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Llibres d'art
A Abacus disposem d'una gran selecció de llibres d'art per a despertar els dots creatius i artístics tant de nens com d'adults. Compra llibres d’art online. En la secció llibres d'art, trobaràs una àmplia col·lecció de bibliografia sobre una gran varietat de temes, com per exemple: l'origen i la història de l'art, el simbolisme, curiositats sobre els colors pantone, els principis bàsics del color i l'harmonització cromàtica o la museografia, entre altres disciplines artístiques. A més a més, disposem de llibres sobre llenguatge visual, estampació japonesa, per a fomentar la creativitat o per aprendre a dibuixar retrats, entre molts altres. Descobreix-los tots a Abacus!
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La relació de Dora Maar i Pablo Picasso va ser una història tortuosa. Picasso va immortalitzar la Dora en les seves pintures. De fet, la va caricaturitzar, ja que, en comptes de ser reconeguda com a artista -una de les fotògrafes més importants del surrealisme-, va esdevenir per a molta gent la musa dissortada, la dona que plora. Aquest llibre és un homenatge il·lustrat i una bella reivindicació d'una fotògrafa meravellosa.
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En este nuevo libro, la popular acuarelista y profesora de arte Ana Victoria Calderón amplía nuestros horizontes creativos mostrándonos cómo crear una amplia variedad de texturas para dotar de contexto y profundidad nuestras obras. Desde sencillas líneas o puntos hasta salpicaduras espontáneas o patrones, a través de tutoriales paso a paso y retos creativos, en este manual las texturas se convierten en un elemento clave de nuestras creaciones en acuarela.
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Son las manos del vestidor las que culminan el trabajo que comenzó el imaginero con una gubia en su taller. El arte de vestir a las imágenes de la Virgen María (Imago Mariae), ha ido trasladándose desde el anonimato y hasta casi lo accesorio, a una parcela que actualmente tiene gran importancia, puesto que se ha puesto de relieve la necesidad que existe de una correcta estética en las hermandades, que mueva a la piedad de los fieles y que por la misma, se exalte la figura mariana. De ello, siempre se han encargado los vestidores, hombres en su mayoría, de los que ya tenemos constancia en el siglo XVI, auténticos artistas de lo efímero, creadores de estilos para cada Virgen, que han sabido suplir con su trabajo en una obra de candelero lo que hace el escultor y el policromador con las de talla completa. El interés por este tema va mucho más allá que la mera contemplación de los diversos atavíos con el que durante el año lucen las vírgenes, sino que hay una auténtica demanda por conocer su historia, su lenguaje iconográfico e iconológico y por saber qué mensajes se esconden tras los mantos terciados o sueltos, las ráfagas, coronas, tocas y demás prendas y aditamentos. Todo esto es lo que ha hecho que nazca este libro, una publicación en la que recogemos la evolución de la vestimenta de la Virgen desde sus orígenes hasta la actualidad.
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La escultura es la gran aportación de India al arte universal y constituye el arte que con mayor vehemencia refleja su peculiar forma de ver y de pensar el mundo. En este libro la autora reflexiona sobre los ideales que la sustentan y las consecuencias plásticas de éstos durante su periodo de máximo esplendor, que abarca nada menos que mil años de su historia (desde el siglo quinto hasta el siglo quince aproximadamente). La escultura, además de ser un espejo para adentrarse en el conocimiento de una cultura tan extraordinaria como la india, es un ejemplo de elocuencia formal, un catálogo de los riquísimos materiales naturales que evidencia la capacidad de los escultores para extraer de ellos una expresividad inaudita y un paradigma de la vitalidad de la connivencia de forma y contenido. Así mismo, a través de la estatuaria, se pone de manifiesto el talento de los artistas para hacernos sentir de una forma física las historias, mensajes y emociones que las obras pretender transmitir. Un arte, en definitiva, de una enorme capacidad empática que, como quiere reflejar el título de este libro, tiene la habilidad de convertir las obras del hombre en instrumentos para la vivencia de la naturaleza material y hacerse uno en la materia del mundo.
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El catálogo Antoni Tàpies. La práctica del arte, editado junto con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, recoge los textos del comisario, Manuel Borja-Villel, la conservadora del Buffalo AKG Art Museum, Cathleen Chaffee, el comisario y crítico de arte Carles Guerra, y el historiador del arte y comisario de exposiciones Pedro de Llano Neira, así como fragmentos de las entrevistas realizadas al artista por Manuel Borja-Villel y Barbara Catoir en los años 1995 y 1988, respectivamente.
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Una cronología del arte pone de relieve las obras másimportantes del arte occidental al ubicarlas en su contexto político, económico, literario, científico ysocial. Incluye algunas de las mejores obras de artedel mundo, y muchas nuevas ideas sobre la historia del arte en sí. Un eje cronológico central localiza nuevas obras de arte a través de importantes eventos y desarrollos brindando una nueva visión muy completa dela evolución del arte.
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«Me propuse a mí mismo escribir un libro acerca de cómo crear una gran obra de arte. En lugar de eso, se reveló como un libro acerca de cómo Ser.»Los grandes productores musicales suelen ser reconocidos por un sonido único que solo ellos son capaces de lograr. Rick Rubin es conocido por eso y por algo más: por saber crear un espacio en el que artistas de diferentes géneros y tradiciones se reencuentran con su identidad profunda y con aquello que realmente tienen que ofrecer al mundo. Rubin ha convertido en una práctica su impulso de ayudar a las personas para que trasciendan expectativas autoimpuestas y reconecten con un estado de inocencia en el que lo sorprendente se convierte en inevitable. A lo largo de los años, Rubin ha pensado mucho en el origen de la creatividad: de dónde viene y de dónde no, y ha aprendido que ser artista no depende tanto de un resultado en concreto, sino de cómo nos relacionamos con el mundo. La creatividad tiene un lugar en la vida de todas las personas y todos podemos hacer ese espacio más grande. De hecho, hay pocas responsabilidades humanas que sean más importantes que esa. El acto de crear es un curso bello y generoso que ilumina el camino del artista como una ruta que todos podemos seguir. Este libro destila la sabiduría recogida durante el trabajo de toda una vida y la convierte en una luminosa experiencia de lectura que tiene el poder de crear momentos -y vidas- de gozo y trascendencia al alcance de todo el mundo.
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EL MEJOR REGALO PARA ESTAS NAVIDADES! Los Madelmanesfueron durante su intensa vida un referente en el mundo de los muñecos articulados, y el sueño de miles deniños que jugábamos con ellos. Este libro recopila la información referente a los Madelman fabricados entre 1968 y 1976, el comienzo de su historia. Podréis contemplar los modelos comercializados, sus variaciones, su evolución, conocer detalles del diseño, documentos de todo tipo y la publicidad... Y también queremos homenajear a quienes participaron de algún modo ensu creación y distribución. Para quienes los conocisteis, será un viaje nostálgico al pasado, y para quienes los conocéis ahora, os sorprenderéis por su riqueza de detalles y su calidad.
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Desde Mesopotamia al Expresionismo abstracto y el Pop Art, Gombrich nos va desarrollando una historia apasionante del arte en Occidente a la vez que nos enseña a mirar y a hacernos las preguntas importantes delante de las obras. Maquetado de forma única (las imágenes de las obras se encuentran en la misma página en la que se mencionan) este libro hará que repasar siglos de obras maestras nos parezca un placer.
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Este libro explora estructuras institucionales, especialmente relacionadas con la toma de decisiones en el ámbito de la producción cultural y artística y la distribución de recursos. Examinamos los diferentes ejes de discriminación basados en el origen, la raza, el género, la orientación sexual y la discapacidad, y buscamos crear herramientas y sugerencias para contribuir a un acceso equitativo a los recursos para la producción cultural y artística, así como diversificar los programas culturales creados. Al mismo tiempo, hemos buscado mecanismos para garantizar la inclusión de artistas y trabajadores culturales que “representen la diversidad” no sólo hacia afuera, sino también en las estructuras internas, en los lugares de máximo poder y de toma de decisiones del sector cultural.
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A través de la correspondencia, los diarios y las memorias de más de cincuenta artistas de los siglos XIX y XX veremos expresada laangustia ante el lienzo en blanco, las dudas acerca de la calidad de la obra, el padecimiento causado por la incomprensión
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Este magnífico ensayo sobre los cuatro grandes tarotsque surgieron en Europa pone al alcance del lector las imágenes paradójicas y simbólicas del tarot, demostrando como expresan la esencia del arquetipo, la cultura y el arte de cada momento histórico.
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Libro de grande formato, que inclúe un CD cos mellores intérpretes de gaita do noso país: Magoia Bodega, Ernesto Campos, Pablo Carpintero, Xaime Estévez, Juanjo Fernández, Xosé Manuel Fernández, Pablo López Torneiro, Xosé Luís Miguélez, Manoel Muxico, Anxo Pintos, Pepe Romero e Susana Seivane. Publícanse case 300 páxinas de partituras dos autores, con 21 temas gravados por eles no CD e as biografías dos autores e intérpretes.
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Para Winckelmann, la belleza del arte trasciende el tiempo y el espacio, por eso es tan importante que tengamos las herramientas adecuadas para comprenderlo. Estas páginas, que se publicaron por primera vez en Dresde en 1764, son un recorrido por las de la continuidad del arte a través de distintas civilizaciones completamente novedosa. manifestaciones artísticas del mundo antiguo partiendo de la idea de que, como la vida, han sufrido un proceso evolutivo. Pasando por egipcios, etruscos, persas y romanos, se detiene a analizar en profundidad el arte de los griegos, lo que proporcionó una visión de la continuidad del arte a través de distintas civilizaciones completamente novedosa. Su ojo crítico con lo que se venía haciendo hasta la fecha y su atención al detalle convirtieron esta en una obra de referencia e inspiración para grandes artistas y teóricos como Goethe o Schiller, aún hoy, continúa siéndolo para todo aquel que se acerque al estudio del arte clásico.
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Visitar un museo de arte, antiguo o moderno, puede ser una experiencia conmovedora y estimulante o, por el contrario, ser mortalmente aburrida. Ello dependerá de la calidad de las obras expuestas pero, sobre todo, del conocimiento que uno atesore sobre
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Els germans Agapit i Venanci Vallmitjana foren els grans renovadors de l'escultura catalana de la segona meitat del segle XIX. Com a artistes i docents de prestigi, la seva influència i projecció internacional deixaren empremta en diverses generacions que treballaren entre el Romanticisme i el Modernisme. Els darrers anys, les seves peces escultòriques -ubicades en espais en procés de revaloració com ara els cementiris- han configurat una de les imatges icòniques de la ciutat de Barcelona. Aquest volum recopila els estudis presentats amb motiu de l'Any Vallmitjana, que se celebrà el 2019 per iniciativa de la Universitat de Barcelona. Personalitats del món acadèmic i cultural hi analitzen el context històric, l'obra i l'activitat al taller dels dos artistes, sense deixar de qüestionar-se críticament quin ha de ser l'abast de la restauració de les seves escultures. Amb aquestes contribucions, Els Vallmitjana i l'escultura moderna a Catalunya recupera un llegat extraordinari i convida a descobrir un patrimoni cultural fins ara poc conegut.
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Una advertencia sobre cómo la economía digital amenaza la vida y el trabajo de los artistas: la música, la escritura y las artes visuales que sustentan nuestras almas y sociedades. Se escuchan dos relatos sobre ganarse la vida como artista en la era digital. Uno surge de Silicon Valley: «Nunca ha habido un mejor momento para ser artista. Si tienes un ordenador portátil, tienes un estudio de grabación. Si tienes un iPhone, tienes una cámara de cine. Y si la producción es barata, la distribución es gratuita: se llama Internet. Todo el mundo es un artista, simplemente explote su creatividad y publique sus cosas». El otro relato proviene de los propios artistas: «Claro, puedes poner tus cosas ahí, pero ¿quién te va a pagar por ellas? No todo el mundo es un artista. Hacer arte lleva años de dedicación y eso requiere medios de apoyo. Si las cosas no cambian, el arte en gran medida dejará de ser sostenible». Entonces, ¿qué relato es el verdadero? ¿Cómo se las arreglan los artistas para ganarse la vida hoy en día? Deresiewicz, un destacado crítico de arte y de la cultura contemporánea, se propuso responder a estas preguntas. Sostiene que estamos en medio de una transformación de época. Si los artistas fueron artesanos en el Renacimiento, bohemios en el siglo xix y profesionales en el xx, un nuevo paradigma está surgiendo en la era digital.
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El pintor floral Pierre-Joseph Redouté (1759-1840) se dedicó en cuerpo y alma a las artes botánicas y plasmó la diversidad de las plantas con flores en acuarelas que se publicaron como grabados punteados, con cuidadas descripciones. Adorado y admirado por la alta sociedad parisiense, contó con una red de mecenas, entre la que se encontraba la esposa de Napoleón, Josefina. Fue apodado el “,Raphael de las flores”, y está considerado hasta hoy un maestro de la ilustración botánica.Esta edición, adaptación de nuestra exitoso volumen XL, se presenta en un formato más pequeño y accesible, y reúne algunos de los grabados botánicos en color de sus magníficos volúmenes Las rosas, Las lilas y La selección de las más bellas flores y ramas con los mejores frutos. Una muestra de su extraordinaria habilidad para combinar precisión y belleza que ofrece una visión única de magníficos invernaderos y jardines del París de antaño.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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La crisis provocada por el coronavirus amenaza con desestabilizar nuestros hábitos a nivel global y estructural, pero desde el arte y la educación siempre vamos a disponer de mecanismos críticos con los que transformar e intentar mejorar la sociedad. Huerta incorpora el neologismo tecnoinmersión para definirlo, ya que alumnado y profesorado somos carne de cañón de la deriva digital. Apasionado por las artes desde lo educativo, incorpora originales modelos de lucha, defendiendo la tecnología, el diseño y la cultura popular como esencia de nuevas reivindicaciones sociales y culturales. La educación digital es una realidad que habita en cualquier modelo educativo, por lo que las cuestiones de género y diversidad deben abordarse abiertamente, sin tapujos ni hipocresías. Las ideas que aquí se exponen pueden resultar muy atractivas para docentes, artistas y profesionales de las humanidades, para todas las personas que estén interesadas por las tecnologías digitales, incidiendo en la mirada crítica, la seducción comunicativa, la educación online, y la ironía, elementos sugerentes que caracterizan los textos del autor.
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Aquest és el segon tractat que Alexandre Cirici va publicar a finals de la dècada de 1950 amb la voluntat de sistematitzar i organitzar la producció artística catalana en tota la seva amplitud cronològica. La seva mirada atenta ens proposa una lectur
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Con más de 300 acertijos que lo desafían, entretieneny sorprenden, nunca volverá a ver el arte de la misma manera. ¿Puedes identificar los símbolos ocultos enel Retrato de Arnolfini y su esposa? ¿Cómo puedes subir las escaleras de MC Escher? ¿Puedes resolver losacertijos en del jardín de las delicias de El Bosco?Este libro le ayuda a profundizar en la historia delarte y hace que su cerebro se estimule con algunas delas pinturas más famosas del mundo. Encuentre secretos de las obras de arte, desde el antiguo Egipto hasta el arte contemporáneo y prueba tus conocimientos generales.
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Un artista es un observador de la vida, en constantediálogo con la naturaleza, con la realidad, consigo mismo y con el arte. Si el arte se enajena de alguna de sus dimensiones, necesita empezar a dialogar, es decir, necesita confrontarse. Algo que puede empezar aresolverse cuando dos artistas se reúnen a discutir,a debatir sobre sus respectivas experiencias, sobre aspectos relativos a los procesos creativos y al ser del creador. Eso tratarán de abordar Silvana Solivellay Daniel Orson Ybarra en esta distendida charla llena de sana complicidad e inducida por Patricia Bentancur, que no es sino prolongación de las muchas que sehan llevado a cabo en Abanico, ese milagro ginebrinoque aúna arte y amistad: «Estas conversaciones son saludables para el espíritu. Son una hermosa manera decompartir cono- cimientos y experiencias, además de un eficaz ejercicio de apertura a las diferentes formas de pensar: ¡son el diálogo por excelencia!».
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L’exposició Els mons d’Alícia. Somiar el país de les meravelles integra les múltiples visions del personatge en els àmbits de la literatura, el cinema, les arts escèniques i les arts plàstiques, i el situa en un segle XXI que ha esborrat les fronteres entre la realitat i el món imaginari. Alícia hi apareix com una figura precursora: una nena amb una gran curiositat per totes les coses, que desafia la lògica de les idees immutables i troba el seu camí en un mon absurd.
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¿Hay que obligar a los museos a devolver sus mármoles? ¿Es posible ''descolonizar'' nuestras galerías? ¿Debe caer Rodas? Desde el arte robado de Wakanda en Black Panther, pasando por el reciente compromiso de Emmanuel Macron con la restitución de obras de arte, hasta el provocador vídeo musical de Beyoncé y Jay Z filmado en el Louvre, la cuestión de descolonizar nuestra relación con el arte que nos rodea está ganando terreno rápidamente. La gente se está dando cuenta de la sórdida historia de las colecciones de arte de todo el mundo y está empezando a plantearse preguntas difíciles sobre cómo debería ser el futuro de los museos. En 'El cuadro completo', Alice Procter, historiadora del arte y guía del Uncomfortable Art Tour, ofrece un manual para deconstruir todo lo que creíamos saber sobre el arte y rellena los huecos con las historias que han quedado fuera del canon de la historia del arte durante siglos. El libro se divide en cuatro secciones cronológicas, bautizadas con los nombres de cuatro tipos diferentes de espacios artísticos: el Palacio, el aula, el memorial y el patio de recreo. Cada sección aborda las fascinantes y a menudo chocantes historias de cinco obras de arte diferentes, entre ellas el cuadro propagandístico que la Compañía de las Indias Orientales utilizó para justificar su control en la India, los cráneos maoríes mokomokai que fueron objeto de comercio y coleccionados por los europeos como ''objetos de arte'', y la controvertida escultura contemporánea de Kara Walker. Una sutileza, que planteó cuestiones sobre las interacciones ''apropiadas'' con el arte. A través de estas historias, Alice saca a la luz la narrativa colonial subyacente que acecha bajo la industria del arte actual y sugiere diferentes formas de ver y pensar el arte en el mundo moderno. 'El cuadro completo' es una provocación muy necesaria para analizar de forma más crítica las narrativas aceptadas sobre el arte, y repensar y alterar la forma en que interactuamos con los museos y galerías que lo exhiben. ''Indagador, sin jerga y escrito con el ritmo de una novela policíaca... [Procter] disecciona la cultura museística occidental con tal furia forense que al lector le resultará difícil volver a ver esas instituciones de la misma manera.'' Financial Times 'Una obra inteligente, accesible y brillantemente estructurada que anima a los lectores a ir más allá de la gran arquitectura de las instituciones culturales y ver las problemáticas historias coloniales que hay detrás de ellas.' - Sumaya Kassim
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L'art de María Blanchard (Santander, 1881 – Paris, 1932) est l’expression de sa vie intérieure. Quelqu’intenses que soient ses motifs, son goût du drame, sa faculté d’assujettir l’objet à l’élément plastique et de plier aux exigences d’un style les phénomènes optiques font d’elle une artiste espagnole. Tout : son écriture, son coloris, son style sont ceux d’une espagnole
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Rosa Bonheur deviendra très vite la peintre animalière la plus importante de la peinture française de tous les temps , et son succès sera tel que chaque tableau qu'elle réalisa fut immédiatement acquis par des collectionneurs, notamment de l’Angleterre et des États‐Unis.Pionnière en peinture, Rosa Bonheur était aussi une femme avancée de par l'indépendance et la liberté avec lesquelles elle vivait sa vie, en pleine autosuffisance économique et toujours près de Nathalie, sa compagne.
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Cuenca, 1966: una casa para el arte abstracto La cración en 1966 del Museo de Arte Abstracto Español en las Casas Colgadas del siglo XV en Cuenca es un capítulo fascinante y único de nuestra historia cultural. La fe pionera de Fernando Zobel en los artistas abstractos se materializó en un espacio insólito que pronto tuvo un enorme eco internacional y suscitó elogios como el de Alfred H. Barr, primer directos del MoMA de Nueva York, que da título a este libro.
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Minerva es la revista semestral del Círculo de Bellas Artes. Recoge y amplía la actividad de la institución a través de entrevistas, artículos y reportajes. Cuenta con la colaboración de grandes firmas de la literatura, el arte, el pensamiento, la arquitectura y la fotografía, y se distribuye en librerías de España y América Latina.
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A través de ocho ensayos, ilustrados con más de cuarenta fotografías, esta obra ofrece una síntesis histórica de lo acaecido en el arte durante el último medio siglo, en el cual las artes han experimentado más cambios de los sufridos en el resto de su la
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Soledat Sans, Marta Balada Colección que pretende ser una herramienta didáctica útil para el trabajo que desarrolla todo el colectivo de profesionales de la educación. Este libro realiza interesantes propuestas para trabajar la motivación y la creatividad plástica en las escuelas.
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Umberto Eco nos cuenta la historia de la Belleza, en un libro profusamente ilustrado, desde la noche de los tiempos hasta nuestros días. Aunque ilustrada con cientos de imágenes de obras maestras de todos los tiempos, este libro no es una historia del arte. Las ilustraciones, así como una amplia antología de textos, de Pitágoras a nuestros días, sirven para reconstruir las distintas ideas de belleza que se han propuesto o discutido desde los tiempos de la Grecia clásica. El libro ilustra las formas en que se ha concebido la belleza de la naturaleza, de las flores, de los animales, del cuerpo humano, de los astros, de las proporciones matemáticas, de la luz, de las piedras preciosas, de los ropajes, de Dios y del Diablo. Aunque solo nos hayan quedado textos de filósofos, escritores, científicos, místicos o teólogos, así como el testimonio de los artistas, a través de estos documentos también se pueden reconstruir las formas en que los humildes, los desvalidos o el hombre de la calle de todos los tiempos percibían la belleza. Y se nos muestra cómo, no solo a lo largo del tiempo, sino también en el seno de una misma cultura, han entrado en conflicto distintos conceptos de la belleza. Serán los lectores quienes, tras leer las páginas de este libro, decidan si a través de estas manifestaciones la idea de belleza ha tenido alguna característica constante. En cualquier caso, vivirán una apasionante aventura intelectual y emotiva.
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BARCA. Ilustraciones y caricaturas II es un nuevo compendio de la obra gráfica de su autor, Javier Barcáiztegui (San Sebastián, 1948). Como su anterior libro, publicado por Ediciones El Viso (BARCA. Ilustraciones y caricaturas, 2017), se trata de una magnífica selección de sus dibujos, que representan sobre todo escenas camperas y cinegéticas, así como a las gentes del campo y la ciudad, dotados todos de ese costumbrismo clásico que caracteriza su obra. En este volumen pueden encontrarse desde sus colaboraciones en «ABC de la caza» hasta una selección de sus mordaces y humorísticas caricaturas, pasando por las maravillosas escenas camperas de la saga del Marqués de Sotoancho o sus ilustraciones para libros de amigos. Como elemento añadido, algunos de sus dibujos reflejan la terrible influencia que tuvo la pandemia del COVID sobre la vida cotidiana de la población y, de un modo especial, sobre el mundo rural y sus gentes.
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L'excellence théorique, la perfection technique des lignes qu'il a appliquées suffiraient pour défendre Eiffel contre toute la tradition antérieure, mais il est plus juste de le déclarer d'accord avec le sens profond de cette tradition meme. Il est un classique. vre chaise... Dés le lendemain, la comédienne écrira le récit de cette extraordinaire aventure aérienne.vamos, todo lo que hacemos deja un rastro, un mensaje que espera pacientemente durante meses, años, a veces siglos, hasta que un antropólogo forense es llamado a descifrarlo. Parte de esta información es fácil de entender, otra mantiene sus secretos a rajatabla y necesita el engatusamiento científico para ser liberada. Pero al reunir cuidadosamente las pruebas, se pueden reconstruir los hechos de una vida. Miembro a miembro, caso a caso -algunos criminales, otros históricos, otros inexplicablemente extraños- Sue Black reconstruye con íntima sensibilidad y compasión las historias ocultas en lo que dejamos atrás.portunidad. Y todos esos acordes que siempre, a pesar de todo, los iban a unir.
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Un recorrido riguroso, exhaustivo y ameno por los estilos artísticos que se sucedieron en Europa durante el siglo XIX: romanticismo, eclecticismo, realismo, impresionismo, simbolismo, modernismo, así como la arquitectura de hierro y cristal y la escuela de Chicago,creadora de los primeros rascacielos. Una época de grandes genios como Delacroix, Gauguin, Renoir, Van Gogh, Rodin, Eiffel o Gaudí. Con este nuevo título de la serie Breve historia del Arte descubrirá todos losmovimientos artísticos que se sucedieron en Europa alo largo del siglo XIX, una de las épocas más interesantes de la Historia Contemporánea. Desde los grandesacontecimientos político-económicos como el colonialismo o la unificación de Italia y Alemania, a los convulsos sucesos que tuvieron lugar en España tras la muerte de Fernando VII (de las guerras carlistas, la subida al trono de Isabel II y su destronamiento hastala restauración borbónica pasando por la I República), todos los movimientos artísticos: Romanticismo, Realismo, la arquitectura ecléctica y la de hierro y vidrio, Impresionismo, Puntillismo, Simbolismo y Modernismo se tratan en esta Breve Historia. Grandes artistas como Delacroix, Gericault y Eiffel en Francia, Friedrich en Alemania, Paxton en Inglaterra, los grandesmaestros impresionistas franceses y españoles, los artistas que abrieron el camino a la pintura del sigloXX (Cezanne, Gauguin, van Gogh), el escultor Rodin yel genial Gaudí exhiben su obra a lo largo de las páginas de este título, imprescindible para adquirir una información completa sobre esta época tan importante del Arte y la Historia. En un estilo ágil y ameno yde una forma rigurosa Carlos Javier Taranilla de laVarga conocerá en detalle a los grandes maestros de la época a lo largo de todos los campos de la creaciónartística: arquitectos, escultores y pintores, tantoen Francia (donde surgieron la mayoría de los estilos) como en las principales naciones de Europa (Inglaterra, Alemania, Italia) incluida España. Una obra imprescindible para comprender los fu
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La mitologia clàssica ha estat una constant font d'inspiració per als artistes. En ella, déus, herois, nimfes, sàtirs i mènades es barregen en relats plens de vicis i virtuts humanes. «Art i mite. Els déus del Prado» ofereix una àmplia mirada sobre aquests personatges mitològics i la seva representació al llarg de la història de l'art.
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