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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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El pop art, que vivió su época dorada en la décadade 1960, surgió como una revolución contra las convenciones artísticas y culturales, y acabó cuestionandotodos los aspectos de la sociedad moderna, la cultura del consumo y el papel del artista y su obra misma.La principal provocación de los artistas pop fue poner contra las cuerdas las ideas del canon artístico o de la originalidad integrando las imágenes deconsumo masivo a sus obras. A través de eslóganes publicitarios, caras conocidas de Hollywood, personajespropios de las tiras cómicas o embalajes de productosde consumo, artistas como Robert Rauschenberg, ClaesOldenburg, Andy Warhol y Roy Lichtenstein reprodujeron conscientemente imágenes cotidianas y mundanas dela cultura popular.Asimismo, el pop art restóimportancia al papel del individuo y cuestionó la noción de originalidad desplegando técnicas de producción a gran escala como la serigrafía. Cual galería de los espejos, las obras ponen en duda las ideas y los deseos de la cultura contemporánea, así como su condición de simulacro, con lo cual las imágenes, las sustituciones y las representaciones llegan a definir la experiencia de la realidad.En esta edición actualizada y ampliada, Tilman Osterwold muestra cómo estos jóvenes y nuevos protagonistas utilizaron técnicasy motivos inusuales en las décadas de 1950 y 1960 para derribar la frontera entre la alta cultura y lo trivial, y cómo su juego con referencias visuales cotidianas sacudió la escena artística de un modo potentey permanente. El volumen contiene material visual complementario de la colección privada de Osterwold, ilustraciones procedentes de otros títulos de TASCHEN dedicados al pop art, un nuevo epílogo del autor y citas de artistas.Sobre la serie¡TASCHEN cumple 40 este año! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN seha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, yayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. En 2020 celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40 reúne a algunas delas estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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Una enciclopedia visual que es a la vez una guía completa de las técnicas tradicionales y contemporáneas en la que se recogen los principios básicos de la impresión de la calcografía, el relieve, la litografía, la serigrafía y el monotipo. Incluye las impresiones más creativas y diversas que se producen en la actualidad y que ilustran el potencial de la impresión artística. Una obra de referencia de primer orden para grabadores, diseñadores gráficos, artistas y estudiantes. Ejemplos elaborados por impresores contemporáneos, este libro pretende ser tanto una fuente de aliento como una exploración de la vida y la obra de los artistas que sienten fascinación por el proceso de la impresión artística y por el desarrollo de sus imágenes personales a través de la creación de impresiones originales. Los testimonios de destacados artistas invitan a explorar infinitas posibilidades de los diversos métodos de trabajo. Los capítulos se distribuyen según las distintas técnicas de impresión. A las completas explicaciones de cada uno de los medios les sigue un detallado análisis de los métodos disponibles, ilustrados con fotos paso a paso. Al final se incluye una completa sección de información útil con una lista de proveedores, talleres y estudios.
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Con motivo de la participación de la Universidad Complutense de Madrid (UCM) en la Feria Internacional del Libro Universitario (FILUNI) organizada por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), se presenta el catálogo México en las colecciones complutenses. En esta iniciativa se ha decidido apostar por el patrimonio académico como una de las señas de identidad fundamentales en universidades con una larga historia y trayectoria docente e investigadora como es el caso de la Universidad Complutense de Madrid. Sus numerosos museos y colecciones ofrecen una oportunidad para acercarnos desde otras perspectivas a la rica vida universitaria, planteando otras maneras de ver y conocer. Los fondos históricos, artísticos, científicos y técnicos contienen piezas de enorme interés para toda la comunidad universitaria y público en general, que además nos hablan de las fructíferas relaciones y colaboraciones con otras instituciones.
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Eternamente cautivadoras, las pinturas de Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) son la encarnación de la felicidad, el amor y la belleza. Basada en el libro de gran formato —,la retrospectiva más completa de su obra publicada hasta la fecha—,, esta edición compacta examina en detalle la historia personal del pintor y las motivaciones detrás de la leyenda. Aunque comenzó su carrera pintando paisajes en estilo impresionista, Renoir encontró su verdadera vocación en los retratos, tras lo cual abandonó por completo el impresionismo. Pese a haber sido malinterpretado con frecuencia, Renoir sigue siendo uno de los pintores más queridos de la historia, sin duda por la calidez, la ternura y la alegría de vivir que emanan sus cuadros.En este texto magistral que detalla toda la trayectoria del artista y traza su evolución estilística, Gilles Néret muestra cómo Renoir reinventó las formas de la mujer en la pintura a través de sus diosas cotidianas de generosas curvas. La última fase en la obra de Renoir, en la que regresó al simple placer de pintar el desnudo femenino a través de su serie de bañistas, fue la más innovadora y de mayor influencia estilística, e inspiraría luego a maestros como Matisse y Picasso.Con una cronología completa, una bibliografía, un índice de obras y espléndidas reproducciones a color, así como fotos y bocetos que ilustran la vida y la obra de Renoir, este es el libro de referencia esencial sobre este maestro de la pintura.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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En sus enérgicas pinturas, la pintora brasileña Beatriz Milhazes fusiona dos formas muy diferentes de mirar el mundo. Sus composiciones abstractas, que pueden emparentarse con la obra de maestros del modernismo como Henri Matisse o Bridget Riley, están empapadas de los colores y la luz de su país. En sus pinturas abundan los símbolos de la vida cotidiana brasileña: el carnaval, la artesanía tradicional y motivos cotidianos desde el barroco al pop, todo ello coreografiado con un exuberante ritmo visual. Su atmósfera colorida tiene un encanto exótico irresistible, pero como en las obras de Paul Gauguin encontramos un paraíso roto en el que tonos más oscuros y melancólicos resuenan tanto en las promesas de la vida tropical como en las de la abstracción modernista. En busca de este equilibrio, Milhazes desarrolló una técnica de transferencia especial a finales de la década de 1980. Esta consistía en pintar sus motivos en láminas de plástico que pegaba sobre lienzos. Una vez secos, retiraba el plástico dejando la pintura adherida al lienzo. Este método permite a la artista trabajar con distintas capas en la superficie del lienzo y crear un efecto que oscila entre el brillo esplendoroso y una reluciente melancolía.
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Imponente por su tamaño, diversidad y singularidad, el mundo nunca deja de atraer nuestras miradas y despertar nuestra curiosidad. Incluso remontándonos hasta las pinturas rupestres más antiguas, es posible ver como los seres humanos han observado el planeta que nos acoge y se han esforzado por entenderlo.Este detallado atlas visual presenta la explicación del mundo más interesante, creativa e inspiradora que puede ofrecerse por medio de infografías. Dividido en cinco capítulos principales, el libro abarca desde el medio ambiente, la tecnología y la economía hasta la sociedad y la cultura, desvelando algunas de las mayores complejidades de la Tierra con unas imágenes tan claras como hermosas. Con más de 280 gráficos reproducidos a gran escala y siete páginas desplegables, la colección se centra en el primer cuarto del siglo xxi, pero también incluye obras maestras históricas que ofrecen una visión en perspectiva de la situación actual.Nigel Holmes presenta el libro con una infografía exclusiva obra de él mismo, y Sandra Rendgen firma un ensayo histórico ilustrado que explora cómo se ha estudiado e interpretado nuestro mundo a lo largo de los siglos. Con gráficos procedentes de fuentes tan prestigiosas como Fortune, National Geographic y The Guardian, este libro no es solo un escaparate a los trabajos de infografía más destacados, sino también un fascinante resumen de dónde y cómo vivimos.
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El primer cicle de programació del nou Santa Mònica va orbitar al voltant d’un conjunt de preguntes derivades dels processos de deconstrucció i reconstrucció d’un centre d’arts, en els àmbits institucional, arquitectònic i simbòlic.
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Aquest catàleg, realitzat en col·laboració amb la National PortraitGallery de Londres, aplegagairebé dues-centes peces que ens aproximen de manera exhaustiva a lapassió de Picasso pelretrat.La figura humana, i en concret el retrat, van ser essencials en l’obrade l’artista, des de l’època deformació fins al final de la seva vida. La perspicàcia per captar lespeculiaritats i els trets decaràcter dels personatges que representava ―bé fossin els membres del’entorn familiar, elsamics o les dones amb què es va relacionar―, i l’habilitat per reproduirexpressions facials,postures i gestos, es van manifestar ja en les caricatures que dibuixavade nen.De la mà dels entenedors i documentats textos de la comissària ElizabethCowling, anemdescobrint com d’importants eren per a Picasso els seus models, comintentava adaptar undeterminat estil a la comprensió de la seva personalitat i com maldavaper plasmar-ne una ideael més completa possible.
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Este es el resultado de un esfuerzo conjunto entre el poeta Joan Brossa y el fotógrafo Chema Madoz. Ambos, desde la palabra el primero y desde la imagen el segundo, demuestran que, si bien una imagen puede valer más que mil palabras, un poema a su ve
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Salvador Dalí (1904-1989) supo representar en sus pinturas los principales temas que interesaron a los pensadores del siglo XX, como Freud, e hizo suyas las vanguardias, todo ello derivó hacia una pintura surrealista, y especialmente metafísica. Contribuyó en gran medida al conocimiento de su obra la exhibición personalísima de su vida. Una gran obra para disfrutar del arte y de la Historia.
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Johanna van Gogh enviudó de Theo, quedando al cuid
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A menudo imitado pero nunca igualado, Jan van Eyck (c. 1390-1441) dejó una huella indeleble en el arte renacentista y allanó el camino a los futuros pintores realistas. Con una precisión sin precedentes y un uso magistral del color, El matrimonio Arnolfini, que representa la boda de una joven pareja, es testimonio de la maestría del pintor flamenco, referente de la escuela pictórica holandesa de los primitivos flamencos. Van Eyck pintó temas tanto seculares como religiosos, y enfatizó un realismo y naturalismo que se movía a la perfección entre el reflejo de la vida cotidiana del siglo XV y planteamientos poéticos y celestiales. Trabajó con pintura al óleo y aportó innovaciones técnicas que permitieron lograr colores de gran intensidad y profundidad. Conozca la impresionante obra del artista con esta monografía publicada en tapa dura que incluye retablos, imágenes religiosas y retratos de encargo. Con detalles ampliados y pormenorizados análisis de obras maestras como el Políptico de Gante, este libro también ofrece una cronología de la obra de Van Eyck, incluida la producción de su taller, que continuó incluso tras su muerte.
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El catálogo se inicia en el núcleo de la intimidad familiar donde el binomio madre-hijo acapara todo el protagonismo, pasa por la captación magistral de los propios hijos del pintor, abriéndose luego al ámbito de la representación infantil del estatus social, y culmina representando todo un mundo de faenas infantiles, que no solo pasan por las esperadas del juego, el divertimento
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En anglès.Com podem viatjar de la ciutat al camp en una tarda, sense agafar cap vehicle? Com podem endevinar què s’amaga entre les branques d’un bosc espès? Com podem trobar i perdre i tornar a trobar un gat sense moure’ns de lloc? De la mà de l’artista Antoni Tàpies farem un recorregut per algunes de les seves obres, ensopegarem amb un poeta que fa jocs de mans, i coneixerem una àvia i una néta que busquen un gat. Si no el perdem de vista destaparem els secrets amagats en les obres de Tàpies. I és que en l’art hi ha molta màgia per descobrir!Conté fotografies d’obres d’Antoni Tàpies, i retrats de l’artista a càrrec de Leopoldo Pomés, Hans Namuth i Francesc Català-Roca. Inclou la fitxa tècnica de les obres i un breu text explicatiu de cada una.
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Este texto lo edita Museo Nacional Del Prado. Su andadura comenzó en los años ochenta impulsada por El Ministerio De Educación, Cultura Y Deporte y actualmentese encuentra en Madrid. Dicha editorial tiene en suhaber más de 50 libros en catalogo. Ministerio de Educación, Cultura y Deporte. Área de Educación, Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Biblioteca Nacional de España, Ministerio de Educación, Cultura y Deporte. Área de Cultura, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía entre otros pertenecen al mismo grupo (Ministerio De Educación, CulturaY Deporte) que Museo Nacional Del Prado. España son las especialidades de dicha editorial. Museo NacionalDel Prado tiene las siguientes colecciones de textos:Artes Plásticas Y Visuales y Artes Decorativas. Lostítulos que conforman el catálogo de la editorial vienen de la mano de autores tan conocidos como La BandaTejedor, Elena, Nuez García, Cristóbal Luis, Doménech Villa, Ramón, álvarez García, Tíscar entre otros
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Museo Nacional Del Prado edita este título. En 1988 dicha editorial comenzó su primera singladura impulsada por El Ministerio De Educación, Cultura Y Deporte en Madrid. Su catálogo tiene más de 50 publicaciones.Museo Nacional Del Prado forma parte de Ministerio DeEducación, Cultura Y Deporte junto a Ministerio de Educación, Cultura y Deporte. Área de Cultura, Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales(ICAA), Consejo Superior de Deportes, Ministerio de Educación, Cultura y Deporte. Área de Educación, MuseoNacional Centro de Arte Reina Sofía... La editorialtiene libros sobre todo de España. El catálogo de Museo Nacional Del Prado cuenta con las siguientes colecciones: Artes Decorativas y Artes Plásticas Y Visuales. En dicha editorial han publicado títulos La BandaTejedor, Elena, álvarez García, Alsina Masmitjà, Pep,Nuere, Silvia, Rodríguez Hernández, Marta...
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Antonio Saura, pintor y también escritor, dedicó varios textos a Pablo Picasso que ofrecen las claves parauna nueva lectura del pintor malagueño. Este volumenreúne por primera vez el conjunto de tales textos, entre ellos el feroz, irónico y ya célebre panfleto Contra el Guernica, así como la inédita Carta imaginaria a Pablo Picasso. Este compendio es un análisis crítico y original de la obra de Picasso, realizado por uno de los pintores que no sólo ha entendido con acierto inteligente a Picasso sino que ha sabido superar magistralmente la dificultad de pintar durante y después de Picasso.
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A definitive and timely monograph celebrating the work of ground-breaking conceptual artist Cerith Wyn EvansCerith Wyn Evans is one of today's most respected and acclaimed sculptors. Born in Wales and educated through his first language of Welsgh, his work reflects his fascination with literature, film, music, and philosophy. Evans is an artist interested in language and how this can be perceived in spatial terms.Originally an experimental filmmaker, in the 1990s Evans started creating sculptures and installations defined by poetic conceptualism and elegant aesthetic forms. Often made of neon light, his pieces subtly disrupt existing systems of communication, either through the subversion and alteration of given spatial forms or by adopting a communal rather than a singular, authoritarian voice.In 2003 Evans represented Wales at the country’s inaugural pavilion at the 50th Venice Biennale. This book, the first comprehensive study dedicated to his work, includes contributions by luminaries such as the former Guggenheim Chief, Nancy Spector and the 2011 Venice Biennale director, Daniel Birnbaum, together with a previously unpublished text by Evans himself.
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En ocasiones, la escritura se inspira en algo que
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Si en tiempos premodernos las mujeres fueron consideradas físicamenteinferiores a los hombres, se insistía en su irracionalidady se las recluía a la vida doméstica, eso no significa que todas ellasestuvieran privadas de capacidad de decisión ni que sus vidas fueranirrelevantes para la cultura y la sociedad de su tiempo. Aunquefueron experiencias minoritarias, hubo mujeres que se destacaronen el ámbito público, e incluso otras heroicas, símbolos de la virtudfemenina, la justicia y la fortaleza.La historia de Tomiris es, precisamente, una de esas anomalías:reina de los masagetas (siglo VI a. C.), ante una amenaza exteriorcontra ella y su pueblo, actuó con inteligencia, valentía y singularjusticia. Este libro se ocupa tanto de su historia como de la vida póstumade su figura, de las fuentes de quienes la contaron y de las apropiacionesy usos que hicieron de ella. Recorrer esos caminos nospermite descubrir también algunas de las expresiones culturalesy sociales que se opusieron a la emancipación de las mujeres, asícomo las que propusieron, justificaron y posibilitaron un papeldistinto para ellas en el pasado.
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Con obras creadas en los años ochenta por artistas como Robert Ryman y Sigmar Polke, y otras mucho más recientes, como la de Carlos Bunga. Estas páginas son una celebración de la pintura. Como expresión, objeto y acontecimiento, como tiempo y memoria. Más aún cuando los augurios sobre su fin como género artístico han quedado superados por la constante renovación de su definición.
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Durante los últimos diez años, Steven Heller y Julius Wiedemann han investigado la evolución de la ilustración en todo el mundo, y ahora están aquí para cambiar la opinión de quienes pensaron que lo digital anunciaba el final de una era.Antes de que los medios de comunicación de masas transformaran nuestroshábitos de visualización, y de que pudiéramos disfrutar de textos e imágenes en pantallas tan pequeñas como la esfera de un reloj, las ilustraciones eran lasacompañantes principales de la palabra impresa. En elcontexto actual, diseñadores y artistas siguen siendo protagonistas. La ilustración es más libre y variada que nunca, y está presente en medios impresos y digitales, libros, envoltorios, ropa, automóviles y restaurantes.Este libro rinde homenaje a la calidad, diversidad, intensidad, comicidad, vivacidad y excepcionalidad del trabajo de los ilustradores de hoy.Desde artistas veteranos como Brad Holland, cuyas pinturas alusivas y metafóricas en la sección de opinióndel New York Times revolucionaron la ilustración enla década de 1970, hasta estrellas emergentes como Robin Eisenberg, con sus bellezas alienígenas de colores pastel a bordo de naves espaciales en portadas de discos de indie-rock, los 100 artistas de esta colección son solo, como suele decirse, la punta del iceberg, pero componen un recorrido apasionante por los estilos, las técnicas y el uso del color de creadores detodo el mundo. Le animamos a elegir sus favoritos.Incluye:una introducción y un prólogo de los editores Julius Wiedemann y Steven Heller600 páginas con magníficas reproduccionesuna biografía de cada artista que detalla su experiencia, enfoque y motivaciones, e incluye los datos de contactoun índice de agencias de ilustradores
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De entre todas las páginas italianas que ocuparon laobra de esta original y algo excéntrica autora, sobresalen estas miniaturas sobre Roma, la ciudad que conoció a fondo y por la que pasea una mirada de múltiples intereses, casi impresionista. La erudición estética no está reñida con la anécdota, ni con la hilazón de fragmentos que parecen yuxtaponerse como las estructuras de Piranesi, el artista que según Vernon Lee mejor comprendió Roma. Resulta una delicia seguir los pasos de esta italiana de corazón y dejarse atrapar por su espíritu iconoclasta, por sus juegos de imágenesy por la erudita lupa que aplica sobre rincones, edificios y obras de arte a las que ilumina de forma magistral.
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El libro Julio Galán. Un conejo partido por la mitad ofrece una nueva lectura de la práctica artística de Julio Galán (Múzquiz, 1959 - Monterrey, 2006), artista que destaca por haber renovado el panorama de la plástica mexicana de los años 1980.Dado que no ha habido una publicación exhaustiva sobre el trabajo de Galán en los últimos quince años, el resultado de este proyecto es un catálogo que ofrece nueva investigación sobre su práctica y recontextualiza sus pinturas desde una perspectiva contemporánea.Julio Galán. Un conejo partido por la mitad incluye el primer ensayo biográfico sobre Galán publicado por Teresa Eckman, PhD, un ensayo curatorial de Magalí Arriola, curadora de la exposición y directora del Museo Tamayo, y un glosario de la iconografía de Galán del escritor mexicano Pablo Soler Frost, recopilando algunas de sus obras más destacada, imágenes de archivo, fotografías de autor y fotografías contemporáneas de la exposición en el Museo Tamayo (2022).
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Desde el comienzo de la historia humana, personasde todas las culturas y sistemas de creencias han mirado al cielo en busca de sentido. El movimiento de los cuerpos celestes y su relación con nuestras vidas humanas ha sido el principal objeto de estudio de la astrología durante miles de años. La práctica ha inspirado admiración y devoción, y nos ha permitido profundizar en nuestro propio conocimiento y en el del mundo que nos rodea.Si bien los horóscopos modernos pueden ser la forma más familiar de conocimiento astrológico, su linaje se remonta a los antiguos babilonios, egipcios y griegos. Como la autora Andrea Richards relata en Astrology, el segundo volumen de la serie Biblioteca Esotérica de TASCHEN, astronomía y astrologíafueron ciencias hermanas: la cámara del rey de la Gran Pirámide de Guiza se construyó de manera que estuviese alineada con las constelaciones, expertos persassupervisaron algunos de los primeros observatorios eincluso Galileo hizo horóscopos para los Medici. Perocon la Ilustración y el nacimiento de las ciencias exactas, la práctica se trasladó a ámbitos donde el misterio aún estaba permitido, inspiró a la literatura,el arte y la psicología e influyó en artistas y pensadores como Goethe, Byron y Blake. Movimientos posteriores como el teosofismo y la New age la incorporarona la cultura de masas.Editada por Jessica Hundley, esta fascinante historia visual de la astrología occidental es el primer compendio de su tipo. Explora el significado simbólico en más de 400 imágenes procedentes de todo el mundo, desde templos egipcios ymanuscritos iluminados hasta arte contemporáneo. Se secuencian obras de artistas que van de Alphonse Muchay Hilma af Klint a Arpita Singh y Manzel Bowman parareflejar el giro de los planetas y la rueda del zodiaco. Con un prólogo de la legendaria astróloga SusanMiller y fragmentos de nuevas entrevistas a astrólogos como Robert Hand, Jessica Lanyadoo y Mecca Woods, Astrology celebra las estrellas y su misteriosa influencia en nuestra vida cotidiana.Sobre laserieLa Biblioteca esotérica explora el modoen que los artistas han dado forma al misticismo a lolargo de los siglos, y cómo han convertido lo arcanoy oculto en obras de arte duraderas y visionarias. Cada tema se aborda por medio de imágenes antiguas y modernas procedentes de colecciones privadas, bibliotecas y museos de todo el mundo. El resultado es una historia visual inclusiva, un estudio de nuestra atracción instintiva por los sueños y las pesadillas, y delas formas creativas con las que intentamos conectarcon lo divino.
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Hay quien sale de casa con un móvil y va tomando fotos del mundo que le rodea, y hay quien sale de casa con un cuaderno de dibujo. La diferencia es que mientras dibujamos algo no solo capturamos la realidad, sino quela repensamos e, incluso, la inventamos. Con el cuaderno de dibujo dejamos de capturar instantáneas fugaces o de procesar imágenes hechas por otras personas para salir, detenernos y mirar el mundo con nuestros propios ojos. Esta guía práctica nos transmite el poder del dibujo como lenguaje de representación e ideación y nos descubre el potencial del cuaderno de dibujo como un dispositivo ideal para ponerlo en práctica. Félix Scheinberger resume en 69 iluminadoras píldoras todas las claves, técnicas, trucos y consejos para que redescubramos el dibujo como lenguaje universal. Desde cuestiones básicas como qué cuaderno de dibujo o qué rotuladores comprar, hasta cómo sacarle partido a tu trazo natural o reconocer el valor fundamental del azar y los errores. El encuadre, la perspectiva, la sombra, la luz, el cuerpo humano, los amigos, los coches, las ideas... todo, absolutamente todo, esconde un secreto o algún truco decisivo, y el artista alemán acierta a explicárnoslos deforma amena y directa. En definitiva, un auténtico tesoro para lanzarse, por fin, a hablar el lenguaje del dibujo.
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Esta obra es una excelente muestra del refinamiento estético y el pensamiento idealista de uno de los mayores pintores del Prerrafaelismo inglés. Centellas
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Eternamente cautivadoras, las pinturas de Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) son la encarnación de la felicidad, el amor y la belleza. Basada en el libro degran formato, la retrospectiva más completa de su obra publicada hasta la fecha, esta edición compacta examina en detalle la historia personal del pintor y lasmotivaciones detrás de la leyenda. Aunque comenzó sucarrera pintando paisajes en estilo impresionista, Renoir encontró su verdadera vocación en los retratos,tras lo cual abandonó por completo dicho estilo. Pese a haber sido malinterpretado con frecuencia, Renoirsigue siendo uno de los pintores más queridos de lahistoria, sin duda por la calidez, la ternura y la alegría de vivir que emanan sus cuadros.En estetexto magistral que detalla toda la trayectoria del artista y traza su evolución estilística, Gilles Néretmuestra cómo Renoir reinventó las formas de la mujeren la pintura a través de sus diosas cotidianas de pronunciadas curvas, caderas y pechos. La última faseen la obra de Renoir, en la que regresó al simple placer de pintar el desnudo femenino a través de su serie de bañistas, fue la más innovadora y de mayor influencia estilística, e inspiraría luego a maestros comoMatisse y Picasso.Con una cronología completa, una bibliografía, un índice de obras y espléndidasreproducciones a color, así como fotos y bocetos queilustran la vida y la obra de Renoir, este es el libro de referencia esencial sobre este maestro de la pintura.Sobre la serieBibliotheca Universalis –, Compañeros culturales en formatocompacto para celebrar el universo ecléctico de TASCHEN.
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El género fantástico (fantasy art), esa animada mezcla de criaturas míticas, héroes musculosos y valquirias ligeras de ropa en paisajes extraterrestres, sepuso de moda en la década de 1960 con el lanzamientode la revista Creepy, la reimpresión de El señor de los anillos en 1965, los libros de bolsillo de Conan el Bárbaro con cubiertas de Frank Frazetta y el surgimiento de la fantasía psicodélica al final de esa misma década.Su popularidad aumentó en la década de 1970 gracias al juego de rol Dungeons & Dragons, labrillante revista francesa Métal Hurlant y la primera película de Star Wars. El número de artistas en activo alcanzó su punto máximo en aquellos años, pero una nueva generación de fans descubrió el género por medio de juegos de cartas en la década de 1990, lo quecondujo al enorme interés que esta forma de arte suscita hoy en día. En las escasas ocasiones que estas han llegado al mercado, las pinturas al óleo de Frank Frazetta se han vendido por más de cinco millones de dólares. Los aficionados hacen cola en el festival Comic-Cons de San Diego para conocer a Boris Vallejo, Rodney Matthews, Greg Hildebrandt, Michael Whelan y Philippe Druillet, y rendir homenaje a ídolos fallecidoscomo HR Giger, Moebius, Jeffrey Catherine Jones y Frank Frazetta. Imagine el entusiasmo con que darán labienvenida a esta History of Fantasy Art de TASCHEN,que presenta, entre otros, a los artistas aquí enumerados.Este tomo de tamaño descomunal se adentraen este género dinámico y extravagante por medio pinturas originales contextualizadas con bocetos, esculturas, calendarios, revistas y libros de bolsillo. Concompletas biografías que van más allá de lo que cuenta la Wikipedia y ofrecen una mirada más precisa y reveladora a la vida de cada artista. Asimismo, el volumen incluye desplegables y portadillas individuales para cada uno de los capítulos, lo que convierte a esta colección en la guía más completa y exquisita sobreeste popular tema de los próximos años.Primera edición numerada de 7.500 ejemplares
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La popularidad imperecedera de Gustav Klimt (1862-1918) atestigua no solo el particular atractivo de su exuberante pintura, sinotambién de los temas universales con los que trabajó: el amor, la belleza femenina, el paso del tiempo y la muerte.K
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Este catálogo muestra la personalidad artística de dos de las mujeres más notables de la historia del arteoccidental, dos pintoras que alcanzaron reconocimiento y notoriedad entre sus contemporáneos, a pesar dey al mismo tiempo, por ser mujeres. Ambas supieron romper con los estereotipos que la sociedad asignaba alas mujeres en relación con la práctica artística y el arraigado escepticismo sobre las capacidades creativas y artísticas de la mujer. Catálogo a cargo de Leticia Ruiz Gómez, Jefe del Departamento de Pintura española del Renacimiento del Museo Nacional del Prado.Además de las obras de catálogo, incluye ensayos de Michael Cole (Artes hermanas), Almudena Pérez de Tudela (Sofonisba Anguissola en la corte de Felipe II), Maite Jover de Celis, M.ª Dolores Gayo García y Laura Alba Carcelén (Sofonisba Anguissola en el Museo del Prado. Una aproximación a su técnica) y de la propia Leticia Ruiz (Historia de dos pintoras: Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana). También incluye una cronología detallada de cada una de las dos artistas, bibliografía especializada e índice onomástico.
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Recorrido por muy diversas ciudades del mundo en busca de sus grafitis y las historias que estos representan. Cuidada edición en color y edición bilingüe español-inglésHay quien piensa que son arte o que son una manera de mandar un mensaje, y también hay quien piensa que son directamente basura. Sea como sea lo que usted opine de ellos, los grafitis nacen bajo el estoicismo con el que sus autores aceptan tanto el anonimato, como el hecho de que su obra puede desaparecer al minuto de haberla realizado. Son el Mono no aware, ese sentimiento que produce la fugaz naturaleza de las cosas, o de que estas son bellas precisamente por su impermanencia.Este libro está compuesto por cincuenta historias inspiradas en cincuenta grafitis de diferentes ciudades del mundo que narran —mediante esa impronta de finitud— cómo todo ser humano es irrepetible y efímero a la vez.Some people think graffiti is art, some that it is a means to send a message, and there are also those who simply think graffiti is junk. But whatever you think, graffiti is created by its authors in a spirit of stoicism, accepting their anonymity and the fact that their work could disappear the minute it is finished. Graffiti is the Mono no aware, the feeling that expresses the fleeting nature of things, that these creations are beautiful precisely because of their impermanence.This book is composed of fifty stories inspired by fifty graffiti from different cities around the world that tell —through their hallmark of finitude— how we are all unique and ephemeral at the same time.
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Las cartas que Miguel Ángel Buonarroti escribió entreel 2 de julio de 1496, cuando tenía veintiún años, yfebrero de 1564, poco antes de morir, constituyen una fuente insustituible para conocer su vida, su personalidad y sus relaciones no siempre amigables con parientes, artistas y gobernantes de la época. Especialinterés tienen las referencias al proceso creador desus más importantes obras (en concreto al desarrollovolumétrico, la creciente complicación gestual y la organización espacial de las escenas), pero también las que ayudan a ilustrar su desarrollo como hombre y como artista. La presente traducción, realizada por David García López, autor también de la selección y delprólogo, es la primera que se hace al español de esta correspondencia. La edición se completa con algunascartas dirigidas al propio Miguel Ángel, con el objeto de facilitar la contextualización de las que escribiera el propio artista.
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Compuesto de una serie de cuatro cuadernos en acordeón, este libro transmite la densa textualidad que define la obra de Michal Rovner, así como su interés porla palabra escrita, el tiempo y los códigos visuales.En este libro, el título más reciente de la colección LiberArs (una serie de libros de artista en pequeñoformato), Rovner va más allá de los límites de lo escrito para considerar los residuosque deja el tiempotanto en las palabras escritas como en las impresas.
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El 11 de septiembre de 2001 Elena del Rivero llevaba diez años viviendo en Nueva York, pero el atentado la sorprendió en España. A su vuelta, su casa estudio de Manhattan, muy próxima a lo que habían sido las Torres Gemelas, estaba cubierta de polvo, ceniza y miles de fragmentos de papeles que habían entrado por las ventanas que habían estallado. Al abrir la puerta, Elena no pudo evitar intuir de inmediato la pieza en la que habría de trabajar los siguientes meses: coser sobre tarlatana 20 por 5 metros de ancho esos trozos de papel que habían volado hasta ella, fotografiar los escombros, realizar performances en solitario y grabar en vídeo desde su ventana los trabajos que se llevaban a cabo en la Zona Cero.Ese material conforma El archivo del polvo, una sobrecogedora reflexión textual y visual sobre los efectos de la guerra, la contaminación, las migraciones, la transformación urbanística y arquitectónica y cómo lo privado se hace público y viceversa en las guerras contemporáneas. Un collage vivo que reflexiona y documenta un largo y doloroso duelo colectivo que la materialidad del polvo transmite y a la vez impide.
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