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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Stories presenta las voces de algunas de las principales figuras de las artes visuales y, en particular, del campo de los libros de artista. A través del diálogo, Stories busca desentrañar la historia y los problemas actuales que rodean el libro del artista, un medio que históricamente ha sido adoptado por artistas yque solo recientemente ha ganado el reconocimiento de museos y coleccionistas de arte contemporáneo. El libro incluye entrevistas con Marina Abramovic, ManuelBorja Villel, David Campany, Mariana Cook, Juan Cruz, Thomas Demand, Cai Guo-Qiang, Jenny Holzer, Cristina Iglesias, William Kentridge, Maya Lin, Óscar Mariné, Manuela Mena, Shirin Neshat, Hans Ulrich Obrist, Elena Ochoa Foster, Cornelia Parker, Thomas Struth, Richard Tuttle, Isidoro Valcárcel Medina y Ai Weiwei, entre otros.
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Los colaboradores reunidos proponen una mirada amplia, interdisciplinar y contrastada y reúne aportaciones de una slección de científicos sociales de Italia y España en torno al cambio climático.
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Análisis del trabajo realizado en las dos últimas décadas en la que el artista ha puesto la pintura en el centro, con especial importancia a la constante retroalimentación que existe entre esta y la fotografía, el collage y el dibujo. En estos años su modo de pintar sigue siendo el mismo: Luis Gordillo siempre está en la pintura, pero no siempre está pintando. La experimentación, palabra clave de su quehacer artístico, es constante. Y esta publicación muestra las tensiones y las energías que desprende el trabajo del artista desde dentro, con una doble perspectiva: por un lado, una visión de los temas recurrentes en sus cuadros y, por otra, una observación detenida de las exploraciones y las derivas de su proceso creativo. Dentro de esta última, la publicación incluye una selección de veinte antipoemas escritos por Gordillo en los últimos años. Se incluye un texto de Chus Martínez. La exposición a la que este libro responde se inaugura en septiembre en la Sala Alcalá 31 de Madrid, celebrando una capacidad creativa única, la de un artista que a sus ochenta y nueve años sigue en activo y con una clara influencia en nuevas generaciones.
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Este libro reúne textos que entienden la literatura infantil y juvenil como una práctica mediada y social. Es un libro marcado por colaboraciones inter y transgeneracionales que escapan a las visiones estrechas y conservadoras sobre la infancia. Todos los textos incluidos en este volumen dan cuenta de discusiones que generan complejos debates, como por ejemplo aquellos sobre qué es lo infantil en la literatura para niños y niñas, cómo es que podemos definir de qué textos nos ocupamos y cómo es que hacemos crítica desde nuestras perspectivas adultas. De tal manera se transforma en un insumo más para abrir nuevos diálogos entre investigadores, mediadores de lectura y otros profesionales del campo de la literatura infantil y juvenil. Hay aquí una invitación a pensar fuera del marco de nuestras propias pertenencias culturales, históricas y disciplinares.
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Tiene el lector en sus manos el único libro escrito desde el siglo XXI sobre la totalidad de la arquitectura española en el siglo XX. Probablemente no se escriba ningún otro. No se trata de un libro enciclopédico -muchas arquitecturas valiosas han quedado fuera de él por razón del tamaño- pero sí es un libro analítico y crítico, que trata sobre todas aquellas arquitecturas que el autor ha considerado más importantes y significativas para representar el transcurso español del siglo pasado, un siglo de especial alcance en todas las partes del mundo por tratarse del siglo de la denominada «Arquitectura Moderna». Y lo hace con un carácter tan sintético como relativamente completo, aspirando a mantener una posición pedagógica y ofreciendo un libro útil y atractivo tanto para los arquitectos, profesores y estudiantes de arquitectura como para los historiadores, profesores y estudiantes de historia y de arte, y para los estudiantes y el público en general interesado en estos temas. Condición divulgativa que en absoluto devalúa la necesaria profundidad crítica y de contenido del volumen. A medida que el libro avanza en el tiempo, el análisis es más amplio, contrarrestando así el mayor y más fácil conocimiento que se tiene, o se puede tener, acerca de los episodios más antiguos del siglo moderno.
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Tras más de cinco décadas desde su disolución, Màquina! sigue siendo aquel grupo de culto que ha quedado como una referencia en la historia del rock underground de nuestro país. Esta historia se desarrolló durante una época compleja, en una lucha para sacar adelante un proyecto musical ambicioso, singular y al margen de concesiones, en cada una de sus diferentes etapas. Màquina! resulta un caso único, heroico, de un enorme mérito en una época musicalmente convulsa pero de gran creatividad en la que simbolizó una nueva manera de hacer y vivir la música.A pesar de todas las dificultades, Màquina! se convirtió en un reducto de creatividad y talento. A lo largo de su trayectoria, pasaron muchos músicos por el grupo y todos ellos acabaron siendo reconocidos profesionales de la música.Mientras la mayoría de conjuntos en España apostaban por la música comercial, este grupo introdujo la improvisación en la música pop, algo inusual en este país y más propio del jazz, un género con poca tradición aquí por aquel entonces.Un libro que explica fielmente la historia de Màquina!, un grupo que simplemente quería dar salida a sus ideas musicales, a sus ansias juveniles de hacer algo distinto, innovador y personal y, por supuesto, divertirse.
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Las ilustraciones de Luis Ruiz y los textos de Pepo Paz nos acompañan a lo largo de un placentero viaje por la antigua ciudad amurallada de Toledo. Atalaya enclavada en un profundo meandro que describe el Tajo, de sus almas cristiana, judía y musulmana dan fe las páginas de este libro, que recorrerá el legado romano de la ciudad, la huella visigoda, la andalusí, la judería, la Catedral y sus alrededores, los palacios, patios y conventos del Toledo más íntimo, la ciudad extramuros y, finalmente, la Toledo contemporánea. Una visión cultural, histórica y artística completada por un capítulo introductorio y un glosario de términos que permitirán al lector adentrarse en la vívida esencia de Toledo.
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Este pequeño volumen es uno de los más hermosos libros del maestro, no sólo por la cuidada selección de sus fotografías, su delicado diseño y estampación, sino también por la calidad y penetración de los textos, de tres de sus amigos más cercanos. ''Decir que Masats -escribe Óscar Tusquets, su primer editor- es un gran fotógrafo documental, es quedarse corto. Es un artista muy ligado a la realidad, es cierto, como lo era Velázquez y lo es Antoñito López, pero, como estos grandes artistas, Masats va mucho más allá.
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47è PREMI VILA DE MARTORELL 2022. PREMI LOCALA començament del segle XX, les avantguardes artístiques van donar cobertura a la majoria de moviments pictòrics, arquitectònics i també musicals. Tot artista que volgués definir la seva posició, el seu model, es podia incorporar a la tendència que més li convingués. Però, vet aquí que un artista alemany, nascut a Hannover l'any 1887, va tenir l'audàcia de crear el seu propi moviment, la seva illa exclusiva, com un veritable nàufrag, ja que cap dels ismes establerts el podia acollir íntegrament. Era Kurt Schwitters, creador del moviment Merz, una proposta que només ell podia ocupar, de la qual només ell sabia els requisits. Un model inabastable per a la resta dels companys de la seva generació. I, com a gran creador, va elaborar propostes en totes les disciplines: en pintura, música, escultura, poesia... En cadascun d'aquests territoris va aixecar una obra considerable, sòlida, perfectament definida i clarament avantguardista.
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La selección de fotografías que integran este libro compone una balada de cosas vistas o pensadas, organizadas por formas, silencios y evocaciones de carácter íntimo y poético. Depositadas, una tras otra, página tras página, estas fotografías aparecen y desaparecen tomándose su tiempo, rememorándose mutuamente, como en la continuidad de una lenta respiración: una piedra, un rostro, el mar, un espejo, un poema, una rama, una mano, una culebra, un libro, un cuerpo, una hoja, un camino, en fin, como un abrazo infinito de lo vivo y de lo inerte, de lo presente y lo ausente. Una exaltación en imágenes del inmenso valor de la vida, mientas dura.
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La pintura de Amalia Avia se centró principalmente en la ciudad de Madrid, de la que retrató sus calles, sus comercios y las fachadas deterioradas por el paso del tiempo. Su primera época tuvo un componente más social, con presencia de la figura humana, que poco a poco fue desapareciendo. En los años ochenta empezó a trabajar también en interiores. Lo que más le preocupaba a la artista era ser capaz de reflejar la huella de lo humano, de esas otras vidas anónimas.Esta publicación aborda la obra de Amalia Avia desde una nueva perspectiva, haciendo hincapié en su forma de trabajar: fotografiaba en blanco y negro las calles y los lugares de Madrid y, tras realizar, en muchos casos, collages con esas fotos componiendo la imagen del cuadro, procedía a pintar. Amalia Avia es la pintora de las ausencias, la amarga cronista del por aquí pasó la vida marcando su amargura e inevitable huella de dolor, escribió sobre ella Camilo José Cela.
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«Què significa llegir la filosofia grega en clau no-platònica?» Pot aconseguir-se això realment? Què ens explica el pensament grec quan es mira des del materialisme, des de l’atomisme o des de la sofística? És important respondre aquestes preguntes perquè ara mateix estem vivint un període de profunda revisió en la historiografia de la filosofia en general i del pensament grec en particular.
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Supereuskadi es un ensayo fotográfico con formato de libro. El proyecto desarrolla la idea de Euskadi como territorio mítico en el todos los ámbitos de la vida diaria (cultura, industria, sociedad y política) giran y giran —cual piedra esférica de los harrijasotzailes— alrededor de la identidad e idiosincrasia de los vascos como pueblo. Tomando como referencia a autores como Jorge Oteiza, el libro se convierte en un bucle en el que se repiten personajes, situaciones, dogmas, paisajes y clichés. El lector/espectador puede avanzar por las fotografías, desnudas de elementos textuales, de principio a final o de final a principio: las dos portadas cierran el círculo. Los pies de foto y otros textos adicionales se pueden consultar en un cuadernillo aparte. Este libro es la visión de un fotógrafo alicantino que llegó al País Vasco hace más 30 años atraído por el rock radikal vasco y que en este tiempo ha experimentado, boquiabierto, las ficciones y contradicciones entre el mito y la realidad de Supereuskadi.
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Las tecnologías electrónicas y digitales han contribuido a una mutación profunda de las modalidades productivas de la música y su difusión: el muestreo, el sequencing, el editing, el cut, el loop, el copy & paste, el mix y el remix no son solo técnicas, sino que fundan una auténtica estética de la multiplicidad. La materia sonora ya no se coagula en estructuras o frases, sino que vibra en un flujo molecular de singularidades e intensidades. Produce una multiplicidad de planos, convirtiendo la escucha en una práctica de migración y nomadismo, de guerrilla cultural y resistencia contra los monopolios, la masificación consumista y la globalización mediática. Los textos que componen este volumen se mueven entre dos registros. Por un lado, explora las afinidades estéti cas entre el universo conceptual de Deleuze y Guattari y la música electrónica experimental (Cox, Quinz, Murphy y Franck). Por otro, los textos de Hinant (fundador del sello SubRosa) y Szepanski (fundador de Mille Plateux, Force Inc. Music Works y Ritornell), junto a la entrevista a DJ Spooky, introducen el testimonio directo de quienes, en la práctica de la producción musical, han integrado el pensamiento de Deleuze y Guattari.
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Monografia que reuneix els treballs i escrits sobre restauració exposats per Cesare Brandi a l'Istituto Centrale del Restauro. Dirigit a crítics, tècnics i historiadors de l'art, el llibre analitza el significat i els mètodes de la restauració, posant especial atenció als criteris teòrics que han guiat les activitats de l'Institut.
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Cuenca, 1966: una casa para el arte abstracto La cración en 1966 del Museo de Arte Abstracto Español en las Casas Colgadas del siglo XV en Cuenca es un capítulo fascinante y único de nuestra historia cultural. La fe pionera de Fernando Zobel en los artistas abstractos se materializó en un espacio insólito que pronto tuvo un enorme eco internacional y suscitó elogios como el de Alfred H. Barr, primer directos del MoMA de Nueva York, que da título a este libro.
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« Notre-Dame de Paris a été rafistolée et retapée de fond en comble, ses sculptures sont rapiécées quand elles ne sont pas toutes modernes , en dépit des dithyrambes dHugo, elle demeure de second ordre , mais elle a sa nef, son merveilleux transept. Cette cathédrale na plus dâme , elle est un cadavre inerte de pierre , essayez dy entendre une messe, et vous sentirez une chape de glace tomber sur vous. La Vierge ny réside pas jours et nuits, toujours, comme à Chartres.»
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Recorregut per l'experimentació fotogràfica, a partir de més de 250 fotografies, des de l'inici del segle xx fins a l'actualitat. L'entusiasme i l'atreviment de l'avantguarda fotogràfica, que va introduir nous suports i materials i que va desenvolupar la investigació visual en paral lel als moviments artístics i literaris contemporanis. L'exploració dels límits del llenguatge fotogràfic com un mitjà per plasmar l'esperit dels temps moderns, i el collage com un reflex del món contemporani. Als anys de postguerra, l'experimentació visual va connectar amb els grans corrents culturals i filosòfics: l'art abstracte i l'existencialisme. Creadors de diferents disciplines han esborrat els límits entre fotografia, pintura, escultura, cinema i performance. Grans fotògrafs apareixen al costat d'artistes i d'escriptors que van incorporar la fotografia al seu treball: de Man Ray i Lázló Moholy-Nagy a Rudolf Steiner, Lisa Oppenheim o Barbara Kruger, passant per Aleksandr Ródtxenko, Roger Parry, Constantin Brancusi i François Kollar, André Breton, Paul Éluard i Suzanne Muzard, Brassai, Raoul Haussmann o Kurt Schwitters.
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“Todo el dilema es este: o bien la simulación es irreversible y no existe nada más allá de ella, no se trata siquiera de un acontecimiento sino de nuestra banalidad absoluta, de una obscenidad cotidiana... o bien existe de todos modos un arte de la simulación, una cualidad irónica que resucita una y otra vez las apariencias del mundo para destruirlas. De lo contrario, el arte no haría otra cosa, como suele suceder hoy, que encarnizarse sobre su propio cadáver. No hay que sumar lo mismo a lo mismo, y así sucesivamente, en abismo: esto es la simulación pobre. Hay que arrancar lo mismo de lo mismo. Es preciso que cada imagen le quite algo a la realidad del mundo, es preciso que en cada imagen algo desaparezca, pero no se debe ceder a la tentación del aniquilamiento, de la entropía definitiva, es preciso que la desaparición continúe viva: este es el secreto del arte...”
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Bring the magical creatures and plants of the Wizarding World to colorful life with this stunning watercolor book, featuring 32 new original watercolor projects inspired by the Harry Potter and Fantastic Beasts films.The exciting follow-up to Harry Potter: Watercolor Magic, the blank second book in the series continues the artistic fun with 32 all-new, ready-to-paint watercolor projects featuring your favorite magical creatures and plants. From a soaring Buckbeak to temperamental Mandrake, to a quiet Thestral forest scene, these pages burst with brand new opportunities for fans to create gorgeous art inspired by the Harry Potter and Fantastic Beasts films. Each project features a fully painted sample image to get you started plus a list of supplies and colors, followed by clear, easy-to-follow instructions to help you recreate the image in minutes. The book also includes 64 pages of perforated high-quality watercolor paper with light pencil sketches of each project, making it super easy to re-create the artwork right in the book and then remove the finished piece for easy framing and display.Harry Potter: Watercolor Magic: Flora and Fauna is perfect for at-home artists of every skill level looking for a fun, easy art project to celebrate their love of the Wizarding World films.OVER 50 PROJECTS: Bring dozens of images of magical creatures and plants to life, including Buckbeak, Mandrakes, Cornish pixies, Fawkes the phoenix, the Niffler, Aragog, Bowtruckle and much more.FOR EVERY SKILL LEVEL: Complete instructions make it easy for artists from beginners to masters to create Wizarding World art that is true to the films. HIGH-QUALITY PAPER: Thick watercolor paper for a beautiful, lasting keepsake.PERFORATED PAGES: Pages release easily from the book for framing and display.OFFICIAL WIZARDING WORLD BOOK: Created in collaboration with Warner Bros. Entertainment Inc.
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Roma es una lección de historia a cielo abierto: también de historia de la arquitectura. Una ciudad «dondeel peso del pasado es tan grande que pasado y futurose confunden» y que aún alberga maravillas de la antigüedad como el Panteón o el Coliseo -no por más conocido menos impactante-. El lugar donde genios del Barroco como Bernini y Borromini compitieron por el mecenazgo del papado es también donde podemos contemplarlas obras modernas de arquitectos como Richard Meiero Zaha Hadid, que tienen que medirse con ese esplendoroso patrimonio.
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El número 23 de la revista-libro Cuadernos Efe Eme presenta a Bruce Springsteen, del que se incluye un completo informe alrededor de uno de sus discos más celebrados: Nebraska (1982). La entrevista principal, demás de 30 páginas, repasa la trayectoria de uno de nuestros músicos más grandes e imprescindibles: José Luis Perales. Recordamos algunos de los grandes himnosdel pop y el rock, nos adentramos en las relaciones entre el cineasta Win Wenders y la música, rememoramoslos primeros tiempos del sello CBS en España e incluso hablamos de ocultismo y rock. De la mano de su cantante, recorremos la historia de Fórmula V, un grupoque fue mucho más que “Cuéntame” y la canción del verano. Además, artículos alrededor de Fleetwood Mac, Tracy Chapman, The Human League, Johnny Cash, Herman’sHermits, Jacques Dutronc, Depedro, Carole King, las chicas del Blonde Pop, Moris, Pi de la Serra
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En 1935, Paul Eluard pasa a formar parte del círculomás íntimo de Picasso. El poeta y el artista coinciden en el terreno del arte y la creación, así como en la misma orientación política. Eluard y Picasso conocieron y experimentaron la intensa interrelación entrela pintura y la poesía, la creación y el mundo, la historia y la sociedad. Y lograron preservar ''la duranecesidad de durar'' de su sublime amistad.
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Este libro está dedicado a la obra del escultor Mariano Benlliure (Valencia, 1862-Madrid, 1947) en EstadosUnidos, conservada principalmente en la ciudad de Nueva York, en la colección de la Hispanic Society of America. Sus primeros clientes neoyorquinos fueron elmagnate, coleccionista y mecenas Henry G. Marquand, segundo presidente del Metropolitan Museum, que firmócon Benlliure un primer encargo en 1883, y Samuel Ward, otro destacado amante del arte e influyente personaje de la sociedad norteamericana que por las mismasfechas le pidió que esculpiera su busto. Sin embargo,su principal benefactor durante el primer tercio delsiglo XX fue Archer M. Huntington, fundador de la Hispanic Society of America, que le encargó una importante serie de retratos de los personajes más destacados del panorama cultural español del momento, además de comprarle otras obras para la institución. Con todo, el proyecto de mayor envergadura escultórica seríael monumento al congresista William A. Jones para laciudad de Warsaw, en Virginia. En la primera parte del libro destacados especialistas abordan la cuestióndesde diferentes planos: el papel de la Hispanic Society en el panorama cultural neoyorquino durante aquellos años, la escultura figurativa en España, incluidala presencia de los más destacados escultores españoles en Hispanoamérica, la exposición medallística de1910 celebrada en Nueva York, origen del trato directo entre Benlliure y Huntington, cuya conexión con laescultura se analiza a través de su segunda esposa, la escultora Anna Hyatt, también relacionada con su colega español, los estrechos vínculos entre Benlliurey Sorolla, dos de los artistas mejor representados enla colección de la Hispanic Society, y la fortuna crítica del escultor valenciano en Estados Unidos. La segunda parte del libro estudia y contextualiza de manera exhaustiva cada una de las obras que Benlliure realizó para Estados Unidos, a través de documentos, cartas, fotografías y noticias publicadas en prensa.
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Esta obra es el homenaje colectivo de veinte amigos de Fernando Marías, compañeros de viaje en el estudiode la cultura de la Edad Moderna en la encrucijada entre la ciencia, la religión y el arte. Fernando Marías es catedrático de Historia del Arte en el Departamento de Historia y Teoría del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid y miembro de la Real Academia de laHistoria.
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Somos espectadores de pantalla. Consumidores virtuales de arte contemporáneo. Visitamos museos, galerías, bienales y ferias sin necesidad de desplazarnos, gracias a profesionales que retratan piezas, exposiciones, instalaciones, performances, incluso arte sonoro. Su mirada se traduce en imágenes que sintetizan y transforman el hecho artístico y que nos abren las puertas a la curiosidad.La artista Cristina Garrido ha conversado con ocho de ellos (Roberto Ruiz, Peter Cox, Moritz Bernoully, Carlos Díaz Corona, PJ Rountree, Erika Barahona Ede, Ela Bialkowska y Andrea Rossetti). Esta es la historia -o al menos una de las historias- de la cara B del arte: la (invisible) figura del fotógrafo que documenta arte contemporáneo.
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Una mirada sin precedentes al papel central que jugó un hombre en la transformación de la ciudad de Nueva York.El 1 de enero de 2002, Michael R. Bloomberg asumió el cargo de alcalde número 108 de la ciudad de Nueva York, mientras todavía salía humo del sitio del World Trade Center. Muchos se preguntaron si la ciudad podría recuperarse del peor ataque terrorista en la historia del país. En cambio, Nueva York prosperó: entró en un período de crecimiento sin precedentes, impulsado por nuevos vecindarios, parques, distritos de oficinas, instalaciones culturales y más. En el centro de muchas de estas iniciativas estaba Daniel L. Doctoroff, quien se desempeñó como teniente de alcalde de Desarrollo Económico y Reconstrucción de 2002 a 2007.Contada a través de los ojos de las personas que trabajaron con Doctoroff para liderar estos proyectos y acompañada de más de 450 fotografías, The Urbanist: Dan Doctoroff and the Rise of New York cuenta la asombrosa historia del papel que jugó un hombre en la creación de una serie de proyectos icónicos, desde el reconstruido World Trade Center hasta el Brooklyn Bridge Park, el High Line y más.
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El diseñador total constituye una reflexión sobre las relaciones entre tecnología y creación. En una disciplina como la arquitectura, cuya dimensión temporal es consustancial a su razón de ser.
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Hablar de José Andrés Santiago Iglesias es hablar de Japón, es hablar del Zen contemporáneo a modo de haikú, es reflexionar sobre lo obvio y lo obtuso, en definitiva es hablar de una singular actualización de imágenes que acarician la idea de un sistema simbólico inaudito. Un singular sistema de relaciones que enriquece las series perfeccionando las partes del todo. Su obra habla de esas riquezas del lenguaje articulado, con los que constituye de forma vertical las preguntas, es ese orden falso el que permite su evolución.
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¿Por qué Wagner ha provocado siempre sentimientos tan intensos y apasionados? Descrito por W. H. Auden como «tal vez el mayor genio que haya existido nunca», sigue inspirando mayores elogios y reproches que cualquier otro compositor. En este penetrante análisis de la obra de Wagner, Bryan Magee examina su música y sus detalladas indicaciones escénicas, junto con los ensayos en los que formuló sus ideas. Subraya el alcance y el calado asombrosos de la influencia de Wagner en la cultura de nuestro tiempo y muestra sus profundos efectos en músicos, poetas, novelistas, pintores, filósofos y políticos.
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Jordi Benito (Granollers, 1951 – Barcelona, 2008) morí pràcticament com un pòtol dandi, damunt la taula, preparant nous projectes, a finals del que fou el sistema artístic en l’estat del benestar, sota els símptomes d’una gran crisi. Arrenglerats en lleixes i caixes, el que fou celebrat com un dels artistes més radicals de l’art d’acció i artista de l’art total en instal·lacions efímeres havia deixat en carpetes les notes a mà i la documentació de més de cent cinquanta projectes: idees com a imatges i documents com a obres d’art. S’hi reconeix una metodologia de treball acurada i posseïda per una no-distinció entre la vida i l’art, i, per tant, amb períodes de dificultats i oscil·lacions. Aquest llegat rellevant, de més de 1.500 documents i més de 3.000 fotografies, va ser donat per la família al Museu de Granollers, el qual l’ha conservat, ordenat i catalogat a fi de posar-lo a l’abast dels estudiosos. La vàlua extraordinària del Fons Benito ve significada, també, per l’aparició d’obres inèdites, entre les quals la sèrie Militar Art, i per haver pogut recompondre els deu volums del Brutal Barcelona Performance. Aquest primer volum, a cura de Vicenç Altaió i Museu de Granollers, ha estat plantejat tot fixant la cronologia dels documents i complementant-los amb les obres majors del fons del Museu, des de les primeres instal·lacions i accions dels setanta, les performances al Pompidou i la Miró, fins arribar als Assaigs per a l’Òpera Europa. El llibre reconstrueix, amb dades i literatura estètica, la biografia i la llegenda artística de Benito. 'Jordi Benito. Idees com a imatges/Documents com a obres d’art' és també un relat il·lustrat de l’època, dels artistes conceptuals, del paper dels espais alternatius i de les transgressions als primers espais museogràfics catalans i internacionals, així com de les idees polítiques i estètiques de un dels artistes més radicals de la història de l’art.
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Les cartes del Bar Velódromo del carrer Muntaner de Barcelona s'han convertit en una revista gràfica i literària. Cada mes se'n publiquen diferents models, en un format molt espectacular de 60 x 42 cm. La gent les llegeix mentre espera el menjar o la beguda, se les pot endur i col·leccionar-les. Hi tenen cabuda tots els temes: des de l'art medieval a les antigues postals de Fórmula 1, de la història dels mots encreuats als dibuixos de les màquines de millón. Entre els col·laboradors hi ha escriptors com Quim Monzó o Eloy Fernández Porta, grafistes com America Sanchez, els Manel, actors com Josep M. Portabella del grup The Chanclettes, dibuixants com Arnal Ballester o Miguel Brieva. L’any passat l’Arts Santa Mònica va presentar totes les cartes en una exposició i aquest llibre és un recull de 36 d’aquestes cartes.
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Més de 100 espais de la ciutat fotografiats i explicats com mai. Barcelona està feta d’un teixit social, urbà, arquitectònic i artístic especial. El conjunt de les seves singularitats en dibuixen, d’una banda, l’enorme atractiu que fa de la ciutat un referent mundial indiscutible, i, de l’altra, la seva història popular més íntima, la seva pell i el seu cor. Barcelona és una de les ciutats més fotografiades i publicades del món. Però, és possible narrar una Barcelona plena d’història i viva de creativitat i producció fora dels estereotips i de les imatges repetides fins a l’infinit? Aquest llibre parteix de la constatació d’un fet evident: la visió tan simplificada que el turista, de la mà dels tours operators, generalment, s’emporta de Barcelona està condicionant una visió reduïda, que els mateixos barcelonins malauradament també estan incorporant. Es vol, sobretot, que el lector local descobreixi llocs, detalls i punts de vista desconeguts.
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El trabajo de Theaster Gates en las áreas de práctica social, actuación interdisciplinaria, investigación de archivos y creación de objetos multifacéticos lo han convertido en uno de los artistas más convincentes del siglo XXI.Acompañando una importante retrospectiva el New Museum, Nueva York, que se inaugurará en noviembre de 2022, este libro cubre la gama completa de las actividades artísticas de Gates durante los últimos veinte años, capturando su concepción expansiva del arte como escultor social, organizador e improvisador y conservacionista.
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