrido multidimensional por la anatomía, atendiendo especialmente a los movimientos de rotación y asimiento, las proporciones y las articulaciones para entender la composición general. Presentación del sistema venoso a través de una cartografía esquemática delas extremidades del cuerpo. Las venas, signo de un cuerpo vivaz y dinámico, ayudan a reflejar de forma extremadamente gráfica y expresiva las morfologías musculosas
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Las cautivadoras imágenes creadas por Frida Kahlo (1907-1954) son, en muchos sentidos, la manifestación de un trauma. Sufrió un accidente de tráfico casi mortal a los18 años, numerosos problemas de salud, un matrimonio turbulento y varios abortos que
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En ocasiones, la escritura se inspira en algo queestá perfectamente resuelto, acabado, una célebre obra, un método narrativo de manual, un episodio del pasado. ¿Qué depara la promesa de lo que ya está escrito? Acoger ideas retoma el hilo de esta cuestión, que ya pusieron sobre la mesa Charles Dickens, Edgar AllanPoe o Elizabeth Jane Howard, cuya novela The Long View (1956) es, en manos de Kate Briggs, no solo el objeto de estudio que dará pie a este breve y lúcido ensayo, sino también el lugar en el que la lectura se revela como un acto creativo, vital y desinhibido. KateBriggs es escritora, traductora y profesora en el Piet Zwart Institute de Róterdam. Ha traducido del francés al inglés La preparación de la novela y Cómo vivir juntos de Roland Barthes. Su celebrada obra This Little Art (Fitzcarraldo Editions) ha sido editada en español por Jekyll & Jill (Este pequeño arte, traducción de Rubén Martín Giráldez, 2020). Ha recibido el premio Windham-Campbell 2021, en la categoría de no-ficción. «». Alejandro Zambra
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Con obras creadas en los años ochenta por artistas como Robert Ryman y Sigmar Polke, y otras mucho más recientes, como la de Carlos Bunga. Estas páginas son una celebración de la pintura. Como expresión, objeto y acontecimiento, como tiempo y memoria. Más aún cuando los augurios sobre su fin como género artístico han quedado superados por la constante renovación de su definición.
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Durante los últimos diez años, Steven Heller y Julius Wiedemann han investigado la evolución de la ilustración en todo el mundo, y ahora están aquí para cambiar la opinión de quienes pensaron que lo digital anunciaba el final de una era.Antes de que los medios de comunicación de masas transformaran nuestroshábitos de visualización, y de que pudiéramos disfrutar de textos e imágenes en pantallas tan pequeñas como la esfera de un reloj, las ilustraciones eran lasacompañantes principales de la palabra impresa. En elcontexto actual, diseñadores y artistas siguen siendo protagonistas. La ilustración es más libre y variada que nunca, y está presente en medios impresos y digitales, libros, envoltorios, ropa, automóviles y restaurantes.Este libro rinde homenaje a la calidad, diversidad, intensidad, comicidad, vivacidad y excepcionalidad del trabajo de los ilustradores de hoy.Desde artistas veteranos como Brad Holland, cuyas pinturas alusivas y metafóricas en la sección de opinióndel New York Times revolucionaron la ilustración enla década de 1970, hasta estrellas emergentes como Robin Eisenberg, con sus bellezas alienígenas de colores pastel a bordo de naves espaciales en portadas de discos de indie-rock, los 100 artistas de esta colección son solo, como suele decirse, la punta del iceberg, pero componen un recorrido apasionante por los estilos, las técnicas y el uso del color de creadores detodo el mundo. Le animamos a elegir sus favoritos.Incluye:una introducción y un prólogo de los editores Julius Wiedemann y Steven Heller600 páginas con magníficas reproduccionesuna biografía de cada artista que detalla su experiencia, enfoque y motivaciones, e incluye los datos de contactoun índice de agencias de ilustradores
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Catálogos de ExposicMapfre
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Francesc Tosquelles (1912-1994) va ser un psiquiatre republicà que es va exiliar a França, on va dur a terme una pràctica transformadora en el camp de la salut mental i les institucions psiquiàtriques. Partidari de la interacció dels interns amb el personal mèdic i els cuidadors, i de la relació amb la gent de l'entorn rural de la Losera, va fomentar la vida i el treball en comú en la dinàmica terapèutica. A l'hospital de Saint-Alban, hi van confluir la psiquiatria d'avantguarda, l'antifeixisme i unes pràctiques culturals, entre les quals el que s'ha conegut com a art brut, que van traspassar els murs de la institució. Convençut del caràcter intrínsecament humà de la bogeria, Tosquelles va reivindicar l'estrangerisme de la llengua i una manera de dir desbarrada. Va veure en la trobada fortuïta -com una màquina de cosir en un camp de blat- un principi per entendre millor el nostre vincle amb els altres i amb els llocs, i una forma de cura basada en la capacitat humana de superar l'adversitat. El catàleg recull assaigs de Mireille Berton, Christophe Boulanger, Kaira M. Cabañas, Éric Fssin, Savine Faupin, Carles Guerra, Jean Khalfa, Rapgaël Koenig, Sarah Lombardi, Josée Manenti, Joana Masó, Julien Michel, Paul B. Preciado, Alejandra Riera, Valérie Rousseau, Mireia Sallarès i Annabelle Ténèze, a més de documentació gràfica i la reproducció d'una selecció de les obres exposades, en color.
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Con estos cuadernos vamos a poder realizar unos estupendos ejercicios siguiendo los mismos pasos que un artista profesional. Para ello sólo hay que prestar atención a las explicaciones y observar detenidamente las imágenes que configuran cada paso a paso. Al comienzo de cada ejercicio se indica el material y los colores que precisaremos, y a lo largo de ellos, las mezclas o los pinceles adecuados. Para facilitar la labor inicial, se incluyen plantillas con el dibujo base hecho que se podrá calcar cómodamente teniendo así ese paso solucionado de antemano. También incluimos algunos consejos para enmarcar su cuadro, teniendo en cuenta el equilibrio de color, la forma del dibujo, la composición y todos aquellos factores que se plantean al escoger un marco adecuado. En estos cuadernos hemos puesto nuestro empeño en conseguir que cualquier persona, además de aprender la técnica, logre un resultado atractivo y digno.
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El 15 de diciembre de 1868, Carl Friedrich Philipp von Martius (1794-1868), profesor de botánica en la Universidad de Múnich y director del Royal Botanic Garden, fue llevado a la tumba en un ataúd cubierto de hojas de palmera recién cortadas. Las frond
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La obra de arte puede sonar, resonar y hacerse escuchar. También puede ser escuchada desde del silencio, através de nuestros ojos o nuestra piel. Desde finales del siglo xix hasta nuestros días, se ha producidouna progresiva «sonorización del objeto artístico», y, con todo, ¿tiene sentido hablar de arte sonoro? Esta pregunta, formulada por el músico y artista experimental Max Neuhaus en el año 2000, es el punto de partida para los artistas, compositores y críticos que han escrito para este catálogo, un compendio esencial de las voces que mejor han reflexionado sobre la noción de arte sonoro. ¿Arte sonoro? incluye textos fundacionales de este debate, traducidos por primera vez alespañol, entrevistas y análisis históricos del cruceentre artes visuales y creación sonora. Con textos de Max Neuhaus, Suzanne Delehanty, Jean-Yves Bosseur,Maija Julius y Miki Yui, David Toop, Fiona McGovern,Ursula y René Block, y Arnau Horta, comisario de la exposición.
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Cecily Brown es una pintora nacida en gran bretaña con estudio en Nueva York que comenzó a ser conocida afinales de los 90.Inicialmente en la órbita del expresionismo abstracto y el cubismo, Brown ha desarrollado un estilo y una voz propia que investiga lacualidad sensual de la pintura al óleo y el retratoa través de u proceso satírico y celebratorio inspirado tanto por la abstracción como el realismo.Gentil y enérgico, la pincela exuberante de Brown, surica paleta de colores, su intensa energía y su granhumor negro and redefinido alguno de los cánones históricos de la pintura.
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La herramienta necesaria para dibujar bien la cabezay la figura humana Muchos artistas no disponen de laoportunidad de dibujar directamente a partir de modelos. En este libro, el autor superventas Chris Hart ofrece a artistas de cualquier nivel toda la información técnica esencial para dibujar bien la figura humana, con demostraciones de las relaciones proporcionales de la cabeza y el cuerpo desde todos los ángulos ?frontal, lateral y posterior-, tanto de hombres como de mujeres, haciendo que todo resulte fácil de entender y emplear. En el libro también se encontrarán: tanto los fundamentos como los refinamientos más sutiles, para que los artistas de todos los niveles de experiencia puedan mejorar, corregir o ajustar sus dibujos, ilustraciones de comprobación rápida y exhaustivasdemostraciones paso a paso, y organización para facilitar su consulta, con los datos importantes sobre proporciones resumidos en recuadros de Puntos Claves.
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Cuando se trabaja solo con líneas y con formas positivas y negativas, la atención se centra en lo más básico: la composición, el equilibrio y la armonía. Utilice pinceles o rotuladores ordinarios, de pintura o de gel, sobre papel negro, marrón o gris para
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Lo que hoy llamamos cómic es una expresión que nace en el siglo XIX pero tiene sus raíces en la necesidad humana de narrar a través de imágenes que le sobrevivan. Este impulso construye «una arquitectura de la mente», una estructura que ocupa el espacio bidimensional de la página, habitada por nuestras pulsiones convertidas en personajes de todo tipo. Este libro reflexiona en torno a ese medio de dos dimensiones, que en su sofisticación consigue representar hasta cuatro, contando las del espacio y el tiempo. Es un viaje con paradas tanto en el clásico popular del número 13 de la «Rue del Percebe» como en las páginas medievales de los «Beatos», que se detiene a mirar cómics realizados por arquitectos o arquitectura concebida por autores de viñeta, que compendia teorías que desentrañan este medio gráfico y cierra con un catálogo de estrategias para contar historias mientras se dibujan ventanas o escaleras.
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Guía práctica que muestra cómo captar el agua en todas sus manifestaciones, desde tranquilos estanques, lagos en calma y charcas poco profundas hasta rumorosos arroyos y ríos de aguas lentas. Empleando más de 80 fotografías de instrucciones paso a paso, y varias pinturas inspiradoras, ilustra con claridad todas las técnicas: desde hacer un lavado inicial hasta añadir los detalles finales. Entre los contenidos, se incluye: Composición Empleo del color Aguas profundas Aguas en movimiento Aguas poco profundas
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El catálogo de la exposición Mi cartografía. Colección Erling Kagge / My Cartography. The Erling Kagge Collection, editado por Fundación Santander y Bold Editing and Printing, presenta una selección de obras de cincuenta y un artistas pertenecientes a una de las colecciones privadas de arte contemporáneo más importantes de Noruega, reunida a lo largo de dos décadas porel abogado, editor y afamado explorador de los PolosErling Kagge. En la muestra, comisariada por Bice Curiger, directora de la Fondation Vicent van Gogh de Arles, están incluidos casi dos centenares de obras deartistas internacionales entre los que se cuentan Tauba Auerbach, John Bock, Eliza Douglas, Olafur Eliasson, Daid Moriyama o Raymond Pettibon, entre otros. Esta selección de dibujos, pinturas, fotografías, vídeos, esculturas e instalaciones se podrá visitar en laSala de Arte Santander de febrero a octubre de 2020 yposteriormente viajará a Arles. Los textos, publicados en español e inglés, incluyen por un lado una interesante conversación entre la comisaria y el coleccionista en torno a sus gustos y la formación de la colección desde sus inicios, a partir del asombro, la curiosidad, la obsesión y el silencio, que, tanto en suexperiencia vital como en sus elecciones como coleccionista de arte, para las que no cuenta con ningún tipo de asesor, le han llevado a realizar apuestas siempre arriesgadas, a veces hasta temerarias. En cualquier caso, Kagge considera que las obras que ha ido reuniendo son un reflejo de aspectos de su propia personalidad: el humor, la pasión, la curiosidad, la insatisfacción o la aspiración a una cierta paz interior. Ensus propias palabras, “Necesito adelantarme a mi propio gusto. Necesito ser curioso, correr riesgos y apostar por una experiencia futura y maravillosa con unaobra de arte nueva, rara y hasta incomprensible. Sigo una regla de oro parecida a cuando voy caminando alos polos, o subo al Everest: sé previsor, viaja ligero de equipaje y deja atrás tus temores”. Por otro lado, los expertos Martin Herbert y Craig Burnett completan el contenido con sus breves textos sobre cada artista y sus respectivas obras, reproducidas de formaespectacular.
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El llibre té dibuixos de: La Bisbal d'Empordà, Corçà, La Pera, Rupià, Verges, Torroella de Montgrí, L'Escala, Ullastret, Peratallada, Palau Sator, Pals, Begur, Palafrugell, Calella, Tamariu, Palamós, Platja d'Aro, Fonteta, Cruïlles
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Jim Hodges es un artista que trabaja sobre temas comola memoria, el amor y las luchas existenciales diarias a través de varios medios: la fotografía, la serigrafía, y la escultura. Usa materiales encontrados como rocas y tela vaquera, que unidos a formas transitorias como telas de araña nos hablan de las experiencias personales que resuenan a nivel colectivo a travésde elementos que encontramos en la naturaleza.
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Mucho antes de que Andy Warhol llegara a la cima del pop art, el artista creó y expuso fascinantes dibujos que celebraban la belleza masculina. Andy WarholLove, Sex, & Desire: Drawings 1950-1962 presenta másde trescientos dibujos realizados principalmente en tinta sobre papel. Warhol retrató en ellos a hombres jóvenes, muchos desnudos, algunos abiertamente sexualizados y, en ocasiones, luciendo extravagantes corazones negros y fascinantes adornos. Se muestran ociososo pavoneándose, orgullosos o incluso aburridos de subelleza, mientras el artista los dibuja embelesado. Raramente establecen contacto visual con su entusiastaobservador, del mismo modo que Warhol se centra en su forma y sus cualidades eróticas. Si a sus modelos les basta con deleitarse en su atractivo, lo mismo lesucede al artista. Su trazo seguro retrata a un grannúmero de personajes de lo más llamativo, pero también revela mucho sobre este artista enigmático.Warhol era ya un ilustrador comercial en auge cuando en 1956 expuso los estudios de este proyecto en la Galería Bodley, en el Upper East Side de Nueva York. Seequivocó al pensar que con estas ilustraciones se daría a conocer en la escena artística de la ciudad, pues subestimó la homofobia generalizada de la época. Produjo más de mil dibujos del natural elegantes y aparentemente sencillos, pero su plan de reunirlos en unamonografía nunca se hizo realidad. Este completo volumen por fin lleva a cabo su proyecto al reunir sus imágenes más impactantes, publicadas por primera vez yseleccionadas en colaboración con la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. Incluye un texto introductorio firmado por su editor, Michael Dayton Hermann,de la Andy Warhol Foundation, y ensayos del biógrafode Warhol Blake Gopnik y del crítico de arte Drew Zeiba. Los poemas de James Baldwin, Thom Gunn, Harold Norse, Essex Hemphill y Allen Ginsberg crean momentosde introspección que amplían los temas y estados de ánimo presentes en los dibujos.El estilo de losdibujos evoca los bocetos de Jean Cocteau e inclusoMatisse, con una línea tan ágil como depurada y precisa. Mientras tanto, el pícaro voyeurismo es propio deWarhol, e incluso los dibujos más atrevidos contienen una especie de humor chistoso, una sensación de desapego irónico que se convertiría en una marca personal de Warhol. Su trazo seguro retrata a un gran númerode personajes de lo más llamativo, pero también revela mucho sobre este enigmático artista.
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Catálogo de la exposición antológica del pintor y escultor Pedro del Toro. La muestra del artista está compuesta por 140 piezas de paisajes urbanos, desnudos femeninos y retratos masculinos y femeninos. Del Toroha sido uno de los ganadores del prestigioso concursointernacional de pintura y escultura Figurativas , que convoca bianualmente la Fundación Privada de las Artes y los Artistas. Se trata de uno de los grandes pintores de este país y todos han visto alguno de suspaisajes urbanos, generalmente de vistas de Madrid. Poco preocupado por títulos y premios, aunque ha recibido ya unos cuantos, el MEAM conoció su obra a travésdel galerista Santiago Sánchez, cuando gestionaba laGalería Castelló 120. En los últimos años, del Toro,empezó a presentar algún desnudo o algún retrato femenino a los concursos del Museo, Figurativas o ModPortrait , y de ahí empezó su interés por conocer más delas obras del artista. En 2019, con El Nudo , ha conseguido el Primer Premio en el 10º Concurso de Figurativas , que va a presentarse coincidiendo con esta exposición antológica en el MEAM. Una verdadera casualidad que va a realzar la figura y la obra de un artista aun joven, que va a tener mucho que decir en los próximos años, dentro de la gran familia del arte figurativo contemporáneo.
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La obra pictórica de esta artista transmite la presencia de una revelación precisa, cuyo amplio campo de sugerencias se oculta bajo una capa de misterio. ¿Qué significan sus cuadros? ¿De qué nos está hablando su enigmático universo plástico? Este libro nos ofrece, por primera vez, las cinco llaves que abren la caja secreta del mundo mágico de esta pintora: la llave esotérica, la llave surrealista, la llave literaria, la llave del mundo onírico y la llave del mundo arquitectónico.
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El Gabinete de curiosidades naturales es una de las mejores obras de historia natural del siglo XVIII y sigue siendo uno de los libros de esta disciplina más valiosos de todos los tiempos. Si bien era habitual que los científicos de su época coleccionaran especímenes naturales para sus investigaciones, el boticario de Ámsterdam Albertus Seba (1665-1736) sentía verdadera pasión por esta actividad. Su inigualable y sorprendente catálogo de animales, plantas e insectos de todo el mundo le granjeó fama internacional. En 1731, después de varias décadas dedicado al coleccionismo, Seba encargó ilustraciones minuciosas y a menudo escenificadas de cada espécimen. Con estos dibujos publicó un compendio de cuatro volúmenes que reunía su obra completa con especies raras y exóticas, desde plantas hasta serpientes, ranas, cocodrilos, moluscos, corales, aves y mariposas, así como animales actualmente extinguidos. Creada a partir de un original único y coloreado a mano, este catálogo superventas se reimprime para deleite de todos, al completo y con una introducción que pone en contexto la fascinante tradición de colecciones naturales a la que pertenecían las curiosidades de Seba.
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El claroscuro de un genio maldito. «Ha habido otras biografías de Caravaggio, pero la de Andrew Graham-Dixon es la que hay que leer.» Daily Mail Michelangelo Merisi da Caravaggio vivió la más oscura y peligrosa vida de entre los grandes maestros de la pintura. Los ambientes de Milán, Roma y Nápoles en los que Caravaggio se movió, y que Andrew Graham-Dixon describe magníficamente en este libro, son los de los cardenales y las prostitutas, los de la oración y la violencia. En las calles que circundaban iglesias y palacios, las peleas y los duelos eran moneda común. En una de estas disputas, el impetuoso Caravaggio mató a otro hombre y tuvo que huir a Nápoles y luego a Malta, donde escapó de prisión tras verse envuelto en otro episodio violento. Él mismo fue víctima de un intento de asesinato en Nápoles tiempo después. Murió mientras regresaba a Roma en busca del perdón papal para sus crímenes. Tenía 38 años. Andrew Graham-Dixon pasó una década reuniendo las evidencias conservadas sobre la vida de Caravaggio para responder en este libro a muchas de las cuestiones que durante años desconcertaron a los investigadores. Revela las identidades de la gente corriente -a menudo prostitutas y mendigos- que el pintor usó como modelos para sus representaciones de escenas religiosas clásicas describe lo que pasó realmente durante ese fatídico duelo y ofrece el más convincente relato publicado hasta la fecha de las extraordinarias circunstancias de su muerte. Y en el centro de este relato se sitúa la reveladora interpretación que Graham-Dixon hace de los cuadros de Caravaggio para mostrar cómo éste creaba su drama, inmediatez y humanidad, y cómo rompió drásticamente con las convenciones de la época. La crítica ha dicho...«Ha habido otras biografías de Caravaggio, pero la de Andrew Graham-Dixon es la que hay que leer. Impresionantemente erudita y bien escrita, ésta es una extraordinaria historia de un hombre que nunca nos habla más que a través de su pintura.»Daily Mail «La vida de Caravaggio fue en cada detalle tan sangrienta, excitante y atractiva como sus propias pinturas. Entre informes policiales y exuberantes lienzos, Graham-Dixon ha moldeado una vida y la historia de una sociedad.»The Times «Raramente se ha podido contemplar a Caravaggio con tanta profundidad y relieve como en esta maravillosa biografía. El hombre y su obra emergen enriquecidos y revitalizados.»Neil MacGregor, director del British Museum «Tras años en los que los historiadores del arte se han concentrado en los detalles del estilo artístico, es refrescante leer una biografía de Caravaggio que combina la sangre y las vísceras de los callejones de Roma con una verdadera comprensión de la calidad y el carácter de su pintura.»Charles Saumarez Smith, director de la Royal Academy of Art «El que a Graham-Dixon le llevara una década investigar y escribir este lúcido y fascinante libro es una muestra de la profundidad de sus indagaciones, la destreza de su análisis histórico y artístico y la hábil fluidez con la que está expresado. Se trata de una proeza poco común.»Publishers Weekly
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