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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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El maig del 1936, Iannis Ritsos havia llegit al diari Rizospastis que la gran vaga i manifestació dels tabaquers de Tessalònica, tot i ser pacífica, havia estat durament reprimida pel govern dictatorial de Ioannis Metaxàs. N'havien resultat morts dotze treballadors. La notícia incloïa una fotografia que representava una mare plorant pel seu fill, que havia estat assassinat. Aquesta imatge va tenir un gran impacte en Ritsos i el va inspirar a escriure el poema Epitafi, que es va convertir en el llibre que el va donar a conèixer al públic i, amb el temps, en el més popular dels que va escriure. El 1960, el compositor Mikis Theodorakis va musicar el poema. Segona afirma Pau Sabaté al pròleg d'aquesta edició, «El poema de Ritsos, doncs, reprèn el tema del lament de Maria i l'aplica a la mare de l'obrer mort, com Crist, en primavera, i també a la salvació de la humanitat. La resurrecció, en aquest cas, no és la del mort, sinó la de la mare mateixa, que després de passar pels estadis successius de la tristesa i la ràbia troba en la seva desgràcia les forces per unir-se a la lluita».
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Dime, hacia dónde me empujas, hacia qué territorio entre ciegas colinas, hacia qué oscura corriente donde hasta las más grandes piedras se ven arrastradas. En qué lejano delta me dejas, a qué lengua he de traducir el discurso del alba. Yo, que no sé cómo he llegado, yo, que no podré serviros. No es mío este arco, no es mía esa presa, aunque sepa apuntar con el arco, aunque sepa abatir a mis presas. A veces, al mirar al horizonte soy consciente de que, por más que corra, no lo alcanzaré, porque el horizonte es también un espejismo, como yo lo soy, como lo es el arco para el animal que agoniza. ''Variación sobre un tema de Mario Luzi'', de Manuel Moya. Manuel Moya (Fuenteheridos, 1960). Como poeta ha publicado una quincena de libros, entre ellos: Interior con islas (Pre-Textos, 2006), Impedimenta (Renacimiento, 2011), Apuntes del natural (Col. Vandalia, 2014) o A salvo (Col. Provincia, 2016). Ha traducido gran parte de la obra literaria de Pessoa, como sus Cuentos (Páginas de Espuma, 2016), la obra de Campos y de Reis (Visor, 2014, 2015) o Libro del desasosiego y Ficciones del interludio (Alianza, 2016). Como narrador es autor de cuatro novelas, la última de ellas, Cenizas de abril (Alianza, 2011), y tres libros de cuentos, con uno de ellos, Caza mayor (2014), obtuvo el Premio Andalucía de la Crítica. Ha sido ampliamente premiado, inscrito en antologías y traducido tanto en prosa como en poesía. Desde Salida de emergencia (Isla de Siltolá, 2015), el poeta Manuel Moya ahonda en la reflexión sobre la existencia, sustentada en la revelación de la naturaleza, desde lo que el autor denomina una escritura del balbuceo. El corazón de la serpiente reitera esa reflexión y presenta un paso más en una búsqueda a la vez formal y conceptual.
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No importan las mentiras. Importan las verdades que no dijiste. Y las verdades a destiempo. No importan las mentiras. Las mentiras desencadenan tormentas, pero éstas no van a hundir tu balsa. Importa el rumbo que no tomaste. Importan las corrientes que te arrastran. No importan las mentiras. Importan las verdades impuestas. Las verdades que tú no quisiste escuchar. Una mentira repetida mil veces se convierte siempre en una verdad, dijo el verdugo. Y tú que lo sabías, que ya lo sabías, sonreíste, y no quisiste ni quemar tu último cartucho: suplicar una muerte rápida. “Náufrago”, de Alfonso Vila Francés. ALFONSO VILA FRANCÉS nació en 1970 en Valencia, donde actualmente reside. Ha vivido en Orihuela, Madrid, Bruselas, Alicante y Debrecen (Hungría). Ha trabajado en una cuantas cosas: monitor de tiempo libre, bibliotecario, archivero, profesor de secundaria, etcétera. Ha escrito en muchas revistas, entre otras: Cuadernos del matemático, Dos Disparos, Groenlandia, La Bolsa de Pipas, Fábula, El Coloquio de los Perros, Hypérbole, Papel de Periódico, El Cotidiano, Culturamas, La Soga, Le Miau Noir y Jot Down. También ha ganado algunos premios (entre ellos Miguel de Cervantes, Jaume Roig, Diputación de Castellón, Cortes Valencianas, Dionisia García y Mariano Roldán). Ha publicado varios libros de investigación histórica, un libro de relatos y cinco poemarios: Historias de fantasmas (2000), A golpe de palabras (2001), Hacia otra luz (2003), Acto de clausura (2013) y Tiempo muerto (2016).
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Leyenda viva de las letras españolas, desobediente del clasicismo, voz luminosa y pausada en un mundo de oscuras turbas, Caballero Bonald representa la poesía en un estado poco puro: el de los grandes descontentos porque la vida se imponga en sus aspectos más indecentes. [.] Sus vuelos no exigen más compañía que la de quienes quieran compartir uno de los más hermosos testimonios vitales de un poeta capaz de no renunciar ni siquiera a lo que niega. - Mariano Antolín Rato Aunque José Manuel Caballero Bonald es mayoritariamente conocido como novelista, es en el terreno de lo poético donde se encuentra el centro motor de toda su obra. En efecto, aunque participa de todas y cada una de las líneas dominantes que caracterizan a la generación del 50 -en la que historiográficamente se le suele incluir- no es reductible a ninguna de ellas. Pese al tono quevedesco de muchos de sus fragmentos, a la musicalidad a veces lopesca de su dicción, es en Góngora, y en su inmediato antecedente, Juan de Mena, donde encontramos los orígenes de una poética que, tanto en lo que se refiere al utillaje formal de la escritura, como en lo que remite a la concepción crítica del hecho literario, asume plenamente el carácter retórico, es decir, verbal, de nuestra relación (mediada) con el mundo.
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Mariano Peyrou nació en Buenos Aires en 1971 y vive en Madrid desde 1976. Ha publicado varios libros de poemas. También es autor dedos libros de narrativa.
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Tal com escriu Xavier Melloni, en el pròleg: ''En aquest tercer poemari sobre el Camí Ignasià, el pelegrí arriba a l'Origen, allà on neix el Camí... El Jaume se'ns mostra més humà, menys solitari, més amatent a les trobades amb altres humans... Està més disponible per establir vincles. Ha calgut fer el Camí en direcció inversa per trobar l'Origen de tot allò que ha destil·lat durant el seu caminar. No es tracta del recorregut d'unes setmanes, sinó de tota una vida. Cada camí conté el seu terme, i el seu terme és el seu origen. Per això, quan el pelegrí arriba allà on acaba el camí, arriba allà on precisament comença.''
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LA poesía de Constantino Molina (Pozo-Lorente, Albacete, 1985) ha ido consolidando su lirismo esencial ysu crítica en libros como Las ramas del azar (PremioAdonáis 2014 y Premio Nacional de Poesía Joven MiguelHernández) y Silbando un eco extraño (Premio València de la Institució Alfons el Magnànim 2016) hasta convertirse en uno de los referentes de su generación.EnCingla, la sutileza incisiva y la precisión visceraldel poema nos devuelven entero el latido de la naturaleza que se escucha cuando los filósofos duermen. «¿Por qué no estar callado / lo que dura un poema?», sepregunta. Un puñado de sal, una carretera de provincias, el alacrán que brilla y amenaza bajo las losas,los arados verdes que su padre pintó, el orgasmo en las cuadras o el susurro del agua del aljibe son motivos propicios para desnudar la verdad y el alma de lascosas. En la senda de un canto que no se deja atrapar fácilmente, Cingla nos dice lo que se calla y el silencio que nos permite oír la vida y oírnos. Despojado de vanidades y elocuencias, el poeta se rinde al milagro que hace vibrar el mundo. A nuestros pies, antenuestros
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Hay una poesía que intenta mostrar lo más capilar y visible de la realidad. Y otra cuyo objetivo es adentrarse en los espacios del mundo interior del poeta haciendo del poema una materia fronteriza con lo sagrado, con lo inefable. Antonov, título con el que Antonio Luis Ginés rinde tributo, mediante una metáfora que remite a una vieja experiencia, pertenece a esa segunda estirpe. El sentido último de este séptimo poemario del autor cordobés se concentra en el poema que le da título y a partir de los recuerdos del legendario avión atravesando el cielo nocturno.
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Milo De Angelis és un dels millors poetes italians, probablement el més reconegut i influent dels últims trenta anys. La seva obra és intensa, visionària i oracular, i el destaca com un dels autors més dramàtics i fascinants de la literatura europea moderna.Encontres i paranys acumula les temàtiques principals del poeta llombard: la relació entre contingència i absolut, la intolerabilitat física i psíquica del gran enigma de la vida, la intimitat i la relació de confiança amb la mort, els mites de la infantesa i de l'atletisme, la col·lisió tràgica amb un destí «sense déu», la recerca aquí i ara de la plenitud del sentit, de tot allò que els grecs van anomenar el kairós.En aquest poemari, De Angelis vol involucrar el lector tractant-lo sovint d'amic, i l'endinsa en una dimensió íntima i familiar, com si volgués agafar-lo de la mà i guiar-lo en un viatge bastit de records i sentiments, deixant al descobert la imatge d'algú que mira de rebobinar la cinta enregistrada de la seva existència.«No s'escriu el que saps, sinó que comences a saber-ho tot escrivint», llegim en el petit assaig «Què és la poesia?», imprescindible poètica de l'escriptor italià que s'ha incorporat a aquesta edició.
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Hay en Desde dónde, hacia cuándo un cuestionamiento de los lugares y de los tiempos del ser y de la escritura a través de unos poemas que parten de lo coloquial, lo humorístico y lo desafiantemente imprecatorio yvan mutando hacia la herida y la imagen visionaria de los últimos textos. Esta precariedad del dónde y del cuándo atraviesa unos versos en los que no solo seimpugna lo observado sino, fundamentalmente, al observador en un intento de zaherir —con la risa congeladao con la chispa de la emoción— la ficción de su seguridad.
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Se reencuentra una vez más María Jesús Mingot consigo misma y con esa tradición literaria que dice que somos tiempo, y que nuestro destino es la nada y el olvido. El lector de La marea del tiempo puede y debe encontrar en ese doble reconocimiento uno de l
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«En Pol Capdet és un Caravaggio de l'assaig. Juga amb elegància amb el clarobscur i la perspectiva...» Així de contundent arranca el pròleg d'en David Jou. Un llibre que sacsejarà esperits de gent sensible i d'altres que encuriosits s'hi vulguin acostar. L'obra abasta la visió poètica de problemes filosòfics, l'interès per temes clàssics del pensament massa arraconats en el panorama actual i la força primigènia i desimbolta amb què es planteja temes tan ambiciosos i profunds com ara una cosmogonia. Cada poema o fragment té un sentit i un de sol, en la pràctica de la univocitat, a més de la claredat i la síntesi.
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En la poesía de la Isabel Bono siempre convivieron bien trenzados el humor y el dolor, el disfrute de la vida con la conciencia del vacío, los empujones del deseo o el amor con una trastienda general bastante desengañada, explícitamente triste, sucede que en esa ambivalencia no había contradicción, sino lo contrario:una nueva y acertada expresión no premeditada de lavida real, de esa mezcla de regocijo privado y pesimismo panorámico o social que, lo sepamos o no, nos mueve a muchos y, curiosamente, nos atornilla al mundo.JUAN MARQUÉS
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Desde el humor y la osadía imaginativa y verbal aborda la gran paradoja existencial humana. Su razón le hace al hombre ser dueño e intérprete del mundo, pero ese supuesto dominio y arrogancia de poco le valen para comprenderse a sí mismo y para dirigir su vida libremente. Las cosas (la cuchara, la lavadora, los libros...) fruto de su inventiva y siempre a su servicio,serán los mudos testigos de su necesidad de decirse.
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Enseñando a parir a mi madre es el primer libro de lapoeta y activista Warsan Shire, nacida en Kenia en 1988, de padres somalíes y residente en Londres desdeque tenía un año. En sus páginas, transmite la experiencia de su familia como refugiados y sumerge al lector en imágenes viscerales de paisajes devastados porla guerra y el horror. Shire confronta al lector conla humanidad de aquellos que se ven obligados a abandonar sus hogares en circunstancias peligrosas. Al enseñarle a parir a su madre, Shire advierte de lo débilque es nuestra aparente seguridad, y de cómo todos podemos estar a un paso del desastre y del desplazamiento. Sus poemas desprenden además una sensualidad vibrante, que contrapone sus versos violentos y a vecesbelicosos, en una yuxtaposición que no es accidental,sino que pone al cuerpo como vehículo de protesta ante las injusticias.
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Walt Whitman, padre de la poesía estadounidense moderna, es el poeta que puso la vida, la respiración, el cuerpo y el deseo en el centro de sus poemas desafiando las convenciones de su época. Rechazó la limitación de la métrica fija para dar rienda suelta a la sonoridad y para ampliar las posibilidades de la expresión poética con el verso libre: la forma ya no encorsetaría más el sentido, sino que este desbordaría todos los límites de la tradición.En Canto a mí mismo, el profeta del sí incondicional a la vida invita al hombre y la mujer común, a aquellos que trabajan con las manos y sienten en el pecho, a la heroicidad de la alegría, epopeya en la que, al final, todos los corazones laten al unísono. No se trata de un destino de superficial dicha y mera igualdad, sino que consiste en el gozo del esfuerzo, de la energía vital, del hacer de la vida misma un espacio donde quepamos todos.
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'Un volum on la mesura és un tema central, i on l'àmbit de significació d'aquesta paraula abasta tots els marcs de referència. Hi ha la voluntat de càlcul, de definir la magnitud que pondera l'abstracte i, al mateix temps, prudència, contenció, i un cert pragmatisme estoic del jo poètic que queda reflectit tant en la forma de dir com en el tipus de pensament que s'infereix del discurs. I és que hi ha una cosa que no podem perdre de vista: allò que computa aquest poemari no és estable. El càlcul longitudinal no s'esdevé al llarg dels dos punts extrems d'una cosa immòbil, ans al contrari, mesuren la variació de cada cop d'aire, tant si aquesta es produeix en forma d'ona sonora com si ho fa en la forma silenciosa de la respiració''. (Del pròleg d'Àngels Marzo) .
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Aquesta obra és una tria de poemes, feta pel mateix Ramón Andrés, dels dos darrers llibres de poesia que ha publicat, _Siempre génesis_ (2016) i _Los árboles que nos quedan_ (2020). L'autor ha volgut que aquests poemes fossin traduïts al català i que formessin part de la nostra cultura a través d'aquesta traducció que signa la professora Lola Josa. La poesia darrera de Ramón Andrés és molt a prop d'una natura que es manifesta implacable i dura, de vegades violenta, i és l'indret on el poeta ha retrobat el seu «lloc» i la seva memòria a través del lloc. És aquí on el poeta pot expressar la seva reflexió filosòfica amb un llenguatge que es vol dur, auster, precís.
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PAULO LEMINSKI, un dels més brillants poetes brasilers del segle XX, per primer cop en català. Obra cabdal del moviment nascut al Brasil, POESIA CONCRETA, moviment que tant va influir a alguns destacats poetes de l'avantguarda catalana com ara, Joan Brossa, Josep Iglesias del Marquet, Guillem Vidalot... És una antologia especial perquè l'antòleg ens fa una presentació poc convencional, reordena els poemes en una mena de constel·lació que té com a objectiu realçar precisament els diferents «senyals de vida» que s'estenen pertota la seva obra construída al llarg de gairebé tres dècades d'intensa activitat.
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Clive James (1939-2019). En su larga trayectoria, elescritor australiano publicó más de cuarenta libros.Tras mudarse a Inglaterra se dio a conocer como crítico de televisión. Prosiguió su carrera con crítica literaria, ensayos culturales, literatura de viajes, novelas, canciones y poemas. Fue nombrado Comendador dela Orden del Imperio Británico (2012) y Oficial de la Orden de Australia (2013).
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Ningú no ens ensenya que tenim un temps, que aquest temps és el més valuós amb què comptem, i que el que val, realment, és la quantitat d'experiències viscudes. Espremem la vida embeguts del mirall d'una joventut eterna, en una fugida constant. Jo també fugia fins que no vaig tenir on escapar.
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Un poemario de haikus es siempre especial. Elogiar lalibertad es un conjunto de momentos efímeros vividosen el parque de la Ciudadela. El pasar rápido de lasestaciones entre caminos de tierra, flores, pájarosy hojas, absorto en los pensamientos entre palmeras yagua. Se trata de un cierto recuerdo a los clásicosjaponeses al refugio de una ciudad acelerada. El lector encontrará en este poemario haikus que evocan la paz de la reflexión vivida durante largos años en un entorno hermoso, muy cambiante, tanto de colores comopor la gran cantidad de gente que lo disfruta para iral trabajo, hacer deporte, meditar, vivir o haciendoturismo. El lector también encontrará un conjunto detankas gestados a los pies de las hortalizas, frutasy lecturas. Un refugio del mar, con su brisa, de rojas puestas de sol en poniente y de viento gélido acariciando los Pirineos.
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Francisco Bejarano nació en Jerez en 1945. Ha publicado los libros de poesía Transparencia indebida (1977), Recinto murado (Renacimiento, 1980), Elogio de la piedra (1981), Las tardes (Renacimiento, 1988), Antología (1929-1987) (1990), El regreso (Renacimiento, 2002) y Un juego peligroso (Antología poética 1977-2002) (2011). En prosa es autor de Las estaciones (1998) y Consolación de melancólicos (2000). Ha publicado la recopilación de artículos costumbristas de crítica social La torre de marfil (Renacimiento, 1991) y el ensayo Manual del lector y escritor modernos (Renacimiento, 1999). Por Las tardes obtuvo el Premio Nacional de la Crítica en 1989. Por sus artículos periodísticos ha recibido los premios «Julio Camba» y «José María Pemán». Está incluido en las más importantes antologías de poesía contemporánea y traducido al italiano, francés, inglés y alemán. Aparte de su labor creativa, ha sido director de las revistas literarias Fin de siglo y Contemporáneos.
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Qué hubiese sido de mí sin los velocirpators se escribe sabiendo que sus lectores no podríamos ser otros que quienes somos, ni su autor un sujeto distinto, y,no obstante, reconoce que no hay nada particular ni único en ser nosotros mismos. Frente a la nueva literatura pop, segurísima de su identidad, la poesía de Alejandro constuye singularidades inciertas que remitena todo lo demás ad infinitum: demuestra que el únicocamino sincero es el de la incerteza ontológica, queno hay poética posible si esta no (se) quiebra. Elizabeth Duval
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Desferres de les grans civilitzacions desaparegudes,el dandi, el flneur, el mendicant o el drapaire, entre molts altres essers marginals, són el corol·lari dela ciutat moderna. Volten pels carrers sense rumb nifinalitat, preferiblement de nit, en cerca de tot allo que els permeti ser lliures i gaudir de la felicitat i de l’ideal. Aquests poemes en prosa —que van serpublicats parcialment amb el títol de Le Spleen de Paris i que són tambe deutors del Gaspar de la Nit, d’Aloysius Bertrand, i del gran Edgar Allan Poe— constitueixen una prova manifesta de l’immens enginy de Baudelaire i evidencien alhora que la vida, ahir com avui, 'es un formigueig de monstres innocents'.
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Al llarg dels 49 poemes que componen el llibre, es vateixint un discurs introspectiu i intens, tant a la cerca de lapròpia essència salvada de les trencadisses, com de tornadad'aquest interior de si mateix a través d'una percepció del'altre, encara inexistent i alhora gairebé palpable, a travésde la màgia de ressorgir i de reconstruir-se.Com l'hora blava tanca el corpus poètic format juntamentamb L'avís de l'àngel (Pagès Editors, 2014), en què hi ha undespertar del que és tan sols sobreviure, i L'arbre que som(Pagès Editors, 2018), en què agafa força i s'arrela aquestavida que vol ser i emprèn el camí cap a una altra primavera.
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TRAS la publicación de su poesía reunida en 2012, lapoeta Louise Glück (Nueva York, 1943) ha seguido en Noche fiel y virtuosa (2014) el consejo de su colega Richard Siken de «jugar en el barro, solamente jugar en el barro». En el que es su último libro publicado antes de la concesión del Premio Nobel en 2020, Glückabandona las máscaras mitológicas de su obra anteriorpara mirar desde la vejez directamente al horizontede la muerte la propia, la de los seres queridos enuna serie de poemas (que incluye por primera vez poemas en prosa) en la que un sujeto lírico femenino, más o menos identificable con la poeta, se alterna conla voz de un alter ego masculino: un pintor que aborda el silencio y el lienzo en blanco del tramo final de su vida. La niñez y la vejez, la noche y el día, elpasado y el futuro, la realidad y la ficción, la blancura de la nieve y la oscuridad de los jardines, elrey Arturo y el psicoanálisis se unen en una circularidad de viajes, paseos y libros donde el sujeto despliega, con un tono onírico «visiones oníricas medievales», las llamó un crítico, su aceptación de la muerte, resignada, audaz y curiosa al mismo tiempo.
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Llevando más allá el examen sobre el dolor y la enfermedad y la interrogación existencial de su anterior poemario -''Historial ''(2017)-, este nuevo libro de Marta Agudo se levanta sobre dos imágenes oníricas, dos ejes que dialogan y se entrecruzan: una figura, elminotauro en su laberinto-iceberg, que reclama su cuota periódica de víctimas, y un territorio, el agua deun glaciar derretido o «sima azul» donde los cuerposde la ofrenda ritual bracean y finalmente se condenan. Marta Agudo alcanza en este ''Sacrificio'' un grado admirable de condensación y de intensidad expresivas. El resultado es un libro que conjuga el demonio dela imagen y la exigencia del concepto para ser emoción pura, poesía de alto voltaje.
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“La voz de Manuel Padorno –como la de Luis Feria, Tomás Morales, Alonso Quesada o Domingo Rivero– es la de un espacio muy concreto, que sólo en otras como la de Lezama Lima podemos encontrar. Eso es lo que la llena de presencia y le da también fisicidad: ser la cartografía lírico-mental de todo un territorio. Por eso no necesita –como ninguno de ellos– ninguna adscripción o pertenencia generacional. Por edad, (nació en 1933) Manuel Padorno es un poeta del 50, pero, ¿lo necesita ser? Yo diría que en absoluto porque Manuel Padorno es un poeta en sí. Y eso es lo que importa. He intentado sintetizar mis lecturas de la poesía de Manuel Padorno y, sobre todo, lo que más me interesó y me interesa de él: la unicidad y unidad de una escritura que parece dada de una vez en la tensión de su ágil lenguaje y en la flexibilidad de su adjetivación, pero no menos en sus instancias de discurso, su percepción del tiempo, su sonido del mar y su sentido de la luz. Si tuviera que definirla diría que es una poesía atlántica. Por eso lo dejo allí y donde y como él quería: en esta luz y aquí esta mañana siempre.” ''Hacia Manuel Padorno'', de Jaime Siles. Manuel Padorno (Santa Cruz de Tenerife, 1933-Madrid, 2002). Después de un breve paréntesis en Barcelona, su familia se instaló en Las Palmas, donde él estudió bachillerato y se inició en sus grandes pasiones: la pintura y la poesía. En 1955 se trasladó Madrid, ciudad en la que trabajó como editor y donde vivió hasta mediados de los años ochenta, cuando se trasladó a Punta Brava, en Las Palmas. En ese mismo año apareció su primer libro, Oí crecer las palomas, al que siguieron más de una veintena de títulos de poesía, entre los que destacan A la sombra del mar (1963), Coral Juan García (1977), Una bebida desconocida (1986), El náufrago sale (1989), Desnudo en Punta Brava (1990), Éxtasis (1993) y dos volúmenes: Hacia otra realidad y Canción atlántica. Padorno fue merecedor de galardones como el Premio Canarias de Literatura (1990), el Premio Nacional Pablo Iglesias de Letras y Pensamiento (1993) y el Primer Premio Internacional de Poesía Ciudad de Las Palmas. Fue uno de los principales promotores de la Academia Canaria de la Lengua, de la que fue nombrado vicepresidente en 1999.
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«Al capdavall, hi ha una certa impostura en el fet de parlar d’agrarietat, que és, per sobre de tot, una pràctica i un univers que, en ell mateix, defuig qualsevol tractament acadèmic. En realitat en parlem aquí perquè pervisqui fora, no tant fora d’aquí, sinó fora del mateix fet de parlar-ne. Així i tot, ja em direu si, en aquesta sala, no tenen alguna cosa de camp, de camp de caps, totes aquestes rastelleres de públic amb els tornalls de l’arada a cada extrem de fila. Un camp de caps: uns caps-llavor.» En aquest llibre, Perejaume fa una reflexió sobre el que ell anomena “agrarietat” i que és una forma àmplia de conreu botànic, territorial i humà. Defensa, doncs, la noció de camp en detriment de l’actitud òptica, embadoquida i distant que pressuposa la noció de “paisatge”. Dues relacions amb el món ben contrastades en aquests moments. També remarca la qualitat repetitiva de la cultura i els aspectes fèrtils i depuradors de l’oblit. El llibre aplega tres textos, dos de naturalesa oral, ”Paraules locals “ i “Agrarietat”, i un tercer, “Conreu General”, més literari, escrit en dues estades al Camp de Tarragona. Bell dialecte natural i solcs de pensament.
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Publicada en 1969 e inspirada en la vida y testimonios de una persona real, ''Hasta no verte Jes·s mφo'' da cuenta de las peripecias de Jesusa Palancares, unamujer de extracci≤n humilde de Oaxaca, huΘrfana de madre a temprana edad, que termina conociendo todo el paφs al unirse, de la mano de su marido, a las tropasde la revoluci≤n mexicana. Una vez viuda, se desplazay se instala en la capital, donde tendrß que sobrevivir dedicßndose al duro trabajo de las fßbricas y alno menor de las casas, como sirvienta y lavandera. Sußspera existencia la llevarß a encontrar refugio enla espiritualidad y la religi≤n, y a creer en la reencarnaci≤n. Narrada en primera persona, en un lenguajepopular tratado con especial sensibilidad, el humor,la violencia, el compromiso velado, la presencia viva de la muerte y la alucinaci≤n se combinan en las pßginas de esta novela en la que queda patente la inquebrantable conciencia social y el compromiso con los mßs desfavorecidos por parte de Elena Poniatowska.
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Si la obra poética en verso de Luis Cernuda (1902-1963) se reúne en ''La Realidad y el Deseo'' (publicadoya en esta colección), lo propio ocurre con la poesíaen prosa en el presente volumen, que junta, tal comolo deseaba el poeta, ''Ocnos'' y ''Variaciones sobretema mexicano''. Evocación de su infancia y primerajuventud uno, transmutación y enamoramiento del paísen que viviría la última etapa de su vida otro, amboslibros (cimas del género) exorcizan la depresión y la melancolía que le causaron sus etapas del exilio entierras anglosajonas. Como se apunta en la introducción al volumen, «así soldadas ambas obras en este libro dual pero único escrito a lo largo de veintiún años, la vida de Cernuda cobra sentido de manera admirable no solo por el valor intrínseco de los poemas en prosa, sino por la hondura de su meditación y la altura de su estilo transparente, exacto». Introducción de Antonio Rivero Taravillo
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Llegado a la mediana edad, el personaje que hablaen estos poemas ensaya una suerte de recapitulación indirecta, un balance no deliberado de su juventud. Untanto inconsciente de sí mismo, el protagonista deambula por un mundo fatigado, por un tiempo espiritualmente pobre, y de ese movimiento introvertido nace unameditación en la que se solapan tiempos y espacios,incluido el futuro remoto, inconcebible, insinuado enel título. Con buen humor y desenfado, a la busca decierta trascendencia sin solemnidad, pretendiendo hablar de lo sublime que nos ocurre pero interpretándolo sin afectación, los poemas de Diez mil cien despliegan una melancolía sin nostalgia, una memoria sin rencor, un “canto a mí mismo” en el que elyo individual quiere importar muy poco. Con una épica modesta, callejera y como de segunda mano, con cultura secreta, con una ironía natural que no es hiriente pero que puede llegar a flirtear con la vulgaridadcalculada, en Diez mil cien la poesía de JuanMarqués toma impulso y da un salto cualitativo, un decidido paso adelante desde un registro más lacónico ycauteloso hacia el poema de largo aliento, más temerario queambicioso, levantando algo así como un diarioen verso.
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Llorar, aprender y luchar. Ese es el ciclo. Eso es lo que necesita una persona para poder crecer. Llorary desahogar todo aquello que tanto ha dolido, los errores que se cometieron y olvidar el recuerdo de la gente que más daño ha causado. Aprender del dolor y lapérdida, encontrar luces dentro de tantas sombras y entender que la vida hace tiempo que dejó de ser un juego. Luchar por ti misma, luchar por los tuyos. Luchar por lo justo, por la igualdad, por el respeto. Luchar para poder vivir en paz.
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Próxima estación da fin a la trilogía poética iniciada por Enrique Montiel (San Fernando, 1951) compuestapor El temblor de los pájaros y La carta del cielo. Novelista, ensayista y biógrafo de Camarón de la Isla,Vida y muerte del cante, edición ampliada en 2017, en 1988 le fue concedido el Premio Nacional de Narrativa a su novela Calle Comedias. Con anterioridad habíapublicado Mal de piedra, que lo situó en la nómina de los llamados ‘narraluces’, grupo de vanguardia de la novela de los años 70 y siguientes, integrada entreotros por Alfonso Grosso, Luis Berenguer y CaballeroBonald. Había participado en la preparación de los Talleres de la Cultura Andaluza de la Junta de Andalucía. Cultivador del relato, obtuvo varios premios nacionales, como el Hucha de Plata, el SEREM,
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