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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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Bienvenido al fascinante mundo de la arquitectura residencial y el diseño de interiores. CASAS. VIVIENDAS EXCLUSIVAS le lleva en un viaje visual a través de impresionantes e inspiradores proyectos residenciales contemporáneos. 25 renombrados estudios dearquitectura y diseño le ofrecen una visión de sus últimas creaciones, desde lujosas villas,estilosas casas unifamiliares y encantadores chalets hasta elegantes áticos ymodernosapartamentos. Cada proyecto de este libro es único y cuenta su propia historia. Reflejan lavariedad de estilos arquitectónicos que caracterizan nuestra cultura de vidacontemporánea. Ya sea minimalismo chic, rusticidad acogedora, experimentosvanguardistas o elegancia clásica, las obras aquí presentadas ofrecen una gran riquezade inspiración para todos los gustos y preferencias.
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Si le encanta dibujar personas, pero no sabe ni por dónde empezar, ¡este es su libro! Dibujar en 10 pasos: Caras le ayudará a transformar sencillas formas geométricas en retratos llenos de personalidad en solo 10 pasos. Aprenda a reproducir rasgos faciales, la forma del rostro, expresiones y posturas para crear más de 40 retratos diferentes de gente de todas las edades. ¡Aprender a dibujar nunca había sido tan fácil!
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Esta publicación presenta el proyecto de creación Nosotras o atravesar cuerpos, un proyecto desarrollado por la artista Maite Vélaz expresamente para el Museo Oteiza, formado por un conjunto de obras que proponen una reflexión sobre las condiciones de la práctica artística y los modos de abordar lo escultórico. El concepto de lo atravesado determina gran parte del desarrollo conceptual del contenido del proyecto: atravesar los materiales, el tiempo, las referencias a Jorge Oteiza o la propia escultura. Todos estos elementos constituyen recurrentes puntos de partida de una propuesta artística y editorial que remite a su condición procesual y al hacer como de forma de conocimiento y relación con los demás. Esta publicación incluye un completo aparataje visual del proyecto desarrollado por la artista, así como la obra textual de creación titulada Esa escultura se llamaba cariño, un escrito crítico realizado por Peio Aguirre y denominado Cachitos y las intervenciones de los artistas Nerea de Diego, Idoia Leache, Taxio Ardanaz y Daniel Resano.
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Imágenes olvidadas en un cajón, recuerdos enterrados de latidos acelerados, gritos de dolor, fluidos corporales, resuellos de cansancio, sollozos de sorpresa, soplos de consuelo y risas de felicidad. También de abismo, parir una vida es cambiar de vida. Un solo camino, encontrar novio y formar familia, reproducirse, participar sin hacerse muchas preguntas del gran proyecto heredado: la humanidad. Ser madre en tiempos convulsos, querer a las criaturas en un país silenciado por la crueldad. Instinto animal y solidaridad fraternal para sobreponerse a la ignorancia dominante, caminar por un falso paraíso terrenal. Parir una vida, parir la vida.
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La representación del cuerpo humano en todo su realismo y majestuosidad es un precepto fundacional de ese momento trascendental para el Arte que fue el Renacimiento. Hoy vemos con fascinación el tema de la obra de Shane Wolf: El cuerpo, nuestro cuerpo. Nosotros mismos. Shane Wolf es un heredero directo de ese mismo ''Renacimiento'', de la representación artística e intelectual del cuerpo femenino y masculino. A través de él podemos captar claramente el poder de varios siglos de herencia pictórica. El estilo del pintor está inspirado en el clasicismo académico que venera tanto la belleza como el equilibrio.
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Carsten Höller invita a los lectores a alterar su vida diaria con 336 juegos que expanden la mente. Se puede jugar solo, en parejas o en equipos, en la calle, en la cama o en un tren, ¡donde sea! No se necesitan accesorios ni materiales, solo un cuerpo, todos los sentidos y la voluntad de probar algo nuevo, que posiblemente suponga un desafío físico o mental, pero que garantiza el entretenimiento y la ampliación de los horizontes del jugador.Algunos juegos son más osados que otros (gritar inesperadamente ''¡bang!'' cuando el conductor está dando marcha atrás para aparcar seguramente provocará una reacción), pero ahí está la gracia. Otros implican soltar frases extrañas en una conversación, hacer volteretas (sin ensayar) o arrancar pelos de la cabeza del oponente mientras este mantiene su cara de póquer.La formación científica de Höller está detrás de su entusiasmo por crear instalaciones inmersivas y experienciales que combinen arte, ciencia y psicología. Quiere provocar al cerebro mientras prueba sus limitaciones a través de la actividad y la pasividad, la voluntariedad y la inercia. Concibió su primer juego en 1992 junto a un grupo de amigos, durante una aburrida cena después de la inauguración de una exposición. Desde entonces, ha recopilado e ideado nuevos entretenimientos, inspirado por amigos, la vida, los surrealistas y Arthur Rimbaud. Todos los juegos están ilustrados con obras de arte y fotografías encargadas o preexistentes. Entontramos retratos de Inez van Lamsweerde & Vinoodh Matadin, August Sander y Nan Goldin junto a pinturas de Salvador Dalí, instantáneas de Joseph Beuys con su hijo y Donna Haraway con su perro o piezas por encargo de Christine Sun Kim y Anri Sala, fotos de rodaje de Chantal Akerman, extractos de obras de Shakespeare, así como tesoros del archivo personal de Höller, y el de su madre.Editado por Stefanie Hessler y Hans Ulrich Obrist, este libro anima a los lectores a participar en experimentos lúdicos pero cerebrales que los dejarán con una sensación de asombro y desorientación, y una sutil sonrisa en el rostro.
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Con la ayuda de su segunda esposa, Francesca Fontana, y una serie de amanuenses y artistas que trabajaron para él durante muchos años, el naturalista boloñés Ulisse Aldrovandi (1522-1605) dirigió una empresa colectiva cuyo objetivo era por encima de todo la acumulación: la acumulación de saber y de objetos que llegaron a conformar la mayor colección de naturalia de la Europa del siglo XVI. Apoyado en el epistolario que se extiende a lo largo de más de cincuenta años de la vida de Aldrovandi, el presente libro abre una ventana sobre el contacto directo con individuos dentro y fuera de Italia, destacando su interés por las novedades del Nuevo Mundo y por las anomalías físicas del mundo natural. En este libro el lector encontrará información sobre su vida, cómo encaró el estudio de las antigüedades y de la historia natural, su red de corresponsales y patronos, así como la influencia y el legado de sus voluminosas publicaciones.
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Curso completo para diseñar cerámica. Centrándose en el proceso de diseño y los principios de forma, volumen, superficie y función, incluye también una sección de instrucción práctica en técnicas de taller que le permitirán convertir sus ideas en realidad. Una exhaustiva gama de consejos. Texto organizado en unidades que abarcan cada etapa del proceso de diseño, desde el planteamiento y la búsqueda de inspiración hasta el dibujo de los planos técnicos y el desarrollo del diseño.
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En Pintura al aire libre para artistas, la premiada artista y prestigiosa profesora de pintura Aimee Erickson le da las claves para aprender a capturar una gran variedad de efectos de iluminación y le ayuda a perfeccionar sus técnicas de pintura al aire libre con ejercicios prácticos. El libro se divide en los siguientes apartados: Materiales y equipo. Obtenga una visión general de todo lo que tiene a su disposición para no poner límites a su creatividad. Composición y valor. Explore los efectos de la proporción, el color, el valor, las líneas, los contornos, la forma y la textura. Color. Analice cómo los conocimientos y la intención, la paleta de colores y lo que ve (su perspectiva) se turnan para llevar las riendas del juego cromático, inventarse reglas y encontrar soluciones. Efectos de iluminación. Aprenda cómo las condiciones ambientales (cuánta luz hay y si esta es tenue, difusa, dorada, intensa, pálida o mortecina) influyen en todo lo que vemos y en nuestra forma de pintarlo. Diseño e idea visual. Descubra estrategias para desarrollar una idea visual, desde crear una serie de estudios hasta trabajar con la cámara de fotos o improvisar.
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Llibre sobre joiería contemporánia. 35 joies d'una col·lecció privadaLa joieria contemporània està cada cop més ben representada a les col·leccions de museus d’art i disseny d’arreu del món. Tot i que aquestes institucions digitalitzen parcialment les seves col·leccions per fer-les accessibles a escala mundial, no sempre és tan evident que es puguin trobar joies contemporànies a les seves exposicions públiques permanents. Per aquest motiu, l’exposició d’obres mestres dels anys 80 als 90 a la Hannah Gallery ofereix una oportunitat valuosa per conèixer d’una manera inusualment propera l’època més emblemàtica de la joieria europea contemporània. L’exposició aplega 35 obres de una col·lecció privada.
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En Técnicas para pintar bodegones la destacada artista y profesora Sarah Sedwick presenta detalladas instrucciones paso a paso y consejos sobre las numerosas posibilidades creativas que ofrecen el dibujo y la pintura de naturalezas muertas. Desarrolle sus dotes de observación preparando y valorando diferentes composiciones, agrupaciones y formatos. Evalúe las formas abstractas de una composición creando estudios de valor en blanco y negro. Aprenda el proceso de pintar con la técnica alla prima, desde aplicar una capa base hasta mezclar y aplicar colores. Con ejemplos inspiradores de otros distinguidos artistas que trabajan con diferentes medios, Técnicas para pintar bodegones es una obra informativa y muy visual que animará a todos los artistas, sean principiantes o expertos, a explorar este género clásico mediante nuevas configuraciones, estilos y estudios visuales, dándoles la capacidad de desarrollar y ampliar sus habilidades técnicas y creativas.
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La monografía más completa sobre el enigmático artista francés, actualizada para incluir obras completamente nuevas.Llena de fotografías impresionantes, esta extraordinaria monografía muestra una variedad de proyectos colaborativos de JR ejecutados en todo el mundo. Creado en estrecha colaboración con el artista, presenta capítulos sobre cada una de las principales obras de JR, desde Expo2Rue, que utiliza la calle como lienzo para lanzar su carrera como artista, hasta The Chronicles of Miami, que se inauguró en noviembre de 2023.También incluye sus colaboraciones con otros artistas e instituciones como el New York City Ballet, la directora de cine Agnès Varda y la revista Time.Un prólogo de la leyenda de Hollywood George Lucas, una novela gráfica encargada especialmente por el dibujante de cómics Joseph Remnant, un ensayo actualizado de Nato Thompson y un breve artículo de la directora de cine italiana Alice Rohrwacher se unen para contar la fascinante historia de JR.Una inspiración para quienes intentan crear arte socialmente comprometido y marcar la diferencia en comunidades marginadas. – Revista Smithsonian
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Las listas no solo describen los signos del zodiaco, sino que también los comparan a partir de una gran variedad de temas, tanto terrenales como profundos. Cada lista proporciona una mirada sincera y sagaz que relaciona los signos entre sí y perfila diferentes personalidades basándose en los atributos de cada uno. Tanto si deseas analizar tus propios rasgos como comprender mejor a personas de tu entorno, este libro bellamente ilustrado te ofrece todas las respuestas que buscas. ¿Qué mueve a tu jefe? ¿Qué puedes hacer para tener una cita fantástica con un libra? ¿Qué no deberías decir nunca a un escorpio? ¡Adéntrate en el mundo interconectado del zodiaco para descubrirlo!
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Chagall es uno de los artistas más singulares del siglo xx. Adorado por algunos, despachado por otros como fantástico y sentimental, su pintura encierra una cantidad de símbolos y significados ligados tanto a la historia reciente como a las más antiguas tradiciones rusa y judía. El texto de Pieyre de Mandiargues es delicado, original y extraño. Considera a Chagall un «pintor-poeta», le otorga la categoría de «un héroe de nuestro tiempo [cuya obra] es una defensa, una iluminación y una predicación perpetuas del amor», y tiene razón cuando dice que no hay nada en el mundo en el que vivimos que sea tan moderno como el amor. La suya es una lectura atípica de la obra de Chagall, atrevida en sus referencias a su tendencia a la mística, inteligente al cambiar ese término por el de «mágico».André Pieyre de Mandiargues (París, 1909-1991) fue un novelista, poeta, dramaturgo y ensayista francés, cercano al grupo surrealista. Tradujo, entre otros autores, a Octavio Paz, W.B. Yeats, Alberto Savinio, Salvador Elizondo y Yukio Mishima, y su profunda relación con la pintura –estaba casado con Bona Tibertelli de Pisis, sobrina del pintor italiano Filippo de Pisis– le llevó a escribir sobre varios de sus contemporáneos artistas. En 1967 obtuvo el prestigioso Premio Goncourt por su novela Al margen y en 1979, el Gran Premio de Poesía de la Academia Francesa.
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El impacto de la obra de Goya y en particular de los Caprichos (1799) en el arte francés del siglo XIX fue inmenso, duradero y polifacético. Mientras que en España se asociaba a Goya con su producción como pintor de corte, en Francia se le conocía como el autor de los Caprichos, interpretados por los románticos como una sátira de los últimos años del siglo XVIII español. Sin embargo, esta visión pasaba por alto el hecho de que la verdadera modernidad de la obra de Goya radica en su universalidad: como un espejo en el que se refleja la esencia de la humanidad, libre de patriotismo. Lo mismo cabe afirmar también de los monstruos y las brujas, que no son más que reflejos deformados del ser humano. Podría decirse que fue una influencia mutua: Goya contribuyó a modelar el arte romántico francés ''y, de paso, los comienzos del arte moderno'' y los románticos a su vez modelaron su imagen crítica. Este estudio pone en tela de juicio la interpretación establecida del artista aragonés que ha dominado hasta hace poco la bibliografía partiendo de unos estereotipos románticos que, en muchos casos, se han perpetuado hasta la actualidad.
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Aquesta publicació presenta l’obra de Teresa Solar Abboud (Madrid, 1985), centrada en la creació d’ecosistemes escultòrics en els quals famílies de formes germanes creen fluxos i comunitats, es repeteixen i muten en l’espai. Es tracta de la primera monografia de l'artista que acompanya les exposicions ocell somni de màquina, Somni màquina d'ocell i Màquina somni d'ocell que tindran lloc en el Museu Centro de Arte Dos de Mayo, MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona i Fondazione Sandretto Re Rebaudengo respectivament.Mitjançant el treball amb elements orgànics, l’artista construeix relats sobre l’aïllament, la immunitat i la connectivitat que apel·len a un subjecte contemporani, fragmentari i en desplaçament constant. Si bé l’escultura ocupa un lloc principal en la producció de Solar Abboud, el vídeo també ha estat un mitjà rellevant –especialment en els primers anys de la seva pràctica artística– i, junt amb els quaderns de treball, conformen el suport de l’origen de cada forma, de cada peça i de les relacions que es creen entre si. Les seves últimes obres són éssers híbrids i sincrètics de cos mig d’animal, mig de màquina que ocupen un espai intermedi entre l’enginyeria i la mitologia. La publicació consta de tres edicions separades en castellà, català i anglès, en les quals es recullen els textos de les comissàries del projecte –Tania Pardo, Claudia Segura Campins i Irene Calderoni–, les contribucions de Chus Martínez i Manuela Moscoso i una conversa entre l'artista i Cecilia Alemani, així com una extensa documentació gràfica i una catalogació de la seva obra.
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La primera monografía completa sobre el pintor figurativo contemporáneo, publicada como complemento de la primera exposición individual del artista en los Estados Unidos.Spinneret se inspira en el órgano homónimo productor de seda que las arañas utilizan para tejer sus redes. Las pinturas figurativas de Anthony Cudahy reconstruyen con ternura escenas enigmáticas de objetos específicos y entornos equívocos a partir de referencias entrelazadas extraídas de archivos queer, historia del arte, cine, poesía, amigos y autobiografía.Coincidiendo con la exposición individual de Cudahy en el Museo de Arte Americano Ogunquit, esta monografía abarca la última media década de su carrera, incluyendo trabajos completamente nuevos, y revela su rica práctica artística.Organizado por cinco temas artísticos (alegorías, figuras, espacios, deslizamientos y fragmentos), Spinneret captura el tira y afloja continuo, conceptual y materialmente, a lo largo de la práctica del artista.
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En Free Play, Stephen Nachmanovitch propone una meditación magistral sobre cómo la improvisación se puede aplicar no solo al arte sino también a la vida y sobre cómo, al hacerlo, desbloquearemos nuestra creatividad.«¿Cómo se aprende a improvisar? ¿O, en todo caso, cómo se aprende cualquier arte? ¿O cualquier cosa? Es una contradicción, un oxímoron. Ve y dile a alguien: ''¡Sé espontáneo!''. O trata de que alguien te lo diga. Nos sometemos a maestros de música, de baile o de talleres literarios que pueden criticar o sugerir, pero lo que realmente nos piden es que ''seamos espontáneos'', que ''seamos creativos''. Y eso, por supuesto, es más fácil decirlo que hacerlo. ¿Cómo se aprende a improvisar? La única respuesta es otra pregunta: ¿Qué nos lo impide? La creación espontánea surge de lo más profundo de nuestro ser. Lo que tenemos que expresar ya está en nosotros, somos nosotros, de manera que la creatividad no es una cuestión de encontrar el material, sino de desbloquear los obstáculos para que fluya naturalmente.» -Stephen Nachmanovitch Si bien la espontaneidad y la inspiración pueden quedar bloqueadas, descarrilarse o ser eclipsadas por factores inevitables de la vida, Stephen Nachmanovitch apuesta por una fluidez de la energía creativa sin obstáculos, es decir, por el goce de hacer arte en todas sus variantes vitales. Basándose en ejemplos de las artes, las ciencias y las tradiciones espirituales de la humanidad, Free Play nos revela por qué creamos y lo que aprendemos cuando lo hacemos. Lleno de citas inusuales, anécdotas divertidas y metáforas originales, el autor nos guía para esclarecer cómo podemos liberar la inspiración de nuestro interior- y a la vez liberarnos a nosotros mismos- para hablar, cantar, escribir, pintar, bailar o jugar con nuestra verdadera voz. Sabia, generosa y atemporal, Free Play es una obra de referencia para personas de cualquier campo a la que podemos acudir una y otra vez en casos de necesidad creativa.
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La idea del paisaje como representación de la naturaleza, que simula certificar la realidad, con la consciencia, pero, que es puro artificio. La exposición se estructura en cuatro ámbitos temáticos que abordan el paisaje desde la ficción, los códigos culturales y artísticos, la noción del realismo y la consciencia medioambiental. En cada uno de estos puntos, obras del pasado histórico se relacionan con creaciones contemporáneas, rebelando equivalencias visuales a pesar de las diferencias de contexto histórico que hay entre todas.
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El libro perfecto para todo dibujante de manga incipiente.Aprende a dibujar manga desde cero, y haz un curso intensivo para crear tus propios personajes, mundos e historias con la ayuda de este cuaderno de dibujo guiado.Iníciate con instrucciones fáciles y paso por paso para dibujar rasgos faciales y cuerpos manga. Luego, pon en práctica las dotes de dibujo adquiridas con consejos sobre cómo montar las escenas y planificar la línea argumental. En cada sección encontrarás espacio en blanco suficiente para hacer tus propios bocetos, consejos sobre los materiales más adecuados y trucos de experto para que perfecciones tu técnica en todo el proceso. En cuestión de poco tiempo, tendrás la habilidad y la confianza necesarias para empezar a crear tu propio manga.
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Adéntrese en el encantador mundo de “Madera. Interiores Acogedores para Espacios Atemporales'', una cautivadora colección de 30 estudios de arquitectura e interiorismo que abrazan el encanto atemporal de la madera. Al hojear estas páginas, se embarcará en un viaje en el que cada proyecto desprende un ambiente cálido, acogedor y absolutamente agradable. Desde el encanto rústico de las cabañas de madera enclavadas entre imponentes pinos hasta la elegancia moderna de los refugios de madera con mobiliario de felpa, ''Madera'' le transportará a espacios donde el suave abrazo de este precioso material evoca una sensación de confort y tranquilidad. Descubra cómo arquitectos y diseñadores han aprovechado la calidez innata de la madera para crear entornos que invitan a desconectar, relajarse y saborear el relajante abrazo de la belleza natural.
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La fisonomia de Barcelona és diversa, com també ho és la seva gent. Els esgrafiats -tècnica decorativa aplicada als revestiments murals des del segle xvii fins a l'actualitat- són una característica específicament barcelonina que embelleix les construccions urbanes i atorga una personalitat única a cada edifici. Barcelona esgrafiada ens convida a fer una passejada per descobrir la pell de l'arquitectura i gaudir d'aquest ric patrimoni d'orles, figures, motius florals, garlandes, sanefes i, fins i tot, anuncis publicitaris que, tatuat a les façanes, evoca la singularitat i l'elegància de tots els edificis de la ciutat. El llibre inclou codis QR per localitzar els edificis esgrafiats.
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Se dice que Hokusai pintó su primer cuadro a los seis años. Un año después de su muerte, con 89 años, se publicaron póstumamente sus dibujos para libros ilustrados. Esta edición recorre cada una de las fases creativas de la larga y prolífica carrera del artista: desde los retratos de actores con los que se inició hasta los 1300 diseños realizados en sus últimos años bajo el nombre de Manji.Este volumen, que reproduce 746 xilografías, pinturas, bocetos e ilustraciones de libros, muchos de ellos con gran detalle, es la publicación más completa sobre el que posiblemente sea el artista más famoso de Japón. El atractivo de Hokusai como figura representativa del periodo Edo de Japón perdura hasta el día de hoy: en marzo de 2023 se publicó una versión de su icónica xilografía La gran ola de Kanagawa, de su serie Treinta y seis vistas del monte Fuji, que se subastó por 2,76 millones de dólares.Esta monografía va mucho más allá de La gran ola y presenta obras de arte familiares y otras menos conocidas y rara vez reimpresas. Titulada The (almost) complete Hokusai, ofrece una variedad inigualable de temas y técnicas: desde una vista de la cascada Kirifuri hasta mapas de gran formato de los caminos del Tōkaidō y del Kisokaidō y de la península de Bōsō, desplegables de libros ilustrados, entre los que se cuentan originales estampas eróticas (shunga) y manuales de dibujo, como los quince volúmenes Hokusai manga, y varias representaciones de animales, como sus diversas series de xilografías sobre pájaros y flores y sus posteriores pinturas en pergaminos colgantes de patos en medio de un arroyo y un tigre en la nieve.Tras un extenso trabajo de documentación, esta edición presenta nuevas fotografías de obras de arte conservadas en más de 100 instituciones de todo el mundo. Estas incluyen museos y colecciones de Europa, Estados Unidos y Japón, como el santuario Hiei en Kisarazu, donde con motivo de esta edición se volvió a fotografiar un panel que representa la caza de un jabalí al pie del monte Fuji.Los textos de Andreas Marks sitúan las obras de Hokusai en su contexto histórico y exploran su influencia en artistas occidentales como Degas y Gauguin, a pesar de que nunca abandonó Japón. The (almost) complete Hokusai combina la investigación rigurosa sobre la autenticidad del arte de Hokusai con reproducciones extragrandes, incluidos cuatro desplegables, para ofrecer un carnaval visual del Japón del periodo Edo y una valiosa obra de referencia académica.
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Con apenas 30 años, Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) ya había dado forma a dos de las esculturas más famosas de la historia del arte: el David y la Piedad. Sus logros como escultor, pintor, dibujante y arquitecto resultan inigualables: ningún artista ha sido capaz de generar una obra tan extensa y polifacética. Esta edición sigue el ascenso de Miguel Ángel hasta la élite cultural del Renacimiento. Diez capítulos ricamente ilustrados muestran las pinturas, esculturas y construcciones del artista, así como un exhaustivo análisis de la magnífica proeza que supusieron los frescos de la Capilla Sixtina. Reproducciones a toda página y detalles ampliados permiten a los lectores apreciar los más mínimos detalles del repertorio del artista, acompañadas por un ensayo biográfico que explora los rasgos y circunstancias más personales de Miguel Ángel, como su carácter solitario, su afán por conseguir dinero y encargos, su inmensa riqueza y su talento como inversor inmobiliario.
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Leonardo da Vinci, uno de los seres humanos más brillantes que haya existido jamás, sigue considerándose el genio renacentista por excelencia. Creador de algunas de las pinturas más famosas de la historia, este científico, artista, filósofo, inventor, arquitecto e ingeniero encarnó el florecimiento de la conciencia humana que marcó su época.Integrado en nuestra colección Bibliotheca Universalis, Leonardo da Vinci - Obra gráfica presenta reproducciones de calidad excepcional de 663 dibujos de Leonardo, más de la mitad de los cuales proceden de la Royal Collection of Windsor Castle. Estudios anatómicos, retratos de niños rollizos, complejos proyectos de ingeniería y planos arquitectónicos le permitirán adentrarse en su obra y deleitarse con la sutil delicadeza de una de las mentes (y manos) más brillantes de la historia.Sobre la serieBibliotheca Universalis - Compañeros culturales en formato compacto para celebrar el universo ecléctico de TASCHEN.
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Técnicas para dominar el arte del retratoAprenda a dibujar retratos es una guía moderna imprescindible para dibujar retratos y cabezas humanas con los materiales de dibujo y los métodos clásicos de los grandes maestros del pasado. Se convertirá en una fuente de inspiración para todo tipo de artistas, desde principiantes hasta experimentados, y les enseñará a retratar con éxito las sutilezas físicas y la elocuencia emocional del rostro humano.
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¡Vive como solo un artista es capaz! Únete a este movimientointernacional de quienes se identifican por la pasión de dibujar enciudades, pueblos y aldeas. Este taller dirigido por Marc Taro Holmes,cofundador de Urbansketchers.org, muestra cómo inspirarse en lastrivialidades y los esplendores de la vida real, y, sobre todo, cómotrasladar esa emoción a un cuaderno de bocetos.En este libro, repleto de arte y de consejos, encontrarás cuantonecesitas para dibujar bodegones y edificios, personas y escenascallejeras. No importa si eres principiante o artista experimentado, Urban Sketcher te llevará al mundo, a dibujar desde la primera página.Al terminar los dibujos in situ en una sola sesión, conseguirástransmitir la impresión, no solo de lo que se ve, sino además de lo quese siente al estar allí... Historias gráficas de la vida cotidiana quese convierten en historias insólitas, como solo tú eres capaz deobservarlas y experimentarlas.
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Artista adelantada a su tiempo, pionera del arte abstracto, antes incluso que Kandinsky, Mondrian o Malévich.Hilma Af Klint fue una mujer ilustrada y con una gran curiosidad intelectual, que vivió en una época, el cambio de siglo, en la que la ciencia abrió las puertas al mundo invisible : el desarrollo de la espectrografía, el descubrimiento de las partículas subatómicas o la radioactividad conectaban lo real con los espiritual. En este contexto, se hizo muy popular el uso del espiritismo entre asociaciones de mujeres como vía para superar la marginación a la que sus voces estaban sometidas.Emplearon técnicas como el automatismo para desaprender y trascender los límites de su formación académica y, así, acceder a un mundo de imágenes completamente originales.• Hasta 1986, 40 años tras la muerte de Af Klint, no se expusieron sus obras, ya que consideraba que no serían bien acogidas hasta mucho después.• Antes de que se mostrara al público una obra abstracta, Hilma Af Klint ya había producido 200 obras de ese tipo.
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Leonardo da Vinci (1452-1519), uno de los seres humanos más brillantes que haya existido jamás, sigue siendo elparadigma del genio renacentista.La presenteobra es un compacto catálogo razonado de todas las obras maestras pictóricas del artista, y constituye elacompañante ideal de la edición Leonardo daVinci - Obra gráfica.Este libro, realizado a partir de nuestra edición XXL, nos acerca alLeonardo hombre y a su época a través de 10 capítulos, reúne sus pinturas y dibujos más conocidos, sus cartas, contratos, anotaciones de diario y escritos. Ensus páginas podrá admirar con todo lujo de detalleslos más grandes tesoros de los mejores museos del mundo, ya sea del Louvre, del Prado o de la National Gallery, de Londres. Desde la Virgen de las Rocas y Santa Ana, la Virgen y el Niño hasta la famosa Mona Lisa,así como obras de Leonardo perdidas en el tiempo, pero no menos sorprendentes en su precisión y fuerza.
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AMAZONAS CON PINCEL propone un recorrido fascinante, claro y didáctico, por la vida y la obra de las mujeres artistas. Camille Claudel, Frida Kahlo o Dora Maar, entre otras, ocupan las páginas de este libro ilustrando un amplio períodotemporal y sus correspondientes estilos, desde el impresionismo hasta los años cuarenta del siglo XX. Esta obra constituye una parte, corregida y aumentada, de Amazonascon pincel, libro publicado en 2006. Los textos persiguen un equilibrio entre la importancia histórica de las creadoras y el interés de su vida, que arroja mucha luz sobre las dificultades de ser mujer y artista a la vez. Por ello, se ha concedido una especial atención a sus condicionesde trabajo, a su éxito o al olvido de sus carreras, y a quienes pudieron alentarlas o, por el contrario, silenciarlas. Ellas lucharon, al igual que los hombres, por expresar su visión del mundo y renovar el lenguaje artístico, pero en un contexto social muy alejado de la igualdad deoportunidades.
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Andy Warhol fue un incansable cronista de la vida y sus encuentros. Acompañado siempre de una cámara Polaroid, desde finales de la década de 1950 hasta su muerte en 1987 reunió una enorme colección de instantáneas de amigos, amantes, mecenas, famosos y desconocidos, pero también de paisajes, de todo aquello que estaba de moda y de sí mismo. Creado en colaboración con la Fundación Andy Warhol, este libro presenta más de 150 de esas imágenes espontáneas.Se incluyen retratos de famosos como Mick Jagger, Alfred Hitchcock, Jack Nicholson, Yves Saint Laurent, Pelé y Debbie Harry junto a imágenes del entorno de Warhol, de su lujosa vida y sus paisajes, así como bodegones de muñecas Cabbage Patch o sus emblemáticas latas de sopa. Las polaroids, a menudo sencillas e improvisadas, documentan la era de Warhol del mismo modo que hoy Instagram relata la nuestra. Un testimonio único de la vida, el mundo y la visión del maestro de arte pop y de la modernidad.© The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.
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Libro publicado con ocasión del recorrido Un paseo botánico por el Prado, celebrado en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 28 de octubre de 2024 y el 30 de marzo de 2025.El presente volumen fija su atención en treinta especies botánicas representadas en otras tantas obras del Museo del Prado: pinturas y esculturas destacadas de la colección permanente, como El jardín de las delicias del Bosco, El descendimiento de Van der Weyden o La Anunciación de Fra Angelico. Cada una de las treinta plantas va acompañada de un comentario de Eduardo Barba y de una ilustración botánica realizada por Juan Luis Castillo, así como de la reproducción completa y en detalle de la obra del Museo.En palabras de Eduardo Barba: «Muchas obras de arte rebosan de plantas. En otras, se encuentran un poco más escondidas. En todos los casos, la botánica es una parte indispensable del relato que el artista quiere narrar: hay flores que aluden a la dinastía de la persona retratada, hojas que resumen un sentimiento, árboles que transmiten a la escena cualidades que les son propias. Las especies escogidas podían estar presentes en el entorno del artista, incluso al pie de su taller de trabajo.Pero otras veces, y como fruto de las expediciones a distintos lugares del mundo, se incorporaban plantas exóticas que provenían de países lejanos y que enriquecían la flora artística, especialmente a partir del siglo XVI. De cualquier manera, las obras de arte dejan constancia de la fascinante capacidad de observación del medio natural de los artistas, que retrataban las plantas con delicadeza, como si fueran un personaje más».
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Junto con J.M.W. Turner, ningún artista se esforzó más que Claude Monet (1840-1926) en capturar en el lienzo la luz. De todos los impresionistas, fue el hombre del que Cézanne decía solo un ojo, pero ¡Dios mío, qué ojo!, el hombre que se mantuvo completamente leal al principio de la fidelidad absoluta a la sensación visual, pintando directamente a partir del objeto.Se podría decir que Monet reinventó las posibilidades del color y que, ya fuera por su temprano interés en los grabados japoneses, su período como recluta bajo la resplandeciente luz de Argelia o su relación personal con los pintores más importantes de fines del siglo XIX, lo que creó Monet durante su larga vida cambió para siempre el modo en que percibimos tanto el mundo como sus fenómenos asociados. El punto culminante de sus exploraciones fue la serie tardía de nenúfares pintada en su propio jardín de Giverny, la cual, en su giro hacia la ausencia casi total de forma, es realmente el origen del arte abstracto.Esta biografía hace del todo justicia a este artista tan excepcional y profundamente influyente, y ofrece numerosas reproducciones y fotos de archivo junto con comentarios detallados y precisos.
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Tienes en tus manos el cuaderno práctico definitivo para sumergirte en el mundo del urban sketching a través de 25 sencillos trucos y ejercicios. ¿Cómo garabatear y perder el miedo a un cuaderno de dibujo recién estrenado? ¿Cómo hacer bocetos rápidos? ¿Cómo crear profundidad espacial? ¿Qué hay que tener en cuenta a la hora de colorear un boceto? ¿Cómo encontrar lugares idóneos para dibujar?Seas dibujante primerizo o avanzado, Jens Hu?bner resuelve todas las dudas técnicas o situaciones prácticas a las que se enfrenta cualquier urban sketcher. En la calle, en una cafetería, en el metro o en una sala de espera, con este cuaderno de bolsillo, ¡te pondrás manos a la obra sin darte cuenta!
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Este libro ofrece 52 ejercicios que te acompañarán a lo largo de un año en el aprendizaje y la práctica del dibujo, empezando por la observación y las nociones más básicas hasta llegar a la expresión y el estilo. Si te atrae el dibujo pero la vida diaria
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