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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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'Un chaval del barrio'' (''Tenement Kid'') es la autobiografía de Bobby Gillespie, referente indiscutible del rock británico independiente de finales de los ochenta y los noventa como frontman de Primal Scream. Un libro lleno de gozo, asombro, pasión e ira de un apóstol del rock que contribuyó a reformular de forma radical el futuro del sonido de la música popular británica.
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Jim Morrison es, sin lugar a dudas, la imagen perfecta de lo que significaba ser una estrella de rock en los sesenta: rebelde, virtuoso, genio, loco, hermoso,excesivo, delirante, raro... Y muerto a los 27 años.En esta novela gráfica, Luciano Saracino y Quique Alcatena recorren la vida de este 'enfant terrible' delrock y la poesía y tratan de responder una de las tantas preguntas que muchos se han hecho alrededor de sufigura: ¿por qué agotar una vida tan prometedora entan poco tiempo? ¿Jimbo buscó su temprana muerte, o esa muerte ya estaba escrita para él desde antes? Sumérgete en la vida de uno de los mitos fundadores de lahistoria del rock y sé parte de una época donde lossueños todavía podían soñarse y las puertas de la percepción estaban sólo para abrirse y asomarse... ''tothe other side.''
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Esta guía revisa la obra de los mejores artistas delrock que han cantado en español, desde las primeras bandas hasta los más actuales, todos ellos con el mismo patrón de una lengua común y con la misma intenciónrenovadora. Un espacio musicalmente fascinante que nos ha dejado obras de enorme solidez que han trascendido todas las épocas y todos los estilos. El rock iberoamericano no quiso imitar ni emular a nadie, sino que le imprimió sabores domésticos y locales. Tradujoel impulso liberador, significó una apropiación del lenguaje y creó sus propias formas. Logró un sonido único, una identidad propia. Fundamentalmente, no temiómezclarse con músicas, estilos, ritmos y géneros anteriores a su presencia como el blues, el jazz, el góspel ni tampoco el tango, el candombe o el folclore. Cruzando el Atlántico: desde Héroes del Silencio y Mano Negra hasta Soda Stereo y Café Tacvba... De Océanoa Océano: desde El Cuarteto de Nos y Os paralamas hasta Libido y Aterciopelados... Del Norte, Centro y Sur: desde The Champs, Los Rabanes y La Ley... Este libro comprime la estampa de los músicos qua popularizaron el movimiento, los antecedentes y cimientos, la resistencia política, los años de destape, las corrientes culturales, la mixtura con el pop, la avanzada latina en el mundo y la presencia luminosa de los artistas que cambiaron el rumbo de la música en español.
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Mirada íntima y reveladora al viaje de una artista desde la autocensura a la expresión plena More Myself:Mi viaje es parte autobiografía y parte documental narrativo. El viaje de Alicia se revela no solo a través de sus sinceros testimonios, sino también a travésde vivos recuerdos contados por quienes caminaron a su lado. El resultado es una panorámica completa del recorrido de Alicia: desde su infancia en Hell s KItchen y Harlem hasta llegar al proceso de autodescubrimiento en el que todos debemos explorar. En More Myself, Alicia comparte su búsqueda de la verdad: sobre símisma, sobre su pasado y su paso de sacrificar su espíritu a celebrar su valor. Con la honestidad total que ejemplifica el arte de Alicia, More Myself es a lavez un relato apasionante y un llamamiento a sus lectores: a que se definan en un mundo que rara vez fomenta una identidad única y auténtica.
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Si en 'Mañanas negras como el carbón' Brett Anderson daba cuenta de su infancia y juventud en Haywards Heath y de los inciertos inicios de Suede, en la segunda entrega de sus memorias, el cantante se sumerge en la etapa más intensa y convulsa del grupo: la del éxito del primer LP de la banda, la de los incendiarios artículos y portadas de los semanarios musicales británicos, la de la tensa concepción del extraordinario 'Dog Man Star' y la ruptura con el guitarrista, compositor y amigo Bernard Butler, y la de la reinvención del grupo con 'Coming Up', con un jovencísimo Richard Oakes a la guitarra y la consagración popular gracias a temas como 'Trash', 'Beautiful Ones', 'Filmstar' o 'Saturday Night', en los que Anderson describió con ironía la época de desconcierto y excesos de la juventud británica de los noventa. Sin embargo, tras el éxito fulgurante y unas giras internacionales extenuantes, llegarían las adicciones a las drogas duras y el anquilosamiento creativo, que desembocarían en el progresivo desmoronamiento de la banda.'Tardes de persianas bajadas' es el relato lírico, apasionado y no exento de autocrítica del 'esfuerzo, éxito, exceso y desintegración' de uno de los grupos fundamentales del pop británico.
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María Barrientos fue una de las sopranos más famosas y aclamadas del primer tercio del siglo XX. No sólo cantó en los mejores teatros del mundo, sino que fue la protagonista de numerosas grabaciones discográficas, cuando este soporte empezaba a difundirse como vehículo de cultura musical. Su papel como divulgadora de la canción lírica alcanza un hito fundamental en la grabación (1928-1930) de las Siete canciones populares españolas de Manuel de Falla, acompañada al piano por el compositor. Este libro enmarca y detalla todos los acontecimientos que llevaron a la realización de esa grabación.
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Las verdaderas y más íntimas crónicas del Caribe las han narrado las canciones. Y eso lo sabe bien Leonardo Padura, que en esta obra le ha tomado magistralmente el pulso a un género, el de la salsa, que ha sido discutido desde su propio nacimiento, a comienzos de la década de los setenta. Conversando con los músicos que lo acuñaron y con sus más célebres intérpretes, el autor nos regala un bellísimo retrato de las trayectorias de personajes tan fascinantes como Mario Bauzá, Cachao López, Papo Lucca, Juan Luis Guerra, Rubén Blades, Willie Colón, Johnny Pacheco y Juan Formell, con -no podía ser de otro modo- los célebres Celia Cruz y Tito Puente como telón de fondo. Y logra un panorama único con los ritmos que conformaron la cultura musical latina de finales del siglo xx.
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Sesenta años después de su nacimiento, el rock mantiene vivo su espíritu rebelde y anticonformista. Este magnífico estuche contiene dos libros que describen los orígenes del rock hasta el grunge y constituyen una herramienta excelente para conocer en profundidad y, por qué no, de manera divertida, la evolución de un fenómeno artístico y cultural que cambió el mundo. Y que, aunque de modo diverso, lo sigue haciendo.
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En 1969 los Beatles se reunieron en sus estudios Apple para grabar un proyecto inicialmente llamado Get Back, título homónimo de la canción que debíadar nombre a su último álbum publicado, y que finalmente se acabó llamando Let It Be. Durante veintiún días, y sin precedentes en su trayectoria, se rodearon de cámaras, grabadoras y fotógrafos que archivaron sus últimos días como cuarteto y documentaron sutrabajo diario, así como el ensayo de nuevas y antiguas canciones para la preparación de su legendario último concierto en la azotea del edificio de Apple el30 de enero de 1969. Estas sesiones dieron lugar al álbum y la película Let It Be, lanzadosen mayo de 1970, con el grupo ya disuelto, y que representan el único momento en la historia de los Beatles que fueron grabados durante tanto tiempo creando música. Todas las fotografías y las grabaciones tomadasen exclusiva (más de 120 horas) han estado almacenadas durante más de 50 años. Ahora, por fin, y tras todo este tiempo, Get Back revela, por primera vez, el contenido de esas sesiones.
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Del escenario al cuaderno. Y del micro a la pluma.Cinco de los mejores freestylers dejan el micrófono y desnudan su alma en la más singular de las batallas: la batalla de la vida.Un grito de rap, valor y poesía.
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Este libro nace al preguntar qué nos pueden decir y aportar hoy el pensamiento y la obra de Luigi Nono. Y parte del convencimiento de que cualquier acercamiento a su figura obliga irremediablemente a pensar cómo entendemos las relaciones entre música (o arte) y política, una cuestión a la vez difícil y vital, ya que va implícita la pregunta acerca de las relaciones entre arte y vida.Nono no dejó de preguntarse acerca de los vínculos entre arte, música y política. El lenguaje o las técnicas utilizados, las relaciones que se establecen entre los diferentes agentes implicados, qué papel desempeñan las nuevas tecnologías, cómo situarse ante y comprometerse con las situaciones de injusticia o violencia que se dan en el mundo en el que vivimos, y cómo contribuir al cambio o, incluso, a la revolución, desde la propia práctica artística son algunas de las cuestiones que le acuciaron y a las que trató responder desde su obra y su vida sin hallar respuestas cerradas.En el momento en el que nos encontramos, sumidos en una gravísima situación medioambiental, política y económica, el compromiso vital y artístico de Nono puede ayudar a preguntarnos hoy, con toda su complejidad, cómo queremos hacer y vivir el arte, la música, en este mundo en el que vivimos.
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El testimoni de dues dècades transcendents per a la memòria musical de diverses generacions, a través de 100 dates significatives. Dues dècades que comencen amb la fi dels Beatles, que a mig camí reben una forta sacsejada amb l'assassinat de John Lennon, i que acaben amb el pop anodí de Phil Collins liderant les llistes d'èxit mentre el grunge ja pica a la porta. Dues dècades, les dels anys 70 i 80, plenes de noms propis, de context històric i de diferents moviments musicals - el rock progressiu, el glam, el punk, la new wave, el rap...- que van redefinir el rock. UN LLIBRE PLE DE NOSTÀLGIA, AMB NOMS QUE HAN PASSAT A LA HISTÒRIA DE LA MÚSICA, I ESCRIT DES DE L'ÒPTICA DE LA MÚSICA ANGLOSAXONA, AMB 100 REFERÈNCIES MUSICALS ALS PAÏSOS CATALANS. * Aquest llibre recull 100 moments que defineixen el rock dels 70 i dels 80, que donen peu a parlar d'artistes, de cançons, d'èxits, de fracassos, però també de la vida i de la mort. * El recorregut comença el 1970: l'any de la fi dels Beatles, una dècada marcada per les morts de Jimi Hendrix, Janis Joplin i Jim Morrison. I acaba el 1989 amb la publicació del disc de Phil Collins _...But Seriously_, que es va convertir en un dels discos més exitosos de la dècada, i el primer número 1 de la dècada dels 90. * L'autor tanca cada capítol amb una contextualització lligada a l'escena musical catalana.
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A las puertas del vigésimo quinto aniversario de la muerte de Frank Sinatra, se edita por primera vez en España, con una nueva introducción del autor, el sentido recuerdo que, a modo de semblanza, compuso Pete Hamill (confidente y compañero de correrías ùa quien Sinatra trató de convencer, sin suerte, para que escribiera sus memoriasù) cuando la noticia de la muerte de «La Voz» le sorprendió en la sala de embarque de un aeropuerto.En este singular homenaje al crooner acaso más idolatrado de la canción estadounidense, el periodista y galardonado autor ofrece una evocación ponderada de la esencia de Sinatra, examinando su arte y su leyenda desde el punto de vista de un confidente y fan. A partir de las conversaciones íntimas mantenidas a lo largo de muchos años, Hamill revela cómo Francis Albert Sinatra fue cincelado por la xenofobia con la que se trató a la comunidad ítaloamericana durante su infancia, pero también por las iniquidades que trajeron consigo la Ley Seca, la Depresión, y pasó una juventud marcada por la guerra, tras la cual hizo suya la lucha contra el racismo, con lo que se hizo acreedor a la furia de laderecha y de los medios sensacionalistas que lo asociaron a la mafia para afearle su apoyo a las causas progresistas que abrazó con bravura desde temprana edad, y acabó convirtiéndose en el trovador de la soledad urbana.Engendros ambos del mismo paisaje urbano, tanto a Hamill como a Sinatra se les puede atribuir el mérito de haber dado voz a la ciudad y a sus gentes. Con sus canciones, Sinatra permitió a millones de personas cantar sus propias historias, dotando a toda una generación de un sentido de la tradición musical al tiempo que legando la banda sonora de una época en la que le cupo el privilegio de nutrirse, en compañía de grandes intérpretesy arreglistas, de las grandes obras del American Songbook. Con él, una América más joven se abría paso en una época, para mayor colmo y gloria, más inhóspita, durante la cual Sinatra sería la viva encarnación de la lealtad, la humildad, el remordimiento, la fuerza, el hundimiento y el éxito del ángel caído y renacido.
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Suele decirse que el pop es la cultura popular de las sociedades contemporáneas, algo que, como mínimo, merece la pena examinar con un poco más de detalle, eludiendo las inercias que impone la teoría anglosajona. Esa es la tarea que se propone Hacia una teoría del pop, planteando, desde una visión crítica, una síntesis de los puntos fundamentales que ha tratado la reflexión académica y proponiendo una lectura alternativa del fenómeno de la música pop como lógica cultural dominante de nuestro presente. Se aúnan en este ensayo las reflexiones teóricas, con el imprescindible anclaje histórico, buscando establecer algunas líneas de demarcación que sirvan al lector para orientarse en el fenómeno cultural más apasionante de los discursos estéticos contemporáneos.
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Las mujeres han formado parte de la cultura del rock desde sus inicios. Derrochando talento, virtuosismo, personalidad y una presencia apabullante, grandes figuras como Janis Joplin, Patti Smith o Tina Turner dejaron su nombre con letras de oro en la historia de la música. Y eso que tuvieron que luchar a capa y espada contra una sociedad que siempre negó el papel fundamental que tenían en el mundo de la cultura. El rock no sería lo que conocemos hoy si no fuera por la poderosa influencia de todas aquellas mujeres que han contribuido a forjar un estilo musical ligado a la rebeldía y al combate generacional. Este libro, escrito por una brillante periodista musical como es Anabel Vélez e ilustrado con los pinceles mágicos de Moixonada, repasa los principales nombres de artistas y bandas que, a lo largo de la historia, han hecho del rock, la música que tanto nos gusta.
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El 29 de mayo de 1994 Q Magazine ponía en portada de su revista a PJ Harvey, Björk y Tori Amos. Con un titular impactante y una mirada desafiante, la cabecera inglesa de música juntó al trío para la entrevista que les hizo Adrian Deevoy y que, con mano maestra, inmortalizó la cámara del fotógrafo John Stoddart. En ese momento, entre las tres sumaban cinco discos, la inglesa contaba con los incandescentes Dry y Ride Of Me, la islandesa sorprendía con Debut, mientras la americana tenía en el mercado sendas perlas, Little Earthquakes y Under The Pink. En realidad, lo único que tenían en común era su singularidad alejada de la música pop convencional. Con el paso de los años y el auge en sus carreras, esa portada se convirtió en un icono, un momento histórico digno de estudio. Este libro contextualiza esta portada en lo artístico y en lo social. Buscando paralelismos, conexiones, anécdotas, testimonios, rivalidades y, obviamente, cuál era el papel entonces y ahora de sus tres protagonistas.
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Se han reunido en este libro las contribuciones de once investigadoras e investigadores de la música provenientes de diferentes países de América Latina, anclados en diferentes disciplinas, cuya confluencia nos permite medir y entender mejor los roles de lo musical en los distintos momentos y contextos de las sociedades de dicha región. Las diferentes contribuciones abordan, por eso, las músicas como un ''hecho social total'' que implica inventividad y en todo caso pluridisciplinaridad. Algunos textos recurren al análisis literario de las canciones o del discurso, otros -y no es sorpresa- a metodologías propias de la musicología y etnomusicología, o de la sociología o de la historia. El resultado, es un libro que reúne miradas disímiles, pero hermanadas por el deseo común de interrogar sobre la importancia de la música en la conformación de la nación a lo largo de América Latina.
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El trabajo de Harry Benson sobre los Beatles los capta de gira, relajándose, componiendo y actuando en A Hard Day's Night. Las brillantes fotografías de Benson dejan ver retazos íntimos de George, John, Paul y Ringo durante el punto álgido de la beatlemanía, desde la famosa pelea de almohadas en París hasta su primera gira por Estados Unidos.
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La melodia del violí d'en Lev va fascinar Helena Attlee d'ençà que la va sentir en un concert. Aviat va esbrinar que es tractava d'un vell instrument italià que portava el nom del seu antic propietari rus i tenia una rica història. Delerosa de descobrir els detalls del seu origen i la resta de secrets que amagava el seu delicat cos de fusta, Attlee es va dirigir a Cremona, el bressol del violí italià i el punt de partida d'un viatge extraordinari de final inesperat. Mitjançant les visites a tallers polsegosos, boscos alpins, esglésies venecianes, luxoses corts florentines i remots mercats russos, El violí d'en Lev ens porta del cor de la cultura italiana als seus confins més llunyans. Una història sorprenent de lutiers i científics, prínceps i rodamons, instrumentistes, compositors i viatgers, que és a la vegada una meditació punyent sobre el poder dels objectes, dels relats i de la música per crear cultures senceres i transformar la vida de les persones.
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Per a un grup de rock, complir cinquanta anys en actiu és una feliç animalada. La Companyia Elèctrica Dharma no només hi ha arribat, sinó que ho ha fet en una forma esplèndida, amb el mateix esperit i la mateixa energia del primer dia. Arreu del món són molt poques les bandes que poden presumir d'aquesta fita. En aquest llibre la Dharma ens ofereix una peça de col·leccionista, amb una pila de material inèdit, un relat gràfic que és una autèntica autobiografia col·lectiva, i els testimonis de nou autors de capçalera que han saltat als seus concerts en algun moment d'aquest llarg viatge. Un viatge musical que és, més que cap altre, una mostra del pols del país entre els temps de l'últim franquisme i avui mateix.
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Este libro explica la trayectoria de Serrat no solo a través de sus canciones y su música sino también a través de los momentos trascendentes de una vida íntimamente ligada con la historia reciente de nuestro país: la dura posguerra en Barcelona, su juventud activista en la España franquista, el escándalo de Eurovisión, la Nova Cançó catalana, el exilio por motivos políticos, el reconocimiento en la España de la transición, el éxito internacional..., hasta llegar a la retirada después de cuatro décadas subido en los escenarios, dejando un legado musical y humano que le ha convertido en un símbolo de libertad y autenticidad creadora, tanto en nuestro país como en toda América Latina.Escrita desde la intimidad y la sensibilidad que da el trato humano con la persona retratada, y con la seguridad y la sabiduría cosechadas después de más de tres décadas de investigación y análisis de la obra del genial cantautor barcelonés, Serrat, se hace camino al cantar es el libro que mejor describe el ascenso artístico del cantautor, su trascendencia en la cultura catalana y española, su compromiso con la libertad y la calidad artística y su importancia en la música popular. En definitiva, una biografía a la altura de un músico y de una persona fundamentales para comprender la historia de nuestro país.Ampliamente ilustrada, con una selección de vídeos comentados y una playlist de Spotify seleccionada por el autor, esta biografía permite un acercamiento completo a la música y la vida de Joan Manuel Serrat.
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Pese a la importancia capital de Federico García Lorca en la construcción de la historia del flamenco, hasta la fecha no se habían reunido en un volumen todos los escritos y textos que dedicó al tema. La presente edición recoge, además de las tres conferencias donde más en profundidad va generando sus ideas, diversas intervenciones, poemas, cartas y fragmentos de entrevista en las que el flamenco aparece como objeto explícito de estudio, lo que permite hacerse una idea más exacta de la génesis de términos como ''cante jondo'', ''sonidos negros'' o ''duende'', de sus posicionamientos en torno a la cuestión del patriotismo y lo popular, o de la concepción que manejaba del gitano y del paralelismo entre este y el negro americano.
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* Durante casi treinta años, Caetano Veloso y Carlos Galilea se han ido encontrando en Río de Janeiro, Salvador de Bahía, París, Londres, Madrid o Barcelona para conversar sin tapujos y con una gran complicidad sobre la canción, el cine, la política, el periodismo, el sexo, la vejez... * Las 19 conversaciones se recogen en este libro en el que, además, hay textos sobre aspectos destacados de su biografía, una selección de letras de canciones, la discografía completa y un índice de todas sus canciones. * ''Imposible que alguien tenga un conjunto de entrevistas dadas por mí que produzcan una visión tan completa y articulada de mi vida mental como el que ha reunido Carlos Galilea''. [Caetano Veloso, prólogo] Caetano Veloso, uno de los mayores cantantes compositores de nuestro tiempo, es a la lengua portuguesa lo que un Leonard Cohen al inglés, un Brel al francés o un Serrat al español. Desde que publicó su primer disco, hace ya más de medio siglo, se ha ido convirtiendo en referencia indiscutible de la música popular en el mundo y en vehículo privilegiado de la cultura de Brasil. Figura siempre compleja, caleidoscópica, y a menudo desconcertante, a la que han dedicado artículos elogiosos The New York Times, Le Monde, El País, La Repubblica, Clarín o The New Yorker.
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En otoño de 1965, la cantante de blues Willie Mae «Big Mama» Thornton hace una gira por Europa con el American Folk Blues Festival. En cinco semanas recorre ciudades como Berlín, Copenhague, Estocolmo, Bruselas, Amsterdam, Dublín, Londres, París y Barcelona. La acompañan, entre otros, los músicos John Lee Hooker, Buddy Guy, Walter «Shakey» Horton y JB Lenoir. Una chica sin suerte sigue a la salvaje Big Mama Thornton en esta gira en la que se descubre el pulso cambiante de los contradictorios años sesenta. De fondo, la lucha de los afroamericanos por los derechos civiles, la guerra en Vietnam, los movimientos contraculturales y las drogas. Todo a ritmo de blues, una música nacida de la pobreza y de la resistencia. «Soy gorda. Y negra. Pero valgo más que todos vosotros, bastardos. Nunca nadie me enseñó nada. Nunca fui a la escuela de música ni nada parecido. Si escucho un blues que me gusta, intento cantarlo a mi manera. Siempre es mejor hacer las cosas a tu manera. Mi forma de cantar viene de la experiencia. De mi propia experiencia. De mis propios sentimientos. No canto como nadie excepto como yo misma».
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Colorea sus rostros, sus expresiones ante un micrófono, sus movimientos en el escenario? y descubre al mismo tiempo aspectos de su vida y su trabajo que quizá desconocías.» «Un reto en forma de pregunta acompaña cada ilustración para que conozcas la historia de algunas de las mejores bandas de todos los tiempos.»
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Un reto en forma de pregunta acompaña cada ilustración para que conozcas la historia de algunas de las mejores bandas de todos los tiempos.
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Viure la música en directe és una experiència brutal. Sortir de casa, travessar la ciutat, arribar al local i saludar els amics. Barrejar-se entre la gent, els llums que s'apaguen, esperar la primera nota, compartir l'excitació. Aquell moment indescriptible en què toquen la teva cançó. Ricky Gil ha viscut molts concerts en primera persona, a dalt de l'escenari amb les seves bandes o com a espectador d'algunes de les figures més monumentals del rock, del blues, del soul, del punk i d'altres gèneres. I a Qui toca aquesta nit? ens convida a reviure'ls amb un gran talent narratiu. Sisa i Melodrama, Ramones, Bob Dylan, Bruce Springsteen, Curtis Mayfield, Gato Pérez, Elvis Costello, PJ Harvey, Toots and the Maytals, Sex Pistols, Els Surfing Sirles, Neil Young o The Pretenders són alguns dels grans noms que protagonitzen aquestes pàgines. Seixanta-quatre concerts des del 1977 fins avui, a sales mítiques barcelonines (del Zeleste a l'Apolo, de la Monumental al Palau d'Esports, del Bikini a l'Studio 54) i també a Londres o a Nova York.«La música que vam estimar s'esvaneix a cada moment, escriu Ricky Gil, però queden per sempre a la memòria aquells instants en què ''després de sortir de casa i just abans d'arrancar la Lambretta, tornàvem a preguntar: Qui toca aquesta nit?».
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Pocos músicos reconocen sus errores o sus desaciertos, se sinceran y se ríen tanto de sí mismos como lo hacen Enrique y Roberto Cubero en la conversación que mantienen con Emilio Gancedo. Y de ese modo, son los dos hermanos quienes nos cuentan su propia historia, la historia de dos chavales, nacidos en los 70 en una Guadalajara poblada por desertores del arado, que, en una habitación con muebles de aglomerado y paredes pintadas al gotelé, se afanan en sacar con una guitarra prestada los acordes de una canción de Sabina o de reproducir unas melodías de Scotty Moore con un viejo laúd de rondalla. Después, la migración a Cardedeu, en la Barcelona posolímpica, y la formación de la primera banda, RC Brothers, un grupo de bluegrass nacido en 1998 con el que maduraron personal y musicalmente recorriendo el circuito catalán de country. Mientras tanto el aprendizaje de las dinámicas musicales y el estudio del cancionero tradicional castellano. Y tras la separación de la banda, la apertura a un nuevo proyecto construido solo con guitarra, mandolina y palabras y alentado por la libertad de no ceñirse a un estilo. Y, en 2010, el golpe de gracia definitivo: el primer lugar de la segunda edición del Premio Europeo de Nueva Creación de Folclore Agapito Marazuela. Jota castellana con aires de los Apalaches. El resto de la historia de estos dos músicos hechos a sí mismos está escrita en sus armonías recogidas en media docena de discos y en las letras de sus canciones que ahora traemos aquí.
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Historias del pop hay muchas, pero ninguna tan singular como la que presenta La edad de plástico. Historia que, en rigor, no es tal, sino un sinuoso recorrido personal alrededor de cien artistas —y sus correspondientes perfiles biográficos y musicales—que conforman el personal Olimpo sonoro de Ramón de España, figura fundamental de aquel nuevo periodismo musical español que, surgido en la segunda mitad de los años setenta del siglo pasado, supuso una revolución en la prensa especializada.Publicada originalmente por entregas semanales en prensa, La edad de plástico elude conscientemente la cronología y opta por dejarse arrastrar por las emociones, por los impulsos comunes al melómano, aquí transformado en guía. De tal modo que a través de sus páginas viajamos constantemente en el tiempo, por el pasado y el presente —adelante y atrás, atrás y adelante—, encontrándonos con creadores fundamentales del canon pop de la música popular en feliz convivencia con malditos, desconocidos u olvidados, de aquellos que permanecen en los pliegues de la historia esperando su oportunidad para seducir a nuevos oyentes con su obra. Y para ello, en su papel de excelso gourmet musical, está Ramón de España, que lo mismo se adentra en el punk que en el rock clásico, el country rural, la electrónica, el fado, la rumba, el folk rock o el punk.Libro de marcada impronta literaria, en La edad de plástico el dato certero se enreda con el recuerdo personal, la evocación del tiempo vivido, la memoria generacional y, por supuesto, todo ello salpimentado por esas dosis de fina ironía que son consustanciales a la escritura de Ramón de España.PRÓLOGO DE DIEGO A. MANRIQUE.
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Este libro es fruto de una colaboración entre investigadores de la Universidad de Aveiro, el Institut de Creativitat i Innovacions Educatives, la Universidad de Cantabria y la Universidad de Vic. Reúne una selección de trabajos presentados en el 2º Simposio Internacional: 'Música para y por Niños: Perspectivas de Compositores, Intérpretes y Educadores', que tuvo lugar del 28 al 30 de septiembre de 2022 en Aveiro, Portugal. El enfoque principal de este libro es la importancia del desarrollo creativo en la educación musical. A través de diversos estudios e investigaciones, explora cómo la creatividad se convierte en un elemento fundamental para enriquecer y transformar las prácticas educativas en el campo de la música.Los autores presentan diferentes perspectivas y experiencias que demuestran cómo la creatividad puede mejorar el aprendizaje musical y fomentar la participación activa de los estudiantes.El libro busca trascender las barreras convencionales en la educación musical, cuestionando el énfasis excesivo en la notación musical y la rigidez de los enfoques tradicionales. Promueve una visión más abierta y flexible de la música, donde se valora la diversidad de estilos y géneros, así como la inclusión de las experiencias de los alumnos en el proceso creativo. Los autores del libro comparten su experiencia en la implementación de estrategias creativas en el aula, brindando ejemplos prácticos y consejos para que los docentes incorporen efectivamente la creatividad en sus prácticas pedagógicas. La importancia de un entorno de apoyo, donde se fomente la confianza, la experimentación y la colaboración entre alumnos y profesores, está resaltado. En última instancia, este libro es una herramienta valiosa para educadores, investigadores y profesionales en el campo de la educación musical que deseen promover el desarrollo creativo en el aula.A través de su contenido, demuestra que la creatividad no es solo un aspecto complementario de la educación musical, sino un pilar fundamental que impulsa el aprendizaje significativo, la expresión personal y el crecimiento integral de los estudiantes.
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¡DÉJATE ARROLLAR POR LA APISONADORA DEL FUNK-ROCK! A principios de los años ochenta, cuatro adolescentes del Fairfax High School de Los Ángeles se subían a un escenario para un único concierto. Dos de aquellos chicos -Anthony Kiedis y Michael Balzary ``Flea``- formaron el núcleo germinal de los Red Hot Chili Peppers, una de las bandas más salvajes e irreverentes de la historia de la música. Alineados en lo que se ha llamado funk-rock, por el grupo han pasado numerosos músicos, algunos de los cuales han dejado su particular huella, elevando su trayectoria a lo más alto hasta el punto de llenar estadios por todo el mundo y convertirse en una leyenda viviente. Esta es su historia contada por uno de los periodistas musicales que mejor conoce a la fabulosa banda angelina. Hillel Slovak, un corazón que se detiene por una sobredosis. ``Californication``, una obra maestra escrita por Anthony Kiedis. Dave Navarro, el hombre que cambió el sonido de los Chili Peppers. John Frusciante, el músico que regresó de entre los muertos. 10 canciones imprescindibles (y la historia que hay detrás). Discografía y filmografía básicas.
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Antonio Vega arrastró durante toda su vida una fama de poeta maldito, de ser un artista al borde del precipicio, un hombre que jugaba peligrosamente con los claroscuros de la vida. Sin embargo, a través de sus canciones, Antonio desnudaba el alma y se mostraba sincero ante quienes de verdad quisieran escuchar y entender. Sin escondrijos ni dobleces, nunca ocultó ni se ocultó de la persona que eligió ser sin que importaran las consecuencias. Autor de letras eternas, compositor de melodías inolvidables y un guitarrista demasiadas veces ignorado, en el cuadro que Antonio Vega dejó a medio pintar, en la vida que dejó a medio escribir, esos huecos solo pueden dibujarlos aquellos que le conocieron, le amaron y le acompañaron. Este relato pretende abarcar y explicar la vida de un artista transformado en icono, de un hombre fascinante y magnético que nos hechizó a todos con la especial delicadeza de su voz y la magia de sus canciones. Vega nunca pudo o nunca quiso echar raíces demasiado profundas, quizá porque temía que le impidieran volar, quizá porque intuía que le impedirían vivir, quizá por eso, Antonio Vega, siempre tuvo el corazón en las estrellas.
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Pablo Benegas, guitarrista y compositor de La Oreja de Van Gogh, sorprende con un conmovedor relato en primera persona sobre el impacto del miedo y de la violencia, pero también acerca del valor de la amistad y de la música. Nadie vuelve a ser el mismo después de pisar un escenario. No importa lo que suceda arriba. Para bien o para mal, nunca baja la misma persona que subió.Esta memoria, escrita con una sensibilidad especial, bucea en los recuerdos de dos décadas oscuras para contar una historia luminosa de amistad. Un viaje intenso y conmovedor que se levanta sobre los escenarios del dolor más crudo -el Donosti de los años de plomo en el que creció Pablo Benegas viendo el nombre de su padre en la diana de ETA-, nos hace vibrar al ritmo de la música que suena a lo largo de sus páginasy nos emociona al descubrir los orígenes de un grupo que es leyenda para varias generaciones: La Oreja de Van Gogh. Con una prosa cálida que envuelve como una de sus canciones, Pablo Benegas comparte su memoria personal de un tiempo que nos pertenece a todos y que no deberíamos dejar caer en el olvido.
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¿Cómo se escribe una canción? Es una buena pregunta. Y como muchas buenas preguntas, no hay una respuesta única y simple. De hecho, hay un número prácticamente infinito de formas geniales de escribir una canción. Este libro te guiará a través de un proceso muy simple y elemental para escribir una canción en prácticamente cualquier género una y otra vez, sin importar el nivel de experiencia que tengas. Además, el autor ha realizado grabaciones de audio de todos los ejemplos musicales que podrás encontrar en el libro para que puedas escucharlos a la vez que los ves en su página correspondiente.
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Pasará mucho tiempo antes de que otra biografía coseche tan encendidos elogios como los obtenidos por esta obra definitiva (el adjetivo no es, por una vez, hiperbólico) sobre la fulgurante ascensión y la apoteósica decadencia de un cantante ya instalado en la mitología popular contemporánea. Basten dos muestras extraídas del New York Times: 'Un triunfo del arte biográfico [...] un libro profundo y conmovedor' (Stephen Wright) 'Hagamos un poco de ruido [à] Aparte de ser la mejor biografía jamás escrita sobre una estrella de rock, esta obra figura entre las más ambiciosas y cruciales aventuras biográficas consagradas a un icono de la cultura norteamericana de la segunda mitad del siglo XX' (Gerard Marzorati).Incluso el huraño Bob Dylan ha abandonado su guarida para unirse al coro de apologetas: '[Elvis] parece salir de estas páginas, notas cómo respira: este libro anula todos los demás.'Tras una meticulosa investigación, Peter Guralnick afronta las luces y las sombras de Elvis para devolvernos a la persona silenciada por su máscara y rescatar la realidad sepultada bajo el templo de la idolatría.
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Es de amplísimo interés para los lectores en general y para los amantes del rap en particular las memorias de Haze, ya que se trata de una figura señera en el mundo de la música. «Me he criado en el barrio de Los Pajaritos, uno de los más pobres de España. Mi infancia coincidió con el boom de la heroína, que me marcó musicalmente. De los pequeños delitos a la cárcel por no acudir a un juicio, el éxito de una maqueta que acabó en el top manta, entrevistas los medios más reputados... Esto llegó por mezclar el RAP y el FLAMENCO, algo único. De ahí vino mi contrato con una multinacional y los conciertos por todo el país. Con la crisis, pensé en un plan B. Decidí estudiar. Viví en una casa de ocupación y pasé malos momentos. Realicé la prueba de acceso a la universidad para mayores con 32 años, aprobé, hice filología hispánica con un 8,5 de nota media, luego un máster por el que fui premiado por la universidad por ser el mejor expediente. Por segunda vez había sido noticia a nivel nacional. Posteriormente, solo quedaba opositar, en pandemia, tras un año y medio saqué una plaza fija como profesor de Lengua y Literatura de Educación Secundaria».
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