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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Yony Leyser desarrolló la idea de Queercore: Cómo punkear una revolución durante una gira con un grupo de artistas queer. Años más tarde, el bagaje adquirido se traduciría en el aclamado proyecto documental del que este libro ofrece por primera vez una traducción al español. Aquí se deja claro que el punk y lo queer no son estilos ni géneros musicales, sino ideales por los que merece la pena luchar. Formas de hacer del mundo en el que vivimos un lugar mejor y más divertido. Leyser retoma el legado del queercore para luchar contra cualquier clase de conformismo, animando al público a liberarse y constituir una fuerza liberadora y transformadora de la sociedad. Rebosante de testimonios de iconos como Peaches, John Waters, Bruce LaBruce, Billie Joe Amstrong, Jodi Bleyle o Lynn Breedlove, este libro supone un tesoro para la comunidad queer.
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REVIVE TUS TERRORES FAVORITOS. Con largos años a sus espaldas, el cine de terror guarda en su sombría morada muchos de los grandes momentos de la historia del séptimo arte, ahí está el monstruo de Frankenstein, Norman Bates o el sibarita de Hannibal Lecter para dar fe de ello. En el interior de este libro podrás revivir algunas de las mejores secuencias del género rodadas desde los albores del cine hasta nuestros días, y lo harás en compañía de los directores, actores y equipo técnico que las convirtieron en pequeñas obras de arte, en locuras sangrientas o en verdaderos análisis de la mente humana. De la mano de un experto como Enrique Agudo, grandes maestros del cine como Alfred Hitchcock, John Carpenter, Ridley Scott o Francis Ford Coppola se encargan de explicar por qué la escena de la ducha de `Psicosis` sigue fascinando a los espectadores o cuál es el motivo de que las niñas de `El resplandor` provoquen tanto miedo. LAS ESCENAS CUMBRE DE CARRIE, IT, EL EXORCISTA, LA COSA, ALIEN, DÉJAME ENTRAR.
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Una esperada y gran monografía publicada con motivo de la exposición en el Museo Guggenhiem de Bilbao. Lynette Yiadom-Boakye retoma la tradición del retrato de la pintura occidental pero también, su obra se inserta en la creación contemporánea ya que adopta una dimensión política y se convierte en un referente de la estética afro y queer. Este libro reúne unas 70 obras que invitan a adentrarse en las historias visuales imaginadas por la artista, retratos ficticios cuyos protagonistas se representan en momentos de intimidad y que cobran una vida de apariencia totalmente verosímil. Incluye textos de la propia Yiadom-Boakye, del escritor y cineasta Kodwo Eshun y de la conservadora del Museo Lekha Hileman Waitoller.
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¿Hubo platillos volantes nazis? ¿Los astrólogos de Hitler escogían los días en los que debían llevarse a cabo los ataques a los aliados? ¿El Vaticano intentó exorcizar a Hitler, a quien muchos consideraron un poseso? Estas y otras inquietantes preguntas trata de resolverlas el autor de la exitosa trilogía Vamos a morir todos!, con sus mordaces comentarios, y una exhaustiva documentación. Temas inquietantes y perturbadores convertidos en una apasionante lectura, con muchas referencias al cine — a veces con películas sorprendentes — que nos atrapa hasta la última página. El lector viajará desde lo más recóndito del Tíbet hasta la gélida Antártida, donde los Estados Unidos enviaron una misteriosa expedición militar, una vez acabada la guerra.
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Este libro habla, entre otras cosas, de la transición a la democracia que yo viví. Pero no pretende definirla, no es un valor absoluto, es mi transición. En todo caso este libro aspira a ser un apunte, un borrador de imágenes que me provocan a hablar de ellas desde hoy, desde el presente continuo, vadeando el tiempo vivido. Sé que no se debe definir algo por lo que no es, pero estoy empujado a no categorizar el tiempo, porque no es solo política, o música, o cine, o temas sociales, no. Es el contexto de todo eso, una amalgama de inquietudes que conformaron esos otros tiempos y que yo veo con una luz extraña, una luz dubia, crepuscular, que espera en el ínterin antes de que salga el sol, esa luz que ilumina el contorno pero a la que le cuesta definir las formas. Palabra y fotografía se unen, pero a veces no se ilustran, sino que establecen otros porqués de mis miradas.
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Colección Manga Style 06. Pistachio.
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El binomio arte-patrimonio forma parte de los orígenes mismos del audiovisual con los inicios del cine. Desde entonces hasta la actualidad la contribución de este sector a la difusión del patrimonio cultural y a la creación de imaginarios artísticos ha ampliado sus horizontes más allá del ámbito cinematográfico en un escenario mediático cada vez más diversificado. Paralelamente, el creciente interés sobre las relaciones entre el audiovisual, las diferentes expresiones artísticas y el patrimonio cultural ha favorecido en los últimos años la apertura de nuevas vías de reflexión dentro de la comunidad científica para abordar este asunto desde una perspectiva multidireccional. Es en este punto donde nace esta obra colectiva que pretende ofrecer al lector una aproximación a esas sinergias que se establecen entre los diferentes registros del audiovisual, como son el cine de ficción, el documental, el film-ensayo o la televisión, y la realidad artística y patrimonial, atendiendo a cuestiones históricas, estéticas, iconográficas, sociológicas e industriales.
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Shilpa Gupta es conocida internacionalmente por su práctica multifacética profunda y socialmente comprometida. Su trabajo es una exploración continua de cómo las acciones e interacciones humanas están sujetas a una variedad de ofertas externas e internas, desde construcciones sociopolíticas hasta relaciones personales y tecnología. La naturaleza sinestésica de su práctica tiene sus raíces en la ciudad posliberalizadora de Mumbai en India, donde creció en la década de 1990, y el complejo panorama político del sur de Asia. El trabajo de Gupta ha sido defendido por muchas luminarias del arte y curadores de alto perfil, incluidos David Elliott, Massimiliano Gioni, Geraldo Mosquera y Hans Ulrich Obrist. Es la primera artista del subcontinente asiático, una región con una escena artística en auge, en ser elegida para ser perfilada en la Serie de Artistas Contemporáneos. Una aguda observadora de lo cotidiano, Gupta crea videos, instalaciones interactivas, esculturas y performances participativos, estimulando en el espectador una reflexión sobre cómo se definen los lugares y las personas y el significado de pertenencia. Esta es la primera monografía completa de su obra.
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El libro de Débora Madrid explora, analiza, y cuestiona la extraña historia (reciente) de la ciencia ficción cinematográfica en España navegando con pulso firme en un mar agitado por esas dos perspectivas. Y allí hay que colocar el primero de sus aciertos: nos ayuda a comprender por qué es importante seguir estudiando los aconteceres del pasado, explorar nuevas fuentes, mirar con lupa casos concretos, y dar voz a pequeñas circunstancias. Es allí donde se encuentra la complejidad de la historia social de la cultura, son esos detalles los que desafían nuestros esquemas, y nos permiten comprender cómo avanzar en el conocimiento, y aportar nuevas ideas al análisis de nuestro entorno. Pero hay más. En su relato, descubrimos, o re-visitamos, muchos protagonistas olvidados, películas a las que no se había dado importancia, hechos, y circunstancias que se pensaban irrelevantes por no responder a ningún canon aceptado. Y eso, en sí, aunque no tuviera las implicaciones mencionadas arriba, ya es otro mérito. Hace falta rigor, apego al detalle, capacidad de escucha para hacerlo. No parece descabellado pensar que es solo en el marco de una tesis doctoral que es posible concebir algo parecido: un trabajo de años, en el que la determinación de la curiosidad intelectual se mezcla con la paciencia y el respeto hacia lo que ya se ha hecho, el espíritu de aventura con las pausas de reflexión, la convicción con las dudas. Todo esto, ya pulido, repensado y asentado es lo que se encuentra encerrado en las páginas de este libro. Dicho en pocas palabras, es un libro del que se aprende mucho, que divierte, y que hace pensar. No creo que se pueda pedir más. Valeria Camporesi
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Juan Travnik es un fotógrafo argentino reconocido por captar la esencia de Buenos Aires y su lado menos conocido a través de una mirada poética y reveladora.MATERIA se sumerge en el intrigante mundo de Buenos Aires más allá de las bulliciosas multitudes.La magistral fotografía de Travnik capta hábilmente el encanto sórdido de la ciudad, presentando un fascinante conjunto de edificios oscurecidos y abandonados, ventanas tapiadas y carteles rotos, que desvelan su oculta belleza urbana.Las fotografías de Travnik van más allá de la documentación, sumergen al espectador en una experiencia rica y táctil. Desde muestras de pintura en las paredes hasta capas de cemento y fragmentos de plástico, su obra se convierte en una fascinante exploración del mundo material que captura.Desde la década de 1980, Juan Travnik deambula al alba por una Buenos Aires fantasmagórica, vacía de toda presencia humana, registrando la negrura de los severos paisajes urbanos y periféricos. Con los años, el color fue cobrando una importancia cada vez mayor. Los matices mortecinos de su repertorio cromático traducen su abatimiento frente a la crisis que actualmente atraviesa Argentina. Por doquier, la alteración de los muros y de las banquetas, las salpicaduras y las manchas aquí y allá, las oxidaciones, las fisuras y los hoyos, las herrumbres, la acumulación de yeso desprenden una sombría angustia y bañan la ciudad con una luz funesta.
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Paco Loco es nuestro productor musical más emblemático. Es nuestro Phil Spector. Grammy nominated, columnista ocasional, víctima de un síndrome de Audiógenes incurable, Paco Loco nos abre las puertas de su estudio y nos invita a descubrir los secretos de su sabiduría chiflada y de sus míticas grabaciones.Conoceremos a Muni, pero también a Hiss & Hum, huiremos de coches que explotan, entenderemos lo de los ruidos que no se oyen, pero sí que se escuchan, aprenderemos cómo se puede ser un yonqui de lo retro y afirmar que el futuro es el pasado y que hay que volver al cassette y que lo peor es la rutina (Turner) y que los Pactos Locos (Donald, Lucas) es un gran nombre de grupo y que… Hay que leer este libro que cuenta con la participación de algunos de los nombres más significativos del panorama musical: Muni Camón, Nacho Vegas, Fran Nixon, Joaquín Pascual, John Agnello, Paco Neuman, Steve Wynn, Mikel Erentxun, David Carabén, Juan Santaner, Pedro Vigil, Miguel Fuentes, Pablo Errea, Josh Rouse, Gary Louris…
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Una aproximación histórica a la música experimental valenciana en el contexto internacional y otros escritos sobre música y política.Tiempo de reverberación es un libro ecléctico y multidisciplinar, escaso en la bibliografía existente y fuertemente estructurado y teórico. El autor transita y escribe la historia de la música experimental y contemporánea en València, enmarcada en el contexto internacional y en un período que abarca desde la década de 1970 hasta nuestros días.Los 17 textos recopilados por josep lluís galiana, y que aparecen cronológicamente en la obra, animan al lector a «leerlos como si de un breve relato —todavía en construcción— se tratase sobre hechos, circunstancias y vicisitudes artísticas y musicales ocurridas en el territorio valenciano en una época muy reciente, así como una enumeración de experiencias de quien escribe estas páginas, explica el autor, que ha tenido la fortuna de vivir en primera persona».
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El declive del monacato en tanto que movimiento histórico coincide con lo que Hannah Arendt propone como el cambio de paradigma fundamental sobre el que se construyó la modernidad: “La inversión del orden jerárquico entre la vita contemplativa y la vita activa”. Al elevar la acción al estado más elevado de la condición humana, la contemplación perdió su significado tradicional y cedió su puesto honorífico como fuente de acceso a la verdad.Sin embargo, aunque la modernidad haya invertido esta jerarquía fundamental y los monasterios parezcan diluirse en una sociedad cada vez más secularizada, es sugerente constatar cómo muchas de las cualidades propias de la arquitectura y la práctica monástica siguen definiendo, hasta hoy, nuestras vidas: sus modos de ordenar el trabajo, la necesidad de una vida reglada y, especialmente, la relación entre lo privado y lo público, lo íntimo y lo común.
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Aquest llibre està pensat per a tots aquells que vulguin prendre un primer contacte amb l'art musical i la seva història. Amb gran voluntat sintètica, ens presenta l'evolució de la música des de la Grècia clàssica i la Roma imperial fins als nostres dies, i, a més, defineix i explica l'origen de tots els termes musicals que hi van apareixent. El resultat és una primera aproximació didàctica al fet musical i el seu desenvolupament al llarg del temps.
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En una época en la que, a la hora de invertir en un proyecto, priman los criterios de rentabilidad económica y en que la cultura en conjunto es pensada a partir de la ''economía creativa'', resulta vital comprender el análisis económico en materia cultural para percibir su alcance y también sus límites. Por eso es fundamental conocer sus reglas y los desarrollos que conlleva en el plano de las artes y de la cultura.
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Un recorrido por Freehold y Asbury Park –las casas y los bares que frecuentaba Bruce Springsteen–, una tranquila calle al este de Belfast –donde nació Van Morrison–, los Hansa Studios de Berlín– donde han grabado discos desde David Bowie a Depeche Mode–, la casa donde nació y murió Syd Barrett, la tumba que inspiró «Eleanor Rigby» a Lennon y McCartney… estos y muchos otros lugares son los protagonistas de este fantástico libro con los destinos más emblemáticos del rock.Lugares significativos retratados de manera paciente y magistral por Ferran Sendra, uno de los fotógrafos que mejor ha captado la esencia de músicos y bandas a lo largo de toda su vida y que ahora nos presenta este libro que es historia viva de la música.-¿Qué relación tienen Guns N’ Roses con el Museo Vaticano?-¿Ante qué famoso castillo posó Elton John para la portada de su disco A Single Man?-¿Dónde se halla Strawberry Field, el jardín que inspiró a John Lennon?-¿Qué grupo utilizó la imagen de la central eléctrica de Circus Road para su álbum Animals?-¿Dónde se halla Joliet, la prisión en la que rodaron los Blues Brothers?-El Beverly Hills Hotel, el Hotel California de los Eagles en Sunset Boulevard.
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Nuestro país ofrece una enorme variedad de paisajes: lagos, montañas, volcanes, marismas, bosques, ríos, valles, mares, acantilados... La gran riqueza paisajística de nuestra tierra es fascinante. Así, con la intención de ofrecer una muestra de lo que tenemos tan cerca de nosotros, hemos recopilado en este libro algunas de las mejores imágenes de nuestro país desde el espacio, imágenes que, aparte de ofrecernos un deleite visual, nos ayudarán también a conocer mejor el lugar en el que habitamos, y a cuidarlo y preservarlo para futuras generaciones.
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Una formidable y original antología de piezas que mezclan el rock progresivo, toques clásicos y new age. Composiciones originales del propio autor para piano. Esta selección constituye un auténtico goce para el aficionado al piano. Cada partitura incluye acordes cifrados y códigos QR que enlazan con la interpretación de la partitura en vídeo por parte del autor.
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Un libro ameno y divulgativo que sorprende tanto por su descripción de las divinidades, musas y sacerdotisas de la Edad Antigua como las de las compositoras e intérpretes reales y también aquellas que habitaban en conventos y monasterios femeninos, las orquestas de mujeres y las que crearon óperas. Una obra magnífica que nos presenta otra historia de la música, en este caso en clave femenina. Del Antiguo Egipto a la España de la posguerra, de la mujer medieval encarnada en la figura de Hildegard von Bingen a la compositora operística Augusta Holmès, pasando por Clara Schumann o María Barrientos, este libro hace un recorrido por las circunstancias sociales, políticas y económicas a las que tuvieron que enfrentarse algunas de las mujeres cuya labor artística quedó ofuscada y que es necesario reivindicar. Las Tudor, reinas y músicas. Lluïsa Casagemas, una gran compositora que escribió más de trescientas obras, la mayoría para canto y piano, y dos óperas. Nadia Boulanger, un referente de la educación musical europea en el siglo XX. Compositoras de ópera en los años de la Revolución francesa.
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Entre las décadas de los años veinte y cincuenta de la pasada centuria, las películas, que comenzaron siendo curiosidades de gabinete en ferias, lograron convertirse en el mayor espectáculo del mundo. Los protagonistas de aquellos shows de celuloide que encandilaban al público desde la gran pantalla, pronto fueron erigidos como reyes dominantes del imaginario colectivo del siglo XX. Pero aquel panteón cada vez más poblado de rutilantes deidades, albergaba asimismo siniestros y decadentes bastidores, plagados de sombras sin fin: espectros, maldiciones, muertes extrañas, crímenes sin resolver, adicciones, magia sexual, satanismo... Hechos misteriosos, sucesos estremecedores y, en ocasiones, atroces ocurrían entre el lujo y la fatalidad, entre el oropel y la decadencia. Crueles destinos inexorables, tanto de numerosas estrellas, como de aspirantes a serlo.
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Yo deseo la felicidad de todo el mundo, escribió Joaquín Sorolla. ¿Qué hizo para conseguirlo? ¿Se puede aprender a ser feliz a través del arte? ¿Por qué disfrutamos al contemplarlo? Articulado a través de diez lecciones de felicidad, que ofrecen otros tantos puntos de vista transversales sobre la vida y la obra de Sorolla, este libro se interroga sobre el verdadero alcance de su éxito y el placentero bienestar que refleja su pintura. Los críticos contemporáneos coincidieron en afirmar que la alegría de vivir rebosaba en sus cuadros, interpretados como si fueran visiones naturales creadas sin esfuerzo. Sabemos, sin embargo, que en la vida no siempre es fiesta, así que tanta felicidad ha de esconder alguna suerte de ficción. Quizá uno de sus mayores logros haya sido convencernos de su autenticidad. El relato se ha concebido como una reflexión distendida y delicadamente irónica sobre los tópicos que han envuelto de felicidad a Sorolla, hasta negar cualquier sombra. La luz levanta el ánimo. No hay recurso más eficiente que iluminarlo todo para olvidarse de que no hay nada oculto de lo que preocuparse. Sorolla es recordado como un triunfador que pintaba gentes felices en lugares maravillosos. El arte es una extraordinaria ilusión. No pretendamos que también sea real. En la vida no se puede tener todo.
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En poques dècades, la humanitat ha experimentat una revolució en els hàbits ancestrals. Sense que ens n'adonem, la nostra espècie ha passat d'habitar cada racó de la Terra, immersa en la natura, a viure en una part veritablement ínfima de les terres emergides del planeta: la ciutat. Una revolución només comparable a la transició de caçadors-recol·lectors a agricultors que es va produir fa 12.000 anys. És cert que en termes d'accés als recursos, eficiència, defensa i difusión de les espècies, aquesta transformació és avantatjosa. Però també ens exposa a un risc terrible. El nostre èxit urbà requereix, de fet, un flux continu i exponencialment creixent de recursos i energia, que tanmateix no són il·limitats. A més, l'escalfament global pot canviar definitivament l'entorn de les nostres ciutats i constituir precisament aquesta mutació fatal de les condicions de què depèn la nostra supervivència. Per això s'ha tornat vital tornar la natura al nostre hàbitat. Les ciutats del futur, ja siguin construïdes des de zero o renovades, s'han de transformar en fitòpolis, llocs on la relació entre plantes i animals s'acosti a la relació harmoniosa que trobem a la natura. No hi ha res de més important que això per al futur de la humanitat.
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La revista fue, es y seguirá siendo hija y producto de su tiempo. De las circunstancias sociales, políticas y culturales de cada una de las épocas en que le tocó vivir. Y en todas, vivió la censura, incluso en la actualidad. Pero la revista es mucho más de lo que el espectador de a pie pueda presenciar una vez adquirida su localidad y se sienta cómodamente para presenciar el espectáculo. La revista es también todo el entramado escénico que latía tras las bambalinas. De interminables horas de elección de compañía, libreto, música y artistas. De agotadores ensayos y de airadas vedettes. De duras giras por provincias y de nervios el día del estreno. De aplausos y risas. De llantos y pensiones. De las “mamás” de la artista en el camerino, a estraperlistas sin pudor rendidos admiradores de la vedette de turno. De dimes y diretes en torno a la escultural estrella del espectáculo… Eso y, mucho, muchísimo más, era la revista. Un género menospreciado por algunos al que Juan José Montijano a través de esta magnífica obra coloca en el lugar que siempre ha merecido. Señoras… señores… ¡¡Luz a baterías!! La revista va a comenzar… Regresan a la pasarela Celia Gámez, Queta Claver, Addy Ventura, Lina Morgan, Tania Doris, Virginia de Matos, Trudi Bora, Paquita Gallego, Carmen Olmedo, María de los Ángeles Santana, Vicky Lussón acompañadas por Lepe, Cervera, Bárcenas, Heredia, Quique Camoiras, Juanito Navarro, Luis Barbero, Tony Leblanc, Alfonso del Real, Pedro Peña, Luis Cuenca, Adrián Ortega, Ángel de Andrés, Pajares y Esteso... así que… Señoras… señores… entonen, junto a nosotros aquello de “Lleve usted nardos, caballero, si es que quiere a una mujer… nardos no cuestan dinero y son lo primero para convencer… Por la calle de Alcalá, con la falda almidoná y los nardos apoyaos en la cadera…”
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Este libro analiza las fotografías mediáticas y las contrapone a otras miradas afiladas que desde la creación artística emplean la material visual para desmontar discursos y alumbrar verdades más plurales, menos demagógicas.
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El Classicisme vienès és, sens dubte, un moment estel·lar de la humanitat. La música de Mozart, Haydn, Beethoven i Schubert en són la prova perenne. Escoltarne la música ens permet constatar-ho a cada nova audició. Però conèixer el context històric, estètic i de pensament que van fer possible aquesta constel·lació artística ens ajuda a gaudir encara més de l’audició d’aquesta música. Miquel Desclot ens ofereix en aquesta monografia una exposició global d’aquest moment històric (no precisament simple) i d’aquest corrent estètic. I ho fa des del coneixement profund de la música de l’època, però també des de la sensibilitat de l’escriptor bregat en la traducció de textos d’aquesta època i de l’humanista coneixedor dels esdeveniments i context històric.
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Llegado a la literatura justo en el momento en el que acababa el Simbolismo, y fallecido la víspera del advenimiento del Dadaísmo en París y del nacimiento del Surrealismo, Guillaume Apollinaire (1880-1918) desarrolló una obra situada en la encrucijada de las principales tendencias estéticas que atraviesan el siglo XX. En ''Las tetas de Tiresias'', subtitulada ''Drama surrealista en dos actos y un prólogo'', Teresa muda de sexo y se convierte en hombre para librarse de las imposiciones sociales que sufre como mujer, tras lo cual abandona a su marido y emprende una exitosa carrera militar en Zanzíbar. El marido, a su vez, se adapta a la situación y asume hiperbólicamente los roles asociados a las mujeres, llegando a tener en un único día 40050 hijos. Ingeniosa, irreverente y arriesgada, la obra de Apollinaire cuestiona y desafía la moral de su época, al tiempo que llama a abrazar un futuro radicalmente nuevo, en el que los antiguos moldes se desechan para siempre.
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Análisis de las miradas que la fotografía proyecta sobre la arquitectura y cómo es esta percibida. La arquitectura existe por sí sola, pero es irrefutablemente un objeto de consumo perceptivo, fenomenológico y visual. El espacio construido ''entra por los ojos'' y, por lo tanto, la arquitectura se marida con la fotografía a efectos de documentación y difusión -así sucede desde los tiempos del apogeo de la modernidad-, pero también como condicionante primario de su forma, expresión e interpretación. Si el espacio construido tiene una segunda y paralela existencia en sus imágenes y estas hablan un lenguaje independiente alejado incluso de la realidad física que interpretan, debemos reflexionar críticamente sobre el alcance de las complejas relaciones entre ambas disciplinas. Esta es la tarea investigadora y divulgativa en la que lleva inmerso Iñaki Bergera más de una década y que este libro muestra reunida por primera vez. Con prólogo de Luis Fernández-Galiano.
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Esta nueva muestra sobre el pintor Joaquín Sorolla ofrecerá una combinación inédita hasta ahora y que se ensaya aquí por primera vez: una exquisita selección de un interesante conjunto de pinturas originales -muchas de ellas pertenecientes a colecciones particulares y, por tanto, apenas vistas antes- y los nuevos formatos de exposición que, utilizando los recursos técnicos de última generación -multipantallas LED y realidad virtual- sumergen al visitante en un espectáculo de imágenes en movimiento y sonidos que amplían e intensifican el efecto sensorial de la pintura y nos permiten viajar cien años atrás a la época del pintor. Ninguna otra pintura podría prestarse mejor a esta fusión que la de Sorolla, que tiene en la luz y el color su principal soporte.
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Aquest volum inèdit aplega quinze assaigs breus de Colm Tóibín, triats d'entre els més de quaranta que ha escrit sobre artistes i les seves obres els darrers vint anys. És un llibre sobre art, especialment sobre una determinada manera de mirar i de deixar-se captivar, una manera de llegir i de narrar. Tota obra de creació, ja sigui plàstica o literària, té un punt de partida, de vegades tot just una marca en una tela o una paraula en un full en blanc, un desllorigador per deixar volar la imaginació. Miró, Calder, Barceló, Tàpies, Bacon, Arbus, Freud, Sargent, Lotto, Tintoretto, Goya... evidencien que la imaginació, quan treballa, està sempre sola, i que aquell moment inicial de concentració furiosa i única de l'acte creatiu només la intel·ligència pot decantar-lo o moderar-lo. Al prefaci que obre el llibre, Tóibín suggereix que segurament deu a la pintura el fet d'haver-se posat a escriure.
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La Semana Santa de Jerez de la Frontera es una de las cinco grandes celebraciones pasionistas andaluzas y es el reflejo espléndido y sorprendente de una sociedad fervorosa, religiosa (a su manera), culta y viva, que evoca una estética soñada, como la que captaron el abulense Juan José Serrano o el arcense Eduardo Pereiras Hurtado, pero sin que quede fosilizada en aquellas vetustas imágenes en sepia. La fiesta mayor conoció las influencias austeras, místicas y barrocas, románticas, populares y flamencas, y se sobrepuso a las crisis sociopolíticas, floreció en los años de la Belle Époque primo-riverista y en su secuela nacionalcatolicista, se adaptó al moderno flower power que llegó a ritmo de folk, pop y rock and roll, o explosionó en un modelo global y depurado, con un lenguaje teatral, cinematográfico y televisivo. Se trata de una Semana Santa de primer nivel fenomenológico y patrimonial, revalorizada, tradicional e innovadora, con seleccionadas adherencias y creatividad, y con una mirada orgullosa, desafiante y confiada en su futuro.
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«El mundo de la arquitectura contemporánea se ha ido alejando de forma cada vez más visible, con su increíble variedad de formas, aun las más absurdas y sorprendentes, de todo aquello que siempre ha servido para identificar una construcción como arquitectura y a identificar aquella arquitectura como perteneciente por derecho a un corpus que, habiéndose formado a lo largo del tiempo, es el único legitimado para encarnar su propia definición. Por eso, me ha parecido necesario, incluso indispensable para no tener que avergonzarme, comprometerme, en cuanto arquitecto que piensa, en contra de esta tendencia, no solo con mis proyectos sino también con la enseñanza y con mis escritos». (De la Introducción de Giorgo Grassi) Una vida de arquitecto es un texto que conmueve por su sinceridad y por la voluntad de mostrar la realidad de una trayectoria sin engaños, autobombo ni edulcoraciones. En estas páginas repasa y analiza su propia obra, exponiendo con claridad sus firmes ideas acerca de la arquitectura, en el convencimiento de que esta es una disciplina auténtica, un mundo propio y una memoria, tanto personal como colectiva. Ese mismo reconocimiento y ese compromiso es el que Grassi, calificado elogiosamente como arquitecto inoportuno y maestro difícil e inimitable, encuentra en algunas obras «a contracorriente» de todos los tiempos, obras que revelan un compromiso primordial con la arquitectura, por encima de las demandas de la moda o del mercado. Esta especie de guía razonada se completa con un registro cronológico de sus proyectos y obras, ilustrado con imágenes y extractos de las memorias, al que el autor ha querido añadir, como prueba expresa de gratitud, un breve, y por fuerza incompleto, «álbum de los amigos».
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Félix Beltrán: Inteligencia Visual. El diseño en sentido social es la primera monografía sobre el diseñador. Muestra más de 600 imágenes ù logos, carteles y portadas de librosù, y ofrece una visión profunda del pensamiento conceptual, creativo y social de una de las figuras más relevantes del diseño iberoamericano. El estilo sobrio y colorido de sus carteles dedicados al ahorro de electricidad y petróleo, así como las icónicas imágenes de -ngela Davis o el Che Guevara se convirtieron en el lenguaje de diseño no oficial de la agitación gráfica en todo el mundo. En palabras del académico, diseñador e historiador del diseño Enric Satué, «Félix Beltrán es, sin ningún género de dudas, el primer diseñador gráfico conocido capaz de expresarse con onomatopeyas». En ésta monografía el lector podrá descubrir el arte de diseñar logos y carteles a través de la simplicidad gráfica más radical.
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Yo veo / Tú significas es una novela experimental sobre espejos, mapas, relaciones personales, sobre el océano, el éxito esquivo y la felicidad como posibilidad. A través de un collage de fotografías verbales, diálogos, encuentros sexuales, material encontrado y dispositivos de auto-identificación (astrología, el I Ching, quiromancia, Tarot) narra de pasado a futuro la cambiante relación entre dos hombres y dos mujeres. Entre líneas suceden muchas cosas. La crítica de arte Lucy Lippard escribió esta novela en 1970 y se convirtió feminista en el proceso: ''Empecé escribiendo y me di cuenta que estaba avergonzada de ser una mujer. Entonces tuve que saber por qué. Luego me enfadé. La forma fragmentada y visual del texto bebe del arte contemporáneo y las emociones conflictivas de las confrontaciones políticas de los 60, todo esto sugirió una nueva forma de recolocar las cosas, de forma abierta, de una manera femenina que no pretende conclusiones''. Esta primera edición en castellano sucede cuarenta años después de su publicación en inglés y recuerda la actualidad del legado de su autora en la crítica y la práctica del arte contemporáneo. Esta edición cuenta con una introducción de la crítica de arte e investigadora Paloma Checa-Gismero responsable de su traducción.
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Más de medio siglo después de que un grupo de Liverpool llamado The Beatles fueran más populares que Jesucristo de que revolucionaran la música, y la sociedad, de los innovadores años 60 de que los y las jóvenes de medio mundo quisieran ser John, Paul, George o Ringo. Y más de 40 años después de que John Lennon fuera asesinado a las puertas de su casa en Nueva York, y de que su mito arrastrara al grupo al Olimpo de la música, y justo 20 años después de que la muerte de George Harrison cerrara para siempre el debate de la vuelta del grupo... ¿por qué seguimos hablando de los Beatles? ALL YOU NEED IS LOVE es un libro que cuenta todo sobre el grupo más famoso de la historia a través de las historias de las 214 canciones oficiales que grabaron. Con las letras originales y su traducción al español, y todo ello ilustrado con más de 3.500 imágenes en gloriosos B/N y color.
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Blade Runner es una obra maestra del celuloide y una película de culto que, de un modo casi imperceptible, se ha ido consolidando como un clásico en la historia del séptimo arte. Todo ello, gracias a una estética sugerente, que marcó un hito en el género de ciencia ficción, y a una interesantísima reflexión sobre el origen del ser humano y su destino, los riesgos de la manipulación genética y la fugacidad de la vida. El buen cine no envejece. Y en este caso, menos aún, por el mítico año 2019 en el que transcurre la trama, todavía cercano. En este libro, el autor ofrece claves sobre el guion, los personajes, las metáforas visuales y los temas de fondo, que ayudan a comprender y a disfrutar de este gran clásico, ahora con continuación en la gran pantalla.
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Animales y seres fantásticos del mundo antiguo al Medievo cristiano. Incluye coda final con imágenes y equivalencias simbólicas de los animales y seres fantásticos que conforman el bestiario.Procedente del mundo grecorromano, bizantino y persa, el bestiario fantástico se apodera del mundo cristiano románico no sin resistencias y críticas. No obstante, cuando se sacraliza esta estética pagana convirtiendo a los animales -tanto reales como imaginarios- en portadores de virtudes o perversiones, empiezan a plagar capiteles, canecillos, metopas, tímpanos, arquivoltas, muros, pilas bautismales, objetos litúrgicos y una incontable serie de soportes que, lejos de la mera función ornamental, aportan un significado simbólico cuyo sentido trata de desentrañarse en este libro.El bestiario fantástico es uno de los motivos escultóricos que más interés genera, y el que mayor efecto de intimidación provoca en el hombre medieval. Estas peculiares e imaginativas bestias nacían por combinación de partes de animales diferentes, creando estampas, en ocasiones, atroces. Los animales podían ser representados solos, en lucha entre sí o con hombres indefensos, siempre con el objetivo de conmover y motivar al creyente en su esfuerzo por evitar las tentaciones y renegar del pecado.Aunque cualquier símbolo tiene dualidad de significados, incluso completamente opuestos, el románico usó ciertos animales con predilección para manifestar el bien y otros como formas del mal. Las aves como la cigüeña, el águila o la paloma simbolizan el anhelo del espíritu por alejarse de lo terrenal en busca de valores más altos. El león, por su parte, representa nobleza y fuerza. Son animales que ''guardan'' el templo. No impiden el paso al recinto sagrado pero advierten que el umbral divide lo sagrado de lo profano. Por el contrario, en la nómina de los animales relacionados con el mal aparecen el mono, como caricatura grotesca del hombre, la serpiente, símbolo del pecado y del demonio, la liebre y el conejo asociados con la concupiscencia por su fertilidad, el jabalí y el cerdo por ser lujuriosos, sucios y perezosos...Esta obra es una verdadera guía sobre todo ese bestiario a través de un proceso de deconstrucción de su significado que, en ocasiones, se remonta a nuestro pasado más arcaico. Un viaje a través del arte, de los mitos, leyendas y tradiciones populares en cuyos contenidos se encuentra buena parte de nuestras principales preocupaciones existenciales.
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