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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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En " Lalibela" , García Rodero fotografía las celebraciones coptas de la Epifanía y la Semana Santa retratando a los cristianos coptos de Etiopía, sus rituales yla vehemente religiosidad de sus cuerpos en oración.
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¿Quién es Helena Bianco? La respuesta parece sencilla: la cantante de Los Mismos, uno de los tríos más exitosos y vendedores de la historia del pop español. Sin embargo, ¿no es acaso, también, aquella Elena Vázquez Minguela quien siendo todavía una cría era capaz de sorprender a los radioyentes de su Valladolid natal en cada concurso para nuevos talentos en el que participaba? Pero no hay dos sin tres, pues Helena Bianco ha sido y sigue siendo una artista de plena actualidad, aunque en evolución constante. Fue, también, la voz tras la modernidad de Jara o el talento frente al micrófono de unos Bianco ya subidos a la Nueva Ola madrileña. Interpretó en el teatro a la inolvidable Eliza Doolittle de My Fair Lady y se desempeñó como entertainer de la sala de fiestas Casablanca. Ha hecho volar sobre un pentagrama los poemas de su admirado Rafael Alberti o volver a sus raíces probándose frente al público de nuevo, sin rasgarse las vestiduras por partir otra vez desde cero. Así alcanzó el triunfo absoluto en La Voz Senior el año 2019.
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La biografía definitiva de uno de los cantantes y compositores más famosos de todos los tiempos.George Michael era un cantante de soul de corazón grande y talento extravagante, cuya obra era a la vez nostálgica y erótica. Era un compositor con oficio y gran talento, y su música arrasó en todo el mundo a partir de mediados de los ochenta. Su imagen, la de un dios del sexo hiper masculino, floreció en la cultura pop de su época. También ocultó durante un tiempo el secreto que él luchó por no revelar: Michael era gay. Pronto su obsesión por la fama empezaría a volverse en su contra. Cuando uno de los hombres más privilegiados y torturados de la industria empezó a autodestruirse, la prensa no mostró mucha compasión. George Michael: Una vida explora la apasionante historia de una superestrella cuyas luchas, así como sus canciones, siguen conmoviendo a los fans de todo el mundo. El aclamado biógrafo musical James Gavin traza la metamorfosis de Michael, que pasó de ser el tímido y torpe Georgios Kyriacos Panayiotou al fanfarrón y dominante líder de Wham!, el dúo de pop británico más relevante de los años ochenta, y detalla la sensacional posterior carrera en solitario de Michael y su último desenlace. Con un profundo análisis del proceso creativo detrás de los álbumes, giras y vídeos musicales de Michael, así como entrevistas con cientos de sus amigos y colegas, George Michael: Una vida es un retrato profundo y definitivo de una inmensa leyenda del pop.
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En una galaxia marcada por el conflicto ?donde los separatistas buscan dividir la República, los Rebeldes alimentan la esperanzabajo un Imperio opresor y la Resistencia trata de contener la influencia de un ascendente poder militar? son los individuos
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La adolescencia es una etapa turbulenta y alocadaque la mayoría de nosotros recordamos con enorme cariño. Este libro ofrece un pasaje directo para revivirlas experiencias propias de ese período: el maldito acné, el primer amor, el descubrimiento del sexo, losaltibajos emocionales, las tardes en el parque, las discusiones con la familia día sí y día también…, Para los que crecieron en la década de los noventa, además, ese hacerse mayor tuvo como banda sonora las Spice Girls y los Backstreet Boys, como código de vestimenta, los pantalones anchos y las zapatillas deskater, y como placer prohibido, la peli codificada del Plus de la madrugada del viernes. Todo ello, y mucho más, lo encontraréis en estas páginas que os harán esbozar una sonrisa de nostalgia y decir: «Esto me pertenece».
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La historia de la legendaria banda neoyorkina, una de las más espectaculares y glamurosas del mundo del rock, con motivo de su 50 aniversario y su retirada de los escenarios.Estadios repletos a rebosar, sangre, fuego y pirotecnia en el escenario, maquillajes memorables, botas con plataforma, personajes de cómic de Marvel... El reconocido crítico de rock Martin Popoff analiza en este gran homenaje la carrera de una de las más grandes leyendas del rock a través de cincuenta de sus acontecimientos más relevantes. Se examina así con detalle los orígenes de la formación de la banda en Nueva York hasta las cumbres de su jerarquía en el rock, sus álbumes, sus canciones más emblemáticas -auténticos himnos- así como multitud de historias de la banda más grande del rock 'n' roll. Popoff sigue a KISS a través de su música, su evolución musical, los diferentes cambios y miembros de su formación, sus extraordinarios conciertos, sus disputas internas y mucho más. Además, va acompañado de entrevistas que el mismo Popoff ha mantenido con los propios protagonistas y personajes clave en su historia, y está repleto de fotografías emocionantes tanto dentro como fuera de los escenarios. También ofrece una mirada detallada a toda su discografía y un desplegable con la línea temporal de su legendaria trayectoria. El resultado es un tributo espectacular a estos innovadores del rock 'n' roll que han cambiado la historia de la música rock para siempre.
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Lo bastante pequeño como para llevar en el bolsillo, pero lo suficientemente riguroso como para dar respuestas a todas sus preguntas, Cómo leer iglesias es un libro del que no pueden prescindir los aficionados a la arquitectura y a la historia, los turistas o los fieles interesados en descifrar los estilos y los símbolos de las construcciones religiosas. Cada edificio contiene pistas en su diseño que no sólo identifican su estilo arquitectónico, sino también quién lo concibió, a qué clase de congregación iba destinado y las razones de su construcción. Esta guía, tan amena como práctica, es la clave para interpretar el estilo, la historia, la evolución y el significado social de los edificios religiosos. No se limita estrictamente a las iglesias, sino que también ofrece información sobre abadías, capillas y monasterios, entre otros. El libro comienza ofreciendo una visión de conjunto de los distintos tipos de edificios, estilos y materiales, mientras que en capítulos sucesivos examina los elementos arquitectónicos individuales y considera su variedad a través de los tiempos y en distintos lugares. Todas las entradas están ilustradas con grabados de época y planos. Tomando como ejemplo una multitud de manifestaciones arquitectónicas eclesiásticas y sus detalles, esta completísima obra le desvelará las elevadas y glorificadas circunstancias que llevaron a los constructores de las iglesias a ejecutarlas.
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Estéticas coherentes con el desarrollo sostenible, propuestas artísticas ecológicas, reciclaje. Con más de 100 imágenes donde Ardenne presagia una nueva era en el arte.Del desafío ecológico actual depende la supervivencia de la especie humana. Es necesario ya mismo luchar contra el desastre medioambiental, pero ¿qué puede hacer el arte en esta lucha? Contra la ola de calamidades que prosperan con la irresponsabilidad humana, este libro da cuenta de un combate en muchos aspectos desesperado: el de los pintores, escultores, landartists, fotógrafos, videastas, performers, instaladores y creadores de web comprometidos en la lucha ecológica.Es necesario reanudar una relación más sincera con el mundo natural, una relación más respetuosa. Los artistas que presenta este libro nos ayudan a hacerlo. Ellos adoptan como principio la ejemplaridad. Abren un surco de esperanza, una vez más, contra las fuerzas de la muerte.
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Si hay un género musical que levanta pasiones, ese es sin duda la ópera. Poca gente que haya asistido a una representación en vivo puede sustraerse a la intensa emoción que se experimenta. Y, sin embargo, en gran parte sigue siendo una gran desconocida. El presente libro pretende hacer accesible a todo tipo de lectores aspectos que faciliten una comprensión más profunda y que permitan una aproximación a algunas de sus claves.Conforme a un hilo cronológico, se aborda la evolución de una dramaturgia específicamente musical que la ópera fue capaz de concebir, elaborar y replantear desde sus comienzos y en el curso de cuatro siglos. No se centra únicamente en el argumento o el libreto, ni tampoco en una serie de arias brillantes, sino en el punto de encuentro en el cual confluyen el teatro y la música con el fin de generar un teatro cantado por los personajes y comentado desde la orquesta, un drama (o una comedia) musical. Cada capítulo ofrece, junto a una selección de óperas comentadas con más detalle, una presentación de los rasgos generales del género o escuela en su contexto histórico y cultural, así como un comentario sobre los compositores y tendencias más relevantes.Como apunta José Luis Téllez en el prólogo escrito para la presente edición, hay que celebrar que un libro como éste, que se ha convertido en un pequeño clásico desde su publicación, sea resultado de un proyecto gestado y llevado a cabo desde España, motivo más que justificado para que ocupe un lugar especial en esta colección conmemorativa.
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Presentación elegante y lujosa del trabajo residencial de Thomas Kligerman, un arquitecto reconocido por su hábil integración del estilo contemporáneo en los diseños tradicionales. Como monografía completa de su carrera, el libro presentará casas icónicas de Kligerman construidas durante los últimos 20 años y proyectos actuales que demuestran la evolución de su pensamiento arquitectónico. Esta será una ''inmersión profunda'' en su proceso de diseño, ilustrada con bocetos y representaciones, así como con fotografías terminadas. Cuenta con una introducción del editor de diseño de Architectural Digest, Mitchell Owens, que da una descripción general de la trayectoria del arquitecto, mientras que el propio ensayo de Kligerman se centra en su interés en desarrollar un estilo verdaderamente estadounidense que refleje tanto el estilo Puebloan del suroeste como el estilo de guijarros que ha prevalecido a lo largo del Costa Este desde finales del siglo XIX. Kligerman diseña solo casas unifamiliares en sitios espectaculares como los Hamptons y en toda Nueva Inglaterra, con algunos en la costa oeste y en Texas. Está profundamente inmerso en la historia de la arquitectura doméstica europea y americana y su trabajo investiga si existe (o puede existir) un paradigma de casa estadounidense. Creció en Connecticut y Nuevo México, por lo que las dos líneas que dibuja en la mayoría del arte son las formas sólidas de adobe del estilo Puebloan y el estilo de tejas más ligeras y abiertas. También considera a arquitectos de la costa oeste como Bernard Maybeck y diseñadores de artes y oficios ingleses como Vosey y Lutyens. En lugar de buscar precedentes únicos y específicos y adaptarlos a la vida contemporánea, Kligerman trata de incorporar múltiples hilos para llegar a algo nuevo 'para mover la aguja hacia adelante' como él dice.
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Vacío y plenitud es una de esas obras fundamentales que permiten acceder a la comprensión de la pintura china. Su autor, François Cheng, conocido especialista en poesía y pintura chinas, expone el desarrollo que, a lo largo de quince siglos, ha tenido la pintura en China, pero su estudio no es de carácter histórico sino filosófico. La primera parte explora el sistema de la pintura en relación con la filosofía taoísta a partir de la noción de vacío que todo artista debe conocer, eje fundamental de la concepción china del universo y su comprensión del mundo objetivo, ligado a la idea del aliento vital y al estado supremo al que el hombre debe tender. Cheng explica también al lector occidental la adscripción de este arte a la concepción taoísta, incorporando fragmentos de pintores y tratadistas chinos sobre elementos y momentos de la actividad pictórica.
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'Dicen que las personas destinadas a conocerse están unidas por un hilo rojo''. Paula es una bailarina española recién llegada a Seúl con un sueño roto: la ciudad no es como se esperaba y la persona a la que más ansiaba ver la ha traicionado. Cris es una
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* Francisco de Goya superó sus miedos y Auguste Rodin halló esperanza, Frida Kahlo consiguió hacer frente a sus angustias y Henri Matisse abrazó la felicidad. * Durante miles de años, los artistas han transmitido sus aspiraciones, emociones, sentimientos, ideas e historias a través de sus obras. Al comprender sus objetivos y analizar ciertos aspectos de su trabajo, es posible aprender a gestionar las emociones, mejorar el estado de ánimo, calmar la mente y reducir la ansiedad y el estrés. * Déjese guiar para descubrir cómo cambiar la percepción del mundo de una forma más positiva, gracias al arte y a los artistas. El arte visual puede comunicarse con nosotros de una manera que las palabras por sí mismas no pueden lograr. Puede iluminarnos, animarnos, desafiarnos, instruirnos, cautivarnos y divertirnos. Puede ofrecernos conocimiento, compartir recuerdos, sugerir nuevas ideas y ejercer como terapia, ayudándonos con los problemas emocionales, conductuales o de salud mental. En este libro se analizan obras de más de setenta artistas, entre ellos Artemisia Gentileschi, Yinka Shonibare, Francisco de Goya, Claude Monet, Frida Kahlo, Gustav Klimt, Caravaggio, Vincent van Gogh, Elizabeth Catlett, Andy Warhol y Henri Matisse. Su trabajo y sus ideas son tan particulares como cada uno de nosotros y este es otro de los aspectos positivos de utilizar el arte de esta manera, puede que las emociones sean universales, pero las interpretaciones y reacciones son individuales. Déjese guiar por estas ideas y descubra originales y maravillosas formas de interactuar con el arte.
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Santiago Auserón coincide con Leonard Cohen en un don: posee registros variados para que, sin estropear la poesía, sus palabras viajen entre géneros creativos. Es capaz de escribir como los autores de libros de versos, ensayos y relatos, pero sabe que la poesía viste otros atuendos en las canciones.Esta claridad convierte a Auserón en inimitable. La editorial Demipage ha respetado en la presente antología de letras de canciones de Santiago Auserón los hábitos ortográficos del autor. Santiago Auserón inicia con letra capital todas las líneas de sus canciones, prescinde de las comas en los finales de verso, así como del punto de cierre de oración.Max firma la ilustración de la cubierta del libro. Santiago Auserón ha colaborado con Demipage en los libros Cien mil millones de poemas y Diez bicicletas para treinta sonámbulos (donde firma con Catherine François un texto titulado “La máquina del absurdo”). Además, tradujo al español para nuestra editorial una obra de Catherine François escrita en francés: El árbol ausente. Demipage agradece el trabajo de las editoriales que anteriormente difundieron las letras de las canciones de Santiago Auserón. Nos referimos a Pre-Textos y Salto de Página.Demipage y Santiago Auserón dedican el libro al recientemente desaparecido guitarrista Joan Vinyals. Según el propio Santiago, ''un roquero nato desde pequeño, con pellizco negro, soulero, muy funkie en la manera de tocar, que luego se graduó como guitarrista de jazz, tenía una versatilidad que lo convirtió en un aliado indispensable''. No olvidemos las palabras de Santiago Auserón: “Soy negro del Ebro”.
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La segunda mitad de los sesenta es crucial en la historia del pop y el rock. Se cuenta, con profusión, la presencia de formaciones y personalidades nacionales que marcan el momento pero también el influjo internacional y las numerosas visitas exteriores. Clave es aportar una visión transversal, global, año a año, incidiendo en todos los géneros convivientes y mostrando toda esa cultura popular que personifica un tiempo diferente: moda, diseño gráfico, radio, televisión, revistas, diarios, nuevo cine, publicidad, reproductores e industria discográfica. Se palpan subculturas, drogas legales e ilegales y una sensación de estar conectados, permanentemente, con el exterior. Y es que, más allá de los avatares políticos, la variedad artística –,de Los Bravos a Serrat y de Aute a los jovencitos Paco de Lucía y Camarón de la Isla–, es incesante y, al margen de importar fenómenos, se exportaban diferentes nombres y corrientes al mundo.
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¿Te gusta el arte? Sea cual sea la respuesta, este libro es para ti. Es más que probable que seas de los que piensa que el arte clásico es tan bonito como aburrido. Y del arte contemporáneo mejor ni hablamos... Todo parece secuestrado por una «élite selecta y académica» con la que no te identificas. Pero, en realidad, la historia del arte tiene más que ver con tu vida y tus problemas de lo que te imaginas, y responde a muchos de los porqués de la historia, pasada y presente. A veces al arte le da por ser refinado y exquisito, y se propone cumplir normas, igual que nosotros cuando empieza un nuevo año, pero otras veces explora caminos nuevos y se salta las reglas. Los grafitis, por ejemplo, ¡existen desde la época de los egipcios! Sara Rubayo, historiadora del arte y divulgadora cultural, nos propone en Te gusta el arte aunque no lo sepas una visión de la historia del arte que no conocías, en la que descubrirás que, efectivamente, aunque todavía no lo sepas, te gusta el arte, y que su historia es tu historia.
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El hilo conductor del libre es Cuba y los viajes que Serrat ha hecho ala isla. El autor analiza la obra y la vida de Serrat y su aceptación enCuba, su compromiso con la Isla y, por extensión, con Sudamérica y suintensa relación con autores, músicos y escritories cubanossudamericanos.
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¿Sabías que el mismísimo rey Alfonso XIII se vio sorprendido por Diaghilev, impulsor de los Ballets Rusos, cuando éste se atrevió a decirle que ambos eran iguales porque no hacían nada? ¿O que Marius Petipa tuvo que salir huyendo de España para no volver jamás? ¿O que el bailarín Rudolf Nureyev aprovechó una gira por París para desertar de la Unión Soviética, puesto que, si regresaba a Rusia, jamás podría volver a salir del país? ¿Quedó contento Tchaikovsky con la partitura de «El lago de los cisnes»? ¿Influyeron las continuas infidelidades del marido de la bailarina Margot Fonteyn con el hecho de que ella no se bajara de los escenarios hasta los sesenta años? ¿Qué relación guarda Picasso con el «ballet»? ¿Cómo acabó un bailaor de flamenco autodidacta enrolado en los Ballets Rusos y encerrado de por vida en un manicomio británico? La danza nació en las cortes reales, pero el «ballet» eclosionó en pleno Romanticismo. Los espectros de unas monjas tuvieron parte de culpa, pero las zapatillas de punta, el color blanco y el tul vaporoso de los vestidos hicieron el resto. Mientras las bailarinas enseñaban más de lo permitido, hombres y mujeres acudían en tropel a ver aquel espectáculo inédito en una época en la que mostrar un tobillo podía ser delito. El morbo estaba servido. Sólo las élites llenaban los teatros, pero todas las jóvenes querían ser bailarinas. Y sus familias mataban por conseguir un puesto para ellas en las escuelas públicas. Y llegaron los Taglioni, los Petipa, Tchaikovsky, Minkus, la Fonteyn, la Pavlova, Nureyev y Diaghilev. Y lo revolucionaron todo. Y con ello, hicieron historia dentro de la historia. Detalles, anécdotas y aventuras que provocaron que el «ballet» clásico sea lo que hoy es. «El lago de los cisnes», «El cascanueces», «La bayadera», «El corsario», «Giselle», «La sílfide», «Paquita»… son títulos que en estos tiempos siguen colgando el cartel de «No hay billetes» en los mejores escenarios del mundo. Las suyas son historias que guardan incontables vivencias que merecen ser contadas. La historia del «ballet» se escribió en paralelo a la historia universal, viéndose influida por todo aquello que ocurría en el mundo. Estas páginas plantean un viaje insólito por los caminos difíciles, duros y enigmáticos, pero bellos, emocionantes y expresivos, del «ballet» clásico. ¿Bailamos?
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Las obras más ambiciosas e impresionantes de la arquitectura española, desde la Edad Media hasta nuestros días, han sido dedicadas a los templos catedralicios, en los que cada ciudad intentaba mostrar al mundo lo mejor de sí mismas. Este libro realiza un recorrido por todas las catedrales de España, haciendo una breve historia de su construcción y una descripción de sus principales elementos arquitéctónicos, así como los tesoros que custodian sus muros.
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La guía definitiva para desarrollar bases sólidas para mejorar el rendimiento Milón de Crotona fue un atleta olímpico de la antigua Grecia, que según la leyenda desarrolló su fuerza desde joven levantando en brazos a un ternero y cargando con él sobre los hombros todo el día. A medida que el ternero creció, también lo hizo la fuerza de Milón así nació el concepto de aumento progresivo de la carga. Sin embargo, llevar nuestros cuerpos al límite un día sí y otro también tiene su precio. Un esfuerzo acumulado que supera las capacidades adaptativas de nuestros músculos y articulaciones, sin un tiempo adecuado de descanso y recuperación, puede provocar lesiones persistentes que ponen en peligro nuestro rendimiento. El Dr. Aaron Horschig te enseña una forma mejor de gestionar el dolor y las lesiones. Este libro te ofrece un plan paso a paso para rehabilitar tu cuerpo y volver a los deportes y actividades que te gustan. Sin dolor. La creencia generalizada de que el dolor es un problema médico es errónea. Tratar los síntomas con analgésicos y antiinflamatorios en lugar de atacar la causa del dolor no resolverá el problema. Para conseguirlo, hay que corregir los patrones de movimiento, mejorar los problemas de movilidad y recuperar la fuerza de un modo seguro y eficaz. Este libro te enseña a hacerlo.
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El proyecto artístico más ambicioso de Sara Rubayo, la historiadora del arte que ha revolucionado los museos en España, y Ana Gállego: una recopilación exhaustiva de todas las mujeres pintoras del siglo XVIII.Cuando un visitante entra en el Museo del Prado, espera ver Las Meninas de Diego Velázquez, no los bodegones de Clara Peeters, pese a pertenecer al mismo estilo artístico, y tener un incalculable valor histórico. PintorAs vol. 2 pretende dar respuesta al vacío de conocimiento que tiene la historia del arte: las mujeres artistas. No es que no las conozcamos porque no existieran, sino porque fueron despreciadas artísticamente y olvidadas históricamente. En este tomo, que comprende todo el siglo XVIII, Sara Rubayo y Ana Gállego aportan una nueva perspectiva a la historia del arte para que puedas darle el merecido reconocimiento a todas aquellas mujeres que han contribuido a nuestra cultura con su talento.
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'Los tiempos muertos de la ciudad, la hora de la siesta, las visiones en el recorrido cotidiano: Rita Rivera nos señala la magia oculta en lo que no se tiene por mágico.'' — Sabina Urraca — “El viaje de Rita, en bucle, de ida y vuelta, capturando los restos arqueológicos de una civilización que crea y arrasa a la vez” — Tono Arias — ''No hay nada más intenso que el polvo que flota en todas las imágenes: palmeras, moteles, donde el amor no existe, donde el amor se hace. El mejor reclamo del mundo, la pasión más intensa, arrasada por El Gran Sol y su enorme sombra. ¿De verdad un día hubo República?'' — Suso Basterrechea — ''Rita G. Rivera nos guía en un recorrido cotidiano lleno de frescura por el interior de Alicante. Su mirada conocedora y crítica retrata una ciudad entre el exceso y el abandono, el brillo y la decadencia. Es la imagen de un país en construcción permanente, de un quiero y no puedo. Vacíos que no se llenan y turistas que desbordan paisajes a medio hacer. Oasis de felicidad prefabricada y reductos de silencio laboral.'' — Nerea Ubieto —
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«El Camino que puede describirse con claridad no es el Camino Inmutable. El nombre que puede pronunciarse en voz alta no es el Nombre Inmutable. Con la boca cerrada, dejando las cosas sin definir, te encuentras al principio del universo. Establece definiciones, y entonces eres la medida de toda creación».El Tao Te Ching es uno de los libros más influyentes de la historia de la humanidad. Este texto, del cual hay diversas versiones, es una recopilación de 81 pasajes escritos por el sabio Lao-Tzu/Laozi, aunque algunos historiadores dudan de su autoría. El título se podría traducir por «el Canon del Sendero y la Virtud» o, sencillamente, como «el Libro del Camino». El taoísmo es un antiguo sistema de filosofía y ética muy importante en Asia oriental, pero cuya influencia se extiende por todo el mundo y es evidente, aún hoy, en el arte, la literatura y la filosofía. Este sistema sirve para vivir en armonía con los ciclos de cambio y para tomar conciencia de nuestro lugar en la red de la vida. Las enseñanzas de los capítulos o secciones en que se divide el libro se ejemplifican en esta novela gráfica con situaciones cotidianas a las que se podrían aplicar, de forma que el lector puede ver representados los aprendizajes de Lao Tzu en una realidad que le es conocida.
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La flauta mágica es la ópera más popular de Mozart, a pesar de que su acción plantea grandes enigmas. ¿En qué país una astuta serpiente hace de las suyas en los aledaños de un Templo de la Sabiduría? ¿Quién es bueno y quién malo? ¿Qué significa la prueba del fuego y del agua? Los contemporáneos de Mozart supieron orientarse en este mundo, pues en la historia de las dos desiguales parejas descubrieron alusiones a la francmasonería, a las concepciones de ésta sobre el antiguo Egipto y a los cultos mistéricos a él ligados. El gran egiptólogo Jan Assmann nos cuenta La flauta mágica escena por escena, mostrando lo estrechamente conectadas que la acción y la música de la flauta mágica están con la fascinación que el antiguo Egipto y los cultos mistéricos ejercieron sobre Mozart y sus contemporáneos. Y de repente esta historia deja de parecernos tan enigmática. Más bien asistimos a la transformación de los actores en el escenario, entre dudas y pruebas, en hombres ilustrados, y nosotros mismos nos convertimos en parte de la historia, ya sea un teatro de ópera como ante un equipo de música. Estamos, pues, ante un libro que vuelve a abrir los ojos y los oídos a una ópera que hace mucho que creíamos conocer.
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Probablemente casi todo el mundo haya escuchado, en una versión u otra, la cadencia plúmbea de los acordes que abren la célebre Marcha fúnebre de Chopin. Sin embargo, la historia que rodea a la composición de la Sonata para piano n.º 2, opus 35, de la que la marcha forma parte, va mucho más allá del cliché al que la melodía se ha visto reducida en nuestros días.En este libro, Annik LaFarge sigue los pasos de Chopin entre 1837 y 1840, los años que dedicó a la composición de su pieza más famosa, para trazar un retrato íntimo y original de un creador inigualable: su compromiso con la Polonia que le vio nacer, su complicada relación con la escritora George Sand, su inestimable labor pedagógica, el desarrollo del piano y su consolidación como un instrumento clave en el canon musical europeo, el bullicio político, artístico y científico de una Europa que daba sus primeros pasos en una modernidad deslumbrante...Todos estos elementos confluyen en un viaje que nos lleva desde Polonia, a través del París revolucionario, hasta el invierno de Mallorca y de vuelta a Francia, a la finca de George Sand en Nohant, en la que escribió las últimas notas de su carismática creación, para presentarnos la obra y la vida de un artista y una música que siguen interpelándonos después de casi dos siglos.
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¿Cuándo surge el sentimiento de intimidad en el arte? ¿Qué pintores empezaron a representar espacios acogedores, cálidos e íntimos? Probablemente fueron Vermeer, De Hooch y otros pintores del siglo de oro neerlandés quienes trasladaron por primera vez a sus telas esos interiores privados. Pero si los holandeses dieron el pistoletazo de salida, tras ellos, numerosos artistas iban a participar en esta búsqueda de lo íntimo. De los interiores cálidos de Holanda se pasó a los fríos y pálidos del pintor danés Vilhelm Hammershøi, el suizo Felix Vallotton descubrió en sus cuadros lo que había de perturbador en los espacios burgueses de las ciudades europeas de principios del siglo XX, los surrealistas indagaron en los interiores soñados, en los que las paredes se deforman y los suelos se abren bajo nuestros pies, Edward Hopper diseccionó con la precisión de un cirujano los espacios anónimos de los no lugares: los hoteles y los compartimentos de tren. Otros artistas, como Degas y Bonnard, abrieron de par en par las puertas del cuarto de baño, mientras más tarde, en este siglo, el dormitorio y la misma cama revelaron todos sus secretos en las interpretaciones de Tracey Emin y de Sophie Calle. La intimidad es un producto cultural que se ha declinado de muchas maneras a lo largo de los siglos. Con rigor y pasión, Charo Crego nos descubre en Dentro esta insólita historia de la intimidad en el arte.
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Representaciones que van mucho más allá de la simple antropología del delito y del delincuente, del enfrentamiento entre el Bien y el Mal. El polar fílmico es, probablemente, una de las mayores aportaciones europeas al cine del género de la historia del cine, pues es el punto de encuentro entre las vanguardias europeas, las películas de Hollywood y la poética trágica, tremendista, sobre la marginación, sobre les bas-fonds, que nace de la novela naturalista francesa de finales del siglo XIX. Todo ello ligado a la fascinación por unas imágenes metafóricas, líricas o ferozmente realistas. De este modo, el polar se define como un cine ideológicamente diverso y estéticamente poliédrico. Un fenómeno transcultural, transhistórico y transgenérico, cuyo estilo visual definido pero, a la vez, dúctil en función de las inquietudes de sus autores, se convierte en miradas, pensamientos, emociones, alrededor del lado oscuro de la sociedad y, sobre todo, de sus individuos. Un género, el polar, dentro del cual encontraremos las mejores obras de cineastas de la categoría de Jacques Becker, Marcel Carné, Pierre Chenal, Claude Chabrol, Alain Corneau, Julien Duvivier, José Giovanni, Jean Grémillon, Jean-Pierre Melville, Jean Renoir o Henri Verneuil, entre otros.
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Historias del pop hay muchas, pero ninguna tan singular como la que presenta La edad de plástico. Historia que, en rigor, no es tal, sino un sinuoso recorrido personal alrededor de cien artistas —y sus correspondientes perfiles biográficos y musicales—que conforman el personal Olimpo sonoro de Ramón de España, figura fundamental de aquel nuevo periodismo musical español que, surgido en la segunda mitad de los años setenta del siglo pasado, supuso una revolución en la prensa especializada.Publicada originalmente por entregas semanales en prensa, La edad de plástico elude conscientemente la cronología y opta por dejarse arrastrar por las emociones, por los impulsos comunes al melómano, aquí transformado en guía. De tal modo que a través de sus páginas viajamos constantemente en el tiempo, por el pasado y el presente —adelante y atrás, atrás y adelante—, encontrándonos con creadores fundamentales del canon pop de la música popular en feliz convivencia con malditos, desconocidos u olvidados, de aquellos que permanecen en los pliegues de la historia esperando su oportunidad para seducir a nuevos oyentes con su obra. Y para ello, en su papel de excelso gourmet musical, está Ramón de España, que lo mismo se adentra en el punk que en el rock clásico, el country rural, la electrónica, el fado, la rumba, el folk rock o el punk.Libro de marcada impronta literaria, en La edad de plástico el dato certero se enreda con el recuerdo personal, la evocación del tiempo vivido, la memoria generacional y, por supuesto, todo ello salpimentado por esas dosis de fina ironía que son consustanciales a la escritura de Ramón de España.PRÓLOGO DE DIEGO A. MANRIQUE.
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Uno de los profesores de cine con más prestigio en Estados Unidos ofrece el curso definitivo de la A a la Z sobre las complejidades del cine. A petición de sus alumnos, el autor condensa en pocas líneas y de modo gráfico sus mejores clases, que han inspirado a numerosas generaciones de grandes cineastas y escritores de Hollywood. Examina los patrones que convierten las películas en populares y memorables, y logra un libro útil tanto para quienes hacen películas como para los que solo pretenden entenderlas mejor. Es ya un clásico en la literatura sobre cine.
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El Pirata comenzó esta obra un mes antes de cumplir 65 años y la acabó un par de meses después de que volviera a nacer en una ambulancia del SAMUR en octubre de 2022. Nacido en el seno de una humilde familia en la década de los cincuenta en Talavera, vio cómo se expandía por su cuerpo tanto el rock and roll como la polio. La cultura del rock llamó a su puerta y el revulsivo a su enfermedad fueron la radio, las revistas musicales y el tocadiscos.Es un tipo que cumplió su sueño, y se ha convertido en un referente de la radio rock de este país y que ha podido conocer a los músicos y locutores que han fraguado la historia del rock y la radio musical y codearse con ellos. Por su profesión guarda discos, revistas, entradas de conciertos y un montón de objetos que configuran toda una galaxia de satélites que orbitan en torno a la cultura del rock y que tienen detrás unas batallitas que también enriquecerán este libro.Esta es su vida contada en palabras, lo que ha dejado huella profunda en la superficie de su memoria. Las marcas de su rostro, las cicatrices, el brillo de sus ojos y la amplitud de su sonrisa. ¿Somos heavies o no somos heavies?
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Modigliani es sobre todo un pintor de retratos: es un retratista.''Lo que busco no es lo real, ni lo irreal, sino lo Inconsciente, el misterio de la instinctividad del ser, decía a propósito de sus retratos, o también: ''Los personajes de Cézanne, como las estatuas antiguas, no tienen mirada. Los míos, por el contrario, ven: ven aunque no les pinte las pupilas.''Este libro recoge retratos que Modigliani pintó de sus amigos y recuerdos que de Modigliani escribieron sus amigos.
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El objeto de este libro es proporcionar ayuda teórica y práctica a todos los que deseéis dibujar y aprender la maravillosa naturaleza del propio dibujo. Analizaremos las ventajas de los materiales y equipos que vamos a utilizar y la superficie sobre la cual trabajaremos. Indagaremos en las características de la línea, el tono, la textura y el color. Aprenderemos a contemplar la naturaleza para verla con más claridad y percepción, y poder expresar nuestra respuesta de un modo propio e individual. Lo creáis o no, todos hemos dibujado alguna vez. El dibujo es un lenguaje precursor de la lectura y escritura. Antes de aprender a leer, a escribir y conocer la aritmética todos hemos dibujado sin que nadie nos enseñara. Una vez empezasteis esta aventura, quizás la pausa entre aquel momento y éste sea más larga de lo conveniente, pero ahora vais a continuar donde lo dejasteis. Como el niño que una vez fuisteis, otra vez tenéis que dejaros cautivar, libraros de las inhibiciones y llenaros de asombro en esta emocionante aventura.
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BIM Manager ofrece una gran cantidad de conocimientos y orientación práctica para entender e implementar el Modelado de Información de la Construcción. Es relevante para todos aquellos que trabajan en el sector de la construcción y se ocupan de la integración de BIM en sus trabajos, desde técnicos de diseño, arquitectos e ingenieros hasta los gestores de proyectos, gerentes e incluso propietarios y operadores de edificios. Esta obra le proporcionará los recursos que necesita para planificar, implementar y entregar con éxito BIM en su organización. Además, cuenta con casos de estudio y numerosas contribuciones de expertos.
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En cuanto al cine, los años setenta es una década compleja para el discurso de la historia. De hecho, normalmente se acopla o bien a la etapa de los Nuevos Cines o a la denostada etapa del cine de los ochenta. El recorrido que se propone en estas páginas tiene un doble objetivo. Por un lado, pretende contribuir a perfeccionar la reconstrucción de la historia del cine (global) en los años setenta ligándola a un caso muy concreto, el del Estado español, a menudo considerado marginal, y por el otro, aspira a reencuadrar la forma en la que se tiende a conceptualizar la relación entre las películas y la historia en este país. La ambición es que el lector encuentre en estas páginas no solo una reconsideración de lo que ocurre con la producción cinematográfica en España en la década de los setenta y su relevancia para comprender qué ocurre en el marco global, sino también una manera diferente de pensar el tardofranquismo y la Transición.
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La columna de la Leona se ha ganado un lugar de honor entre los símbolos de la ciudad de Girona y es muy conocida tanto entre sus habitantes como entre los turistas. Aun así, su popularidad contrasta con lo que realmente sabemos. Hay que buscar su origen en la época medieval, hacia mediados del siglo XIII, pero su pasado, significado, autoría, ubicación, simbolismo, etc., siguen siendo, en buena parte, una incógnita. La revisión de todas las informaciones conocidas sobre la columna, además de la obtención de datos inéditos, y la descripción cuidadosa y analítica de la pieza que plantea este libro, suponen una actualización imprescindible para su conocimiento.
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Descubre a algunas de las heroínas de ficción más inspiradoras de los últimos tiempos. Un universo cinematográfico en femenino.Esto no es una historia real, ni es un libro informativo propiamente dicho, porque las personas que te vas a encontrar en él no existen. Ellas son algunas de las heroínas de ficción más inspiradoras de los últimos tiempos. Sin embargo, aunque no sean reales, son auténticas.Este libro es un pequeño homenaje a algunos de estos personajes icónicos, y a quienes los crearon.Encontrarás a Katniss Everdeen, Leia Organa, Hermoine Granger, Scarlett O'Hara, Thelma y Louise, Sarah en su laberinto, Viuda Negra, incluso a Barbie y muchas heroínas más, ilustradas en acuarela por la artista Mar Gregorio.Un universo cinematográfico en femenino.
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