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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Una carta salva la distancia entre dos cuerpos separados. En esa mediación se da el contacto, y esos dos puntos aislados se abren el uno al otro, se permean hasta desdibujarse y generar una nueva forma de relación con el espacio y la palabra. Todas las cosas que se van investiga el lenguaje de la pérdida y la forma en que el cuerpo se coloca frente a la despedida. La forma de la carta sirve para reconocer la dimensión porosa de los cuerpos, cuyo adentro y afuera se confunden en el gesto de escribirle a otro. Con un tono contenido pero certero, Laura Villar atraviesa los límites que señalan un cuerpo como propio, reconociendo en su escritura que el cuerpo es todo aquello que le pasa y lo que en él hace mella. Las cosas al pasar dejan su surco.
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Escames representa una transició de la joventut a la vida adulta i com l'ésser humà afronta les vicissituds que troba al seu camí adaptant-se al medi i, sovint, en certa manera, mudant de pell per a esdevenir més fort i resistent. En aquest procés assitim a la desintegració de l'individu en un constant paral·lelisme amb les forces de la natura exercint el seu poder. No ens queda cap altra opció que lliurar-nos-hi per a que ens transformi i puguem renéixer.''La poesia de Tània Soler està fornida d'imatges en què la sensualitat i la relació del cos a cos amb l'altre hi tenen un paper predominant. Tània Soler és remeiera del cos però també de l'ànima a través del verb fet vers i després carn.'' (Del pròleg d'Àngels Marzo).
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'El individuo y su ceniza intenta desentrañar el viaje ontológico prescindiendo de coordenadas geográficas y temporales. Cada poema se aproxima ''sin llegar a la cumbre'', sin prisa por una identidad, insaciable, degustando el no llegar, la espesura de fugas, el laberinto. Es un libro que habla en la holgura del instante tocando el cuerpo - cápsula de percepción - preñado por el hambre y su consciencia de ceniza''. ÁNGELA GARCÍA Estás siempre acercándote a la cima de lo que no comprendes. Viajas hacia lo que tiene que pasar como si vivir ya sucedió y estamos repitiendo sin esfuerzo el destino de la memoria. Te aproximas sin llegar a la cumbre estás viajando sin parar en la muerte de ese momento.
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Santiago Acosta (San Francisco, Estados Unidos, 1983) es una de las voces más singulares de la poesía venezolana contemporánea. Ha publicado los libros Detrás de los erizos (2007), diagonales (2010), Mañana vendrán las piedras (2018), Cuaderno de otra parte (2018) y El próximo desierto (Premio Ciudad y Naturaleza José Emilio Pacheco, 2019). Actualmente es profesor de Cultura Latinoamericana en la Universidad de Yale. «Si hubiera que resumir en unas pocas palabras lo que Santiago Acosta nos plantea con sus versos, habría que decir que nos encontramos ante un formidable tour de force: la paradoja de escribir sobre nuestro desesperado presente sin cortapisas ni concesiones y con tanto ahínco, fuerza e inteligencia como para que podamos sentir que, al final de cada poema, algo sigue brillando en la oscuridad e irónicamente sobrevive. Y es que lejos de todo nihilismo, lo que la aguerrida palabra de Acosta quiere transmitirnos en última instancia es menos una visión de nuestros miedos actuales que la urgencia con que debemos asumir el reto de rescatar de las ruinas del planeta nuestro agónico deseo de un porvenir». Gustavo Guerrero
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«“Soy / apenas / un hombre que trata de respirar / por los poros del lenguaje. / Un estigma, / a veces un intruso, / en todo caso alguien fuera de papel”. Estas palabras de un poema de Rafael Cadenas, publicado en su libro Gestiones (1992), nos hablan de alguien para quien la relación con el lenguaje es orgánica, vital, imprescindible, pero a la vez ardua y dificultosa. Y nos hablan también de un estado de conciencia en el que se ha alcanzado una plenitud existencial que linda con la sabiduría, donde han quedado atrás los simulacros y las imposturas, y se ha optado por vivir “fuera de papel”. Alcanzar ese estado, sin embargo, ha sido el resultado de un largo viaje, lleno de incertidumbres y tanteos, que comenzó hace más de seis décadas». Así comienza el prólogo del poeta Arturo Gutiérrez Plaza que acompaña esta antología de Rafael Cadenas titulada Florecemos en un abismo. Poemas con la que precisamente se quiere invitar al lector a acercarse a la obra de este autor, que ha tratado de seguir al pie de la letra un exigente programa que le ha llevado a romper constantemente consigo mismo, cambiar de tono y de modelo de escritura en pos de una expresión más auténtica. En estas páginas, que recorren sus libros más importantes (Una isla, Los cuadernos del destierro, Memorial, Amante…), junto con la inclusión, además, de seis poemas inéditos englobados bajo el título Poemas de Trinidad, se dejan ver algunos de los temas que cruzan toda su obra: el amor y la mujer, la asunción de la vida como experiencia poética, el concepto de «isla», que representa el exilio no tanto como lejanía geográfica, sino como condición existencial o el desdoblamiento del sujeto poético.
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Con un nudo en la garganta llené de palabras acalladas todas aquellas páginas que cabían en mi mirada. Vertí mi dolor en ellas y así, al ver mi tristeza fui acompañándome en el camino de vivir un futuro que aún no está escrito. Acompáñame en esta senda sin rumbo buceando entre las emociones de mi mundo y encuentra en estas páginas el sufrimiento, pero también aquella alegría tan anhelada.
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Detenido en el sentido de la vida. Llenando de preguntas los poemas. Ernesto Alcalá ha escrito un libro que busca un sendero que recorra desiertos o nos haga tragar toda el agua de París. Una botella en la arena después de un naufragio sin manual de supervivencia salvo el amor, lo único capaz de saciar nuestra sed y de conducirnos una y otra vez hasta la fuente. El autor termina por encontrar la única respuesta posible en la infancia, la patria del poeta, después de navegar la miseria de la finitud.FERNANDO VALVERDE.Insinuaciones del agua de Ernesto Alcalá presenta un acercamiento a la palabra poética como una voz que crea luz en la oscuridad, presencia en el vacío, memoria en los sueños. La poesía sin tiempo y el tiempo de la poesía se conjugan en versos que evocan los ciclos vitales y sus correlatos en la naturaleza, en la geometría de los elementos. Con un tono diáfano y amable, Ernesto Alcalá nos propone una estética de las correspondencias en la que la luz hecha memoria es el telón de fondo donde los ángeles lloran su sangre. Desde una ventana en el sur de Manhattan, celebro este libro que dialoga con las obras de Rilke, Alberti y Georg Trakl.CARLOS AGUASACO
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Roberto Juarroz fue uno de los poetas argentinos más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Desde la publicación de su primera ''Poesía vertical'' (1958), le sucedieron otras doce en vida. Todos sus libros mantuvieron ese título al que solo añadía el ordinal, lo que supone una declaración de intenciones: profundizar en la poesía como una forma de pensamiento, no buscar la originalidad entendida como experimentos formales, huir de las modas y de la consideración de la poesía como un ''arte'' sometido al juicio y al aplauso del crítico. Su rigor extremo se manifiesta en la semejanza de cada uno de sus libros: similares símbolos, estilo y temas (el mundo, la realidad, la poesía, el hombre), siempre filosóficos, nunca anecdóticos, biográficos, históricos o sociales.
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EDICIÓN ILUSTRADA DE EL RAYO QUE NO CESA DE MIGUEL HERNÁNDEZEl amor y su sentimiento, el amor y la verdad, el amor y la muerte, el amor y su sufrimiento. Esos son los temas fundamentales de El rayo que no cesa, el volumen que Miguel Hernández (Orihuela, 1910-Alicante, 1942) publicó en 1936 en la editorial Héroe. Es la obra más acabada del poeta.Demipage recupera, en esta bellísima edición con ilustraciones tipográficas de Jean Assémat, los textos originales del poeta.El rayo que no cesa, el rayo solar, una identidad cósmica inagotable.
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_Cuc de seda_, una novel·la breu, i _Claustre_, un recull de contes, són dues obres de Valerià Pujol (1952-1992) escrites al tombar els noranta, que durant anys van estar extraviades i que ara, coincidint amb la celebració de l'Any Valerià Pujol, s'editen per primera vegada tal com l'autor les va deixar enllestides per a ser publicades. Com diu Albert Calls al pròleg, «Els relats de_ Claustre_ són un recorregut per l'altra banda del mirall. Obsessions, simbolisme, psicoanàlisi i distorsió de la vida fins a l'hiperrealisme més extrem. També s'hi troba la valentia i la transgressió que van determinar els seus contes, on s'aprofundeix en els viaranys més obscurs de l'ànima humana.» «A _Cuc de seda_», continua Calls, «es manifesta un altre dels grans temes de Valerià Pujol: la dificultat de les relacions personals en el context del sexe, l'erotisme i els tabús socials, en els imprecisos límits, un cop més, del que es considera transgressió». Trenta anys després de la mort de l'autor, aquests dos inèdits sorprenen per una modernitat radical allunyada de qualsevol tendència i per la pervivència de l'estil al pas del temps.
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Poner nombre a revelaciones vespertinas, apagar incendios en el pecho, restañar heridas producidas por el mundo cuando este se quiebra, convertirse en nube, seguir oyendo la voz de los padres... de estas necesidades surge este Bestiario del deseo. Dividido en tres secciones, Bestiario, Deseo y Pecios, el de Juana Gallardo es un poemario de la sencillez y de lo efímero, tanto en la naturaleza como en la cultura. Numerosas son las referencias a autores y mitos, que se entrelazan con las de un mundo natural hacia el que la autora se muestra especialmente sensible: una naturaleza que es capaz de transformar en una sola noche ''su soledad en flores y el silencio en miles de riachuelos que nadie esperaba''. Si el campo es capaz de todo eso, dice, ¿cómo no vamos a ser capaces las personas de darle sentido a la vida y al mundo? Aunque ''la esperanza es pequeña'', como admite en un poema, es suficiente para contradecir al filósofo que sostuvo que, después de Auschwitz, no es posible la poesía. El convencimiento que transmite este poemario es ''que después de esta guerra/habrá poesía''. De cualquier guerra.
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La poesía de Fernando Riva (Perú, 1979) se instala en el borde del precipicio en una búsqueda de lo sublime que toma plena conciencia de la muerte. Su sentido trágico, lejos de acabar en una melancolía enfermiza, es una afirmación de la vida en su sentido místico. Con un preciosismo formal cada día más extraño, Riva nos enfrenta a las grandes preguntas del alma durante una extensión de la gracia que sólo el amor puede conceder a los sufrientes.
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Fermín Herrero realiza una pausa en su esfuerzo por afilar el verso, por adelgazar la poesía, en esta mirada al pasado que ha terminado por titular Fuera de encuadre. Sin romper del todo con su estilo sincopado, a veces como un tajo en la tierra, ni apartarse de su devoción temática por lo que podría denominarse la cultura del campo, en este retorno a la infancia y juventud no faltan claves de la cultura pop, como la música, el cine o la televisión. Su obsesión por la levedad del ser, por lo efímero de la vida, su desgarrada tristeza se atempera aquí gracias a la memoria: el descubrimiento de los primeros síntomas del amor, de una felicidad hecha cenizas. Con este poemario, el primero que publica después de haber obtenido el Premio Nacional de la Crítica, reafirma su madurez creativa y su esfuerzo constante por indagar en nuevos caminos creativos.
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Dorothea Tanning, que comenzó su carrera poética a los 94 años y que vio publicado su segundo poemario, Si llegamos a eso, pasado el siglo de edad, se definía a sí misma como «la más vieja de los nuevos poetas emergentes». No obstante, sus poemas son el reflejo de un profundo imaginario simbólico, desarrollado durante décadas a través de su pintura, y la frescura de quien experimenta y juega con un nuevo lenguaje.
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'La cuarta persona del plural. Antología de poesía española contemporánea (1978-2015)' presenta el trabajo de 22 de poetas españoles nacidos entre 1960 y 1980 que cubren un amplísimo abanico de tonos, formas y opciones estéticas.
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La voz poderosa y auténtica de Viole Casillas combina a la perfección la experiencia de la tradición literaria y la frescura de la juventud. Fernando Valverde
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La prosa poética y los versos que recorren esta obra nos hacen mirar hacia lugares desconocidos, quizá imaginados o a nuestro alrededor más cercano y cotidiano. La extrañeza y la melancolía son los lenguajes que utiliza Lezón para derrotarnos, como esa mirada perdida y solitaria de los ciervos que hipnotiza y nubla la visión que tenemos de nosotros mismos. Los minúsculos latidos son palabras que se unen, metáforas que nos acercan a fragmentos de vidas, donde hay bosques y lagos, nieve y luces, grietas, amor y silencios. Los poemas de Ricardo Lezón, como sus canciones, esconden mucha verdad y un camino. Solo hay que dejarse llevar.
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Estos poemas contienen sus escamas brillantes, que se nos quedan pegadas a los dedos cuando intentamos asirlos. Son una piel sobre la piel. Protección, pero también aislamiento. Esta edición bilingüe nos trae por primera vez en castellano a una de las voces más destacadas de la poesía en euskera del siglo XXI.
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Se trata del único libro de poesía escrito por Yaşar Kemal. Como afirma Güven Turan en la presentación de este libro singular: Sabía, por lo que había leído de sus biografías, que Yaşar Kemal escribía poesía en su tierna juventud. Además, un joven como él que recorría de trovador las montañas del Tauro y recolectaba elegías y leyendas, ¿cómo iba a contener la poesía que se acumulaba en su interior? Pero supongamos que no sabemos nada de eso, ¿quién, leyendo sus relatos y novelas, no se ha dicho alguna vez «eso es pura poesía»? A pesar de ello, la primera vez que Yaşar Kemal me presentó las páginas que componen este libro, confieso que no esperaba algo así: quien tenía ante mí no era un escritor de ficción metido a poeta, sino que era un auténtico poeta. [...] Yaşar Kemal se había dedicado a la poesía hasta 1945 y luego se retiró... Recordemos que 1946 es el año en que escribe su primer cuento, «Un cuento sucio»... Tras este cuento entra en las páginas de la historia de la narrativa turca, dejando aparte unos cuantos poemas suyos publicados en la década de los años ochenta. Sin embargo, es evidente que la poesía de Yaşar Kemal no se había acabado ahí, en este libro salen a la luz cinco poemas inéditos que justifican el dicho de «la poesía es un grito, un grito que no se puede acallar».
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Noroeste, el séptimo libro de poemas de Luis Suñén, es una suerte de reflexión acerca de las cosas de la vida, una mirada sobre lo que sucede alrededor -«mitad beso, mitad lágrima», como escribiera Edward Thomas- y la forma en que todo se convierte en parte de nosotros mismos. Así, el paisaje cotidiano, la visión a veces perpleja de una naturaleza -la lluvia, el mar, la niebla- que es también revelación, el paso del tiempo o el encuentro del casi creyente con lo que va pareciendo una presencia real. De su anterior libro, Volver y cantar, escribió Antonio Muñoz Molina: «Luis Suñén, que tanto sabe de música, escribe con un fraseo contenido y quebrado, que se corresponde muy bien con su pudor expresivo, con su deriva entre el escepticismo y la creencia, entre la confesión y la elipsis».
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Con una perseverancia admirable, Emilio Barón propone una nueva entrega de su obra poética completa. En esta nueva edición de LOS DIAS, LOS DONES, Emilio Barón, al modo cernudiano, revisa por tercera vez su obra y añade tres libros inéditos escritos desde la última edición en 2010. Una vez más la reunión de toda la obra concebida como unidad en sus metamorfosis, logra una propuesta artística de alto nivel y de una singularidad extrema en nuestra poesía contemporánea.
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Francisco Villaespesa (1877-1936) merece ser considerado uno de los mejores poetas del Modernismo español. De manera muy temprana, sus libros supieron plasmar con maestría la renovación lírica impulsada desde América por Rubén Darío. Thule, título de esta antología, no sólo alude a una de las obras principales que consagró al autor, evoca también el reino ideal del arte y el mito con que desafiar la prosa del mundo. Por estas páginas desfila toda una geografía de la imaginación poblada de crepúsculos, cisnes, esfinges femeninas, paraísos artificiales, solitarios parques de otoño y sonámbula música de fuentes que dibujan la sensibilidad compleja de la modernidad, pero también la expresión de la melancolía y el enigma vital que nos adentra en el reino interior del Simbolismo. Aquí reside lo más valioso de Villaespesa: un lirismo matizado y sentimental que intensifica la sugerencia para interrogarse sobre el alma de las cosas abismándose en el misterio de la naturaleza.
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Javier Ruiz Taboada nació en Toledo en 1962. Es locutor de radio y escritor. Profesor universitario en masters de radio. En la actualidad, trabaja en el programa Radioestadio de Onda Cero. Ha publicado cuatro libros de poesía con la editorial Renacimiento: Ropa interior (2009), Tierra mojada (2012), Contra viento y maneras (2014) y Entre tu espalda y mi pared (2016). También es escritor de literatura infantil, con siete títulos, como El niño y la caracola (2012) o Versos del tiempo (2012). Además de la escritura, sus vicios confesables son la pintura y la fotografía, que ha mostrado en varias exposiciones. Muy activo en las redes sociales, destacan sus perfiles en Twitter e Instagram: @ruiztaboada. Muchas de las ocurrencias, greguerías y citas a ciegas que aparecen en este libro quedaron atrapadas en las redes sociales, entre los años 2009 y 2017. Como advierte el autor en la nota introductoria: «Mi deseo es compartir con el lector ese universo de frases bien o malsonantes que, a diario, atraviesan mi cabeza como una bala de fogueo y que mi editorial me ha concedido el deseo de poder recopilar».
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Esta edición reúne, por primera vez, los siete poemarios de Marina Romero nunca reeditados y prácticamente desconocidos para el público español. Publicados desde 1935 hasta 1999, entre España, treinta años de exilio en Estados Unidos y veinte de regreso, fueron editados por instituciones y editoriales dedicadas, ya en su tiempo, específicamente a rescatar voces marginales como era la suya, en tanto que mujer intelectual y exiliada republicana. Se rescatan así las experiencias amorosa y exiliar que atraviesan sus versos desde la delicadeza más bella hasta una crudeza desgarradora, a veces simultáneas. Romero traza un doble duelo: por la patria y la amante perdidas y jamás reencontradas. De la evolución estética de Romero podemos deducir el principal patrón de su época, que va desde las poéticas de principios de siglo xx hasta la poética propia del exilio y la del regreso a una patria que marca un nuevo estadio para el sujeto: el de exiliado doble, de la España que conoció y del país que la acogió durante tres décadas y ahora se abandona. Rescate de la poesía jamás reeditada de una mujer intelectual, republicana y exiliada en Estados Unidos, cargada de sencillez y complejidad conceptual, de delicadeza y desgarro. Marina Romero (Madrid, 1908-2001) fue autora de poesía y literatura infantil. La suya se inscribe en la historia cultural de la mujer moderna española de principios de siglo XX, intelectual, feminista, republicana y emancipada, en torno a instituciones como la Residencia de Señoritas y una red femenina internacional de intercambios y apoyo. Exiliada en Estados Unidos, fue catedrática de Literatura Española en Douglass College (New Jersey). Allí mantuvo sus vínculos de juventud con otros exiliados republicanos: mujeres de la Residencia, las familias García Lorca, de los Ríos, Zulueta, los poetas Jorge Guillén, Pedro Salinas, etc. Regresó a Madrid en los años 70 para descubrir, quizás, que nunca se regresa al sitio del que se fue arrancada. Lucía Cotarelo Esteban es Doctora en Filología Española por la Universidad Complutense de Madrid y profesora en la Universitat Autònoma de Barcelona. Miembro del Grupo de Estudios del Exilio Literario (GEXEL), se especializa en la historia cultural y la poesía del exilio republicano en Estados Unidos, a la que la experiencia y obra de Marina Romero pertenecen. A este respecto, publicó el volumen Spain in the Hudson. Los poetas del exilio republicano español en Estados Unidos (2022). Actualmente, focaliza sus estudios en mujeres intelectuales y artistas exiliadas en el mismo país.
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La por de morir i la por de viure. La por de fer el ridícul. La por a l'amor i la por al sexe. La por de caure. La por de ballar. La por de ser enterrat viu. La por a la llibertat. La por té moltes pells. Com un apotecari tronat que recull les mudes de serp per fer-ne específics, l'autor aplega les carcasses que la por deixa en el seu devastador camí per la vida social, les esmicola amb la mà de morter de la metàfora i les envasa en l'albarel del sonet. No se n'està d'observar-ne les escates i membranes per revelar-ne detalls: com es camufla en el llenguatge, com competeix amb el dolor, com s'alia amb la desesperança. També en descriu els hàbits letals: com entra en el nadó, com creix en la infància, com es reprodueix en la maduresa, com impera en la decrepitud.
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Toda la poesía de Borges en un solo volumen. «El escritor en español más importante desde Cervantes. [...] Uno de los artistas contemporáneos más memorables. [...] La deuda que tenemos contraída con él quienes escribimos en español es enorme.»Mario Vargas Llosa «Uno de los autores más extraordinarios del siglo XX.»The New York Times Después de una vida leyendo, escribiendo y enseñando poesía, Borges confesó que seguía lleno de perplejidades y que solo había ganado una certeza: que la poesía se escribe para deleitar al lector. Este libro recoge toda la obra poética de Jorge Luis Borges, una peculiar conspiración literaria en favor del placer. Abren la serie Fervor de Buenos Aires (1923), Luna de enfrente (1925) y Cuaderno San Martín (1929), una trilogía compuesta al regresar a Argentina después de un periplo por Europa. En El Hacedor (1960) y Elogio de la sombra (1969) aflora la tragedia de su ceguera, atemperada por los temas épicos y metafísicos. A partir de El oro de los tigres (1972) y La rosa profunda (1975), mientras su celebridad crece internacionalmente, el tono del autor se vuelve más íntimo. Borges escribe sobre los libros, la memoria, los laberintos, los espejos, la historia, el amor y la eternidad, y sus versos siguen tocando físicamente a las nuevas generaciones, como la cercanía del mar. Antes que el sueño (o el terror) tejiera mitologías y cosmogonías, antes que el tiempo se acuñara en días, el mar, el siempre mar, ya estaba y era. ¿Quién es el mar? ¿Quién es aquel violento y antiguo ser que roe los pilares de la tierra y es uno y muchos mares y abismo y resplandor y azar y viento? Quien lo mira lo ve por vez primera, siempre. Con el asombro que las cosas elementales dejan, las hermosas tardes, la luna, el fuego de una hoguera. ¿Quién es el mar, quién soy? Lo sabré el día ulterior que sucede a la agonía. Reseña:«Borges es mejor poeta que narrador. Su obra completa en verso ha sido editada en un tomo maravilloso y sin desperdicio, en el que no podía faltar el poema que inicia con el endecasílabo más perfecto de la historia de la literatura en nuestro idioma: ''ya no seré feliz. Tal vez no importa''.»Benjamín Prado, La Ventana (Cadena SER) «Junto con un pequeño séquito de colegas y profetas (se me ocurren Kafka y Joyce), Borges es más que un cuentista sorprendente y un brillante estilista: es un espejo que refleja el espíritu de su tiempo.»Chicago Tribune «El escritor latinoamericano más influyente del siglo XX.»The Washington Post «Borges, visionario escéptico, nos fascina. [...] Cumple con nuestro anhelo esencial en cuanto a las razones por que leemos.»Harold Bloom, Cómo leer a Jorge Luis Borges «No lo cite: léalo. [...] Urge no ya leerlo o releerlo, sino, como sugería Bolaño, ''releerlo otra vez''.»Gonzalo Núñez, La Razón
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Una bella història és el llibre amb què Bauçà es va donar a conèixer en obtenir el premi Joan Salvat-Papasseit de 1961. Reproduïm les dues versions que en va donar el mateix autor: la redacció original del 1962 (vint-i-quatre poemes) i la del 1985 (vint-i-un poemes).
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Raquel Casas Agustí publicó ''La dona bilingüe'' en 2008. Sus anteriores trabajos se situaban en los extremos de la dicción poética: el lirismo más acendrado, el primero, la alteridad más radical, el segundo. La singularidad de ''La mujer bilingüe'' radica en fundir ambos opuestos en una única poética, introspectiva y crítica al mismo tiempo, a la vez profundamente lírica y vorazmente narrativa. En ''La mujer bilingüe'' subyace también una reflexión sobre la condición poética que lo sustenta: la voz que no renuncia a ninguna de sus dos lenguas es también el sujeto poético que no renuncia a ninguna de las dos tradiciones que hereda, de modo que el anhelo de una intensa expresión lírica consiga aflorar en los diferentes disfraces del yo. J. A. CILLERUELO
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Edith Södergran pasó casi toda su vida en un pueblecito llamado Ráivola —residencia de verano de la intelligentsia de San Petersburgo— situado en la frontera con Finlandia. Allí se perdió en ensoñaciones de crepúsculos violeta, flores de otoño y jardines melancólicos, mientras se consagraba a la mudez, al vacío y a un dios íntimo:«Seré durante mi vida entera una mujer silenciosa».También allí enfermó de tuberculosis y compuso poemas intimistas y románticos, de fuertes reflejos simbolistas y nietzscheanos, que después de su muerte pasarían a ser leídos con el oculto fervor que Borges reservaba a la lectura de los clásicos.
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Cada casa que se levanta lleva en su interior una demolición No existe nuevo árbol donde no habite el germen de lo efímero Llámese rascacielos o mediagua Llámese hormigón armado o palito Llámese secuoya Casas en ruinas, hogares sin fuego, habitaciones con techos agujereados, suelos donde las canicas ruedan solas, muebles sin cajones, cabañas que son mansiones y mansiones frías, desoladas: Julio Espinosa Guerra ha escrito un libro donde se poetiza todo lo que queda cuando no queda nada. A través de ello, traza una cartografía de la necesidad, pero también de la persistencia, para reconstruir lo que aún sido, sigue siendo, pues solo desde ese lugar, desde el campo quemado, la semilla de la secuoya germina. Utilizando un lenguaje cotidiano, que levanta imágenes desasosegantes para habitar espacios que fueron reales, ahora inexistentes, Secuoya habla de lo efímero, pero, por sobre todo, de aquello que pervive más allá de lo que concluye y del horizonte por delante, que se descubre gracias a lo perdido, como un lenguaje que florece a partir de otro, que ha dejado de decir. Un libro donde el futuro es posible justamente porque antes se ha sobrevivido a la devastación y solo desde allí es posible renacer. Julio Espinosa Guerra (Santiago de Chile, 1974) ha publicado diversos libros de poesía, entre los que destacan NN (Gens, 2007, Premio Sor Juana Inés de la Cruz), sintaxis asfalto (Olifante, 2010, Premio Isabel de Portugal), La casa amarilla (Pre-Textos, 2013, Premio Villa de Cox) y De lo inútil (Candaya, 2017), las novelas El día que fue ayer (Mago, 2006) y La fría piel de agosto (Alfaguara, 2013), y las antologías La poesía del siglo xx en Chile (Visor, 2005) y Palabras sobre palabras: 13 poetas jóvenes de España (Santiago Inédito, 2011). Dirige el Estudio de Escritura y la Editorial MilMadres, en Zaragoza. En el año 2011 se le otorga el Premio Fundación Pablo Neruda, que reconoce el conjunto de la obra de un poeta chileno menor de cuarenta años.
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¿Cómo vivir poéticamente? Este texto nos invita a ver lo milagroso que nos rodea y se esconde en lo cotidiano, a comprender que todo es único e irrepetible.A veces basta un solo pétalo para que el mundo sonría, a veces basta un frágil tallo para que el cielo descanse.
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Las únicas certezas que poseemos sobre esta autora son las relativas a su biografía, como su verdadero nombre (Christine Thonhauser), el lugar y las fechas de su nacimiento y muerte (Wolfsberg, 1915-1973), que fue la menor de nueve hermanos y, resumiendo mucho, que su vida estuvo marcada por la enfermedad y la pobreza, y que es una de las escritoras en lengua alemana más importantes de la historia de la literatura.''Es cierto que la poesía de Christine Lavant es, a menudo, hermética, pues utiliza el propio lenguaje para oponerse también a una lengua con la que no puede expresar todo lo que le gustaría ni como le gustaría hacerlo. Más que confirmar su hermetismo, a mí me gustaría reivindicar la poesía de Christine Lavant como revolucionaria. Porque se vale del lenguaje para luchar contra el propio lenguaje, porque toma la soledad y el rechazo como arma para enfrentarse a aquello que le aporta tanta felicidad como sufrimiento. Porque el principio y fin últimos de su amor y su rechazo son ella y su existencia. Todas las ellas y todas las existencias que, como su universo, no dejan de girar, transformarse y multiplicarse, como las lecturas e interpretaciones que podemos hacer de su poesía, y todo lo que puede llegar a hacernos sentir.'' - Izaskun Gracia Quintana
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Por qué se escribe? Existen muchas respuestas a dicha pregunta dependiendo de la persona que se encuentra delante de la página en blanco: expresar, evitar el olvido, reivindicar, desahogarse, experimentar, disfrutar, solucionar, enfrentarse? Y, a veces, resulta ser un cúmulo de todas ellas. En mi caso, pretendí dar forma a una serie de sensaciones, emociones e ideas diversas que deambulaban por mi cabeza buscando, desesperadas, una vía de escape al exterior, aunque el proceso fuese complicado.
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En este libro Pedro Andreu deja de ser él mismo para hacerse. Se entrega a la alteridad que ya estaba presente en Alquiler a las afueras.Aunque lo hace desde el tono confesional, la atmósfera urbana y la temática amorosa que recorrían Anatomía de un ángel hembra o El frío, sus primeros libros publicados. Asistimos a una nueva pirueta que aúna con delicadeza y acierto dos de sus tendencias líricas, creando poemas cotidianos repletos de complejas imágenes surrealistas. Poemas por cuyo estilo alguien calificó como «irrealismo sucio».Nos ofrece una atmósfera de vinilos, piel de las ciudades que duermen dentro de un LP, y nos sumerge en un Madrid alucinado y hostil donde los personajes parecen sacados de canciones con sabor a garaje. Bajo toda esa otredad y carencia está presente la íntima dolencia del autor.Pues eso, que Pedro sabe mejor que ninguno que nadie canta como Amy Winehouse, y nosotros sabemos que Amy es más Amy cuando se alza de puntillas en la bañera dentro de este poemario
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Leandro Fernández de Moratín (Madrid, 1760-París, 1828) se cuenta entre los más importantes literatos de la Ilustración española. Renovador del teatro y la poesía, así como férreo defensor de los modelos clásicos frente al culteranismo barroco, estuvo entre los más avezados promotores de la reforma estética neoclásica, que rubricó, en el terreno de la poesía, con una obra extensa y de cuidada factura, en la que brillan tanto la faceta del escritor serio como la del poeta lúdico y audaz.
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Poemario de la autora Blanca BerjanoRosario, de Blanca Berjano, es un libro que habla del trauma intergeneracional a partir de la violencia que sufrieron las mujeres en la guerra civil española. Un viaje de palabras por la historia y la intrahistoria familiar donde el silencio, la ira y la incomprensión cubren una verdad oculta. Los poemas son aquí el testimonio de una voz que dice la palabra susurrada por otra que a su vez dice la palabra de una más antigua. Genealogía de dolor, contradicciones, rencores y necesidad. La imperiosa necesidad de desvelar un pasado que atraviesa la sangre y se mezcla con la tinta de quien quiere hallar una respuesta en los recovecos de su historia.En este poemario se busca que la poesía suture de una vez la herida de su tierra, de ahí que las voces se mezclen en discursos contrarios, pero tan legítimos como conmovedores. Y lo hace con un verbo claro y hondo, un lenguaje que traduce el padecimiento de las mujeres de una época demasiado oscura, las que habitan estos poemas, los que nacen en los ojos de luna lorquiana de la tía Rosario. MARÍA GARCÍA ZAMBRANO.
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