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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Desde el inicio de los tiempos el hombre ha expresadoa través del arte su manera de vivir y de sentir. Breve historia del Arte le descubrirá el arte universalen todas sus perspectivas y le ayudará a adentrarseen las circunstancias históricas, mágico-religiosas,ideológicas, sociales y políticas que las hicieron posibles y que han influido en las creaciones plásticasde los artistas. Apren derá, también, a entender elsignificado de las creaciones estéticas, así como losmotivos por los que se realizaron y a comprender lainfluencia que ha tenido el arte en cada época, ya que constituye un fiel reflejo del pensamiento humano.De la mano de su autor, Carlos Javier Taranilla, conun estilo riguroso, didáctico y ameno, podrá conocerlo anecdótico y oculto que rodea la labor de los artistas, y que no todo lo que está en los museos es arte, sino sólo lo sublime y lo genial.
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Inquieta, dramática y siempre a la búsqueda de acción y atención, desde su más tierna infancia Amy Winehouse mostró rebeldía e inteligencia. Ceder a la voluntad ajena no estaba en sus planes. Tampoco cumplir las normas. Todo en ella era atrevido, rompedor y único, empezando por su voz que la lanzó al estrellato convirtiéndola en un mito indiscutible de la música. Esta biografía nos devuelve su breve e intensa vida y rinde homenaje a su arte y su legado.
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Mire a su alrededor durante un minuto. Si fuera a hacer una fotografía que captara sus pensamientos y sentimientos sobre el lugar donde se encuentra justo en este momento, ¿de qué sería? Complicado, ¿verdad? Tomar excelentes fotografías de lugares depende de qué, cuándo y cómo. Qué tipo de lugares activa sus ideas oemociones (naturaleza, escenas industriales, lugarescon un significado histórico), cuándo le gusta fotografiarlos (pronto por la mañana, durante el día, durante el crepúsculo, o por la noche) y cómo le gusta fotografiarlos (con una profundidad de campo grande o reducida, con un gran angular o un teleobjetivo, con una composición clásica o con algo menos ortodoxo...).Junte estos tres elementos y sus fotografías adquirirán un nuevo significado. Entre los 50 grandes fotógrafos representados a lo largo de las páginas de estelibro se incluyen: Alec Soth, Martin Parr, Robert Adams, Todd Hido, Rut Blees Luxemburg, Julius Shulman, Rinko Kawauchi, Thomas Ruff, Tim Hetherington y Joel Sternfeld.
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La tècnica de Nikolais/Louis és una tècnica compositi-va. Té implicació amb la totalitat de la persona física, mental i espiritual, que és qui ha de dir quina part té més facilitat d'aprendre o quina té més importància. Els últims cinquanta anys, aquest
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Obras diversas Plaza & Janés
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La presente edición recoge los textos que Ruskin dedicó al tema de lo grotesco. Lo grotesco se percibe enel estilo y lenguaje de las obras artísticas, pero noes solo una cuestión de estilo y lenguaje. La profunda novedad de Ruskin surge en el análisis de sus orígenes: lo grotesco es una manifestación de la naturaleza humana y, en cuanto tal, no puede ser despreciadoni relegado, tal como había hecho la literatura artística tradicional. La estrecha relación entre Ruskin yDante, la admiración del escritor inglés por el poeta, nos ha sugerido el título de la presente edición,La Medusa de mármol, que responde al canto noveno delInferno en la Comedia dantesca.
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Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald te trae de nuevo al magizoólogo Newt Scamander y a sus amigos, Tina, Queenie y Jacob,en su viaje desde el Nueva York de los años veinte hasta Londres, y de ahí a París, donde se encontraráncon un Mundo Mágico amenazado por el malvado Gellert Grindelwald.Regresa al Mundo Mágico y descubre cómo el director David Yates y el productor David Heyman llevaron a la gran pantalla el emocionante nuevo capítulo de la historia de Animales fantásticos, de J.K. Rowling. Explora la magia cinematográfica que se esconde detrás de la historia en ¡Luces, cámara, magia!, y descubre un mágicosinfín de localizaciones nuevas nunca antes vistas en pantalla.Con gran habilidad este libro narrala historia que hay detrás de la película, desde elguion hasta la pantalla, con perfiles de los personajes principales y anécdotas de Eddie Redmayne,Johnny Depp, Jude Law y muchos otros. También se incluyen secciones de vestuario, diseño dedecorados, maquillaje, efectos especiales y atrezo, todo ello acompañado de entrevistas con los ganadoresdel Oscar David Heyman, David Yates, Stuart Craig, Colleen Atwood y todo el equipo técnico. Repleto de fotos emocionantes que muestran con todo detalle el proceso de creación cinematográfica, este libro es el complemento definitivo a lapelícula, y una introducción perfecta a Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald.
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Este catálogo, enfoca el tema de “la casa mediterránea” investigando su presencia operativa en un entornohistórico acotado: los años cincuenta. Período que secaracteriza por la decisiva influencia en España dedos maestros de la arquitectura internacional —Gio Ponti y Alberto Sartoris—, cuya ideología se sustenta en una ponderada mediación entre tradición y modernidad. A través de distintas fuentes documentales de naturaleza diversa —proyectos, dibujos, revistas, correspondencia, publicaciones y fotografías— se muestran las implicaciones de una reflexión sobre la arquitectura que integra enfoques históricos, paisajísticos y antropológicos, así como los contactos personales y profesionales que se establecieron entre destacados protagonistas de la arquitectura moderna.
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Con apenas 30 años, Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) ya había dado forma a dos de las esculturas más famosas de la historia del arte: el David y la Piedad. Sus logros como escultor, pintor, dibujante y arquitecto resultan inigualables: ningún artist
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Al final de su monumental carrera como pintor, escultor y litógrafo, Matisse, envejecido y enfermo, ya no podía sostener los pinceles. En esta fase de su vida, a sus casi 80 años, desarrolló la técnica de recortar figuras de papel de vivos colores. Pes
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El artista y diseñador grá co de origen argentino Juan Carlos Pérez Sánchez (Buenos Aires, 1939), adoptóel nombre artístico de America Sanchez tomándolo delde su madre. America Sanchez llegó a Barcelona en 1965, convirtiéndose con el tiempo en una de las gurasclave en la reinterpretación e invención de la identidad grá ca de la capital catalana, diseñando, sin ir más lejos, el símbolo y logotipo de la candidaturaolímpica Barcelona 1992 o el de la desaparecida y mítica tienda de diseño Vinçon, pasando por los de empresas e instituciones como Cerveses Moritz, Escofet, Galeria G, Mobles 114, Museu Picasso, Laie, Torraspapelo Vieta. Además, su creatividad desborda el ámbito del diseño y se materializa, por ejemplo, en dibujos,en Polaroid intervenidas grá camente y, sin duda, ensus fotomontajes, más de un centenar y medio, encuadrados bajo el título «Iconografía moderna». America Sanchez fue Premio Nacional de Diseño en 1992 y con lapublicación de Barcelona grá ca recibió el Premio Ciudad de Barcelona (2001). America Sanchez. Clásico,moderno, jazz y tropical es el catálogo editado con motivo de la exposición del mismo título organizada yproducida por el Archivo Lafuente y la Generalitat deCataluña en el Palau Robert de Barcelona (2019-2020)y en el Centre Cultural-Llibreria Blanquerna en Madrid (2020). Las páginas de America Sanchez. Clásico, moderno, jazz y tropical ofrecen un completo acercamiento a la vida y trayectoria del artista realizado porJuan González de Riancho (comisario de la exposición) y por M.ª Àngels Fortea, cuya tesis doctoral dedicó, entre otros, a America Sanchez. La publicación también muestra en sus casi cuatrocientas páginas una amplia selección de obras de America Sanchez reproducidas a todo color: diseño grá co (carteles, logotipos,revistas...), fotografías, pinturas... La mayor partede las obras reproducidas en esta publicación pertenecen al Fondo America Sanchez del Archivo Lafuente, un fondo que consta de unos 8000 ítems, de los cuales,alrededor de 1500 son obras originales, a lo que sesuman materiales preparatorios para diferentes proyectos, junto con obra grá ca, publicaciones, cartas ydocumentos relacionados con su producción artística ygrá ca.
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Alonso Berruguete (h. 1488-1561) revolucionó el panorama artístico del Renacimiento español con un estiloescultórico de gran dramatismo que refleja la décadalarga que el palentino, formado como pintor, pasó dejoven en Italia, adonde viajó hacia 1506. Allí coincidió con Miguel Ángel y otros grandes artistas del momento. En 1518 regresó a España y fue nombrado pintorde corte del nuevo rey, el emperador Carlos V. Con eltiempo se trasladó a Valladolid, donde comenzó a centrarse en la escultura y abrió un gran taller del quesalieron asombrosos retablos decorados con tallas demadera policromada. Este catálogo generosamente ilustrado es el primero en abordar en inglés el arte y lacarrera de Berruguete en su conjunto. A través de sus páginas se puede seguir la trayectoria del artista,desde sus comienzos en Castilla hasta sus años finales en Toledo, donde realizó su última gran obra, el sepulcro de mármol del cardenal Juan de Tavera. El discurso cronológico se enriquece con el análisis de aspectos importantes de su vida y su práctica artística:su tortuosa relación con la posición social y el dinero, su actividad como dibujante y el empleo de estampas, cómo trabajaba con numerosos ayudantes para crear sus tallas de madera, y su legado como artista.
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Las Mexicanas es una impresionante recopilación de fotografías desde mediados del siglo XIX hasta la década de 1960, que captan la esencia y evolución de la mujer mexicana a lo largo de la historia frente al objetivo de la cámara. Bajo la experta mirada del fotógrafo y editor Pablo Ortiz Monasterio, este conjunto de imágenes conforma un cautivador retrato que muestra el empoderamiento de la mujer mexicana desde los albores de la práctica fotográfica. Una parte importante de este fascinante acervo proviene de una colección privada, resultado de más de una década de exploraciones en los principales tianguis de la Ciudad de México, contando con la complicidad de conocedores y el apoyo de libreros y comerciantes. Esta particularidad confiere al volumen un valor único, atrayendo a un público interesado no sólo en la fotografía y el coleccionismo, sino también en las ciencias sociales, el feminismo y las representaciones culturales. Además, el libro se enriquece con un valioso ensayo de Brenda Navarro, escritora, socióloga y economista nacida en Ciudad de México en 1982. Su profunda perspectiva contextual enriquece aún más nuestra comprensión de las imágenes y las historias que contienen. Las Mexicanas es una obra que trasciende en el tiempo y el espacio, celebrando la fuerza y la diversidad de las mujeres mexicanas a través de las generaciones, y se convierte en un objeto esencial para quienes buscan apreciar y comprender la riqueza de la historia y la cultura de México.
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Antonio Ortiz Fuster, Ortifus (València, 1948), és un artista polifacètic i prolífic, una figura clau de l'humorisme gràfic valencià, però també escultor d'una imatge de la ciutat des de la seua vessant d'il·lustrador publicitari i de campanyes institucionals, i de dissenyador de falles. Aquest catàleg de l'exposició 'Ortifurama valencià' mostra la riquesa creativa d'un autor que juga habitualment amb el llenguatge, creant jocs de paraules i paradoxes relacionades amb la realitat sociopolítica valenciana des de diferents perspectives, tant cronològiques com espacials. Una àmplia selecció de l'humor gràfic d'Ortifus en la qual es fa una cronologia de la ciutat de València a través de les seues vinyetes i també es destaca el seu interès per l'actualitat espanyola i internacional.
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El claroscuro de un genio maldito. «Ha habido otras biografías de Caravaggio, pero la de Andrew Graham-Dixon es la que hay que leer.» Daily Mail Michelangelo Merisi da Caravaggio vivió la más oscura y peligrosa vida de entre los grandes maestros de la pintura. Los ambientes de Milán, Roma y Nápoles en los que Caravaggio se movió, y que Andrew Graham-Dixon describe magníficamente en este libro, son los de los cardenales y las prostitutas, los de la oración y la violencia. En las calles que circundaban iglesias y palacios, las peleas y los duelos eran moneda común. En una de estas disputas, el impetuoso Caravaggio mató a otro hombre y tuvo que huir a Nápoles y luego a Malta, donde escapó de prisión tras verse envuelto en otro episodio violento. Él mismo fue víctima de un intento de asesinato en Nápoles tiempo después. Murió mientras regresaba a Roma en busca del perdón papal para sus crímenes. Tenía 38 años. Andrew Graham-Dixon pasó una década reuniendo las evidencias conservadas sobre la vida de Caravaggio para responder en este libro a muchas de las cuestiones que durante años desconcertaron a los investigadores. Revela las identidades de la gente corriente -a menudo prostitutas y mendigos- que el pintor usó como modelos para sus representaciones de escenas religiosas clásicas describe lo que pasó realmente durante ese fatídico duelo y ofrece el más convincente relato publicado hasta la fecha de las extraordinarias circunstancias de su muerte. Y en el centro de este relato se sitúa la reveladora interpretación que Graham-Dixon hace de los cuadros de Caravaggio para mostrar cómo éste creaba su drama, inmediatez y humanidad, y cómo rompió drásticamente con las convenciones de la época. La crítica ha dicho...«Ha habido otras biografías de Caravaggio, pero la de Andrew Graham-Dixon es la que hay que leer. Impresionantemente erudita y bien escrita, ésta es una extraordinaria historia de un hombre que nunca nos habla más que a través de su pintura.»Daily Mail «La vida de Caravaggio fue en cada detalle tan sangrienta, excitante y atractiva como sus propias pinturas. Entre informes policiales y exuberantes lienzos, Graham-Dixon ha moldeado una vida y la historia de una sociedad.»The Times «Raramente se ha podido contemplar a Caravaggio con tanta profundidad y relieve como en esta maravillosa biografía. El hombre y su obra emergen enriquecidos y revitalizados.»Neil MacGregor, director del British Museum «Tras años en los que los historiadores del arte se han concentrado en los detalles del estilo artístico, es refrescante leer una biografía de Caravaggio que combina la sangre y las vísceras de los callejones de Roma con una verdadera comprensión de la calidad y el carácter de su pintura.»Charles Saumarez Smith, director de la Royal Academy of Art «El que a Graham-Dixon le llevara una década investigar y escribir este lúcido y fascinante libro es una muestra de la profundidad de sus indagaciones, la destreza de su análisis histórico y artístico y la hábil fluidez con la que está expresado. Se trata de una proeza poco común.»Publishers Weekly
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Publicado con motivo de la exposición El marqués de Santillana. Imágenes y letras, celebrada en el Museo Nacional del Prado entre el 4 de octubre de 2022 y el 8 de enero de 2023 en colaboración con la Biblioteca Nacional de España. Pocas personalidades del siglo XV castellano resultan tan atractivas y poliédricas como Íñigo López de Mendoza, el marqués de Santillana (1398-1458). Noble culto y poderoso, se distinguió tanto por el cultivo de las letras –fue un destacado poeta e historiador de la literatura y reunió una excepcional biblioteca– como por su activa labor de promoción artística, objeto monográfico de la exposición presentada en el Museo del Prado. Aunque es probable que nunca viajase fuera de la Península Ibérica, las obras que encargó desde su palacio de Guadalajara señalan que nos hallamos ante un personaje curioso y cosmopolita, perfecto conocedor de las innovadoras propuestas visuales que desde hacía muy poco se habían gestado en Flandes e Italia. En la Baja Edad Media los libros de lujo, además de satisfacer una pasión bibliófila egoísta y solitaria, también fueron considerados objetos sociales que otorgaban fama y prestigio a los nobles que compartían esta afición. Consciente de estos valores, el marqués de Santillana recurrió a agentes y redes de intercambio que le permitieron conseguir espléndidos manuscritos iluminados y, de este modo, emular y competir con otros distinguidos bibliófilos coetáneos, como Alfonso el Magnánimo, Íñigo Dávalos o Nuño de Guzmán. La presentación de algunos manuscritos que pertenecieron a estos tres personajes no solo sirve para ilustrar la existencia de un gusto compartido por el libro de estética humanista sino también, teniendo en cuenta que todos ellos se establecieron en Italia, para ratificar el liderazgo cultural y artístico del marqués de Santillana entre la nobleza castellana. El presente catálogo de pinturas y manuscritos procedentes de su biblioteca pretende avanzar en el conocimiento de uno de los pioneros en la introducción de las novedades pictóricas flamencas e italianas en Castilla.
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El artista británico Lucian Freud, disfrutó de una carrera que duró más de siete décadas. Trabajó casi hasta el día de su muerte, cuando dejó sin terminar un retrato de su amigo y asistente de estudio David Dawson.Ahora disponible por primera vez en una edición elegantemente combinada, esta aclamada celebración del trabajo de Freud desde la década de 1930 hasta su muerte en 2011 incluye cientos de pinturas, dibujos, bocetos y grabados, incluso fotografías personales y cartas privadas ilustradas. Más de 480 ilustraciones ordenadas cronológicamenteUna descripción completa de su vida y obra en un lujoso volumen, este libro es una hermosa adición a los estantes de los amantes del arte en todas partes. Creado en colaboración con el Archivo Lucian Freud y David Dawson, Director del Archivo, y editado por Mark Holborn.
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Este volumen reúne una muestra exhaustiva del trabajo del artista de renombre internacional Leandro Erlich a través de 72 imágenes que representan obras de arte cautivadoras, modernas e interactivas.A lo largo de estas imágenes, ensayos críticos de Dan Cameron, Adrian Dannat, Andrés Duprat y Mari Carmen Ramírez ofrecen observaciones agudas sobre el encuentro de las obras de arte, el espacio y las personas.Publicado como parte de la exposición de Erlich ''Liminal'' en el Perez Art Museum Miami, el catálogo se erige como un camino perspicaz en la mente del artista y como testigo de la experiencia de los visitantes
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El objetivo principal de este libro es analizar e identificar desde el punto de vista histórico la actividad musical desarrollada en Huélamo, una pequeña localidad enclavada en plena serranía de Cuenca, en el último tercio del siglo xx y principios del siglo xxi. También se pretende atender y valorar las diferentes actividades, festividades e instantes en los que se han programado o propiciado propuestas musicales performativas en este pueblo. Tras exponer en el estado de la cuestión, como contextualización se indican, por su interés, diferentes datos demográficos sobre Huélamo. También se efectúa una aproximación al concepto de fiestas y se describen sus celebraciones principales. Del mismo modo, se analiza la presencia, la importancia y los protagonistas de la música en Huélamo. Después, en el llamado cancionero de Huélamo se reúnen la transcripción de distintas canciones recogidas en el pueblo. A continuación de las conclusiones y las referencias bibliográficas, se añaden tres anexos, en los que se incluye la indicación a los libros, capítulos de libro, artículos en revistas divulgativas y científicas y artículos de publicaciones periódicas que poseen indicación expresa en su texto a Huélamo, un pueblo gloria y leyenda de la serranía de Cuenca, un río de sensaciones.
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«Estoy seguro de que en los siglos venideros la palabra interpretación cambiará de forma similar a su significado para cubrir un horizonte más amplio de pensamiento y para englobar nuevas necesidades y prácticas» (Freeman Tilden, 1957). Invocando la cita del maestro, este libro dedica especial atención a la definición de interpretación, su relación con la mediación o la animación y la necesidad de abrirla a la comunicación mediada, y revisa los principios y técnicas de la interpretación del patrimonio a la luz de la teoría de la comunicación humana, ilustrándolos con ejemplos tomados de la experiencia profesional y docente de los autores. Asimismo, busca propiciar el conocimiento mutuo de interpretación y museología (en sentido amplio) y ofrecer claves para la comunicación efectiva del patrimonio cultural. La obra está dirigida principalmente a personas vinculadas a la gestión y comunicación al público de museos y lugares culturales y, en relación con estos, al turismo, la animación, la recreación histórica, el voluntariado o la formación universitaria.
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«He de decidir qui soc? Com m'expresso? Amb quina mena d'alfabet de gènere o discurs m'identifico? D'on trec la concreció? Dels corrents «actuals »? Com puc trapar l'alè i encapsular-lo? Potser dins d'una carpeta comprimida? Qui ho dictamina? I la recepta? M'automedico o li demano al farmacèutic de la fàrmac-IA que m'ho mescli i ho configuri tot de nou? Com puc parlar si no és després d'escoltar atentament cadascun dels artistes que em viuen? Dels pintors! Els convoco, perquè no vull deixar de banda la idea d'ofici ni esborrar les seves empremtes de les meves primeres passes, ni abandonar aquesta patologia de les múltiples personalitats que em fan ser u.»
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Dolfi era un jove dofí amb una gran passió: nedar en cercles. Un tomb cap a la dreta. Un tomb cap a l’esquerra. Fins que un dia la Lola, una petita orca, va arribar a la piscina i li va parlar d’un lloc meravellós anomenat oceà. Descobreix la història de Dolf i i Lola, un relat emotiu i sorprenent que parla sobre els cetacis que viuen en captivitat.
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Saló Diana (1977-1978) recupera l'experiència singular i iniciàtica d'una sala de teatre que, durant poc més d'un any, va marcar un punt d'inflexió en l'escena cultural de Barcelona. A través del testimoni oral dels seus protagonistes i de materials d'arxiu, el mític Saló Diana es revela com una institució abans de la institucionalitat de la producció artística dels anys vuitanta.
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Step into the world of cinema and discover everything there is to know about movies, directors, genres, and styles. Profiling more than 100 of the most significant films ever made, and the world's most influential directors, The Film Book will take you on a journey through the changing landscape of cinema. Discover the behind-the-scenes stories about timeless classics like Citizen Kane and The Godfather, and take a front row seat at lavish blockbusters like Star Wars or Titanic.
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El llibre Valls desaparegut mostra la transformació de la ciutat al llarg del segle xx agafant com a punt de vista el campanar de l’església arxiprestal de Sant Joan, que s’enlaira per damunt del cap dels vallencs des del 1897. La plaça del Blat, als seus peus, és l’espai públic des d’on irradien tots els camins que marquen l’evolució i el creixement de la ciutat, mostrant els signes que s’han perdut en el camí com a conseqüència de l’acció de les persones i de l’inexorable pas del temps.
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Versión original Notorius
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Georgia O'Keeffe (1887-1986) fue una gran figura del arte moderno estadounidense durante siete décadas. Su fama no estuvo asociada al cambio de tendencias y estilos artísticos, sino a su visión única, basada en la búsqueda de formas abstractas y esenciales en la naturaleza. Los temas primordiales de O'Keeffe fueron los paisajes, las flores y los huesos, que desarrolló en distintas series a lo largo de varios años. Algunos trabajos se prolongaron durante décadas y dieron como resultado una docena o incluso más variaciones de una misma imagen. Un ejemplo de ello son sus famosas ampliaciones de lirios de agua y azucenas. Aumentando los más diminutos pétalos hasta llenar enormes lienzos, O'Keeffe creó un lenguaje proto-abstracto de formas y líneas que le valió el apodo de ''madre del arte moderno americano''. En 1946, O'Keeffe se convirtió en la primera mujer a la que el MoMA de Nueva York dedicaba una exposición individual. Esta introducción de la serie Basic Art 2.0 de TASCHEN descubre la larga y luminosa carrera de O'Keeffe por medio de pinturas clave, fotografías de su época y retratos que hizo de ella Alfred Stieglitz, su marido. Seguimos a la artista a través de sus grandes creaciones y éxitos, y la acompañamos en sus viajes internacionales, llenos de inspiración, del sudeste asiático a India, Oriente Medio y, en particular, Nuevo México, cargada de magníficos paisajes, vivos colores y vegetación exótica.
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El dramaturgo, director de escena y poeta, Fernando Renjifo, reúne en estas páginas el conjunto de su producción escénica y literaria, desde principios de los90 hasta la actualidad.
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Con estos cuadernos vamos a poder realizar unos estupendos ejercicios siguiendo los mismos pasos que un artista profesional. Para ello sólo hay que prestar atención a las explicaciones y observar detenidamente las imágenes que configuran cada paso a paso. Al comienzo de cada ejercicio se indica el material y los colores que precisaremos, y a lo largo de ellos, las mezclas o los pinceles adecuados. Para facilitar la labor inicial, se incluyen plantillas con el dibujo base hecho que se podrá calcar cómodamente teniendo así ese paso solucionado de antemano. También incluimos algunos consejos para enmarcar su cuadro, teniendo en cuenta el equilibrio de color, la forma del dibujo, la composición y todos aquellos factores que se plantean al escoger un marco adecuado. En estos cuadernos hemos puesto nuestro empeño en conseguir que cualquier persona, además de aprender la técnica, logre un resultado atractivo y digno.
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«En su conjunto, el cine estadounidense parece un territorio idóneo en el que aplicar, con óptimos resultados, las lecciones de los historiadores de los Annales, donde la historia breve y la de larga duración, la superficial y la profunda, la de los hechos y la de la mentalidad, la del imaginario y la económica, pueden coexistir, sostenerse, iluminarse e incorporarse unas a otras.Los conjuntos a los que he procurado dar más valor y en torno a los que he hecho trabajar a mis colaboradores han sido los siguientes: los géneros, fundamento y estructura portante del cine estadounidense, los ritos y divos y el papel de Hollywood como fábrica de sueños, la leyenda como patrimonio y fuente de inspiración constante, la contribución fundacional de las minorías étnicas y de las múltiples raíces culturales a la construcción de una identidad sujeta a diversas transformaciones, el papel del paisaje, la interferencia de la política y las formas de presión y de control ideológico y cultural, y, por último, el desarrollo de la economía, el mercado y las transformaciones de los modos de consumo desde los nickelodeones hasta la llegada de la era televisiva y los grandes éxitos de las últimas décadas.»Con estas palabras sintetiza Gian Piero Brunetta el contenido y la orientación de estos dos magníficos volúmenes. Un empeño difícil, dada la envergadura y complejidad de la empresa, pero con un resultado incuestionable: el lector tiene entre sus manos una de las visiones de conjunto más completas y ambiciosas publicadas hasta la fecha sobre la cinematografía de los Estados Unidos, cuya consulta será ineludible para cualquiera que quiera penetrar o profundizar en la realidad de una industria que, para muchos, es sinónimo de cine.El segundo volumen cuenta con un capítulo de Javier H. Estrada en el que se analizan las principales tendencias del cine norteamericano en la primera década del siglo XXI.
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Aquest llibre proposa un recorregut visual inèdit per la sagrada família, el fascinant temple imaginat per Antoni Gaudí, a la constructiu del qual va dedicar una bona part de la seva vida. A través de les imatges i dels textos que les acompanyen, la sagrada família es presenta en tot a la seva complexitat i ambició. La càmera del fotògraf s’ha endinsat en racons fins ara desconeguts, tant de les seves façanes i torres com del seu immens interior, tot oferint sorprenents punts de vista que permet redescobrir, amb uns nous ulls, l’obra mestra del genial arquitecte català. Un viatge únic, en definitiva, per una i con a de la Barcelona del segle XXI.
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¡NUEVA Y MEJORADA EDICIÓN DEL LIBRO DE REFERENCIA!Másde treinta años han pasado desde el estreno de Los Goonies y Regreso al futuro. Dos títulos que han inspirado a toda una generación de espectadores. Este libro abarca los años dorados de la productora Amblin Entertainment de Steven Spielberg, repasando películas como E.T. El extraterrestre, Poltergeist, El secreto de la pirámide y Gremlins, entre otras muchas.Un recorrido por una forma de entender y amar el cine, que nos hizo soñar con bicicletas voladoras y tesoros escondidos. Generación Goonies, la edición definitiva, aporta un mayor número de páginas y una nueva maquetación que hará las delicias de todos los seguidores de las décadas de los 80 y 90.
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La publicación que hemos acordado denominar The Print Factory nace de la afinidad con la idea de la desauratización Warholiana que alude implícitamente al hecho de que las esporas de la creación en artes plásticas están en el aire [...] es un proyecto que pretende fijar en el tiempo, la memoria impresa de lo que acontece cada año, tal vez a la vuelta de los años se convierta en una referencia del enfriamiento del aura de la obra de arte actual y del comportamiento colectivo de los artistas que aportando individualmente su grano de arena al proyecto, entienden que la repetición es el mensaje y que la amplificación que se produce en la segunda recepción de la obra es tan importante como el acto creativo en sí.
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Brooklynborn photographer Helen Levitt (1913–2009) was an assistant to Walker Evans and a friend of Henri CartierBresson, but forged her own path with fierce independence and endless curiosity about the world around her. She is best known for her street photography, capturing children at play on the streets of Depressionera New York and chalk drawings on walls, but she also cast her eye upon the adult world, seeking out moments of movement, transience and theatricality. Following her first solo exhibition at MoMA in 1943, she devoted more than a decade to filmmaking, but returned to photography in the late 1950s and began to work in colour as well as black and white. Lyrical and witty, her images reveal the streets of New York as flowing with life and unexpected poetry.With 68 illustrations.
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