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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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La noche de la pantera se inspira en una canción popular de Mazandarán, región del norte de Irán situada a la orilla del Mar Caspio. En ella se cuenta la historia de Mina, la muchacha de los ojos rojos enamorada de la pantera. Esta la visitaba cada noch
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'Canciones del suburbio'' es el único poemario que publicó Pío Baroja. Un libro singular, con las estéticas y formas del romance narrativo y la literatura de cordel, cuya redacción coincidió tanto con el fin de la Guerra Civil como con la invasión de Francia por parte de la Alemania nazi. En sus páginas se alternan el humor con la tragedia, la soledad y la tristeza.
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Un libro sobre el horror y los secretos inconfesables, por el que circulan todo tipo de personajes extremos: toda una Internacional de alcohólicos, pederastas y maltratadores. Pese a todo, ni la morbidez del tema ni la repulsión del juego deben distraernos de la sustancia: este libro es una auténtica hazaña poética, construida sobre la musicalidad, la digresión y el trabajo interminable de voces.
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Decía Emil Cioran que la expresión nos descarga del peso de nosotros mismos: la escritura es una liberación donde cada cual se cura de la vida como puede. Este libro se presenta así como un esfuerzo aparentemente inútil: cruzar la distancia que el amor, por muchas circunstancias, a veces no puede salvar. Sus poemas se asemejan, pues, a esos cabos impotentes, vencidos en la madera del muelle. Las páginas de este poemario se construyen sobre una de las formas que el amor adopta en nuestra tradición poética desde Garcilaso a Pedro Salinas: el vano, no como pérdida o carencia, sino como memoria frecuentada y espacio de encuentro. Más allá del amor lamentado, sus versos tratan de alcanzar el anhelo que permanece en el alma del hueso. Cada poema es acompañado de una imagen que unas veces ha sido estímulo y otras reflexión. Algunos textos llevan una breve, pero esencial, respuesta musical: composiciones del propio autor que actúan como un eco que prolonga el verso en una discreta resonancia, muda -si el lector así lo desea-, o cauce irracional para su interpretación. Por ello, tanto la música como estos versos tratan de ofrecer al lector un silencio introspectivo donde se eleva y resuena el poema, quizá de modo efímero, pero siempre más allá de su encarnadura en la palabra. Un libro donde el poema recorre caminos de ida y vuelta entre la música y la palabra: surge así la poesía a través de una voz personal con una identidad muy especial. Juan José Pastor Comín (Cuenca, 1974) es Catedrático de Universidad del área de Música en la Universidad de Castilla-La Mancha. Premio Nacional Extraordinario Fin de Carrera (MEC) y Premio Extraordinario de Contrapunto y Fuga (2001), ha sido profesor visitante en la Sorbonne, Paris-IV, Texas A&M University, University of Nottingham y Ruprecht-Karls-Universität de Heidelberg. Posee tres tramos de investigación y uno de transferencia, y ha sido investigador principal de cuatro proyectos del Plan Nacional y cuatro autonómicos. Sus publicaciones han sido reconocidas por su enfoque interdisciplinar sobre las relaciones entre Música y Literatura, desde el Siglo de Oro hasta nuestros días. Ha coordinado siete grupos de investigación de distintas universidades y del CSIC en el proyecto Música, literatura y poder en la España moderna: estudios interdisciplinares, del programa estatal Redes de Investigación, y desarrolla un proyecto Prueba de Concepto. Entre sus libros académicos destacan Cervantes: Música y Poesía (2007), Loco, trovador y cortesano. Bases materiales de la expresión musical en Cervantes (2009), Cinco viajes musicales por la literatura de la España moderna (1496-1645) (2019), Y la música se hizo verbo... Imágenes poéticas de Beethoven (2021), Escrito en el margen: Música, Literatura y Pensamiento (2023) o Pace non trovo. Historia de la interpretación musical de Petrarca (2024).
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. ANTONIO PRAENA (Purullena, Granada, 1973). Doctor en Teología. Profesor en la Facultad de Teología de Valencia, en la que complementa su investigación con cursos sobre la relación entre teología, cine, poesía y arte contemporáneos. Profesor de Domuni Université (Pontifical University of Saint Thomas Aquinas, Roma) y del Instituto Superior de Ciencias Religiosas de Valencia. Ha publicado los libros Humo verde (2003), Poemas para mi hermana (Accésit Adonáis 2006), Actos de amor (Premio José Hierro 2011. Reeditado en 2016 por Raspabook) y Yo he querido ser grúa muchas veces (Premio Tiflos, Visor 2013, 2ª edic. 2014). Historia de un alma, un poemario que sorprenderá a los lectores de Praena, parte de la cotidianidad de uno de esos personajes de clase alta, culta, guapa e influyente que vive sumergido en una doble vida. Es un libro moral compuesto de retazos inmorales presentados sin juicio. El poeta desaparece y el sujeto de los poemas podría ser cualquiera de estos hombres trajeados, de una cierta élite económica y artística, que perdieron el rumbo y dan vueltas en esta especie de “final de la Historia” que es la posmodernidad. Al fondo de estos versos late la quiebra del impulso teleológico de la existencia que caracterizaba tanto al judeocristianismo como a los proyectos surgidos de la modernidad. El hombre de estos poemas, dilapidada toda idea de sentido de la vida, flota en una espiral de placer, sexo impersonal, arte convertido en mercancía y superioridad excluyente. De lenguaje brusco y premeditadamente antilírico, una cierta mirada mística ejerce de contrapunto en este libro nietzscheano haciendo más evidentes los contrastes de nuestro tiempo.
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Poetas en la España leal es una antología ''histórica'' de la poesía republicana española escrita durante los años de la guerra civil, una antología sobre cuyo valor literario ya se pronunció entonces el propio Luis Cernuda, buen conocedor sin duda de la premura y limitaciones con las que se preparó la misma: ''Pero esta breve selección está probablemente llamada a tener un eco histórico, aunque no tuviese cierto el puramente literario. Si por fatal destino no les salva su talento, a estos que hoy forman el volumen Poetas en la España leal, tal vez les salve en la memoria futura el recuerdo de la tempesad a través de la cual se alzaron sus voces, asombradas unas y otras confundidas''. Juzgue por sí mismo el lector del siglo XXI el valor literario de esta antología, sin duda ''histórica''.
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Un cuerpo virtual, hecho de imágenes, atraviesa un paisaje de dunas. En su soledad total, camina acompañado. Su «phantasmagoria» es la huella viva de lo que ya no está: gestos, espacios, amantes. De esas memorias, que exceden al ser que las custodia, surge esta obra sobre el deseo y la pérdida, sobre el sujeto que se construye recordando lo que una vez amó y ya no está presente. Sara Torres entrelaza lo teatral, lo narrativo y lo poético para mostrar la encarnación de una voz que incorpora en sí todas sus ausencias. Desde la abundancia y el exceso hasta la fragmentación del lenguaje, ''Phantasmagoria'' explora el dolor del cuerpo aislado y el funcionamiento de la mente en el recuerdo.
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El cuerpo se cuenta y se canta, porque sentir la piel es un acontecimiento parecido a cruzar una ciudad o a tocar con las manos una idea. La hora de esta poesía sucede en el lugar del instinto y la meditación, del saber y del desear. Las certezas del cielo se ponen entre paréntesis porque hay fronteras que se crean para que la poesía las cruce y establezca su contrabando de memorias y de silencios.
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Fernando Villalón (Sevilla, 1881-Madrid, 1930), conde de Miraflores de los Ángeles, fue ganadero de toros bravos. Su ideal -criar toros tan temibles como aquellos que lidiaron Pedro Romero y Pepe-Hillo en los albores del siglo XIX- lo condujo a la ruina. Pero lo que perdió el ganadero, lo ganó el poeta. Durante tantos años de andanzas por tierras de Andalucía la Baja, marismas y orillas del Guadalquivir, sin olvidar las estancias en su amada Sevilla, Villalón almacenó en su memoria y sensibilidad paisajes, colores, perfumes, canciones, semblanzas, hasta que brotó la necesidad de convertir esas sensaciones e impresiones en poesía. En esta antología se reúne lo esencial de los tres libros que publicó (Andalucía la Baja, 1926, La Toriada, 1928, y Romances del 800, 1929) y una notable cantidad de poemas que permanecieron inéditos más de cincuenta años después de su muerte. Entre ellos, una extraordinaria cosmogonía, «Kaos», y poemas de cortes diversos: neopopulares, humorísticos, ecologistas, espirituales y hasta surrealistas. Los versos de Fernando Villalón, son «memorables», como justamente escribió Fernando Ortiz, tan cargados de fuerza poética que, después de leídos, acompañan y cautivan para siempre al lector.
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Aurora Saura Bacaicoa nació en Cartagena en junio de 1949 y residió hasta su adolescencia en Alicante. Estudió Filología Románica en la Universidad de Murcia y ha sido profesora de Lengua y Literatura hasta su jubilación. Ha publicado los siguientes libros de poemas: Las horas (1986), De qué árbol (1991), Retratos de interior (1998, reedición en 2014), Si tocamos la tierra (2012) y Mediterráneo en versos orientales -plaquette de haikus- (2015). Varios de sus poemas han sido recogidos en distintas antologías, las más recientes: Contra. Poesía ante la represión (2016) y Composición de lugar (2016). Ha participado frecuentemente en lecturas poéticas, coloquios y encuentros literarios. Ha colaborado también en revistas de la misma índole y en libros franceses para estudiantes de Español. Su lema podría ser, algo modificada, la famosa frase de Terencio: «Nada, humano o no, me es ajeno». En 'Avivar el fuego', se recoge una selección de libros anteriores: 'Las horas', 'De qué árbol', 'Retratos de interior', 'Si tocamos la tierra', y algunos poemas inéditos.
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Hay algo prodigioso en la poesía de Concepción de Estevarena: brillantes por su altura poética, sus versos nacen de la vocación inquebrantable de su autora frente a la prohibición expresa de su padre. Ante la adversidad, la escritura se le revela paradójicamente como un terreno seguro, donde la reflexión sobre el hecho poético es necesaria para encontrar la paz y para tomar impulso. Su equilibrio entre lo meditado y lo inevitable, su posicionamiento en los poemas de temática amorosa -que aborda desde una voz neutra-, su capacidad para sintetizar y reelaborar la estética del Romanticismo tardío y su extraordinaria calidad hacen de ella un raro ejemplo de nuestra poesía menos conocida y más valiosa.
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L'escriptora Mercè Amat i l'artista Goretti Pomé -totes dues, a més, professores- ens conviden a capbussar-nos en un diàleg on convergeixen la paraula poètica, la vibració pictòrica i la reflexió intel lectual. Les autores conversen sobre quatre fases que defineixen el procés creatiu (observació, interiorització, interpretació i expressió). I ho fan de manera molt personal i distesa des d'un marc de recerca espiritual compartit. Pintures, cartes i poemes, i dos textos finals sobre el sentit i l origen de la creació artística, conformen Art i Creació. Veus en diàleg. Una obra singular que reivindica el caràcter transformador i humanitzador de l'art i que ens convida a fer el camí de l autoconeixement cercant el que és essencial i esperançador.
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La epopeya transcurre entre dos puestos de acarajés, el de Dinha y el de Cira, en Salvador de Bahía. Orson Welles, disfrazado de Macbeth, se ha hecho con el control de la región y ha reinstaurado la esclavitud. Neronga se une al popular motociclista de acrobacias Evel Knievel para liberar al pueblo bahiano de la tiranía de Macbeth-Welles. Trifulca, rayos, navajazos, patadas voladoras, verso blanco pentámetro yámbico es el cuadro desolador que se encuentran los filósofos Lisias y Demóstenes al llegar a Salvador de viaje de fin de estudios venidos desde Atenas como polizontes de un navío herrumbroso que cargaba una escenografía para una obra de Esquilo versión moderna (lo de siempre: un falo gigante recubierto de purpurina jugando con el estilo jónico) que se iba presentar en un festival internacional ahora anulado, como era de imaginar, por la guerra en la Bahía.
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Oda al viejo Marinero (Rime of the ancient Mariner) es una balada del romanticismo inglés que nos da un mensaje de la necesidad de amor de todas las criaturas. La historia de un viejo Marinero que nos cuenta su viaje hacia el polo Sur donde los marineros
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Los versos de Guille Galván, como las letras de Vetusta Morla, son textos de ida y vuelta. El lector inquieto va y viene, se sumerge entre las palabras, las hace suyas, las deja escapar, las reinventa y entre tanto atrapa una metáfora, una imagen y la agarra fuerte para enlazar significados. Ahí está la magia del autor, en dar juego dejándose ver pero sin ser descubierto.Retrovisores es un libro circular, en cada página está esa mirada a lo que se acerca desde atrás o a lo que dejas tras de ti. Un trayecto vital dividido en siete partes donde los poemas giran en torno a los temas que conforman el imaginario de toda una generación: las ciudades, las películas, las canciones, lugares donde esconderse, unos labios, o eso que hay fuera y no vemos, trazando un viaje reconocible.
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Con la concisión que la palabra poética le otorga, el autor explora los territorios europeos, cuna de grandes civilizaciones, pero también temibles escenarios de barbaries. Bellos, aterradores y contradictorios, siempre en busca de sí mismos, siempre en disputa, estos paisajes son los protagonistas de un poemario que no pretende ser un libro de viajes al uso, sino una respuesta muy personal al sentido del devenir histórico.
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Las tres décadas transcurridas a caballo entre los siglos XIX y XX, y en concreto los años que van desde 1890 a 1918, que delimitan en Polonia, respectivamente, el final del Positivismo y el inicio del período de Entreguerras, se corresponden con una etapa en la que la bohemia y los dandis se enfrentaron a la moral burguesa, la estandarización social y la dependencia de la tecnología con una explosión de extraordinaria creatividad y originalidad, y a la cual es habitual referirse como la Joven Polonia. La presente antología reúne algunos de los poemas más célebres de los cuatro poetas que con mayor pureza reflejan y representan las diferentes tendencias estéticas y los núcleos temáticos de este periodo: Jan Kasprowicz (1860-1926), Kazimierz Przerwa-Tetmajer (1865-1940), Tadeusz Micinski (1873-1918) y Boleslaw Lesmian (1877-1937).
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El asturiano Ramón de Campoamor (1817-1901) fue el poeta más conocido y admirado durante la segunda mitad del siglo XIX y las décadas iniciales del siglo siguiente. Su primer libro data de 1837, en plena época romántica. El tono personal –moralizante, prosaico, amable o amargamente volteriano– lo encontrará en las Doloras (1846, pero muy aumentadas en ediciones posteriores). A ese libro seguirán los Pequeños poemas (narrativos, discursivos, con toques de humor y patetismo), publicados a partir de 1872, y las Humoradas (1886), que entremezclan el ingenioso epigrama, con la reflexión sentenciosa y la galantería de abanico. Es autor también de varias obras teatrales, de estudios filosóficos (El personalismo, Lo absoluto) y de una Poética, reeditada recientemente por esta misma editorial, que puede incluirse entre las más inteligentes reflexiones sobre la poesía que se han escrito en lengua española.
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La poesía como balada asombrada, las instrucciones de uso como invitación a que el pasmo nos inunde las horas, las contraindicaciones como recurso que enseña a abrir los ojos, o una nueva forma de informar que incluye el canto. Esta es la apuesta de Asunción Escribano en este libro. Un diccionario de asombros a través de los que el lector puede asomarse más allá de la tiniebla efímera, y que le hace visible la luz que brilla siempre, al alcance de quien sabe conducir su mirada a través de los paisajes invernales. «Para poder decir/ en el futuro/ que en aquel periodo/ de tinieblas/ fuiste por el amor completa dicha».
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Este es un libro ilustrado muy peculiar: los textos (poemas) ilustran a los dibujos, que se crearon primero. Una poeta reconocida y con un montón de libros publicados y un ilustrador reconocido y de amplia trayectoria (Federico del Barrio) se unen y crean un libro único.
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Amor un poemario descarnado y tierno sobre una temática que nos toca a todos bien de cerca que refleja a la perfección el lado más feroz y vulnerable del viejo indecente por excelencia de las letras estadounidenses. Charles Bukowski era un poeta intenso,
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Se recogen aquí las cartas a las más significativas corresponsales de Virginia Woolf, como su hermana Vanessa, y sus protectoras, amigas o relaciones literarias y editoriales más importantes. Estas cartas formanuna conversación, una membrana móvil sin un dibujo reconocible, salvo en el reenvío permanente de las imágenes de unas corresponsales sobre otras.
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Me suena, pero no sé quién me decía que la poesía es el único mundo separado que existe dentro del Mundo. Y si es así, su criatura puede mostrar cien formas y caminos. Puede ser el vino del diablo según San Agustín o el ángel del sabio de Hipona, rezo aparte o doctrina concreta. ¿Tiene que ser más profunda y concreta que la Historia como quería Aristóteles? ¿O más sensible, sensitiva y sentimental por lo que apostaba Rubén Darío? ¿Queda la Poesía sometida a la filosofía? ¿El contenido a la forma? (…,) Así en la tierra como en mi amigo Jesús Orea que Ha callado el silencio en un poemario en cuatro actos. ANTONIO HERNÁNDEZ En este libro se alza la voz contra el silencio, siempre cómplice, de un poeta. Una voz ya personal y madura, que se reconoce en el magisterio de los maestros y la tradición, pero con la fuerza más rabiosa de la contemporaneidad más necesaria. MANUEL FRANCISCO REINA Jesús Orea se alza con el calificativo indiscutible de gran escritor. ANTONIO HERRERA CASADO
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Entre las muchas correspondencias publicadas de Rainer Maria Rilke, estas Cartas a un joven poeta, escritas a Franz Xaver Kappus en los primeros años del siglo XX y publicadas por él en 1929, poco después de la muerte de su autor, son sin duda las más conocidas, reeditadas y leídas.y con razón, pues la profunda sabiduría que en ellas encontramos, tanto sobre la creación artística y poética, como sobre la juventud, la soledad, lo masculino y lo femenino, el porvenir de la mujer, y sobre la vida en general, las hacen de lectura imprescindible para cualquier persona con sensibilidad literaria, artística o sencillamente vital que quiera encontrar apoyo y orientación en sus dudas, dificultades y preguntas.Esta nueva traducción de Jesús Munárriz, acompañada del texto alemán original, fácilita a los lectores el acceso a una versión fiel y definitiva de un texto ya clásico y de permanente validez.
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Un dels cims més alts d'aquest autor que puja¬va baixant i que sabia que en l'art l'obra més reeixida con¬dueix al fracàs, entès aquest no només com a allunyament dels càntics de sirena oficials, sinó també com aconclu¬sió de la impossibilitat de l'obra
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Los reinos de allí reúne en el año de su centenario toda la poesía de Carlos Edmundo de Ory (1923-2010), una de las voces más altas y singulares de la lírica española contemporánea: setenta años de creatividad desbordante hecha palabra, desde sus primeras tentativas juveniles a la culminación expresiva de Melos melancolía, pasando por los numerosos poemarios y ciclos librescos que jalonan un itinerario poético marcado por la pasión imaginativa, la búsqueda estética y espiritual, la exuberancia verbal y una sana irreverencia. El resultado es una aventura creadora que no reconoce límites y que enlaza expresamente con las zonas más fértiles de la modernidad -el romanticismo anglo-germánico, el simbolismo visionario, las vanguardias históricas- en su afán por religar palabra y vida. Fruto de largos años de estudio, cotejo y revisión de esta obra, el poeta, profesor y ensayista Jaume Pont nos entrega en este volumen la edición definitiva de la poesía de Ory.
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Esta traducción española de la poesía de Wislawa Szymborska está compuesta por dos de sus libros, los considerados más valiosos y representativos de su obra, El gran número y Principio y fin, complementados por quince poemas de sus obras anteriores y cinco más recientes, aún no recopilados en libro por su autora. Contiene asimismo el texto El poeta y el mundo, leído por su autora en Estocolmo con motivo de la recepción del Premio Nobel de Literatura, así como un estudio preliminar: Wislawa Szymborska, poeta de la conciencia del ser, de la reconocida especialista Malgorzata Baranowska. Los textos han sido vertidos al castellano por un equipo de traductores compuesto por Xaverio Ballester, Gerardo Beltrán, El!z!bieta Bortkiewicz, David Carrión Sánchez, Maria Filipowicz-Rudek, María Paula Malinowski Rubio, Carlos Marrodán Casas, Katarzyna Moloniewicz y Abel A. Murcia Soriano, coordinados desde Cracovia y Varsovia respectivamente por Maria Filipowicz-Rudek y Juan Carlos Vidal, responsables de la edición.
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La Vida de Samuel Johnson, de James Boswell, «deliciay orgullo del mundo de habla inglesa», según G. B. Hill, es considerada unánimemente la biografía más lograda que se ha escrito jamás. Pese a que Johnson, coloso de la literatura de su tiempo, era un personaje complejo, Boswell logra presentárnoslo en su insólitariqueza gracias a su conocimiento personal y al minucioso trabajo de recopilación de los testimonios de muchos otros contemporáneos: a través de las enjundiosas conversaciones con Johnson, de sus cartas, poemas,traducciones, panegíricos, críticas o artículos pararevistas, va emergiendo el personaje desde su juventud hasta su consagración, con tal viveza que el lectortiene la impresión de conocerlo como si hubiera tenido el privilegio de tratarlo. Y así, merced a una prodigiosa combinación de afecto, respeto, destreza y rigor, Boswell consiguió dar vida al personaje retratado para que trascendiera su existencia temporal y propagara su influjo durante siglos.
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El filòsof grec Plató (514 aC-520 aC) se serveix del mite de la caverna (inclòs en La República) per comparar l'efecte de l'educació (παιδεία) i la manca d'aquesta en la nostra naturalesa. El professor de secundària, Carles Bosch, també l'usa per comprovar-ne l'efecte sobre un grup escollit d'alumnes a l'hora d'explicar-los l'ascens de les tendències extremistes que neguen la igualtat entre els sexes o la solidaritat en defensa del liberalisme salvatge, el populisme mentider, el masclisme o el desig d'un retorn a certes formes de feixisme. El professor observa i analitza les reaccions del grup d'elegits, les quals li donaran més d'una sorpresa. Es tracta d'una proposta teatral jove, crítica i divertida que ens fa pensar: hem eixit de la caverna platònica per mirar el sol o encara ens movem entre les seues ombres?
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La fortuna editorial de la Segunda antolojía poética convirtió a Juan Ramón Jiménez (1881-1958) en referente indiscutiblepara varias generaciones de poetas y en el autor más anómalo e imprevisible de su tiempo. La renovación constante a la que
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Una comedia del autor de de la distopía ''Nosotros''Conocido sobre todo por su novela distópica de 1921 Nosotros, Zamiatin (1884-1937) fue también autor de relatos y de obras de teatro, caso de esta comedia, estrenada en 1925, en la que juega con la fanfarronería y la presunción de la sociedad rusa y, por extensión, soviética.Por su inconformismo y su sentido de la sátira, pronto quedará censurado y relegado en su país del que, no obstante, podrá salir en 1932. Zamiatin puede considerarse uno de los primeros disidentes soviéticos.
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Antología que recoge parte de la poesía del siglo XX en Italia. Entre los autores encontramos a Giorgio Caproni, Mario Luzi, Margherita Guidacci, Andrea Zanzotto, Giovanni Giudici, Maria Luisa Spaziani, Edoardo Sanguineti, Fernando Bandini, Alda Meri
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Samurái primero, ronin después, y por último estudioso y monje itinerante, Matsuo Basho (1644-1694) es considerado no sólo el maestro máximo del haiku de Japón, sino también el mejor poeta de su historia. Por sendas de montaña es una selección que proporciona una muestra inmejorable de su maestría en este género sutil y evocador que, en sus manos, y gracias a sus dotes de observación y su sensibilidad hacia todas las manifestaciones de la naturaleza, trascendió a una dimensión poética superior.Selección, traducción e introducción de Fernando Rodríguez-Izquierdo y Gavala
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A La remor, tan salada s'hi troben, d'entrada i per cloure, les remors incessants d'un baix continu: la pugna pel com dir i la batalla amb la bèstia, o com poder-se protegir-amb quina paraula!-del so constant del pas del temps. Entremig hi ha tot allò que queda sota la pell: del cap als peus, les venes obertes pel remugar de les entranyes.
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Se incluyen las dos colecciones independientes que publicó en vida: Cuerdas de plata y Las coronas tempranas. Zweig reunió lo mejor de su poesía en Nuevos viajes, que incluía poemas nuevos, inéditos o publicados en revistas y que también hemos incluido en nuestra edición, elaborada a partir de la preparada por Richard Friedenthal. Como tantos otros compañeros de generación, Stefan Zweig vivió atrapado entre dos mundos: la pacífica Viena del cambio de siglo —destilación de sucesivas décadas de ilustración y humanismo— y la Europa destrozada por las dos guerras mundiales, el fanatismo nacionalista y la intolerancia. El escritor plasmó este contraste funesto en sus célebres memorias El mundo de ayer, cúspide de una obra dedicada a la narrativa, con un evidente sabor decimonónico, y al infatigable impulso de divulgar la obra y las vidas de grandes personalidades. Pero si en su narrativa y en las memorias reflejó la atmósfera y el ambiente del mundo perdido de su juventud, fue en la poesía donde concentró sus primeros años creativos, derivando luego en la traducción de clásicos franceses. Los dos libros que se publican en este volumen, escritos a lo largo de cinco años, suponen un ejercicio literario notable, en la estela de la poesía publicada por Rilke y Stefan George en el periodo encantador que va del final del Romanticismo al arranque de las vanguardias, pero con la particularidad de haber preservado la atmósfera y el espíritu de aquellos años, todavía intocados por la guerra.Bienvenidos a la rutilante Viena de principios de siglo, la última estación del humanismo liberal. Bienvenidos al corazón de Europa.
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Premio Internacional Alegría 2023. Rubén Martín Díaz presenta un libro en el que alude a distintas experiencias existenciales de carácter reflexivo y, sobre todo, contemplativo, que contrastan con el prosaico y umbrío mundo cotidiano de su trabajo profesional.Partiendo de dos citas, en apariencia antagónicas -una del dibujante Guy Delisle y otra del poeta san Juan de la Cruz-, la innegable sensibilidad del autor deja paso a una serie de poemas, inteligentemente organizados en varias secciones -que, en realidad, conforman un único poema fragmentado-, a través de los cuales procura cantar el hallazgo de la creación poética y la belleza y luminosidad de la vida en su fluida temporalidad. En ese conjunto, cabe destacar, además, las referencias al amor esponsal y a la presencia gozosa de los hijos.Como eje principal de su discurso, Martín Díaz se hace dueño de la simbología de la luz, elemento clave cargado de significación, que percibe no sólo como sanadora y fecunda, sino como cauce de búsqueda y ascensión de la realidad.Con un dominio imperioso del ritmo y una gran carga emotiva, Lírica industrial se lee como un poemario sin fisuras, fresco, maduro, de esos en los que la voz del poeta se reconoce poderosamente, dentro de una tradición donde la poesía es siempre un logro fortuito a la vez que «el triunfo natural de lo absoluto».
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