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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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Este libro hace una revisión del polifacético trabajode este artista de origen polaco -llegado a México en la segunda mitad de los años sesenta-, quien se desarrolló en distintas plataformas como diseñador gráfico, impresor, pintor, escultor y accionista. Kurtyczrecorrió un camino propio e imprimió un sentido activo que afectó la totalidad de sus búsquedas experimentales.
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Más allá de centrarse en la personalidad y obra de cada artista, esta historia busca captar la esencia y relevancia del arte contemporáneo partiendo de tres elementos de análisis: los desarrollos tecnológicos dela época (la evolución en la cultura material desde lo mecánico a lo electrónico), el ámbito de saberes delos que se nutre y con el que dialoga el arte (su propio acervo y las ideas de cada periodo) y, por último, las oscilaciones en el lenguaje artístico (entre estilos más abstractos o figurativos). Ofrece así treslongitudes de ondas (largas, medias y cortas) para interpretar y comprender el arte contemporáneo desde su nacimiento hasta los fenómenos más actuales.
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La obra original y potente de Adam Pendleton ha sidodescrita como la encarnación de una nueva era. Sus proyectos multifacéticos, que incluyen pintura, collage, película y publicaciones, recontextualizan posiciones históricas y teóricas sobre la abstracción, la raza negra y el vanguardismo.Pendleton normalmente trabaja en blanco y negro y suele crear obras totales que envuelven a su público y empujan los límitesdel discurso contemporáneo.“En contadas ocasiones, un artista joven emerge en la escena con tantafuerza y originalidad que parece que encarna una nueva era. Un buen candidato para ese papel hoy es Adam Pendleton” Vogue
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¿Y si resulta que nuestro mundo es solo una creación,una ilusión fabricada? El fundador de Tesla, Elon Musk, cree que la probabilidad de que vivamos en una realidad artificial se situá entre el 20 y el 50%.''TheMerge'' explora visualmente esta cuestión: ¿es posible que nuestra realidad física no exista de la formaque creemos, sino que sea una sumulación por ordenador?
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Eternamente cautivadoras, las pinturas de Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) son la encarnación de la felicidad, el amor y la belleza. Basada en el libro degran formato, la retrospectiva más completa de su obra publicada hasta la fecha, esta edición compacta examina en detalle la historia personal del pintor y lasmotivaciones detrás de la leyenda. Aunque comenzó sucarrera pintando paisajes en estilo impresionista, Renoir encontró su verdadera vocación en los retratos,tras lo cual abandonó por completo dicho estilo. Pese a haber sido malinterpretado con frecuencia, Renoirsigue siendo uno de los pintores más queridos de lahistoria, sin duda por la calidez, la ternura y la alegría de vivir que emanan sus cuadros.En estetexto magistral que detalla toda la trayectoria del artista y traza su evolución estilística, Gilles Néretmuestra cómo Renoir reinventó las formas de la mujeren la pintura a través de sus diosas cotidianas de pronunciadas curvas, caderas y pechos. La última faseen la obra de Renoir, en la que regresó al simple placer de pintar el desnudo femenino a través de su serie de bañistas, fue la más innovadora y de mayor influencia estilística, e inspiraría luego a maestros comoMatisse y Picasso.Con una cronología completa, una bibliografía, un índice de obras y espléndidasreproducciones a color, así como fotos y bocetos queilustran la vida y la obra de Renoir, este es el libro de referencia esencial sobre este maestro de la pintura.
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Este libro divulga una serie inédita de dibujos de Antonio Saura (1930-1998) centrados en la figura del general Franco y en la Guerra Civil española. Le siguen un ensayode Bartolomé Bennassar y varios textos de Eduardo Arroyo que constituyen sendos
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Descubra el placer del dibujo, el pastel y la caligrafía con estaenciclopedia ilustrada paso a paso con más de 1.700 soberbiasfotografías y dibujos.
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Con estos cuadernos vamos a poder realizar unos estupendos ejercicios siguiendo los mismos pasos que un artista profesional. Para ello sólo hay que prestar atención a las explicaciones y observar detenidamente las imágenes que configuran cada paso a paso. Al comienzo de cada ejercicio se indica el material y los colores que precisaremos, y a lo largo de ellos, las mezclas o los pinceles adecuados. Para facilitar la laborinicial, se incluyen plantillas con el dibujo base hecho que se podrá calcar cómodamente teniendo así esepaso solucionado de antemano. También incluimos algunos consejos para enmarcar su cuadro, teniendo en cuenta el equilibrio de color, la forma del dibujo, la composición y todos aquellos factores que se planteanal escoger un marco adecuado. En estos cuadernos hemos puesto nuestro empeño en conseguir que cualquier persona, además de aprender la técnica, logre un resultado atractivo y digno.
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HISTORIA DE LA RESTAURACION EN EL MUSEO NACIONAL DELPRADO ( es un libro del autor ION GARCIA CABARCOS, MARIA CONCEPC editado por MUSEO DEL PRADO DIFUSION. HISTORIA DE LA RESTAURACION EN EL MUSEO NACIONAL DEL PRADO ( tiene un código de ISBN 978-84-8480-553-3.
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La biografía de Leo Castelli, el principal galeristade arte contemporáneo de Nueva York durante más de cuatro décadas. fue el abanderado del pop-art, el minimalismo y el arte conceptual, descubridor de talentoscomo Andy Warhol, Jasper Johns, Jackson Pollock o RoyLichtenstein.Annie Cohen-Solal, autora también de la biografía definitiva de Sartre, entrevistó al protagonista a lo largo de varios años y narra su vida a través de las voces de los artistas, los amigosy los clientes que convirtieron a la Castelli Gallery en el corazón del arte neoyorquino.Un librolleno de glamour, profusamente ilustrado con fotografías inéditas.Leo Castelli fue hasta los cincuenta años lo que en Estados Unidos se considera un europeo típico: diletante, más aficionado a la vida socialque al trabajo, mujeriego y vividor. Pero entonces abrió su local en Nueva York, y se convirtió en El Galerista: el hombre que dio entidad y cuerpo al pop-art, que descubrió a Jasper Johns, a Lichtenstein, a Rauschenberg o a Warhol. El anfitrión de las fiestas clave, el marchante de los artistas que contaban
un europeo que reinó durante varias décadas en Nueva York,y que desde allí reconquistó Europa con toda una redde galerías satélite.Annie Cohen-Solal llegóa Nueva York a finales de la década de 1980, a tiempode caer fascinada por el hechizo de este hombre enigmático, con el que sostuvo largas charlas, complementadas con los testimonios de sus familiares, esposas yex, hijos, artistas, colaboradores, amigos y adversarios. De todo ello emerge un retrato fascinante, el relato de unos años mágicos en la Gran Manzana y una obra imprescindible para los lectores interesados en el arte contemporáneo y en el mercado que lo rodea.La autora se recrea en la personalidad del hombre:culto, indudablemente, pero sobre todo pleno de habilidades sociales y económicas extraordinarias [
] Castelli representa por primera vez al galerista que alcanza un monopolio artístico [
] actuando sobre la vidaparticular y el comportamiento de los artistas [
] Apasionante vida, muy bien narrada e ilustrada con abundante y muy significativo material gráfico. Fernando Checa, Revista de Libros.
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Si un artista, un escriptor o un músic volen aconseguir un cert èxit -entès no tant en termes de popularitat i diners com de prestigi i reconeixement-, cal que aprenguin a fer feina sempre amb l'empenta i la frescor de quan tot just estrenaven la vocació i tot era il·lusionant i tot semblava possible.
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Francisca Artigues borda en sus manteles los dibujos de Miquel Barceló: un mar bordado puntada a puntada, criaturas abisales, tiburones, peces espada, pulpos escupiendo tinta, tortugas, langostas, estrellas de mar y rayas majestuosas nadando entre algas y coral rojo. también criaturas de la tierra: reptiles arcaicos, insectos, pájaros, murciélagos, flechas, hachas o herramientas primitivas. el resultado tiene todas las características distintivas de Barceló y crea textiles de gran belleza inspirados en el mediterráneo y la naturaleza.
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Técnicas de Dibujo para artistas está lleno de técnicas efectivas para dibujar casi cualquier tema. Alex Hillkurtz logra resultados maravillosos utilizando una combinación innovadora de medios mixtos. Trabaja con pluma y lápiz y le da a su trabajo profundidad y dimensión extra con pintura de acuarela. Da vida a sus bocetos con sombras, perspectiva, activo, composición y color, y explica en claras instrucciones paso a paso cómo hacerlo.
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Con EJERCICIOS PARRAMÓN se ofrece al público una colección abierta de títulos destinados a la práctica del dibujo y la pintura. Cada volumen se dedica a un tema (paisaje, bodegón, figura, etc.) o a una técnica (óleo, acuarela, pastel, etc.), y presenta un conjunto de ejercicios variados, desarrollados por diferentes profesores. La foto del modelo para pintar, una introducción a cada ejercicio y una secuencia de fotografías comentadas de todo el proceso constituyen el esquema de cada motivo propuesto. Una introducción sobre el asunto objeto de cada título y unos consejos prácticos sobre la materia que se presenta van a ser, sin duda, una de las mayores ayudas para la persona que quiera dominar el arte y la técnica de la pintura.
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Sam Gilliam, artista afroamericano que vivió en la capital de Estados Unidos durante el auge del movimiento por los derechos civiles, abrió un camino con su singular visión artística. Gilliam surgió de la escena artística de Washington, DC, a mediados de los años 60 con obras que trastocaron las normas y estilos artísticos establecidos.Las abstracciones líricas de Gilliam, incansablemente experimentales e inspiradas por el espíritu improvisado del jazz, adoptaron una variedad cada vez mayor de formas, estados de ánimo y materiales.Este libro, realizado en estrecha colaboración con la Fundación Sam Gilliam, es el primero en examinar exhaustivamente la amplitud de su extraordinaria carrera y presenta materiales de archivo nunca antes vistos y textos esclarecedores encargados recientemente que arrojan luz sobre el artista, su vida y su obra, junto con ejemplos del trabajo de Gilliam que abarca cinco décadas.
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Desde el comienzo de la historia humana, personasde todas las culturas y sistemas de creencias han mirado al cielo en busca de sentido. El movimiento de los cuerpos celestes y su relación con nuestras vidas humanas ha sido el principal objeto de estudio de la astrología durante miles de años. La práctica ha inspirado admiración y devoción, y nos ha permitido profundizar en nuestro propio conocimiento y en el del mundo que nos rodea.Si bien los horóscopos modernos pueden ser la forma más familiar de conocimiento astrológico, su linaje se remonta a los antiguos babilonios, egipcios y griegos. Como la autora Andrea Richards relata en Astrology, el segundo volumen de la serie Biblioteca Esotérica de TASCHEN, astronomía y astrologíafueron ciencias hermanas: la cámara del rey de la Gran Pirámide de Guiza se construyó de manera que estuviese alineada con las constelaciones, expertos persassupervisaron algunos de los primeros observatorios eincluso Galileo hizo horóscopos para los Medici. Perocon la Ilustración y el nacimiento de las ciencias exactas, la práctica se trasladó a ámbitos donde el misterio aún estaba permitido, inspiró a la literatura,el arte y la psicología e influyó en artistas y pensadores como Goethe, Byron y Blake. Movimientos posteriores como el teosofismo y la New age la incorporarona la cultura de masas.Editada por Jessica Hundley, esta fascinante historia visual de la astrología occidental es el primer compendio de su tipo. Explora el significado simbólico en más de 400 imágenes procedentes de todo el mundo, desde templos egipcios ymanuscritos iluminados hasta arte contemporáneo. Se secuencian obras de artistas que van de Alphonse Muchay Hilma af Klint a Arpita Singh y Manzel Bowman parareflejar el giro de los planetas y la rueda del zodiaco. Con un prólogo de la legendaria astróloga SusanMiller y fragmentos de nuevas entrevistas a astrólogos como Robert Hand, Jessica Lanyadoo y Mecca Woods, Astrology celebra las estrellas y su misteriosa influencia en nuestra vida cotidiana.Sobre laserieLa Biblioteca esotérica explora el modoen que los artistas han dado forma al misticismo a lolargo de los siglos, y cómo han convertido lo arcanoy oculto en obras de arte duraderas y visionarias. Cada tema se aborda por medio de imágenes antiguas y modernas procedentes de colecciones privadas, bibliotecas y museos de todo el mundo. El resultado es una historia visual inclusiva, un estudio de nuestra atracción instintiva por los sueños y las pesadillas, y delas formas creativas con las que intentamos conectarcon lo divino.
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El 11 de septiembre de 2001 Elena del Rivero llevaba diez años viviendo en Nueva York, pero el atentado la sorprendió en España. A su vuelta, su casa estudio de Manhattan, muy próxima a lo que habían sido las Torres Gemelas, estaba cubierta de polvo, ceniza y miles de fragmentos de papeles que habían entrado por las ventanas que habían estallado. Al abrir la puerta, Elena no pudo evitar intuir de inmediato la pieza en la que habría de trabajar los siguientes meses: coser sobre tarlatana 20 por 5 metros de ancho esos trozos de papel que habían volado hasta ella, fotografiar los escombros, realizar performances en solitario y grabar en vídeo desde su ventana los trabajos que se llevaban a cabo en la Zona Cero.Ese material conforma El archivo del polvo, una sobrecogedora reflexión textual y visual sobre los efectos de la guerra, la contaminación, las migraciones, la transformación urbanística y arquitectónica y cómo lo privado se hace público y viceversa en las guerras contemporáneas. Un collage vivo que reflexiona y documenta un largo y doloroso duelo colectivo que la materialidad del polvo transmite y a la vez impide.
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Meet the artist whose majestic breaking wave sentripples across the world. Hokusai (1760–1849) is notonly one of the giants of Japanese art and a legend of the Edo period, but also a founding father of Western modernism, whose prolific gamut of prints, illustrations, paintings, and beyond forms one of the most comprehensive oeuvres of ukiyo-e art and a benchmark of japonisme. His influence spread through Impressionism, Art Nouveau, and beyond, enrapturing the likes ofClaude Monet, Berthe Morisot, Edgar Degas, Mary Cassatt, and Vincent van Gogh.Hokusai was always aman on the move. He changed domicile more than 90 times during his lifetime
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Catàleg de l'exposició que se celebrarà al Centro de Fotografía KBr, Barcelona, del 24 de febrer al 23 de maig de 2021El Centro deFotografíaKBrFundaciónMAPFRE, Barcelona presenta La mirada captiva, una exposició dedicada al procediment fotogràfic del daguerreotip, en la que es reuneix una destacada col·lecció tant de daguerreotips com de material tecnològic relacionat amb aquest mètode que ens trasllada als albors de la fotografia . L'exposiciócontaamb lacol·laboraciódelCR DI(Centre de Recerca i Difusió de la Imatge)idel Museu del Cinema de Girona.
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cenca Marta Torres, con textos de Vicent Marí Torres,Antonio Colinas, Marta Torres Marí, María José Arnáiz Gorroño, Gérard Xuriguera, Carlos Clemente San Román, Francisco Cuevas. «En sus obras, Marta lleva la sensación de espacio tridimensional a ot
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Imponente por su tamaño, diversidad y singularidad, el mundo nunca deja de atraer nuestras miradas y despertar nuestra curiosidad. Incluso remontándonos hasta las pinturas rupestres más antiguas, es posible ver como los seres humanos han observado el planeta que nos acoge y se han esforzado por entenderlo.Este detallado atlas visual presenta la explicación del mundo más interesante, creativa e inspiradora que puede ofrecerse por medio de infografías. Dividido en cinco capítulos principales, el libro abarca desde el medio ambiente, la tecnología y la economía hasta la sociedad y la cultura, desvelando algunas de las mayores complejidades de la Tierra con unas imágenes tan claras como hermosas. Con más de 280 gráficos reproducidos a gran escala y siete páginas desplegables, la colección se centra en el primer cuarto del siglo xxi, pero también incluye obras maestras históricas que ofrecen una visión en perspectiva de la situación actual.Nigel Holmes presenta el libro con una infografía exclusiva obra de él mismo, y Sandra Rendgen firma un ensayo histórico ilustrado que explora cómo se ha estudiado e interpretado nuestro mundo a lo largo de los siglos. Con gráficos procedentes de fuentes tan prestigiosas como Fortune, National Geographic y The Guardian, este libro no es solo un escaparate a los trabajos de infografía más destacados, sino también un fascinante resumen de dónde y cómo vivimos.
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El estudio más completo de la obra del célebre artista holandés Michael Raedecker, que abarca 30 años de carrera.Michael Raedecker, el aclamado artista holandés, registra los recuerdos que encierran espacios y objetos en sus enigmáticas y oníricas pinturas. Casas suburbanas, casas en los árboles, habitaciones vacías y sillas desocupadas flotan en un inquietante aislamiento. Los tonos apagados se penetran con hilo y aguja, donde el artista cose a mano las formas en una materialidad texturizada.Desde el principio de su carrera como pintor, Raedecker ha incorporado el bordado a sus obras como contrapunto visual a su aplicación de pintura deslavada. Este estudio de su obra, diseñado por la aclamada diseñadora gráfica holandesa Irma Boom, es el más completo publicado hasta la fecha, con ensayos de un grupo único y diverso de críticos, comisarios, artistas y académicos.
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Un acercamiento a la desobediencia civil y artística desde la memoria de Abel Azcona. El posicionamiento ante la persecución comoexcusa para entender y compendiar pensamientos e ideas en torno a la insubordinación de un creador y pensador polémico e
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A definitive and timely monograph celebrating the work of ground-breaking conceptual artist Cerith Wyn EvansCerith Wyn Evans is one of today's most respected and acclaimed sculptors. Born in Wales and educated through his first language of Welsgh, his work reflects his fascination with literature, film, music, and philosophy. Evans is an artist interested in language and how this can be perceived in spatial terms.Originally an experimental filmmaker, in the 1990s Evans started creating sculptures and installations defined by poetic conceptualism and elegant aesthetic forms. Often made of neon light, his pieces subtly disrupt existing systems of communication, either through the subversion and alteration of given spatial forms or by adopting a communal rather than a singular, authoritarian voice.In 2003 Evans represented Wales at the country’s inaugural pavilion at the 50th Venice Biennale. This book, the first comprehensive study dedicated to his work, includes contributions by luminaries such as the former Guggenheim Chief, Nancy Spector and the 2011 Venice Biennale director, Daniel Birnbaum, together with a previously unpublished text by Evans himself.
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Los cuatro ensayos recogidos en este libro proponen reflexionar sobre el arte de la Edad Media presente en museos e iglesias planteando un viaje de ida y vuelta entre el Museo del Prado y algunos de los miles de templos de ese período que salpican el paisaje español y europeo. Con el objetivo de ofrecer una lectura contextual de los distintos elementos que integran las llamadas «artes del altar», como frontales, tabernáculos y ciborios, se presta especial atención al retablo, cumbre del arte hispano medieval, rastreando para ello su desarrollo en los siglos xiv y xv y analizando su ubicación en el interior de las iglesias. Además de estudiar el entorno original de las piezas, se ponen en relación con otros ejemplos europeos y se encuadran así en un paisaje artístico más amplio.
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Con motivo del centenario del nacimiento de Venancio Blanco (1923-2018), la publicación recoge una selección antológica de su obra, privilegiando la escultura, disciplina por la que fue internacionalmente reconocido.
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El libro Julio Galán. Un conejo partido por la mitad ofrece una nueva lectura de la práctica artística de Julio Galán (Múzquiz, 1959 - Monterrey, 2006), artista que destaca por haber renovado el panorama de la plástica mexicana de los años 1980.Dado que no ha habido una publicación exhaustiva sobre el trabajo de Galán en los últimos quince años, el resultado de este proyecto es un catálogo que ofrece nueva investigación sobre su práctica y recontextualiza sus pinturas desde una perspectiva contemporánea.Julio Galán. Un conejo partido por la mitad incluye el primer ensayo biográfico sobre Galán publicado por Teresa Eckman, PhD, un ensayo curatorial de Magalí Arriola, curadora de la exposición y directora del Museo Tamayo, y un glosario de la iconografía de Galán del escritor mexicano Pablo Soler Frost, recopilando algunas de sus obras más destacada, imágenes de archivo, fotografías de autor y fotografías contemporáneas de la exposición en el Museo Tamayo (2022).
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La creación de la ruta del Kisokaido fue una orden del entonces sogún de Japón, Tokugawa Ieyasu, que a principios del siglo XVII decretó la construcción de estaciones de descanso en el penoso tramo que iba desde Edo (actual Tokio) hasta Kyoto. Se abrieron posadas, tiendas y restaurantes que proporcionaban alimento y alojamiento a los agotados viajeros. En 1835, el famoso xilógrafo Keisai Eisen recibió el encargo de realizar una serie de estampas que representaran la ruta del Kisokaido. Después de hacerse cargo de 24 de estas estampas, Eisen fue sustituido por Utagawa Hiroshige, que completó la serie de 70 imágenes en 1838.Tanto Eisen como Hiroshige eran reconocidos maestros del grabado. Las sesenta y nueve estaciones del Kisokaido pone de manifiesto los distintos estilos de ambos y su habilidad común. Desde el ajetreado punto de partida de Nihonbashi hasta el castillo de Iwamurata, Eisen opta por una paleta más apagada, pero sobresale en la figuración, sobre todo en la representación de mujeres glamurosas, y se recrea en las imágenes de toda la actividad que se realiza a lo largo del camino, desde el herrado de un caballo hasta campesinos aventando arroz. Hiroshige demuestra su dominio del grabado paisajista con escenas grandiosas y evocadoras, desde las tranquilas orillas del río Ota hasta el imponente paso de Wada o una ascensión a la luz de la luna entre Yawata y Mochizuki.Tomadas en conjunto, las estampas de Las sesenta y nueve estaciones del Kisokaido suponen no sólo un animado ejemplo del arte de la xilografía, con composiciones audaces y un uso experimental del color, sino también un encantador tapiz del Japón del siglo XIX, mucho antes de que apareciera el fantasma de la industrialización. Esta nueva edición de TASCHEN presenta la serie con la excelencia que merece. Las imágenes reproducidas provienen de la única primera edición de la serie completa que se conoce, lo que asegura la mejor calidad para esta legendaria obra.
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Aquest catàleg és una oportunitat de destacar la rellevància de la nostra Col·lecció en un projecte que planteja una àmplia reflexió sobre com observem, experimentem i representem la natura. Reprèn l’exploració de la idea de paisatge, però centrant-se exclusivament en la creació artística dels nostres dies.
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Un caso atípico estético y un inconformista, Cameron Jamie es un artista estadounidense nacido en Los Ángeles y radicado en París cuyo arte aclamado por la crítica se ha exhibido en todo el mundo en algunas de las exposiciones y lugares institucionales más prestigiosos.A lo largo de más de tres décadas, Jamie ha establecido una práctica multifacética definida por la exploración cultural y la experimentación formal que se resiste a las categorizaciones. Su obra de arte abarca una amplia gama de disciplinas artísticas cruzadas que incluyen dibujo, pintura, escultura, cerámica, grabado, fotografía, performance, cine, música y publicaciones independientes.El innovador trabajo de Jamie ha explorado, investigado y analizado cómo se moldean y comparten las estructuras de la mitología y los rituales en las culturas populares y vernáculas, y en qué medida participan en la creación de los mundos ficticios y los yoes ficticios de los individuos.Con una gran cantidad de imágenes inéditas y material de archivo nunca antes visto, este libro fascinante y esperado desde hace mucho tiempo será la primera publicación monográfica completa dedicada a uno de los visionarios artísticos más importantes que trabajan en la actualidad.
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Flors de debò són trenta-vuit proses poètiques breus que Mercè Rodoreda escriu a principis dels anys seixanta del segle passat a Ginebra. Restaran en un calaix fins que el 1980 l'autora, ja instal·lada a Romanyà de la Selva, decideix editar-les conjuntament amb Viatges a uns quants pobles amb el títol genèric de Viatges i flors. El mateix any, Pere Gimferrer escriu, en data 30 d'agost, en el seu dietari: «Els personatges, és clar, són metàfores de nosaltres: la Colometa, Teresa Goday de Valldaura. Però en el fons del dibuix dels llibres de Mercè Rodoreda, hi ha d'altres coses ''un jardí, un colomar, un armari japonès'' que també són metàfores, i no s'expliquen pas: finestrams a un altre món. Ara, en aquest llibre nou ''Viatges i flors'' el que sovint era fons esdevé primer terme. Ens cal avesar-nos a un clima diferent. Al centre de tot, la mestressa del país misteriós somriu en una llum molt clara.» Fascinats per aquestes proses obertes, metafòriques, precioses i brutals, diversos artistes, dos experts en botànica, una historiadora de la literatura, conjuntament amb els editors, van iniciar un viatge en el qual han llegit i rellegit les flors rodoredianes i n'han parlat des de les perspectives literària, plàstica i científica. El resultat el teniu a les mans: les trenta-vuit Flors de debò, acompanyades per les il·lustracions i els comentaris de les possibles fonts d'inspiració botànica. I és que els grans textos de la Mercè Rodoreda permeten múltiples interpretacions com ho demostren les diverses aportacions aparegudes els darrers anys des de la música, la pintura, el teatre i altres expressions artístiques.
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Inteligencia artificial para ilustradores te enseña a sacarle el máximo partido a esta nueva tecnología a través de las numerosas utilidades creativas que permite. Paso a paso, conocerás los fundamentos y las principales funciones de la IA para la generación de imágenes, pero también para la edición, la automatización de procesos de trabajo y la optimización de resultados. Además, podrás experimentar sin limitaciones materiales para dar forma a tus ideas de maneras únicas, e incluso entrenar modelos personalizados a partir de los cuales generar nuevas imágenes con tu estilo propio. Finalmente, te guiaré a través de los principios fundamentales de la iluminación, el uso del color, la composición, el encuadre y la simulación de diferentes efectos visuales, y juntos analizaremos las principales técnicas y estilos, de los que podrás obtener elementos interesantes para enriquecer tus imágenes. Incorporar estas tecnologías de vanguardia a tu trabajo como ilustrador te permitirá agilizar, mejorar y expresar ideas creativas complejas como nunca antes habías imaginado.
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Este trabajo muestra una panorámica general del particular universo creativo de Juan Carlos Eguillor.Este trabajo muestra una panorámica general del particular universo creativo de Juan Carlos Eguillor. Se trata de un ejercicio de síntesis, una propuesta de retrato parcial, con el dibujo como eje principal y el cómic como protagonista. La idea es explicar lo mejor posible su obra desde lo disciplinar y lo temático. Un recorrido cronológico que empieza en Bilbao en 1968 y termina en Madrid en 2011, pero sin ninguna pretensión biográfica o histórica, y al que se suman las aportaciones de personas contemporáneas, compañeras y cómplices de Eguillor en aquellos años. El ensayo se centra en la parte artística y profesional de su trabajo, para que su experiencia pueda orientar los pasos de la próxima escena del cómic vasco.
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El primer cicle de programació del nou Santa Mònica va orbitar al voltant d’un conjunt de preguntes derivades dels processos de deconstrucció i reconstrucció d’un centre d’arts, en els àmbits institucional, arquitectònic i simbòlic.
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Diálogo reflexivo de contraposiciones y significados entre la obra de Darío Escobar y el arte virreinal Esta publicación responde a la muestra que forma parte de los festejos por el 40 aniversario del Museo Nacional de Arte de México. Reúne 32 piezas del artista guatemalteco Darío Escobar en diálogo abierto con la colección virreinal del Museo, como una cadena de significantes cosmogónicos del mundo mesoamericano, la era virreinal y la cultura contemporánea. En las coordenadas históricas que siguen a los quinientos años de la caída y resistencia de México-Tenochtitlan, esta publicación ofrece destellos de una cultura que se nutre de sus ricos imaginarios -de ayer y de hoy- heredados de su tradición prehispánica, novohispana, con el sesgo de la plástica actual. La obra de Escobar invita al espectador a una reflexión en pie de igualdad con los guiños, texturas y simbología del barroco novohispano. Con textos de Michel Blancsubé, Julia Buenaventura, Dan Cameron, Thomas B. F. Cummins, José Luis Falconi y Javier Prayeras. En coedición con el MUNAL, INBAL
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