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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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As one of the most recognizable brands in the world, Marvel has spent the last 80-plus years inspiring generations of creatives through its approach to visual storytelling. Marvel’s comic books, in particular, established a distinct graphic language that has found its way into mainstream culture, including 1960s Pop Art, and present-day digital culture, gaming, advertising, and more. Marvel By Design will celebrate the company’s visual language with an in-depth exploration of the design process behind the brand’s most recognizable graphical elements including logos, covers, lettering, layout, and color palettes. Readers will learn how the renowned Marvel Method established a unique approach to the creative process and how that process can serve as a template for creatives working beyond comics. Throughout the book, Marvel by Design will connect the dots between comic culture and its undeniable influence in every creative field including the evolution of graphic design, editorial design, movies, and visual culture at large. Highlights include:- An expansive, five-part visual encyclopedia, highlighting examples of Marvel’s exceptional approach to logos, layout, lettering, cover design, and color palettes. This section will feature insights from some of Marvel’s most renowned contributors including artist Klaus Janson and letterer Todd Klein, among others.- Essays from famous graphic designers including Mike Essl and Paul Sahre, as well as from well-known Marvel contributors including letterer Chris Eliopolous and designer/editor Carl Potts. An oral history of the making of House of X, featuring Jonathan Hickman, editor Jordan D. White, and designer Tom Muller.- Case-studies that trace the visual evolution of ten iconic characters.- Hundreds of images from Marvel’s past and present.
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L’arbre, un dels símbols més universals i un element intrínsecament vinculat al desenvolupament de la nostra cultura, esdevé, en aquest llibre, el pretext idoni per donar a conèixer alguns dels interrogants que la vivència de l’art contemporani planteja. L’artista Àlex Nogué obre les portes del seu procés de creació per fer visible com es desencadena la gènesi d’una obra d’art i posa a la llum les incerteses, les intuïcions i les aspiracions que comporta la creació artística. Dibuixar un arbre tracta de les similituds entre l’emoció que produeix un plançó al mig d’un bosc i l’emoció de traslladar-lo fins a l’interior d’una presó. De les diferencies de dibuixar un xiprer dret o abatut. Dels silencis i dels sorolls de les imatges. Del que una obra pretén i del que mai aconsegueix. Les imatges i els textos d’aquest llibre ens permeten transitar per l’interior de vuit processos de creació i ens mostren com els treballs artístics neixen i creixen. Per emmarcar l’experiència creativa en el context cultural contemporani Dibuixar un arbre s’inicia amb cinc reflexions d’autors que han viscut amb empatia aquest recorregut creatiu. Ells mateixos estan immersos de manera apassionada en la creació, producció, difusió o direcció de projectes creatius, i són: Eudald Camps, Xavier Franquesa, Rosa Pera, Víctor Sunyol i Àngels Viladomiu.
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Quizás nunca antes el cine se haya visto tan amenazado. En la década de 2010 también cambió el modo en que vemos las películas y a nosotros mismos. Las redes sociales e internet han dado forma a una nueva comprensión del yo y del mundo. A medida que los servicios de streaming multiplicaron los productos audiovisuales a nuestro alcance y los videojuegos ofrecieron sus propias realidades alternativas, la gran pantalla tuvo que enfrentarse a una competencia cada vez más seria. Antes de que el tiempo transcurrido entre el estreno de una película y su distribución se redujera cada vez más, el cine ya se había visto degradado a un mero ?contenido? al que se accedía haciendo en clic en pantallas de colores. ¿Todo lo que le queda al cine es su culto a la celebridad, los éxitos de taquilla y la animación por ordenador?Nada más lejos de la realidad. Un simple vistazo a nuestra antología revela un cine sorprendentemente diverso, dinámico y, sobre todo, vivo de una década en que fue todo menos aburrido, monótono y condenado a la extinción. Y responda con total sinceridad: ¿disfrutaría igual viendo las películas aquí compiladas en el cine que por streaming? El cine sigue siendo un lugar para la nostalgia y este libro le hará sentir su poderosa inspiración.El editor Jürgen Müller y su equipo de expertos abordan en detalle las 100 películas más interesantes de la década, ilustradas con abundante material visual. El volumen también incluye biografías de actores y directores, datos de recaudaciones en taquilla, información general y una lista completa de los ganadores del Oscar« de 2012 a 2021. En su extensa introducción, Jürgen Müller y Philipp Bühler opinan que la obra maestra de Quentin Tarantino Érase una vez... en Hollywood (2019) ofrece la metáfora perfecta de las contradicciones y ambivalencias del cine contemporáneo. ¡Una obra de referencia para todos los cinéfilos!
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A caballo entre la teoría-ficción, la ficción especulativa, la investigación audiovisual y la dramaturgia, Teatro della Terra Alienata escenifica un escenario ficticio de secesión territorial. Aborda la urgencia planteada por el informe del IPCC de la ONU publicado en 2018, que apuntó a la decadencia de la Gran Barrera de Coral como parte de un perverso problema que exige acciones políticas radicales, junto con nuevos imaginarios y estéticas. Propone la reapropiación, expansión y concatenación de las tecnologías existentes de vigilancia y gestión ecológica integradas en los ciclos de vida del arrecife. Inspiradas en el Manifiesto Xenofeminista, estas tecnologías se convierten en el arsenal poético de un proyecto de emancipación racional y universalista, “que trasciende la raza, la capacidad, la posición económica y la posición geográfica”.
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Esta publicación acompaña el itinerario El Prado en femenino II. Promotoras artísticas de las colecciones del Museo (1602-1700), que podrá visitarse en el Museo Nacional del Prado entre el 6 de mayo y el 8 de septiembre de 2024.La presencia de la mujer en el mundo del arte a lo largo de la historia ha sido y es múltiple y variada, como creadoras, como promotoras y coleccionistas o como sujetos de la mirada masculina. Desde hace unos años el Museo del Prado está comprometido en mostrar esta diversidad a través de exposiciones, conferencias, congresos, becas e itinerarios como el de este libro. Se trata de la segunda parte de El Prado en femenino, tras la extraordinaria acogida que disfrutó la anterior (2023), y que se ha convertido en referente para otros museos y colecciones. Su intención es celebrar el coleccionismo de distintas mujeres cuya contribución al engrandecimiento de la antigua Colección Real –y por consiguiente del actual museo– fue decisiva.Este itinerario se centra en el Seiscientos y nos propone un recorrido formado por treinta y cuatro obras, distribuidas en cuatro secciones, que nos invita a visitar distintas salas de la colección permanente. Lo hace a través de tres figuras decisivas: Isabel de Borbón, Mariana de Austria y Cristina de Suecia. Gracias a ellas el Museo del Prado cuenta hoy con pinturas fundamentales de Durero, Rubens y Velázquez, o esculturas de la importancia de las Musas.Noelia García Pérez es Profesora Titular y Directora del Departamento de Arte de la Universidad de Murcia.
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La colección de Bishop Auckland ofrece un recorrido casi enciclopédico por la escultura española desde la Edad Media hasta el siglo XIX, tanto por cronología como por temática. Muchas de las piezas, la mayoría de carácter religioso, estaban policromadas y doradas en origen, ya fuesen destinadas al culto privado, a una iglesia o a una portada arquitectónica. El presente catálogo constituye el primer estudio sistemático de este interesante conjunto de obras -algunas muy enigmáticas- y analiza en el contexto del arte español tanto a los artistas que las crearon como su estilo y su iconografía.
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Catálogo publicado con motivo de la exposición Georges de La Tour, celebrada en el Museo Nacional del Prado, del 23 de febrero al 12 de junio de 2016. Georgesde La Tour (1593-1652) ha pasado en un siglo de ser unperfecto desconocido a encumbrarse como una de lasfiguras más populares de la historia de la pintura francesa, junto a Monet, Renoir o Cézanne. Antes de su«descubrimiento» en 1915 por el historiador alemán del arte Hermann Voss, susobras conocidas habían sido atribuidas a pintores nórdicos, sobre todo sus célebres nocturnos, oespañoles, principalmente a Zurbarán, Ribera o Velázquez. La exposición reúne treinta y unapinturas de La Tour, lo que constituye un número excepcional considerando que se conocen poco más de cuarentaobras de su mano. Entre las expuestas se encuentran sus más celebres composiciones, procedentes del Louvre, el Metropolitan, entre otros museos.Tanto la exposición como el catálogo permiten contemplar la evolución del estilo del pintor, el avancesutil de su técnicay el distinto tratamiento otorgado a los personajesque le interesaron, desde los rudos representantes delos estratos más desfavorecidos de la sociedad de sutiempo, hasta los queprotagonizan sus refinadasescenas nocturnas iluminadas a la luz de la vela, enlas que desarrollanactividades cotidianas o ilustranpasajesde la Biblia cargados de lirismo, soledad y quietud.Prestigiosos especialistas en pintura barrocaactualizan el conocimiento sobre Georges de La Touren este catálogo, que incluye textos de Jean-Pierre Cuzin, Guillaume Kazerouni, Dimitri Salmon y AndrésÚbeda de losCobos, Jefe de Conservación de Pintura Italiana y Francesa (hasta 1700) del MuseoNacional del Prado y comisario de la exposición.
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La Casa Encendida
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Miró-ADLAN. Un archivo de la modernidad (1932-1936) reconstruye el papel primordial que tuvo el grupo de artistas e intelectuales ADLAN (Amics de l'Art Nou [Amigos del Arte Nuevo]) en la introducción de la modernidad en la Barcelona republicana de los años treinta.Mientras que en las grandes ciudades de Europa las vanguardias contaban con el apoyo de la crítica y de los coleccionistas, aquí la modernidad necesitó el empujón de un grupo entusiasta que quería regenerar la cultura catalana y que tomó a Joan Miró como estandarte en la promoción del arte nuevo.
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Cada una de estas 50 casas (construidas en los últimos años) ha sido seleccionadas por su espectacular localización: Ya estén envueltas por la tierra, sobresalgan entre copas de árboles o luchen contra el sol del desierto, la naturaleza de su entorno ha marcado sudiseño desde el principio. Incluye proyectos de estudios tan conocidos como Felipe Assadi, Olson Kundig,y Studio MK27 y situadas en lugares tan dispares comoAmérica, Europa, Australia, Brasil, Japón, México, Sudáfrica, y Nueva Zelanda.
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Cai Guo-Qiang (Quanzhou, provincia de Fujian, China,1957) es uno de los artistas de mayor renombre internacional, un atrevido creador de novedosas formas artísticas (pintura con pólvora, pirotecnia e instalaciones) que siguen ampliando el concepto de experiencia cultural. Sus proyectos ponen de manifiesto una espectacular fusión entre ciencia y arte. Catálogo publicado con motivo de la residencia del artista chino Cai Guo-Qiang en el Museo del Prado entre el 15 de septiembre y el 23 de octubre de 2017, y la posterior exposición de su obra, que se podrá visitar hasta marzo de2018.
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Esta selección de obras procedentes de los fondos dela Colección Per Amor a l’Art propone un recorrido por la historia de la fotografía y el estilo documental. Desde los años treinta del siglo XX, esta forma derepresentar la realidad más pura y transparente evoluciona integrándose en la fotografía artística, avanzando hacia una serie de trabajos conceptuales que revisitan la idea de archivo. Sculpting Reality reúne bajo este enfoque las diversas miradas de autores fundamentales que no solo aspiran a reflejar la realidad, sino que reflexionan acerca de su veracidad, su puestaen escena o el concepto de serialidad en el arte.Walker Evans, Manuel Álvarez Bravo, Helen Levitt, LouisFaurer, Robert Frank, Ricardo Rangel, Garry Winogrand, Susan Meiselas, Tod Papageorge, Anthony Hernandez,Mike Mandel, Lee Friedlander, David Goldblatt, EdwardRuscha, Bernd & Hilla Becher, Lewis Baltz, Bleda y Rosa, Ian Wallace y Xavier Ribas muestran en esta selección de fotografías la evolución de la fotografía documental.
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Este volumen ofrece una panorámica ricamente ilustrada de las importantes transformaciones culturales promovidas en Sudamérica por los movimientos artísticos tanto abstracto como concreto entre mediados de la década de 1940 y finales de la de 1970. Publicado para acompañar a una gran exposición celebrada en el Museumof Modern Art, el catálogo presenta obras de artistas que desarrollaron su labor en Argentina, Uruguay, Brasil y Venezuela —incluyendo a Lygia Clark, Hélio Oiticica, Lygia Pape, Jesús Rafael Soto, Alejandro Otero y Tomás Maldonado— y que exploraron los caminos abiertos por la abstracción geométrica a comienzos del siglo XX, creando así una nueva y moderna visión de laregión. El catálogo muestra una selección de obras donadas al MoMA por Patricia Phelps de Cisneros entre1993 y 2016, las cuales tuvieron un efecto transformador en los fondos de arte latinoamericano que albergael Museo. La colección Cisneros, que incluye pinturas, esculturas y obras en papel, hace posible un estudio en profundidad del arte producido en la región durante ese periodo, permitiendo al Museo elaborar un relato más completo, plural y sólido de la contribuciónartística de la región y demostrando así el importante papel desempeñado por América Latina en la consolidación del arte moderno.
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Nuestro trabajo de arquitecto tiene cierta condición de alquimista, de transmutar los metales, de hacer que ladrillos sin valor alguno se transformen en una cosa valiosa… Y ¡ay del que renuncie a esa magia, a esa búsqueda de la verdad! Albert Eins
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David Lynch realiza una original incursión en el género biográfico. Un libro magnético y particular. Espacio para soñar ofrece una mirada insólita a la vida personal y creativa del cineasta David Lynch, a través de sus propias pa
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Esta obra representa la primera monografía a escala mundial que analiza este fenómeno musical que arranca a finales de los años sesenta en Gran Bretaña con grupos como The Nice y Emerson Lake & Palmer. No obstante, el cuerpo central de la presente ob
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Emperatrices bizantinas, revolucionarios franceses y generales españoles: las figuras más imponentes de la Historia nos observancon osadía desde los lienzos de esta maravillosa colección de pinturas. Cada figura representada en estas imágenes irradia
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Con el catálogo de esta nueva exposición, comisariadapor Francesc Quílez y Lourdes Moreno, el Museo Carmen Thyssen Málaga presenta un recorrido por la pinturaespañola de inspiración norteafricana durante la segunda mitad del siglo XIX, a través de artistas como Fortuny, Tapiró, Fabrés y Lameyer, entre muchos otros,además de sus contemporáneos franceses, como Delacroix o Benjamin-Constant. Este sugerente panorama orientalista, formulado mediante observación directa o recreado a través de la imaginación y el estereotipo, semuestra mediante una exquisita selección de obras –más de ochenta, entre pinturas, acuarelas, fotografíasy objetos– que permite adentrarse en uno de los capítulos más apasionantes de la pintura decimonónica.
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La historia de la fotografía comenzó hace unos 200 años, pero hace relativamente poco que ha sido reconocida como un género artístico por derecho propio. El Ludwig deColonia fue el primer museo de arte contemporáneo en dedicar una sección considerable
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La obra arquitectónica de Lluís Domènech i Montaner culmina en el Palaude la Música Catalana, joya modernista y centro musical de Barcelonadesde 1908. Si su fachada sorprende, la sala de conciertos, con sucuriosa estructura de templo y teatro, es una de las más bellasdel mundo.
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Esta publicación surge de la investigación acerca dela compleja experiencia de lectura de las articulaciones visuales que constituyen los mensajes fotográficos en los fotolibros. Su contenido se sustenta en el análisis de las posibles estrategias de comunicación que posibilitan una narración visual en un libro a través de tres capítulos: Imagen fotográfica, fotolibrosy narraciones visuales.
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Un exclusivo análisis del proceso creativo de una artista que ha redefinido los límites de la pintura a través de distintas técnicas. Reúne una serie de ensayos y entrevistas escritos por diversos autores y por la propia artista entre 1993 y 2019. Ofrece un recorrido inverso, del presente hacia el pasado, por su biografía artística, desde sus últimas instalaciones escultóricas hasta sus inicios.
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Un compendio de imágenes evocadoras y poéticas en lasque el artista investiga las formas de los objetos ysu relación con la naturaleza
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Nota a la edición Una historia irresistible Uno de los amigos a los que Javier Cercas regaló su novela Soldados de Salamina nada más publicarla fue el escritor y director de cine David Trueba. Hacia el mes de junio de 2001, antes de la explosión del ''fenómeno Salamina'', Trueba había tomado ya la decisión de que, tras La buena vida y Obra maestra, su tercer largometraje como director sería una adaptación de la novela de Cercas. El rodaje de la película, protagonizada por Ariadna Gil, Ramón Fontseré, Joan Dalmau, Diego Luna y María Botto, se inició en marzo de 2002 y se prolongó durante once semanas. Por aquel entonces, la novela -que nació destinada a convertirse, en el mejor de los casos, en un libro de culto- se había consolidado como ''algo más que una novela''. Soldados de Salamina llevaba ya varios meses en el primer puesto de las listas de ventas y estaba en un proceso de acumulación de reconocimientos nacionales e internacionales que aún ahora parece no haber concluido. No es probable que Javier Cercas, pese a que se defina como un optimista radical, hubiera aspirado a realizar tan pronto y de esta manera el sueño de cualquier escritor. Un fotógrafo barcelonés, David Airob, fijó formidablemente con su cámara algunos de los momentos del rodaje de la película. Para una exposición de su trabajo, Airob solicitó a Cercas y Trueba que escribieran breves textos a modo de pies de fotos. Éstos pensaron en lo bonito que sería reunirlas en un libro, una iniciativa que enseguida sedujo a los editores de la novela. Para arropar las fotos, se creyó interesante añadir unas conversaciones entre el escritor y el cineasta. David Trueba fue, una vez más, el responsable de una gran alegría para mí: el 9 de septiembre de 2002, me escribió una carta en la que me brindaba la posibilidad de ''vigilar esta conversación, delimitarla, censurarla, cercenarla, llenarla de sexo [sic] y, esto es lo peor, transcribirla y darle un estilo uniforme''. La oferta de David era un encargo irrechazable, de los que se aceptan antes de que acaben de proponértelos: iba a reunirme con mis dos amigos durante unos días y conducirles por vivencias, anécdotas y reflexiones provocadas por una novela y una película que tanto les -nos- había mejorado la vida. Esto yo no me lo podía perder. Durante trece horas y quince minutos, asistí a un espectáculo para mí delicioso: dos primeras espadas de mi generación, dos creadores que aún no eran mayores de edad cuando murió Franco, arrojando su lucidez y alegría sobre las claves de la novela y de la película o sobre la Guerra Civil, la memoria y el olvido, el éxito y el fracaso y las endiabladas relaciones entre el cine y la literatura. Lola Lamana y Teresa Ortas se ocuparon de la trascripción literal, una tarea que me permitió recuperar palabra por palabra el contenido de la charla. Luego, simplemente, me limité a depurar el texto y a introducir un cierto orden en la avalancha de ideas y anécdotas que llenaban las cerca de 400 páginas de la transcripción. El 31 de diciembre de 2002, David y Javier vinieron a pasar la Nochevieja y el día de Año Nuevo a mi casa de Zaragoza. En medio de una simpática resaca, revisamos esa primera versión y sacamos algunas conclusiones. El resultado de este trabajo es Diálogos de Salamina, un libro insólito aunque sólo sea porque, por algún extraño motivo, es la primera vez que se publica, al menos en castellano, un libro de conversaciones entre el autor de una novela y el director que la ha adaptado. Tal vez las razones de esta singularidad se deban a la pura casualidad o, por qué no, al hecho de que no sea muy normal que coincidan tantos estímulos excepcionales alrededor de una misma obra que se expresa en lenguajes tan distintos como el cinematográfico y el literario. No es muy normal que la vida de un escritor se vea tan confundida con su propia creación y que en esta creación convivan, en una ambigüedad arrebatadora, el ensayo y la investigación periodística, el pasado y el presente o la realidad y la ficción. No es muy normal que un director de cine se sienta atrapado de esa manera por un material sólo en un principio literario y se obsesione en prolongar en su película la emoción y las infinitas sugerencias de una historia irresistible. Y no es muy normal que entre un novelista y el cineasta que ha osado poner sus manos sobre su obra se deslice tal grado de afinidad, admiración mutua y reconfortante complicidad. A estas alturas, parece claro que ha sido un placer para mí contribuir a que Diálogos de Salamina haya sido posible. Aunque he de admitir que no he podido seguir, con el entusiasmo que merecía, la insinuación de David -su particular homenaje a Los viajes de Sullivan, de Preston Sturges- de llenar de sexo estas conversaciones. Eso era algo que, dadas las circunstancias, se revelaba un poco forzado. Para qué nos vamos a engañar. Luis Alegre Zaragoza, 10 de febrero de 2003
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Museo del Prado
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En aquest estudi, Mikel Dufrenne desenvolupa una crítica de l'experiència estètica. Centrant-se en «el sentit» propi i «les condicions» que fan possible l'experiència del subjecte contemplador, Dufrenne perfila la noció d'objecte estètic, fenomenològicam
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Cuando se trabaja solo con líneas y con formas positivas y negativas, la atención se centra en lo más básico: la composición, el equilibrio y la armonía. Utilice pinceles o rotuladores ordinarios, de pintura o de gel, sobre papel negro, marrón o gris para
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Fragmentos sobre mujeres, ideología y artes plásticas en españa (1833-1931).La primera exposición que organiza el Museo Nacional del Prado tras su reapertura, «Invitadas», tiene como objetivo ofrecer una reflexión sobre el modo en el que los poderes establecidos defendieron y propagaron el papel de la mujer en la sociedad a través de las artes visuales, desde el reinado de Isabel II hasta el de su nieto Alfonso XIII. En este tiempo el Museo del Prado se convirtió en elemento central de la compra y exhibición de arte contemporáneo y desempeñó un papel sustancial en la construcción de la idea de escuela española moderna.
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Marcados como rebeldes y traidores, los miembros de la Alianza trabajaban en las sombras, reuniendo información y apoyos de todala galaxia para poner fin a la tiranía del Imperio. Sus documentos más delicados y cruciales fueron recopilados por una de
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¿Quién dijo que las clases de dibujo son aburridas? Este curso de dibujo es enormemente entretenido, ágil y apto para cualquier persona. En 65 ejercicios prácticos y divertidos, Sam Piyasena y Beverly Philp te enseñarán las técnicas fundamentales y el ilimitado potencial creativo del dibujo. Aprende la técnica: conseguirás dominar la línea y el trazo, la luz y la sombra, la composición y la perspectiva, el movimiento y los gestos y, finalmente, los motivos y las texturas. Desarrolla el potencial creativo: los dinámicos ejercicios de este libro te ayudarán a liberarte de prejuicios e inhibiciones y a recuperar la inocencia, la osadía y la imaginación que tenías al dibujar de niño. 65 ejercicios prácticos y divertidos: dibujar una pieza musical, realizar un cadáver exquisito, combinar aleatoriamente distintas técnicas o dibujar guiñando un ojo... Cada ejercicio de este libro, con instrucciones detalladas, ejemplos ilustrados y referencias para ampliar información, se convierte en una iluminadora lección aprendida como un juego.
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Estos edificios poseen una posición muy especial enla cultura de las comunidades y países en los que seconstruyen. Presentamos una emocionante colección de60 edificios que conmemoran algunos de los eventos más destructivos del SXX y XXI como guerras, genocidios, masacres, terrorismo, hambrunas y esclavitud, demostrando que el poder de supervivencia y el don del perdón es tan impactante e importante como esos hechos.Contiene ensayos sobre la esperanza, la fuerza, la pena, la pérdida y el miedo que ayudan a contextualizara los proyectos y a mirarlos de frenteAlgunos de losproyectos son: A los judíos asesinados en Europa en Berlín, la guerra de Vietnam en Washington DC o el 9/11 en NY y algunos de los arquitectos David Adjaye, Daniel Libeskind, Snøhetta, Peter Zumthor, Diller Scofi
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Un retrato luminoso del más genial y revolucionario cantaor. «Una edición exquisita, [...] una pieza breve pero profunda, original en su planteamiento, perfecta para un primer acercamiento al arte flamenco para pequeños y mayores.» Marta Maldonado, La Razón Cuando nació el niño José Monje Cruz, hijo de una canastera y un herrero, pocos podían imaginar que aquel gitanillo rubio se convertiría en el mayor icono musical español del siglo XX. Porque Camarón, que así lo apodaron, renovó y amplificó la música flamenca desde la isla de su San Fernando natal hasta llegar a medio mundo y luego al mundo entero. En esta preciosa biografía ilustrada aparece el joven Camarón en la Venta de Vargas, encandilando ya a figuras de la talla de la Niña de los Peines o don Antonio Mairena. Luego viene el salto a los tablaos de Madrid, donde adquiere fama de bohemio y rebelde, y también sus años con Paco de Lucía y Tomatito, así como la mítica grabación del disco La leyenda del tiempo, piedra de toque del flamenco moderno. Sigue la avalancha de los años ochenta (y sus claroscuros), la consagración en festivales internacionales y el fin precoz de su vida a los 41 años. Desde entonces una estrella brilla con especial intensidad en el cielo de los flamencos... porque Camarón vive.
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