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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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El cine y la arquitectura comparten una historia de encuentros. Ya desde sus inicios, el séptimo arte ha necesitado de la arquitectura, del marco construido, como telón de fondo de las acciones desarrolladas en la pantalla. El cine, por su parte, ha permitido establecer una mirada diferente sobre el territorio que los hombres habitamos, una mirada subjetiva, intencionada y distante. El presente diccionario aborda la posibilidad de diseccionar intencionadamente el campo de coincidencias visuales y operativas entre el trabajo del cineasta y del arquitecto a partir de un posible conjunto de términos comunes. La propia enunciación de los mismos, en absoluto entendidos como entidades cerradas, habla de la posibilidad de innumerables relaciones cruzadas, algunas de ellas contenidas en sus páginas, otras por descubrir. Cada una de las voces del diccionario se puede leer como un pequeño ensayo en sí mismo. Desde este punto de vista, su redacción obedece tanto al intento de desarrollar aquellos aspectos que los autores consideran más cercanos a sus propias sensibilidades e inquietudes como, a su vez, a la intención de que se postule como una guía para orientar posibles futuras investigaciones a partir de cualquiera de las entradas que constituyen su índice. Escrito a cuatro manos por dos arquitectos, la que se despliega es, obviamente, la mirada del arquitecto.
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En Cómo dibujar y pintar animales expresivos, Amarilys Henderson —artista, creadora de tutoriales en línea y autora de Cómo dibujar y pintar caras expresivas— presenta ideas prácticas y creativas para dibujar y pintar animales con técnicas y estilos muy variados, desde realista hasta tipo cómic. A medida que vaya conociendo su lado más creativo, verá que dibujar a pequeña escala es una manera sencilla de relajar la tensión y abrirse a experimentar y a aprender las técnicas y los planteamientos que Amarilys comparte en este libro.
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¿Sabía usted que Chopin nunca existió y que era una invención de George Sand? ¿Que Sibelius escribió siempre la misma obra y nadie se dio cuenta? ¿Que Stravinski formó un grupo pop para competir con The Beatles? ¿Que Albéniz fue el jefe de una banda de forajidos en México a los diez años y que Satie ocultaba un Aleph dentro de uno de sus pianos? ¿Y que Haydn realizaba viajes astrales?Por las páginas de El horizonte quimérico desfilan un Mozart de cincuenta años, un Beethoven con el oído recobrado, autómatas inteligentes, compositores más poderosos que el Rey Sol y vampiros sedientos de música. Una reformulación del concepto de ucronía con guiños a Borges, Marcel Schwob y el realismo mágico que, sin duda, hará las delicias de los melómanos y de los amantes de las lecturas con una sonrisa en los labios.
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Vivimos en una nueva edad barroca: otro periodo de luces y sombras, ingenio y mentiras, ilusionismo y ansiedad. Como entonces, el mundo es un gran teatro, y el individuo, un ser solitario enfrentado a la incertidumbre. La soledad como elección y destino. Este libro se centra, en primer lugar, en la moral de la España del llamado Siglo de Oro, y en segundo en la de nuestra época en general, en muchos aspectos coincidente con la de aquella: individualismo y postureo, falta de imaginación social y sumisión al orden establecido, entrega a la realidad virtual y preeminencia del miedo.Y, a la vista está, otro tiempo de ortodoxias imperiales, desigualdad social y pesimismo colectivo. Después de las crisis con las que se ha abierto el siglo XXI, nada es lo que se pensaba. Mientras tanto, la vida transcurre como en un tiempo detenido: sin esperanza de futuro ni nostalgia del pasado. Decidiendo solos, en la incertidumbre.
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Bessie Smith nació en Chattanooga, Tennessee, en 1894, y se quedó huérfana a una edad muy temprana. Pasó unos años cantando en la calle antes de juntarse con una célebre compañía de espectáculos itinerantes, con la que giró por todo el sur de Estados Unidos cuando todavía estaban firmemente implantadas las leyes de segregación racial. En 1923 realizó su primera grabación con la incipiente discográfica Columbia Records, que en pocos meses vendió la cantidad récord de 780.000 copias y la convirtió en una estrella. Conocida como la Emperatriz del Blues, Bessie Smith fue un personaje complejo con una vida difícil, cuya historia supera en muchos aspectos la ficción. Sus hazañas se han convertido en material de leyenda, y sus canciones sobre tragedias amorosas y el sufrimiento de las mujeres a menudo parecen un terrible presagio de las desgracias que a ella misma le sucederían poco después de escribirlas. Así lo explica Jackie Kay, laureada poeta y escritora escocesa, que cuando era adolescente encontró en Bessie alguien con quien podía identificarse, un espejo en el que reconocer su propia negrura y un modelo de magnanimidad y osadía al que nunca ha dejado de idolatrar. En este libro extraordinario que mezcla biografía, ficción, ensayo y poesía, la autora canaliza su enorme admiración por Bessie y agradece la fuerza transmitida por sus canciones y su excepcional ejemplo de vida. Publicado originalmente en 1997, Bessie Smith emerge por primera vez en castellano en 2022 como un clásico del ensayo biográfico y un libro imprescindible para conocer la turbulenta historia de la Emperatriz.
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Presentamos íntegras por primera vez las anotaciones del diario del gran cronista Victor Klemperer sobre sus experiencias cinematográficas en los inicios de la era del cine sonoro. Desde el principio, el cinéfilo es testigo de cómo la innovación técnica se abre paso en la Alemania de 1929, y aunque inicialmente fue crítico con las películas sonoras, pronto cayó rendido ante las posibilidades de este nuevo formato. No era raro que viera varios filmes por semana. Sin embargo, los nacionalsocialistas se fueron apoderando del medio, y Klemperer acabará por quedar excluido de las salas de cine cuando en 1938 se prohíbe la entrada a los 'no arios'. Afortunadamente, ni siquiera eso pudo mantenerlo alejado de su gran pasión. Obligado a una existencia en la sombra, Klemperer experimentó momentos de luz ante la gran pantalla: 'Tanta música, humor, arte interpretativo y todo. Para mí fue una auténtica redención.' Este libro es la entusiasta confesión de un fanático de las películas que nos muestra el cine sonoro como un espejo de la historia alemana con todos sus claros y oscuros. A pesar de que algunas de las anotaciones incluidas en este volumen aparecieron en los diarios del autor que editó Galaxia Gutenberg bajo el título Quiero dar testimonio hasta el final. Diarios 1933-1945. Una selección, la gran mayoría son inéditas, puesto que en la publicación anterior se omitieron en muchas ocasiones las referencias a películas. Además, en este caso se incluyen sus textos desde 1929, añadiéndose así los diarios de unos años no contemplados en el volumen anterior.
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¿Sabías que la portada románica de San Miguel de Uncastillo, hoy en el Museo de Boston, se utilizó durante años como puerta de un garaje?, ¿que los tapices flamencos que atesoraba España se quemaban para extraer sus hilos de oro y plata?, ¿que el patio renacentista del castillo de Vélez-Blanco está hoy en el Metropolitan de Nueva York porque su último dueño lo vendió a los americanos, víctima de las deudas por el juego? En estas páginas, José María Sadia emprende un viaje apasionante y perversamente seductor por los entresijos de la venta masiva de los tesoros españoles, en una aventura a ritmo de «thriller» por los detalles de los miles de operaciones de «autoexpolio» de valiosísimas obras artísticas que parecerían ciencia ficción, de no estar rigurosamente documentadas. Una obra, en definitiva, sobre una pérdida irreparable que removerá la conciencia del lector y le hará reflexionar sobre los verdaderos culpables del expolio de nuestro pasado. «Conservación del patrimonio y coleccionismo pueden convivir perfectamente, pero a veces se han cruzado barreras que solo pueden explicarse por la falta de concienciación, educación y puesta en valor de nuestro pasado. El periodista José María Sadia conoce esta historia como nadie y aquí la cuenta sin tapujos, para sorpresa de unos y vergüenza de otros».NACHO ARES, director de Ser Historia.
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Hace cuatro décadas, Peter Bürger publicó su Teoría de la vanguardia, un libro de culto, concentrado en las dos tareas más importantes que demandaba entonces el arte: romper la representación y disolver la frontera que lo separaba de la vida. Fracasar en esta doble empresa habría certificado, según Bürger, la derrota de la vanguardia y quizá algo peor: su imposibilidad. Cuarenta años después, Teoría de la retaguardia es un manifiesto irónico surgido de ese fiasco, aunque no pierde el tiempo ni lamentándolo ni maquillándolo. Sobre todo porque aquí se entiende que nuestra época no está marcada por la distancia entre el arte y la vida, sino por una tensión entre el arte y la supervivencia, que es la continuación de la vida por cualquier medio. En el malestar que brota de esa supervivencia, Teoría de la retaguardia sospecha de un arte que va dejando sus esquirlas en la política, la iconografía o la literatura, ámbitos desde los que regresa cada vez más maltrecho a su Ítaca de siempre: el museo. Desde ese viaje de ida y vuelta, este ensayo mordaz y austero -en el que se tropiezan Duchamp con La Lupe, la revolución con el museo, Paul Virilio con Joan Fontcuberta o Fukuyama con Michael Jackson- se pregunta si el Arte Contemporáneo no se acaba nunca. Porque si fuera mortal, entonces habría que escribirle un final.
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La piedra tiene un atractivo duradero y se ha utilizado para construir casas durante siglos. Sorprendentemente diverso y versátil, está disponible en multitud de colores y texturas, que van desde la refinada elegancia del elegante mármol blanco y el granito pulido hasta el encanto rústico de la pizarra gris y el travertino beige.Esta selección cuidadosamente seleccionada de 50 impresionantes casas de todo el mundo, desde imponentes mansiones hasta pequeñas cabañas, muestra, a través de imágenes interiores y exteriores, cómo destacados arquitectos de todo el mundo han aprovechado la belleza de la piedra para crear casas exquisitas en una variedad inspiradora de estilos.
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Una indagación sobre el concepto de ''pato'' y ''cobertizo decorado'' establecidos por Robert Venturi y Denise Scott-Brown, sus relaciones y conexiones.Este ensayo explora la relación entre palabras, imágenes e ideas en la construcción de una de las teorías más extendidas en la cultura arquitectónica del siglo XX: la famosa distinción entre el pato y el cobertizo decorado establecida por Robert Venturi y Denise Scott Brown a finales de los años sesenta. La indagación en sus antecedentes y las conexiones con otros materiales de la cultura arquitectónica reciente lleva a Silvia Colmenares a construir una secuencia de relaciones que permite comprender mejor cómo operan los ideogramas que la sostienen y cuestionar su vigencia actual.
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Hollywood es glamour: alfombras rojas, grandes marquesinas, entregas de premios, estudios cinematográficos tan grandes como ciudades, estrellas que se convierten en leyendas, y un universo de películas eternas. Pero también es el escenario de historias trágicas, truculentas, de ritos y maldiciones, de crímenes sanguinarios y suicidios inesperados. Desde Rodolfo Valentino hasta los Power Rangers y Glee, pasando por James Dean, Sharon Tate, Marilyn Monroe, Bruce y Brandon Lee, la maldición de los Superman, las muertes dudosas de Poltergeist o las difíciles vidas de los protagonistas de Blanco y negro, este libro explora algunos de los personajes y hechos que forman parte del lado más tétrico de''la Meca del cine'', un lugar en el que la ficción más horrible parece cosa de niños en comparación con la cruda realidad.
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Ricardo Aroca nos cuenta en este amplio volumen qué es estructura y cuáles son las características que la definen: equilibro, resistencia, estabilidad, rigidez...Cuando, como alumno, entré en contacto con las estructuras, con la ilusión de que por fin iba a usar para algo las matemáticas que llevaba estudiando desde la infancia, me extrañó que las estructuras que sobre las que teníamos que trabajar parecían salir de la nada y pronto empecé a preguntar, sin obtener respuestas convincentes ¿cómo se empieza? Las clases eran rigurosas pero crípticas y como se corrió la voz de que yo me enteraba, aunque no era del todo cierto, me vi arrastrado a implicarme en la docencia. Entonces me di cuenta de que la mejor manera de entender de verdad algo es tener que explicárselo a otros, agradezco a mis alumnos su involuntaria colaboración en mi empeño por comprender las estructuras. Antes de comprobar la validez de una estructura (cosa que hace estupendamente un programa informático) es preciso definirla. Las herramientas de análisis usadas de forma genérica pueden servir para orientar las decisiones de diseño y espero que anime y ayude a los lectores a comprender la función estructural. He estructurado la obra en cuatro libros correspondientes a equilibrio, resistencia, rigidez y estabilidad precedidos de un volumen de introducción.
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El cuerpo es últimamente centro de interés creciente de las ciencias humanas. Sus secretos están lejos de ser completamente desvelados. Estudios recientes insisten en que el cuerpo tiene una historia y que esta historia abarca apariencia y profundidad, deseo y poder, caída y apoteosis, vida y muerte. Este es el contexto en el que el presente libro pretende adentrarse, apelando a los instrumentos del historiador de las imágenes. Hasta hoy, el comentario estético tradicional se ha situado esencialmente en el terreno de las apariencias, escamoteando la confrontación con lo que las supera, lo visible no es únicamente cuestión de superficie. El cuerpo es una representación, inseparable de la mirada que lo elabora y de los ''media'' que lo exhiben, indisociable de su propio envoltorio cutáneo (maquillajes, incisiones, armaduras, velos, adornos) y traducido por palabras, letras, películas de color, bloques de mármol, pantallas de proyección. Este libro estudia el papel que desempeñan en la construcción del imaginario del cuerpo las creencias, los efectos de conciencia, los gustos estéticos, los deseos, los caprichos, las obstrucciones y los temores.
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El inicio y el auge de la popularidad de la cantante Estrellita Castro, entre 1921 y 1936, a través del prisma de los acontecimientos sociales y políticos de la época.La trayectoria de Estrellita abarca desde que actuó con 11 años ante la reina Victoria Eugenia hasta que logra salir del Madrid republicano de la guerra, gracias al ministro socialista Indalecio Prieto, sin olvidar la dictadura de Primo de Rivera, la proclamación de la II República, la Revolución de Asturias, el terrorismo y el inicio de la Guerra Civil. Fruto de tales hechos, la artista pasa de ser apolítica a considerarse públicamente republicana de Lerroux y a simpatizar con el sindicalismo de Pestaña, años en los que, entre las violencia social, se dedicó a crear la canción andaluza, como génesis de la copla española. La novela, que toma como hilo conductor de las convulsiones sociales la vida de Estrellita Castro, hace un homenaje a los espectáculos de variedades, a olvidados y recordados artistas y compositores y a los teatros que daban vida tanto a los pueblos de la España de los años 20 y 30 como a los concurridos music-hall barceloneses y los teatros madrileños. Junto con esto, se muestra la realidad de los movimientos obreros, principalmente el anarquismo, y las perspectivas de la educación reglada. El ansia de libertad motiva y cambia la vida de los personajes. La novela contiene información desconocida o novedosa sobre Estrellita Castro hallada en la prensa de la época.
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Si hay un personaje legendario entre los artistas modernos, ése es Paul Gauguin. La leyenda, el mito, el personaje novelesco que él mismo tanto contribuyó a crear, nos ha hecho, en muchos casos, muy difícil distinguir lo que de verdad y mentira, de hechos y de literatura, existe tanto en su biografía como en su figura artística. Su alejamiento de Europa, que oscurecía convenientemente su perfil tras una cortina de aventura, locura o valentía, o simplemente inadaptación, contribuyó en gran medida a la creación de un mito que tanto él como sus amigos se ocuparon de preservar cuidadosamente desde la lejanía. A través de los textos que se recogen en el presente volumen, en su mayoría escritos durante su estancia en los Mares del Sur, el lector profundizar en el pensamiento de Gauguin, así como en su relación con otros protagonistas de su época como Van Gogh.
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La película más personal de Pedro Almodóvar. Ellibro más repleto de extras. Salvador Mallo es un veterano director de cine aquejado de múltiples dolencias, pero el peor de sus males es la incapacidad para seguir rodando. La mezcla de medicamentosy drogas hace que Salvador pase la mayor parte del día postrado. Este estado de duermevela le traslada a una época de su vida que nunca visitó como narrador: su infancia en los años sesenta, cuando emigró con suspadres a un pueblo de Valencia en busca de prosperidad. También se le vuelve a aparecer su primer amor adulto, ya en el Madrid de los ochenta, y el dolor quesupuso la ruptura. Salvador se refugia en la escritura como única terapia para olvidar lo inolvidable. Ese ejercicio lo devuelve al temprano descubrimiento del cine, cuando las películas se proyectaban sobre un muro encalado, al aire libre, con olor a pis, ajazmín y a brisa de verano. De nuevo, descubrirá queel cine puede ser su única salvación frente al dolor, la ausencia y el vacío. Esta edición contiene, además del guion original de la película (que incluye escenas que no se vieron en el cine), un sustancioso apartado de comentarios sobre su proceso creativo y el rodaje, firmado por el propio Almodóvar, y un precioso epílogo de Gustavo Martín Garzo. Además, está profusamente ilustrada a todo color con fotografías y fragmentos del storyboard.Un libro perfecto para todos los amantes del cine y la cultura.
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Black Sabbath cambió la historia de la música. Con 19discos de estudio y más de setenta millones de discos vendidos, este grupo nacido en Birmingham revolucionó el panorama musical con la oscuridad de las letrasde sus canciones, unos poderosos riffs de guitarra yun sonido contundente, denso y distorsionado. Esta es la trayectoria de cuatro desconocidos que unieron sus vidas y su trabajo para crear un estilo que se conocería como heavy metal y que ha servido de faro y referencia fundamental a otros grupos. Escrito con conocimiento de causa y de la manera más amena por el periodista musical César Muela, este libro describe el camino que iniciaron Tony Iommi (guitarra), Ozzy Osbourne (voz), Geezer Butler (bajo) y Bill Ward (batería)y el recorrido -con todos sus altibajos- que les hallevado a ser considerada como una de las mejores bandas de todos los tiempos. De cómo Jethro Tull impulsóel nacimiento de Black Sabbath. Los gloriosos y devastadores años setenta: del disco Black Sabbath a Never Say Die! Los años de Ronnie James Dio. Ozzy Osbourne se hace una estrella de la televisión.
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La exposición El gusto francés pretende paliar una deuda pendiente: la del análisis de la presencia del arte galo en nuestro territorio a lo largo de un período prolongado, el de mayor influencia recíproca e interrelación entre los dos países: los siglos XVII, XVIII y XIX. El proyecto se plantea de manera transversal. Cruza aspectos de la historia del gusto con elementos de la historia del coleccionismo, combinados con otras disciplinas colaterales como son el estudio de las relaciones diplomáticas, los fenómenos de hibridación cultural o el análisis de la construcción de las identidades nacionales. Asimismo, desde el punto de vista estrictamente material, la muestra no se plantea límites y trata de pensar en esa evolución de un cierto gusto atravesando territorios creativos tan diversos como la pintura, la escultura, los textiles, las artes suntuarias y objetos de uso cotidiano o la moda.
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¡¿Diamantes en la basura?! Quien tiene ojo para ello, puede ver la belleza en todas partes, también en la basura y en los objetos más inútiles. La diseñadora Anja Brunt y la ilustradora Tineke Meirink han estado siempre interesadas en la belleza de lo cot
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Este libro consta de 12 unidades divididas en cuatro bloques teórico-prácticos cada una. De esta forma tendrás distintas formas de aproximación y estudio a las artes escénicas.Bloque 1Es una historia del teatro occidental, y como tal sigue en su mayor parte un orden cronológico: las últimas unidades hacen un recorrido por aspectos de las artes escénicas que no suelentratarse en los libros de texto al uso: el teatro musical, que hoy día tiene una enorme popularidad, y el teatro oriental, que resulta imprescindible conocer para no centrarnos solamente en lacultura europea. La última unidad está dedicada a una realidad que hoy no se puede obviar: el papel de las mujeres en las artes escénicas.Bloque 2Ofrece una metodología de trabajo del actor que engloba el trabajo de voz, el trabajo de cuerpo y la interpretación de un personaje.Bloque 3Es una guía (orientativa y con vocación realista) para el caso de que el profesor decida montar una obra de teatro como trabajo del curso.Bloque 4Es una aproximación a lo que podría ser una escuela del espectador. En él se ofrecen distintas perspectivas y se propone una metodología para analizar espectáculos escénicos superandoel análisis literario que es tradicional al abordar la literatura dramática.Cada bloque se distingue por un color. Podrás ir alternando tu lectura y aprendizaje entre contenidos teóricos y prácticos unidad por unidad, pero también podrás seguir cada bloque de forma lineal pasando de una unidad a otra, ya que se guarda un hilo conductor de principio a fin entre todos los bloques. El color identificativo de los marcapáginas te servirá de ayuda en el manejo del libro.En todos los bloques se ofrece una explicación teórica y una serie de actividades y textos ilustrativos que completarán el aprendizaje del alumno con sus producciones, activando la ransición cognitiva del saber, al hacer.Cada unidad incluye una parte final con MATERIALES DE APOYO:Textos. Relacionados mayoritariamente con el bloque “Artes escénicas en su contexto histórico” en cuanto a que corresponden a la época tratada en él. Sirven igualmente para realizar todo tipo de ejercicios, desde el análisis puramente literario hasta trabajos como los propuestos en el bloque “Expresión e Interpretación”. Pueden ser también base para una representación en la que se pongan en escena varios de ellos, por lo que, siempre que ha sido posible, se han elegido textos completos o escenas que tengan un sentido en sí mismas.Léxico de las artes escénicas. Destinado a resolver dudas o a afianzar alguno de los conceptos que se han tratado en la unidad correspondiente y propuestas de ejercicios y otras ugerencias de lecturas, vídeos o audiciones que enriquecerán lo aprendido.
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La asombrosa relación de obras de arte, descubrimientos y revoluciones científicas, teorías estéticas y filosóficas, libros, viajes, personajes y controversias convierten este ensayo en una de las historias culturales más originales e intuitivas publicadas en los últimos años. El itinerario propuesto por el autor se orienta al análisis e interpretación del significado artístico y los valores simbólicos de las ruinas, restos arquitectónicos que hacia la primera mitad del siglo XV adquieren, a ojos de sus contemporáneos, una nueva consideración, mudando de su carácter de cantera en desorden a la condición de vestigios venerables de otra hora del mundo, dignos de ser recreados en un sinnúmero de obras de arte. En este recorrido, que llega hasta el siglo XX y la devastación física y moral provocada por las grandes guerras mundiales, presenciamos también la aceleración y el cambio de mentalidades que se sucedieron en Occidente y la consiguiente evolución que sufrió el sentido y la finalidad de la representación de esos restos del pasado. Efectivamente, las ruinas no tuvieron el mismo significado ni sirvieron al mismo fin en Botticelli, Piranesi, Chateaubriand o Freud, y si en el Renacimiento ,que les dio nueva vida como símbolos de perfección y continuidad de la grandeza clásica, valieron como cimientos de una nueva ciencia, apegada a los datos objetivos y la verdad, como fue la moderna Historia cultivada por los humanistas, los siguientes siglos las cargaron sucesivamente de melancolías y soledades, megalomanías y brumas, destrucción y pesadillas. A caballo entre la indagación estética y literaria, entre el comentario histórico y filosófico, Manuel Gregorio González descubre aspectos cruciales de nuestra cultura explicados mediante la figuración de esas nobles ruinas que hoy, como toda la herencia de los tiempos pretéritos, parecen sumidas en una profunda crisis.
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Este volumen examina el coleccionismo de artes decorativas españolas entre 1850 y 1945, aproximadamente, desde la doble perspectiva británica y española. Se trata del periodo en el que distintos tipos de objetos de procedencia española, como arquetas de marfil, tejidos en seda, alfombras, cerámica de loza dorada, mobiliario, joyas y objetos de plata eran apreciados y comprados tanto por museos como coleccionistas de ambos países. Los artículos muestran desde ambas perspectivas los puntos en común, las diferencias, las figuras claves implicadas y los contextos tan diferentes en donde estas actividades tuvieron lugar. Destaca el papel que jugaron determinados museos como el Victoria and Albert Museum y el de las exposiciones de artes decorativas y aplicadas a nivel local, nacional e internacional en la difusión del conocimiento de los objetos españoles, históricos y contemporáneos. El libro se completa con breves biografías de las figuras claves y un apéndice bibliográfico sobre el coleccionismo de arte español con especial referencia a las colecciones europeas y norteamericanas y el coleccionismo de artes decorativas españolas en España, Gran Bretaña y Europa.
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Los profundos e interesantes cambios de la sociedad española en el siglo XX vistos a través de las películas que nos han marcado. Una celebración del cine y la cultura popular española.El trasfondo de un país de la complejidad de España ha sido objeto de apasionados debates que arreciaron durante el zarandeado siglo XX, cuando se lo consideró un «enigma histórico», un «laberinto» o algo «invertebrado». Pero bajo tantos quiebros identitarios aún podían reconocerse continuidades tan llamativas como la vitalidad de su cultura popular, incluso tras la llegada del cine, que la rearticuló de abajo arriba, asistido por la industrialización del ocio y el consumo de masas. A la altura de los años sesenta del pasado siglo, las mutaciones eran de tal calibre que lo popular se había convertido en pop, estableciendo un nuevo pacto que la llegada de la democracia tradujo dos décadas después en productos tan inclasificables como las películas de Almodóvar. Un realizador que tras su audaz vanguardismo terminaría mostrando un hondo enraizamiento en tradiciones de tanto recorrido como el sainete, ya actualizado en la filmografía de Berlanga. No son los únicos ejemplos de ese sustrato autóctono atendidos por este libro. En sus páginas se narran muchos otros, trazando una crónica dramática o desenfadada, siempre fascinante de sus aspectos más insólitos o significativos. Se exploran así nuevas perspectivas sobre el cine, la intrahistoria española y su vida cotidiana, revelando sorprendentes atavismos agazapados en nuestro irreductible imaginario colectivo.
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Este libro analiza las diversas concepciones de la 'composición arquitectónica' que se formularon en los libros de teoría y se aplicaron en los proyectos y los edificios construidos durante los siglos XIX y XX. En arquitectura, 'componer' es proyectar un
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Marta LLorente lleva la mirada alli donde se deslizala luz «a partir de la experiencia de habitar el mundo, el paisaje, y en especial la arquitectura». Dice la autora: «he seguido el camino que recorre el trazode la luz desde las fuentes ma s distantes hasta losespacios que habitamos. Escribirlo ha sido como ver brillar de nuevo la arquitectura: sentir el poder de la luz en construcciones del pasado y del presente quese han levantado bajo el mismo cielo. Al final de este camino, he reconocido una vez ma s lo mucho que necesitamos tanto iluminar como preservar los lugares que habitamos de la radiacio n de la misma luz, de manera cotidiana, desde la casa hasta la ciudad». Desfilan por estas pa ginas, a modo de un muy personal catalogo de la Historia de la Arquitectura, espacios sombri os y protegidos, tales como caban as, po rticos ypatios, construcciones que miran hacia la bo veda celeste o que imitan sus formas, torres que son tambien observatorios, o lugares en donde la luz resulta unasombro para los ojos o una necesidad para la salud.A nuestro tiempo, la autora lo llama el tiempo de las cajas de luz, y ese tiempo le permite revisar el trabajo de creadores emblema ticos, de magos de las luces y de las sombras que desfilan por este singular libro.
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* Cincuenta movimientos pioneros del arte moderno y contemporáneo nacidos del compromiso político, la descolonización, la marginación o el conflicto. * Una obra que da vida a materiales inusuales a través de la exploración de las peculiaridades del contexto histórico de cada movimiento artístico, de los eventos culturales y las interconexiones clave y de los principales protagonistas en la evolución de dichos movimientos. * Presenta el trabajo de artistas de movimientos que han tenido como objetivo la revitalización de la sociedad mediante el desafío al statu quo. Aunque no son tan conocidas como el pop art, el dadaísmo o el futurismo, las asociaciones de arte global, como la escuela Saqqa-kana, de Irán, el Estridentismo, de México, el Jikken K?b?, de Japón, o el AfriCOBRA, de Estados Unidos, han dado fuerza y voz a sus miembros. En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensablede términos relacionados con el mundo del arte, un cronograma accesible y un índice de artistas. Los quedisfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con unmarcado componente visual y redactados y concebidospor expertos.
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En estos textos Marcel Proust (1871-1922) se vale dedos artistas para ilustrar lo que para él son los fines del arte: enseñar a mirar lo que nos rodea con frescura y admiración, sabiendo hallar su belleza ocultaincluso entre los sencillos objetos, y el poder delgenio para crear con sus pinturas un cosmos cerrado yperfecto.
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Quilts con aplicaciones inspiradas en diseños clásicos Una manera muy especial de empezar un quilt es rodearse de amigos y seguir los nuevos modelos de dos grandes diseñadoras. Kim Diehl y Jo Morton se unieron por primera vez en el libro Quilts con diseñosespectaculares, publicado en esta misma editorial con gran éxito de ventas, ahora vuelven para compartirmás quilts que reflejan el estilo personal de cada una de ellas. Este libro muestra una nueva colección de 14 quilts con aplicaciones inspiradas en diseños clásicos. Cada bloque se une a otro para lograrunos quilts magníficos, las técnicas de aplicación se explican con detalladas instrucciones paso a paso,con ayuda de fotografías, imágenes y prácticos consejos que facilitan la realización de un perfecto acabado en cada uno de los proyectos. Resultará fácil crearbloques en solitario o en grupo, tanto de los quiltscomo de los Sampler quilts espectaculares tan característicos de las obras de estas reconocidas quilters.
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RETRATO DE MADRID Querido Madrid, después de muchos años dejándome la suela de las zapatillas en tus calles retratando tus miserias y grandezas,ha llegado el momento de hablar de ti y compartirtus secretos y mis experiencias a través de estas imágenes. El autor ha retratado de forma poliédrica algunas de las múltiples caras de un Madrid efervescente, en continua transformación. De esta manera, quien ya conozca la ciudad podrá identificar las plazas, rincones y tradiciones que aparecen y sentirse orgulloso de ella. Quien nunca la haya visitado podrá descubrirla y sorprenderse de su diversidad cultural y de sus paisajes urbanos. Al pasar las páginas del libro se va revelando una urbe moderna, edificios de formas futuristas y estructurasvanguardistas conviviendo en armonía con los monumentos de otras épocas que están grabados en la memoria colectiva. Permanecen las tradiciones y surgen nuevascelebraciones que van cobrando fuerza año tras año, convirtiendo la ciudad en un pueblo alegre, multicultural y dinámico. Con los años se ha ido quitando los complejos y se ha abierto a distintas formas depensar y mirar el mundo. Todo ello sin olvidar alos ciudadanos, la esencia de Madrid, que acogen conhospitalidad y los brazos abiertos a los visitantes. Han sido infinidad de kilómetros desde que elautor, en solitario -o mejor dicho, en compañíade su cámara fotográfica-, comenzó a recorrer y retratar la ciudad.
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El miedo al futuro, la angustia ante el presente, lacultura de la culpa, la textura ilusoria de la realidad, los laberintos de la identidad, son algunos síntomas atrabiliosos que observamos en el mundo actual. Este ensayo los deshila, a la par que ausculta el latido social a través de un pensamiento crítico salpicado de metáforas artísticas y paseos literarios.La metadel arte, escribía Michel Leiris, es explorar los demonios interiores. ¿Y que hay de los demonios exteriores? Lo cierto es que se engendran unos a otros, lossíntomas individuales y los signos culturales de malestar se entrelazan como una doble hélice en el ADN dela humanidad.
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Cualquiera que sepa saber advertirá el carácter insólito de los escritos sobre fotografía de Gómez de la Serna. Nada tienen que envidiar a los escritos de losprincipales críticos de fotografía de su momento, nia los del nuestro. Es más: su reflexión acerca de lafotografía como ausencia. como ''falta de algo'', como un ''menos'' en la frontera de la figuración, lo destacan y elevan por encima de los teóricos al uso dela fotografía.
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La imagen cinematográfica se halla en el quicio de la dialéctica entre vida e historia. Ella es como una membrana entre la vida quese agota o desvanece y el sepulcro donde la historia se acumula. Imagen liminar, también de resistencia ?su resistencia rad
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Charles Homer Haskins fue uno de los grandes medievalistas de su generación y profesor de Historia en Harvard. En esta obra demuestra que el Renacimiento no fue un fenómeno repentino, sino un movimiento que se inicia en el siglo XII. Haskins invita al lector a sumergirse en un siglo XII lleno de contrastes, origen dela Europa moderna y del Renacimiento italiano.
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Bajo cubierta marsellesa, náutica e inmortal de nuestro común amigo Bernard Plossu, lo que el lector tieneentre sus manos es una sugerente colección de treinta y seis instantáneas fotográficas, todas ellas en blanco y negro, y de la autoría de un escogido ramillete de artistas de la cámara, reunidas (a modo de museoimaginario) y analizadas por Fernando Castillo, historiador, escritor y tintinólogo, ocasional practicante también del arte de la fotografía, y del de los pinceles. A la vista de este personalísimo repaso a losfrutos de un arte cuya aparición a comienzos del siglo XIX revolucionó todos los demás, pensamos en aquello de Godard de que hay que meterlo todo en una película. Pese a que sólo se trata de una selección breve,el madrileño ha metido en este libro, en apretada síntesis, todo o casi todo lo que le gusta, las ciudadesy los agentes dobles, los años oscuros y los días luminosos, los carteles y las passantes, los neones y la arquitectura funcionalista, los submarinos y los cafés... Desfilan por sus páginas fotografías realizadas a lo largo del siglo pasado por Rodchenko, August Sander, Germaine Krull (vía no una obra propia sino una foto encontrada que le hace pensar en ella), Ilse Bing, Herbert List, Sudek el pragués, los porteños Horacio Coppola y Saamer Makarius, Tina Modotti, Dorothea Lange, Manuel Álvarez Bravo, el subjetivista Otto Steinert, Ernst Haas, Nicolás Muller, Jesse Fernández,el propio Plossu... Más cantores obsesivos de París(en la estirpe de Atget) como Cartier-Bresson, Izis oWilly Ronis, o de Nueva York (en la estirpe de Stieglitz) como Steichen, Weegge o Winogrand. No faltan los traspapelados: Horácio Novais, fotorreportero que supo decir como nadie la Lisboa City of Spies de los años de la Segunda Guerra Mundial, el doliente narrador francés Luc Dietrich en su faceta de fotógrafo, elnapolitano y metafísico Giuseppe Cavalli, o allende el Estrecho, el africanista Bartolomé Ros, o el tangerino e improbable Félix Candel (el penúltimo libro delautor, por cierto que autoilustrado con fotografías,es sobre esa ciudad mítica), me sospecho (pese a labibliografía citada) que más primo hermano de Jusep Torres Campalans o de Pavel Hrádok que del autor de Donde la ciudad pierde su nombre. En definitiva, un libro coral, de alta intensidad literaria, que hará lasdelicias de los amantes de las ciudades, de la fotografía, y de la escritura sobre ciudades y fotografía.Juan Manuel Bonet Fernando Castillo (Madrid, 1953) es ensayista y escritor, autor de varios libros y numerosos artículos en revistas universitarias y especializadas. Entre sus libros destacan los dedicados a lacultura y la historia contemporánea: Capital aborrecida. La aversión hacia Madrid en la literatura y la sociedad, del 98 a la postguerra, Tintín-Hergé. Una vida del siglo XX, Madrid y el Arte Nuevo. Vanguardia yarquitectura 1925-1936, Noche y niebla en el París ocupado. Traficantes, espías y mercado negro, París-Modiano. De la Ocupación a Mayo del 68, Los años de Madridgrado, Españoles en París 1940-1944. Constelación literaria durante la Ocupación y La extraña retaguardia. Personajes de una ciudad oscura. Madrid 1936-1943.También ha dedicado trabajos a los dos últimos siglos medievales y los comienzos de la Edad Moderna en elámbito de la literatura, el arte y la polemología como Estudios sobre cultura, guerra y política en la Corona de Castilla (siglos XIV-XVII) y Un torneo interminable. La guerra civil castellana del siglo XV. Ha sido responsable de la edición y prologuista de diferentes obras y ha impulsado y comisariado exposicionesde arte como las dedicadas a Luis Bagaría, Carlos Sáenz de Tejada y Joaquín Valverde, o Tomás Ferrándiz, así como a la obra de Patrick Modiano, a las aventurasde Tintín, a la relación entre pintura y literaturaen los años de entreguerras como «Ciudades literarias: Lisboa, Tánger, Trieste, Argel, Estambul y Shanghái» y «El viaje y el escritor 1914-1939», esta última,al igual que la dedicada a las ciudades de Ramón Gómez de la Serna, con el artista Damián Flores. Entre las exposiciones de fotografía realizadas destacan lasreferidas a la fotografía en el Museo Naval y en el Museo del Ejército, a la combinación de poesía y fotografía por medio de las obras de Juan Manuel Bonet y de Bernard Plossu, al argentino Grupo Fórum y al fotógrafo cubano Jesse A. Fernández.
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Jarvis Cocker como artista, pero también como personaje, desborda cualquier idea previa. Pulp es un fascinante caso de adaptación al medio, de resistencia al fracaso y de náusea ante el éxito. Richard Hawley es un músico excepcional emboscado en su imagen de gente corriente. Son vidas tan cercanas que no podía ser que no confluyeran. Cocker persiguiendo infatigable el estrellato hasta que una vez alcanzado le resulta insoportable. Hawley escapando obstinadamente de los focos hasta que el mundo le descubre entre las sombras. Indagando en sus canciones y en sus vidas, que se entrecruzan constantemente, se llega a Sheffield, la ciudad en la que nacieron y en la que viven, la que alumbra sus canciones y construye esa obra tan personal. Como dice Fernando Navarro en el prólogo: es una suerte que se escriban libros como este.
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Cantantes, compositores, estrellas de rock, fenómenos del pop, pioneros, artistas totales, los Beatles son posiblemente la mejor banda que ha existido nunca. The Beatles de la A a la Z recorre la extraordinaria trayectoria de este grupo: desde sus primeros días en Liverpool y sus agotadores conciertos en Hamburgo, siguiendo su ascenso a través de la Beatlemanía y convirtiéndose (probablemente) en más grandes que Jesús, hasta las grabaciones en una azotea, la inevitable separación y la tragedia. Este libro magníficamente ilustrado repasa de la A a la Z la historia de los Beatles, su incomparable influencia y su producción musical sin precedentes.
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