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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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'Canto general'' es un clásico de la literatura hispanoamericana y de la poesía universal de siglo XX, al que Neruda llamó en sus ''Memorias'' mi ''libro más importante''. Obra de carácter enciclopédico, reúne múltiples temas, géneros y técnicas bajo un denominador común: América, constituyendo una historia marginal del continente. Obras maestras como el gran poema ''Alturas de Macchu Picchu'' forman parte del libro.
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Niños arrancándose pelos entre sí, los Simpson, besos con extraños, gritos en la casa... Este libro es una intermitencia de relámpagos biográficos. Aquí, la literatura ilumina un cuerpo, lo oscurece y lo vuelve a iluminar. Pasado y presente, placer y dolor, confesión y burla de esa confesión, leer estos poemas es ser arrastrado por un vaivén de imágenes inusitadas. Para escribir su historia, el autor se sirve de recursos aparentemente ajenos a la poesía, porque sabe que no hay nada ajeno a ella.
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«Dickinson, com tantes altres figures a la nostra tradició occidental, va ser un geni, és a dir, una poeta que es va avançar moltíssim al seu temps i va marcar un clar i contundent abans i després en el terreny de la poesia, com Walt Whitman, Arthur Rimbaud o T. S. Eliot. Per altra banda, va ser una artista d’una valentia insòlita que no admetia cap mena de pressió aliena sobre si mateixa i la seva obra. […]El llibre que l’amable lector té a les mans […] és la joia de la corona de la presència de Dickinson a Catalunya. Ens permet, per primera vegada, l’accés a la totalitat de la producció de Dickinson, perquè ens forneix de les versions definitives de cada poema i —una novetat absoluta!— totes les versions preliminars que genèticament van desembocar en l’establiment del text final. A més, el text ve enriquit per un generós aparell de notes del poeta-traductor, en el qual s’expliquen referències, al·lusions i significats obscurs. Les versions “aproximatives” de Bosquet […] ens facilitaran un acostament al món poètic de Dickinson com mai en el panorama de la poesia en català.Ras i curt, Emily Dickinson pertany a la categoria dels grans, grans poetes de tots els temps, dels quals es pot dir que la tasca de llegir-los requereix tota una vida de dedicació.»Del pròleg de D. Sam AbramsLa poeta nord-americana Emily Dickinson (Amherst, Massachusetts, 1830-1886) va néixer en una família benestant i puritana de Nova Anglaterra. Va estudiar a l’acadèmia d’Amherst, però la seva delicada salut i la seva rebel·lia religiosa la van portar a abandonar el curs abans d’hora. Dickinson, que era una jove activa i plena de vida, es va tancar amb trenta anys a la casa paterna i ja no en va sortir. Amb una obra escrita de prop de mil vuit-cents poemes, en vida en va veure publicats molt pocs, i no va ser fins al segle XX que va ser apreciada com a poeta.
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Andrea Cote (Barrancabermeja, Colombia, 1981) es una de las autoras más reconocidas de la actual poesía hispanoamericana y está publicada su poesía en diversos países. Actualmente es profesora de poesía y escritura creativa en la Universidad de Texas.«En Querida Beth, Andrea Cote, con ironía, con ternura, con descarnada verdad, recorre la desolación de una vida y en ella la del migrante que pedalea día a día en busca de la promesa incumplida, cada vez más cerca del pasado y más lejos del presente. A través de lo narrativo, lo epistolar, lo escueto de los lenguajes publicitarios y un oscuro lirismo que punza las realidades más hondas, estos poemas dan cuenta del sueño, del desaliento, la rabia, la melancolía y la extrañeza del retorno, que solo confirma que la vida siempre estuvo en otra parte. Un libro de una belleza sobrecogedora».Piedad Bonnett«La poesía de Andrea Cote consigue en este libro que el compromiso con las apuestas estilísticas sea un camino penetrante para indagar en el mundo contemporáneo y en las raíces de la identidad. El aire que respiramos y que define nuestra vida sabe de nosotros, de nuestras intimidades y nuestros pasos en la tierra. La mujer colombiana que vive en los Estados Unidos se siente a sí misma, piensa en sus realidades, su desarraigo y sus desapariciones. Pero descubre todo lo que cabe en las palabras…, y en la palabra poética se reconoce a sí misma, se restituye como ser humano. Es el legado de la buena poesía y la memoria, restituirnos como seres humanos bajo la intemperie del tiempo.Luis García Montero
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El cordó de la rel en el crit d’una veu —l’abans en l’ara però ara enllà de la rel. el plor, el primer salt, els passos per cruïlles i filats, llocs que ens fan ser, des dels altres, l’altra (veu). A rels de veu la pèrdua és la ferida d’una fi que llega un buit (blanc) a una represa: les fulles caduques en el conreu de la terra o l’aigua en l’aigua que flueix fins al gorg o la mort i la vida, succeint-se. Com ser-hi? En la veu, en el cos, en la fragilitat i la força de l’espera, muda, al revers del batec en dir, endins.
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La historia de Entre amores y poesía es la historia que todos conocemos, que tan familiar nos resulta: la de un amor que se fragua en la rutina, lentamente, entre la lucha contra la ordinariez y la fecha de caducidad. Es también la culminación, el redoble nal, que nos recuerda lo inevitable: cuando todo se acaba, tenemos el poema, que nos recuerda todo lo perdido, pero también todo lo que podemos conseguir.Frente a la supuesta inutilidad de la escritura poética, Entre amores y poesía nos pone de frente con su poder terapéutico y emocional. Como bien se enuncia: “Solo quiero/ escribir un buen poema./ Uno en el que pueda/ hablar del amor,/ sin el miedo/ a perderlo”.
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Aquí yacen las palabras de un hombre que escribió contra el olvido, pero sin ilusiones de permanencia. Campo•santo (escritos póstumos) es la exhumación de pensamientos y sensaciones de un autor que inédito hasta el momento de escribir este libro, se vio forzado a crearse un seudónimo —otro yo— para tener, al menos, un lector.En un insistente diálogo con la nada, el Coronel Fernando Sager despliega una prosa de cicatrices y una poesía en la que la existencia se torna en una condena sin juez, la memoria y el presente se convierten en un campo mí-nado, y el suicidio en una pregunta constante que, sin embargo, no representa una respuesta. Un libro que se abre como una tumba y, no obstante, late.
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Mucho hemos oído de hazañas, batallas y descubrimientos realizados por héroes, caballeros y genios. Pero, ¿qué hay de las mujeres que también cambiaron el mundo? Escritoras, científicas, pensadoras, exploradoras y hasta piratas cuya grandeza quedó en la sombra por el simple hecho de ser mujeres.En estos trece poemas, Raquel Díez Leal y Tamara Durán dan vida a figuras como Virginia Woolf, Ada Byron, María Moliner y Frida Kahlo, entre muchas otras, desvelando sus historias y logros. Una colección que ilumina sus voces olvidadas y silenciadas, para que todos conozcamos las hazañas de quienes también hicieron historia, aun desde el silencio.
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Estás en presencia de un anacronismo. Me refiero al libro que tienes en las manos, claro.El anacronismo empieza ya por el título En la Mansión de los Céfiros. ¿A quién se le ocurre hoy poner un título así? ¡Menos mal que el subtítulo lo arregla algo!Bueno, lo arregla y lo aclara, (cosa que agradecerán algunos lectores), aunque, para ello, incurra en una cierta profanación del carácter poético de la obra.Otra cosa en la que se manifiesta el anacronismo es en lo que podríamos señalar como el entorno de la obra, aunque tampoco en esto soy original. Recuerdo a varios autores que han hecho algo parecido, entre los que destacaría a Alfonso Reyes, que, en pleno siglo xx, fue capaz de hacer una obra que hubiese firmado con mucho gusto el propio Sófocles.Y, por último, esta obra es un anacronismo en lo que trata: ¡trata del amor!, ¡del amor que todo lo puede!Pues fíjate en lo que te digo: a pesar de todos sus anacronismos, te aconsejo que te leas En la Mansión de los Céfiros, porque, en ocasiones, es necesario salir del tiempo para encontrarse.
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«Pues eso es lo que haré. Caminaré tranquilamente, sin prisa y sin un destino claro, por estos valles del gigante dormido que ahora tengo tan cerca. El placer del viaje radica solo en el viaje mismo, en el comenzar el camino. (...) No puedo dejar de avanzar, soy como un río que fluye hacia el mar sin posibilidad de volver atrás. Avanzo y procuro no dejar huella por donde paso, pero busco que los lugares por los que transito como un peón caminero sí me dejen una marca en mi interior. Qué placer pasar por la vida desapercibidamente. (...)Una hormiguita vocea imperceptible al paso del hombre.La gratitud debería empezar con la plena conciencia de los momentos que vivimos, entendiendo que cada instante que vivimos es un momento regalado. El aquí y el ahora es un presente, y por eso el tiempo verbal que usamos para referirnos al aquí y al ahora es el “presente”, que también significa regalo u obsequio.»«Por los valles del gigante dormido muestra este viaje simultáneo a través de una exquisita prosa poética que armoniza pensamientos y emociones, tal como lo hacen mente y corazón, ego y Yo, mediante el diálogo interior del autor, manifestado por escrito.» Gemma Soler, en el postfacio de la obra
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«Manual de camuflaxe» é unha expedición creativa que nos envolve e nos interroga, coma unha fenda luminosa. Máis aló da adaptación á contorna, a camuflaxe sinala o paradoxal desexo de ser visto, de ser recoñecido no mesmo medio da disolución. Nesa tensión entre o visíbel e o velado, os versos de Samuel Merino adquiren unha calidade especular, devolvéndonos a nosa propia fraxilidade.
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En el apogeo de su madurez poética, Victor Hugo (1802-1885) dio voz a “los siete monumentos que en la lengua humana se llaman maravillas”: el Templo de Artemisa, los jardines colgantes de Babilonia, el Mausoleo de Halicarnaso, la estatua de Zeus en Olimpia, el Faro de Alejandría, el Coloso de Rodas y las pirámides de Egipto.
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María José Rico (Sevilla, 1962) es poeta y licenciada en Historia del Arte y en Filología Inglesa. Ha publicado los libros de poemas Mi vida que no entiendo (Renacimiento, 2008) y El huerto vacío (2021). También ha publicado cuatro libros de poesía infantil: Los poemas de Vera (2004), Hasta los gatos quieren zapatos (2009), Abecedanzas (2010) y Olla de grillos (Espuela de Plata, 2016). «Los poemas de Llegar a esto son pequeños relatos minimalistas que tocan el nervio del lector. Leyéndolos, descubrimos que nos están hablando de experiencias que todos hemos vivido o podríamos haber vivido. Son poemas delicados y dramáticos. Son hermosos. Y desolados». Eduardo Jordá
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No solo es posible medir la decadencia de la sociedad contemporánea, su humanidad amontonada, sino que se puede cantar sobre el derribo que somos, se puede perpetuar la ironía (que es risa criogenizada) y construir desde afuera la belleza. Fanjul fija la cámara de su docupunk en nuestra roña interior y la rotula en fluorescente, como esa sustancia que se inyecta para resaltar tejidos en el análisis, como la silueta en tiza del cadáver. Lo que queda es lo que somos sin consuelo, ese vacío que flota en nuestro día a día, ese dolor astillado de recuerdo que arrastramos y, así, explorar lo que queda de nosotros en el puro yacimiento. Y Fanjul lo consigue, consigue la imagen de lo despoblado en plena muchedumbre, consigue el hallazgo a través de la danza de la catenaria, del arrullo de las tragaperras, del vagar por los páramos socialdemócratas. Esto va de nuestro mundo: de nuevas formas de belleza y de lo íntimo de su catástrofe.
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Naturaleza urbana narra manifestaciones naturales en un contexto urbano desde el punto de vista de un citadino. Narra cómo los humanos observamos, vivimos, negamos, o tratamos de controlar a la naturaleza en una metrópoli, aquí, a la naturaleza no solo se le observa y describe, sino que también se le motiva, se le invoca, y se le agradece. Esta colección de poesía es cómplice de la naturaleza, en su lucha cotidiana de seguir existiendo en tanta ciudad.
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En el contexto literario de hoy, la lectura de la realidad de Fernando Camacho, la elección del léxico y el ritmo de sus versos conforman una voz inconfundible.Este es un libro de una escritura clara, de un autor vibrante y con mucha sorna, unos poemas sencillos de una persona excepcional. La principal pregunta que plantea el libro es cómo afronta la belleza alguien con tendencias depresivas. Pasado el existencialismo y el pomodernismo, enfrentarse a esta y otra preguntas supone abocarnos directamente al caos, que podría ser una de las visiones de un libro comprometido, sutil y sagaz, irónico y tierno al mismo tiempo.
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Juan José Téllez Rubio (Algeciras, 1958) se dio a conocer como poeta con Crónicas Urbanas, en 1979, cuando experimentaba con la estética de la contracultura. Siguieron, desde entonces, colecciones de relatos, libros de ensayos, una larga carrera periodística y textos poéticos como Medina y otras memorias, Ciudad sumergida, Bambú, Daiquiri, Trasatlántico, Las causas perdidas, Las grandes superficies, Los amores sucios y, ahora, Los últimos pieles rojas. En este último libro, reflexiona sobre la progresiva extinción de las utopías que marcaron a su generación, tanto en el ámbito político como en el sentimental.
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Aguacerando: mitologías domésticas de lo que nunca fuimos es una obra en la que Elidio La Torre Lagares convierte la fuerza bruta de la lluvia en un símbolo visceral y profundo. Su manifestación parece anegar lo tangible, transformándose en metáfora de una verdad que escapa a la razón: una verdad sentida, dolida, intuida. La niñez, igual que la patria perdida, resuena como un eco inalcanzable, un origen que nunca fue completamente nuestro. El desarraigo, destilado en estos versos, se erige como un horizonte desde el cual vislumbramos lo que María Zambrano llamaría «la intemperie del alma», un espacio de desnudez existencial donde lo efímero y lo eterno se entrelazan. La poesía de La Torre Lagares mitifica lo doméstico, abordándolo como una forma de conocimiento primordial, una vía profunda y originaria hacia la verdad del ser y del mundo. Aguacerando nos transporta por territorios de memoria y desarraigo, donde cada poema estalla en imágenes poderosas que capturan lo fugaz y lo eterno, lo ordinario y lo sublime. Con una precisión lírica que duele y fascina, La Torre Lagares muestra cómo el aguacero, metáfora de lo que erosiona y renueva, desgarra las estructuras de la realidad para revelar lo oculto: los ecos de lo que nunca fuimos.
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Un recorrido intimista y personal por el universo creativo de la compositora y cantante Sandra Groove.Dicen que aquello que dejamos a medias corre el peligro de enquistarse en nosotros hasta que revienta de alguna forma. Que es tan intenso que se lleva todo por delante. Como un tsunami brutal que arrasa con todo lo que conoces. Como tú y yo siendo todo o nada. Con estas páginas no quiero esconderme tras un muro de papel: te muestro el caos que traen las heridas abiertas, las que aún escuecen. Este libro es un estallido de sinceridad y de coraje, de ese que nos falta en tantas ocasiones y, que ahora, nos sobra. Porque estuve callada por mucho tiempo, pero no hay nada más humano que explotar.
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«Trece maneiras de mirar un almanaque» é o canto do merlo que lles pon banda sonora aos amenceres da vida do autor dende un loureiro próximo á súa casa. Ese canto e ese merlo son sempre os mesmos e son tamén sempre outros. Mais ese merlo, algún dos merlos, non é acaso o que cantou Wallace Stevens? E un mira dende os seus limitados ollos, mira de trece inesgotables e ubicuas maneiras. E o merlo velaí vai, por entre as xestas, contra todo prognóstico, atravesando o tempo.
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Nueva antología de la poesía y la prosa de Alfonsina Storni, una de las grandes escritoras del modernismo hispanoamericano, a cargo de Luna Miguel Estructurada sobre los ejes del amor, la filosofía y la muerte, esta nueva antología de las obras de Alfonsina Storni pone de relieve la gran variedad tonal e intelectual de una de las figuras más importantes de la poesía hispanoamericana de primera mitad del siglo XX. Sus poemas más famosos encuentran su contrapunto en textos en prosa poco conocidos, y del conjunto surge la potencia de una voz que incluye tanto la protesta como la celebración de la naturaleza o la reivindicación de la igualdad. Con una introducción escrita desde una perspectiva actual, esta antología rinde homenaje a la obra de Storni y aspira a acercar a nuevos públicos.La crítica ha dicho:«La supervivencia de la obra de Alfonsina está más allá del marco de la poesía de las mujeres escritoras, crece cada vez que se la traduce o se la reescribe al leerla».Delfina Muschietti
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«Quien escribe un poema lo escribe, antes que nada, porque el poema es un colosal acelerador de la conciencia, del pensamiento, de la percepción del mundo». Del discurso de Joseph Brodsky al recibir el Premio Nobel de Literatura A caballo entre dos lenguas durante décadas, el bilingüismo de Brodsky no solo revitaliza con singular desenvoltura un lenguaje heredado, sino que también proyecta una radical y profunda exploración de sus metros e imágenes, elevada a una forma particular de metafísica. Sin embargo, Brodsky es también un poeta eminentemente físico, cuyo tema fundamental es la encrucijada entre el espacio, el tiempo y los sentidos. Ningún otro escritor contemporáneo habla tanto de la intemperie. Sus musas no son Calíope ni Tersícore, ni sus artísticas hermanas asociadas con emociones y sentidos, sino Urania, musa de la astronomía, «más vieja que Clío», matrona del conocimiento estelar, del espacio puro, de esas extensiones heladas en medio de las cuales el hombre parece el derrubio lodoso que arrastra un glaciar. Esta antología recoge una muestra esencial de la poesía de Brodsky en una traducción que intenta hacer justicia a su grandeza formal.
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En la obra del autor confluye la más alta poesía contemporánea: los universos de Pessoa o Cavafis, los versos cotidianos de Wallace Stevens o William Carlos Williams, la poesía conversacional de Antonio Cisneros o Juan Gustavo Cobo Borda, los poetas del Modernismo brasileño como Drummond de Andrade o Tomas Tranströmer son algunas de las fuentes a las que el autor de Inmundo retorna permanentemente.
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Torcuato Tasso (1554-1595) es una de las figuras señeras del Renacimiento europeo y, probablemente, el poeta más grande que ha dado nunca la lengua italiana. Si bien debe su mayor celebridad a ser el autor de la Jerusalén liberada, una de las cimas de la poesía épica occidental, fue, y no en menor medida, un extraordinario poeta lírico y dramático. Ejemplo de esto último son la Aminta (el drama pastoril más bello del Renacimiento) o El rey Torrismondo, una tragedia singular. Muy admirado por escritores de la talla de Milton, Goethe, Byron o Leopardi, Tasso publicó sus Poemas etéreos en un momento especialmente dulce de su vida. Era un joven poeta que había escrito ya, y publicado con éxito, un poema épico de la envergadura del Rinaldo, ante el que se abrían grandes expectativas en la carrera cortesana, y que estaba profundamente enamorado. Aunque con posterioridad sometió estas composiciones a una revisión más o menos profunda según los casos, resulta innegable que en ellas ya se muestra todo el genio de Torquato Tasso, la innegable singularidad de su estilo, y el maravilloso poder y la modernidad de su palabra.
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El lenguaje de lo intuido para encontrar una tradición que se sabe, pero que se desconoce. Una nueva -y definitiva- edición revisada por la autora. Este es un texto sagrado. Este libro contiene poemas de magia y ceremonias -conjuros y cantos-, y también otros que se sirven del símbolo y la intuición para ofrecer un relato distinto de lo que nos precedió. Aquella otra realidad que quizá se conozca pero aún no ha quedado por escrito, que se intuye existente pero todavía por crear. Poemas desde una tradición que nos habla sobre la posibilidad de la ternura y la vulnerabilidad, y que nos brinda un mensaje dicho tanto con las palabras como con el cuerpo. Esa tradición a la que pertenece Conjuros y cantos apela a la expresión del deseo lesbiano, a la historia -en su profundidad del pasado, en su voluntad del relato- del amor entre mujeres, a los encuentros y las conexiones entre lo pagano y lo sagrado, a un espacio colectivo de vivencia y placer.Sara Torres abrió con Conjuros y cantos un ciclo de escritura que después completaría con Phantasmagoria y El ritual del baño, ambos publicados por La Bella Varsovia, esta edición revisada por la autora ofrece una versión -y una visión- definitiva de esta obra, que ella considera «la más arriesgada y la más segura de sí». Un libro con el que afirmó el nacimiento de un mundo propio, desarrollado también en su obra narrativa: el de Sara Torres, cuyo lenguaje hipnótico y performativo se busca en su genealogía, alumbra -arte de magia- su propio canon.
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Marcos-Ricardo Barnatán nació en Buenos Aires en 1946. A los dieciocho años llegó a España, donde se integró en la generación poética de los novísimos. Estudió Letras, publicó poesía, novelas y cuentos, y la biografía canónica de Borges. Su obra poética ha sido traducida a numerosas lenguas. En Ritual se reúnen los poemas escritos por Marcos-Ricardo Barnatán en los últimos cuatro años. Son poemas intensos, surgidos de momentos y situaciones a su vez especialmente intensas. Poemas necesarios, en los que la madurez del poeta aparece en toda su crudeza y sabiduría, con una honda sinceridad pero con todos los temas y recursos que recorren su obra poética. De un tono manifiesta o tácitamente elegíaco, donde la memoria y la nostalgia de lo perdido juegan un papel central, hay sin embargo todo el peso del presente y el incierto futuro anclando el poema al momento en que se da. Pero la poesía surge cuando el lenguaje abre los huecos necesarios, rompe la línea de los hechos, convoca el misterio. Así, en Ritual encontraremos al Barnatán críptico y sus referencias, judías y literarias, a su presunta ruptura de géneros, cuando lleva con toda intención el poema a la prosa casi desnuda, a las acumulaciones que van convocando intensidades poéticas, al lenguaje exquisitamente preciso. Es Ritual, en suma, un libro de madurez y de belleza extrema.
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Tens a les teves mans paraules de vida, la vida que crea la Carme Raichs, una dona agramuntina-santboiana, capaç d'interpretar la quotidianitat i les petites coses i transformar-les en art. Dibuixa la realitat propera a través de mots i síl·labes plenes de passió i tendresa. Que contradictori, pensarà el lector o lectora que avui obre aquest llibre. Sí, la Carme parla de tot, no té por de res, no es calla res. I és per això que és una brillant escriptora, perquè descriu a la perfecció la tempesta i la bonança, l'envelliment i la infància, la nostàlgia i l'amor. Omple el paper blanc de lliçons de vida, d'un nosaltres, d'un tu i d'un mi, perquè en les seves lletres t'hi pots trobar, ens hi podem trobar, viatjant pel nostre interior, per la nostra ànima.
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Si te preguntas por qué un poco. Si te preguntas por qué un poco este libro. Este libro que a lo mejor no has abierto, o ya lo abriste hace tiempo. Un poemario quizás ensayístico. Disruptivo. Poesía o no poesía. Que muestra un itinerario de entrada, pero del que probablemente cueste encontrar la salida. Una escritura salteada, oblicua, como la de un collage, sin emplear la técnica del collage. Capaz de desviarse de la carretera para demorarse en un arcén. Cada verso un contranervio, una digresión que merodea por ciudades como cuerpos, con sus fallas, sus tiempos. Un libro cuyas palabras se acercan ‒aunque no sin miedo‒ allí donde cae el relámpago. Una obertura. Y su voz nos suena como si atravesara turbulencias con la extraña precisión de un crucigrama que el autor invita a resolver. Aquí y allá brotan síntomas de sensibilidad anormal en una o varias partes del gesto. Es decir, poética como colección de gestos íntimos cifrado desde lo público. Si te preguntas por qué un poco, cuidado, porque durante o después, hay posibilidad de zozobrar en cierta incertidumbre, la del lenguaje.
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El libro de poemas Hotel Insomnio (1992), de Charles Simic, fue escrito y publicado en el periodo de probablemente más éxito del escritor, que sigue siendo uno de los más populares de los EEUU incluso después de su muerte. Se trata de su vigésimo libro de poesía, donde el autor vuelve a revelarnos las imágenes sorprendentes, surrealistas e irónicas que ya nos mostró en The World Doesn't End, el poemario con el que dos años antes, en 1990, consiguió el prestigioso Premio Pulitzer de Poesía en los EEUU. Se trata de un libro en el que, por primera vez, hace al lector totalmente partícipe del insomnio crónico que padeció durante toda su vida, y que contrarrestó siempre escribiendo en pequeños cuadernos. En este volumen, Simic llena la madrugada de su poesía con ángeles y cerdos, acertijos y cementerios. El suyo es un mundo rico y embrujado de la memoria y la historia de Europa del Este, pero también de su experiencia norteamericana, un mundo de creación en duermevela, lleno de arañas, adivinas, niños mendigos y objetos que cobran sentido a altas horas de la noche.
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Un corazón bajo la sotana cuenta, en forma de pseudo diario, la pasión breve pero culpable de un joven seminarista en vísperas de tomar los hábitos. Por su ironía mordazy el humor que se despliega en todo momento, este texto merece ser colocado al lado d
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El adjetivo gótico nos remite a un paisaje nocturno, plagado de árboles retorcidos, nubes pálidas, sonidos inquietantes y vislumbres de cementerio. Un imaginario que en buena medida se forjó entre los poetas románticos ingleses y sus sucesores. Lejos de ser un género cultivado por poetas de segundo rango, nuestra selección recurre a nombres que están en la cima de su arte: se abre con dos inquietantes poemas de Shakespeare, para recorrer después las grandes aportaciones de los románticos, encontrarnos con el maestro indiscutido del género: Edgar Allan Poe, las hermanas Brontë, los espectros del recuerdo de Hardy y la feérica Irlanda de Wilde y Yeats antes de despedirnos entre la penumbra onírica de Charlotte Mew.
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Este es un poemario que tiene como eje central el Holocausto y los horrores de la Segunda Guerra Mundial. A través de versos que recorren el genocidio desde dentro, La estación de la ceniza explora la naturaleza humana y lo cotidiano en medio del caos. Las anécdotas sencillas, los paisajes desolados de una Polonia marcada por la muerte y la diversidad de voces que emergen de la tragedia, trazan un camino íntimo y humano. Lirismo alternativo, de tonalidad sombría y desgarradora, que eleva un canto épico a las víctimas del Holocausto.
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El acto de escribir desde la soledad, desde la incógnita, desde la presencia o ausencia de la pareja y ser amado, frente a un espejo que no está cubierto por ninguna sábana o cortina, frente a la piel que también reclama su espacio entre las palabras. Quizá se trate de un mecanismo de defensa, de enfrentar a la realidad y el mundo que nos rodea. Quizá, por el contrario, se trate de un mecanismo de defensa para enfrentarnos a uno de los oponentes más formidables que podemos encontrar: nosotros mismos. Carlos Augusto Torres parte de ese enfrentamiento, de colocarse como poeta, como ser humano, y asume el acto de escribir para poder enunciar y trasladar del papel sus inquietudes y tormentos, placeres y gozos. En Los poemas que siempre quise escribir, el lector acompañará al poeta y se hará parte de esa exploración y génesis: será, entonces, un ser que también se enfrente a lectura como espacio de crítica, como espacio visceral y querrá, seguramente, regresar a sus juegos de infancia, a la pareja, a la página en blanco. Podremos compartir entonces que “Escribo para recordarte, / para negarme a decir / que sí / que ahora sí te fuiste”.
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Según Calvino, la literatura tiene dos caras fundamentales: la continuidad de la vida y la indefectibilidad de la muerte. Los poemas que componen este libro no escapan a esa añosa tradición literaria, que es abordada partiendo de una serie de contradicciones y paradojas. La ambigüedad, los matices y las oposiciones de nuestro lenguaje, creencias, conocimiento y valores son elementos profundamente humanos en los que también residen dolores y placeres, culpas y redenciones.De acuerdo con una fórmula medieval, ex contradictione sequitur quodlibet (de una contradicción se sigue cualquier cosa). En consecuencia, en la lógica clásica las contradicciones no son aceptadas. La lógica paraconsistente, en cambio, renuncia a la validez general e incondicional del principio de no contradicción, por lo que ve a las contradicciones con ojos diversos. De allí toma su título este libro: Paraconsistencia.
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«Esta poesía [...] sistemáticamente se nos aparece como escrita cuando ya todo ha pasado, y somos de algún modo meros espectadores de nuestra propia vida, espectadores concernidos, a los que aún afecta, y hasta estremece (Dices que no queda nada. / Mentira. Mira bien. / Mira mis manos: / tiemblan), pero lo hace ya desde otro lugar, desde un definitivo y decisivo fue que, sin embargo, no excluye, que hasta exige, la interpretación, la valoración, el poder todavía seguir hablando del futuro que ha pasado, / hablando del futuro qué ha pasado. Un lugar otro desde el que todo lo que cabe contemplar son, esencialmente, ruinas, pero sin olvidar nunca que toda ruina al fin es solo el séquito, / más duradero que él, de un resplandor». José Cereijo
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Una selección de veinte temas entre los más de doscientos musicalizados en estos últimos treinta años, donde Julio ha estado al servicio de las Bellas Artes en sus respectivos campos de la Poesía y la Pintura. «Sus poemas y cuadros, al igual que su cr
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