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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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L'estendard de l'Orfeó Feliuà és una obra única, de singular bellesa, que fou creada a principis del segle XX com a insígnia d'un dels cors de la població de Sant Feliu de Codines. Si en l'àmbit de les arts decoratives establir l'autoria dels objectes acostuma a ser difícil, la vida atzarosa d'aquest artefacte ho feu del tot impossible durant dècades, perquè quedà arraconat i no s'arribà a utilitzar mai. La plaqueta metàl·lica del revers de l'ensenya, amb la marca de la casa Hoyos, Esteva i Cia., ha estat clau a l'hora de determinar que es tractava d'una peça original d'Antoni Gaudí, autor que hi deixà la seva empremta artística dotant-la d'un ric llenguatge simbòlic, unes formes de base orgànica, una gran diversitat de materials i una dimensió corpòria sorprenent, amb volums capriciosos. Aquest llibre recompon el procés creatiu de l'obra -des de la concepció i el disseny de l'arquitecte, fins a l'execució formal al taller del seu col·laborador habitual, Claudi Hoyos-, desxifra el significat dels símbols gaudinians i, amb la col·laboració de Francesc Garriga, explica el complex itinerari històric de l'únic dels quatre estendards dissenyats per Antoni Gaudí que ha perdurat en el temps.
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Este volumen se propone reflexionar sobre una transnación kitsch, cursi, camp/trans* en lo tocante a la literatura y las artes en Iberoamérica. Para ello, en su primera parte se pregunta hasta qué punto lo kitsch, lo cursi y lo camp forman parte intrínseca de las estéticas queer y en qué medida los movimientos gais, lesbianos y queer han sido el motor principal de estas. El afianzamiento de la estética camp y la adopción de este término por críticos y creadores van de la mano tanto del proceso de masificación de la cultura como de los movimientos de liberación gay, que extienden sus efectos a Latinoamérica. Por ello, este libro hace especial hincapié en la existencia de un «kitsch tropical», que comienza a difundirse a partir de los años setenta.Los ensayos incluidos en su segunda parte, que muestran la riqueza del enfoque trans/queer, parten del término trans*, con asterisco, propuesto por Jack Halberstam, para analizar cómo se han ido configurando a través de la literatura y la performance diferentes identidades de género. Estas identidades se encarnan en personajes que se transforman en posibles e infinitos «devenires»: travestís, transexuales, transgéneros, queers, delirantes, en crisis, enfermos, vulnerables, excéntricos, desertores, subalternos, espectros, fantasmas...
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From the revolutionary mind of Wreck This Journal author Keri Smith comes an encouraging guide to discovering and trusting your inner voice, all through the guise of making a simple line. As you move through the pages of this book, you’ll be asked to start a line, and then to take it through a series of increasingly interesting and meaningful adventures, from letting your line meander or jump around the pages, to using it to help you explore your past, make decisions, and discover the good in your world. A deceptively simple journey, you’ll discover that with your one original line, you have the power to transform the world.
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La creación como concepto prácticamente se ha disuelto en nuestro tiempo debido al uso inmoderado del término que la nombra. Nos ha llegado cargada de prejuicios antes de estallar en mil pedazos e interesar a sectores tan ajenos a su original sentido como el Mercado o, si se prefiere, el marketing. Si contemplamos un contexto político como el nuestro, veremos que los registros de la cultura y el arte -incluidos la moda vestimentaria, la cocina y el deporte, con la hipertrofia deportivo-futbolística, o la ''fiesta'' taurina- invaden nuestro espacio mental atrayendo tanta más atención cuanto mayor es su agotamiento y, sobre todo, su puerilidad. Ahí la ''creación'' no sólo ha invadido todos los campos, también la producción de ''conceptos'' parece haber consumido el terreno filosófico que le pertenecía para acceder al marketing. El presente libro esboza una trayectoria de largo alcance que, partiendo de la eminente figura de Sófocles vista por Aristófanes, llega hasta Marcel Duchamp o Christo Javachef, con el objetivo de despejar una perspectiva estética cuya totalidad aún está por ver. Si admitimos en la Naturaleza la imaginación de una materia inagotable por su capacidad de inventar y renovarse, será de justicia que la filosofía y el pensamiento estético, con la psicología, la teoría psicoanalítica o la neurología, traten de hallar en quienes inventan, crean o descubren una particular «naturaleza» que debe tomar cuerpo en cada uno de sus trabajos.
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Libro editado con motivo de la exposición homónima (2021) celebrada en la Sala de Arte Contemporáneo del Gobierno de Canarias (SAC, Santa Cruz de Tenerife), y coordinada por Nora Barrera Luján del Instituto de Canarias Cabrera Pinto.En esta serie, el artista Marco Alom (Tenerife, 1986) aborda el término “murria”, una antigua palabra castellana que, aunque en su definición directa puede significar “tristeza” o “melancolía”, aduce a algo más, un estado de ánimo que induce al que la padece a encerrarse en sí mismo y a irse aislando del entorno. El Territorio como espacio que representa la psique humana y especialmente, el páramo vacío como reflejo del vacío existencial. Las dudas y/o la falta de distracciones configuran la hoja de ruta que Alom toma en esta exposición.Textos de Omar-Pascual Castillo, Blanca de la Torre y Marco Alom.
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Hace diez años, mi libro de las dos primeras décadas de esta historia -Operación Chamartín. Historia de una realidad virtual-, se resumía en su contraportada con estas palabras: En 1993, RENFE adjudicó, en un ominoso concurso público, «el derecho de adquirir» un suelo que había sido expropiado para la construcción de la estación de Chamartín y sus accesos. El suelo tenía una capacidad edificatoria de 187.358 m2 y fue adjudicado a DUCH, S.A. para que construyera un nuevo barrio diseñado por Ricardo Bofill. Hoy, veinte años después, DUCH, S.A., propiedad del BBVA en un 72,5%, tiene el «derecho de adquirir» 1.855.521 m2 de aprovechamiento urbanístico, diez veces más que cuando se adjudicó pero, aunque los medios han informado reiteradas veces de que «Arranca la Operación Chamartín», DUCH, S.A. no ha pagado ni un solo euro a RENFE, no ha movido ni un puñado de tierra ni ha puesto un solo ladrillo en el suelo de la virtual Operación Chamartín. Mientras tanto, la Administración Pública ha modificado y ampliado varias veces el contrato con DUCH, S.A. sin nuevos concursos públicos, ha recalificado tres veces el suelo, ha hecho tres leyes, dos autonómicas y otra nacional, para favorecer al adjudicatario, y ha ignorado en tres ocasiones sendos informes jurídicos que proponían la rescisión del contrato a DUCH, S.A. por incumplimiento del mismo. La vigencia de las mismas, hoy diez años después, ahorra cualquier añadido, excepto la lógica actualización del alias del BBVA, que ahora ya no es DUCH, S.A. sino CMNN, S.A., una ligera corrección en la edificabilidad a disfrutar, un aumento en el número de modificaciones de contratos, leyes favorecedoras y recalificaciones del suelo y que, hoy, no estamos en veinte, sino en treinta años después. Por lo demás, todo sigue igual. Como el primer día.
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Entre tècnica i enigma és un relat viu d'experiències sobre l'art que l'autor ofereix per compartir. Com que el misteri de la creació artística «incita a esbrinar-ne els secrets», Joaquim Español es deixa engrescar i s'aventura en una lúcida exploració de recursos i tècniques per entreveure els enigmes de la construcció de l'obra d'art. L'amplitud de camps que interessen l'autor i la seva experiència com a arquitecte, poeta i estudiós de composició musical li permeten percebre ressonàncies entre pràctiques diferents que ens acosten «a allò que de més genuí té l'art», però també l'autoritzen a rebatre impostures freqüents en el desconcert de la creació contemporània. El discurs, intens i meticulós, no estalvia alguna sorna amable, però respon sempre a una actitud oberta, i està escrit en un llenguatge entenedor que sovint agafa una alta volada. Quim Español és arquitecte dedicat també a la poesia, camp en què ha publicat Ultralleugers (premi Carles Riba 1994), L'arbre de la innocència (primer premi dels Jocs Florals 1998), 70 poemes, Nadir i altres nits, el poema principal del qual va ser portat al teatre, i Elegies (2018). Al marge d'altres llibres sobre teoria de l'arquitectura, ha publicat també Entre tècnica i enigma, un volum d'assajos amb una mirada transversal sobre diversos àmbits de l'art. Francesca és la seva primera novel·la.
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Hoy día, las Bellas Artes han desbordado su nombre, la belleza dejó de ser su finalidad y la noción clásico-romántica de arte apenas puede contener la inquietud de lo que se produce dentro de sus géneros tradicionales. Sin embargo, los nombres vuelven en círculos viciosos que, al tiempo que no permiten la salida de los conceptos que nombran, se ven incapaces de contenerlos. Original, copia, visible, invisible, presente, ausente, etc., un arsenal de conceptos con los que hemos ido trabando el modo de entendernos y de entender el mundo, muestran su inestabilidad y su ineficacia para dar alcance a lo que nos ocurre.
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Libro anuario de la galería Artizar que reúne todos los proyectos de la galería durante los años 2020 y 2021. Perteneciente a la colección de anuarios de la galería iniciada en el 2017.El año 2020 comienza con la colectiva Son de la Habana (Manuel Mendive, José Bedia, Juan Roberto Diago y René Peña), Desescavar de Ángel Padrón, Viento madera de Luis Palmero, seguida de Pero no el mundo la primera individual de Laura Mesa. Después llegó Nitrato del británico Dave McKean, con la que se partió el año. En 2021, Morfología del encuentro de José Luis Serzo y Pólenes de Jesús Zurita. Después, la primera muestra individual de la artista tinerfeña Romina Rivero bajo el título IKIGAI. Anatomía de las luciérnagas. Y como broche final a la temporada 2021, las exposiciones de Nada que ría de Julio Blancas, Exhalar y engullir de Amparo Sard y Spanglish Drama de Raúl Cordero.
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Libro editado con motivo de la exposición homónima (2021) celebrada en el Centro de Arte Juan Ismael (CAJI) con el apoyo del Cabildo de Fuerteventura (Islas Canarias), la cual fue coordinada por Catalina Carrascosa Molino.En este proyecto, el artista visual Hans Lemmen (1959, Venlo, Países Bajos) utilizó sus fotos, la mayoría de las cuales plasmaban yacimientos arqueológicos prehistóricos en las islas Canarias, como base para nuevas obras de arte, en parte foto y parte dibujo, vinculando un pasado remoto con los desarrollos actuales.Textos de Carlos Delgado Mayordomo, Hans Lemmen, Francisco León y Roger Ballen.
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DAVE MCKEAN. Libro editado con motivo de la exposición celebrada en la galería Artizar en Tenerife. Nitrato es la culminación del proyecto más personal de McKean: una serie de pinturas y dibujos que comenzó en 2008 inspirándo se en el cine expresionista centroeuropeo.
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Guia per a l'estudi i l'exprerimentació del color adreçat als estudiants i estudiosos de Belles Arts. L'obra consta d'una col·lecció de làmines comentades, amb informació visual que il·lustra i fa comprensible el que s'explica, amb un espai teòric, aconmpanyat d'una part pràctica.
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Cuando los espacios interiores se vuelven demasiado pequeños para dar lugar a nuestras ideas, cuando sentimos los ojos cansados por la exposición a luz de las pantallas, que el aire se agota y que cambia nuestro estado de ánimo, ha llegado el momento de coger lápiz y cuaderno y salir a descubrir el mundo exterior. Dibujar un paisaje nos permitirá observar la naturaleza con una nueva mirada. Los cambios de horizonte y las nuevas formas y colores, sea en un entorno natural o urbano, estimularán nuestra creatividad y renovarán sin duda nuestra pasión por dibujar. A partir de su larga experiencia como profesor de dibujo, en este libro Tilo Schneider pone a nuestro alcance todo lo necesario para adentrarnos en el mundo del dibujo al aire libre, un manual tan profundo y práctico como entusiasta y fundamental.
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Esta publicación acompaña el itinerario El Prado en femenino II. Promotoras artísticas de las colecciones del Museo (1602-1700), que podrá visitarse en el Museo Nacional del Prado entre el 6 de mayo y el 8 de septiembre de 2024.La presencia de la mujer en el mundo del arte a lo largo de la historia ha sido y es múltiple y variada, como creadoras, como promotoras y coleccionistas o como sujetos de la mirada masculina. Desde hace unos años el Museo del Prado está comprometido en mostrar esta diversidad a través de exposiciones, conferencias, congresos, becas e itinerarios como el de este libro. Se trata de la segunda parte de El Prado en femenino, tras la extraordinaria acogida que disfrutó la anterior (2023), y que se ha convertido en referente para otros museos y colecciones. Su intención es celebrar el coleccionismo de distintas mujeres cuya contribución al engrandecimiento de la antigua Colección Real –y por consiguiente del actual museo– fue decisiva.Este itinerario se centra en el Seiscientos y nos propone un recorrido formado por treinta y cuatro obras, distribuidas en cuatro secciones, que nos invita a visitar distintas salas de la colección permanente. Lo hace a través de tres figuras decisivas: Isabel de Borbón, Mariana de Austria y Cristina de Suecia. Gracias a ellas el Museo del Prado cuenta hoy con pinturas fundamentales de Durero, Rubens y Velázquez, o esculturas de la importancia de las Musas.Noelia García Pérez es Profesora Titular y Directora del Departamento de Arte de la Universidad de Murcia.
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Reúne por primera vez una serie de textos de un pensador atípico, Patricio Bulnes, uno de los personajes que hicieron del Madrid de los años 70 y 80 un lugar estimulante.Producir para ser producido, reúne por primera vez una serie de textos de un pensador atípico. Afincado en la capital de España, será uno de los personajes que hicieron del Madrid de los años 70 y 80 un lugar estimulante, no convencional y que, intelectualmente, valiese la pena. Vinculado a los artistas de la Galería Buades, pero reacio a figurar, fue el principal instigador de la revista HUMO y aportó al arte, sin pretenderlo, una mirada excéntrica y totalmente inesperada, más próxima al pensamiento francés postestructuralista que a los teóricos entonces en boga como Clement Greenberg o Ernst Gombrich. Completan el conjunto, extractos del libro El bailarín Pleinair, colección escrita y dibujada de microrrelatos, aforismos filosóficos y juegos, donde el humor es omnipresente.
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This publication accompanies the El Prado itinerary for women II. Artistic promoters of the Museum's collections (1602-1700), which can be visited at the Museo Nacional del Prado between May 6 and September 8, 2024.The presence of women in the world of Art throughout history has been and is multiple and varied, as creators, as promoters and collectors or as subjects of the male gaze. For some years now the Prado Museum has been committed to showing this diversity through exhibitions, conferences, congresses, scholarships and itineraries like the one in this book. This is the second part of The Prado in feminine, after the extraordinary reception that the previous one enjoyed (2023), and which has become a reference for other museums and collections. Its intention is to celebrate the collecting of different women whose contribution to the enhancement of the former Royal Collection – and consequently of the current museum – was decisive.This itinerary focuses on the 16th century and proposes a route made up of thirty and four works, distributed in four sections, which invites us to visit different rooms of the permanent collection. It does so through three decisive figures: Isabella of Borbón, Mariana of Austria and Christina of Sweden. Thanks to them, the Prado Museum today has fundamental paintings by Dürer, Rubens and Velázquez, or sculptures of the importance of the Muses.Noelia García Pérez is a professor and director of the Department of Art at the University of Murcia.
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Revista semestral del CBA • número 41. Cambio climático - La más artificial de las inteligencias - Europa Futura.
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El objetivo principal de este libro es analizar e identificar desde el punto de vista histórico la actividad musical desarrollada en Huélamo, una pequeña localidad enclavada en plena serranía de Cuenca, en el último tercio del siglo xx y principios del siglo xxi. También se pretende atender y valorar las diferentes actividades, festividades e instantes en los que se han programado o propiciado propuestas musicales performativas en este pueblo. Tras exponer en el estado de la cuestión, como contextualización se indican, por su interés, diferentes datos demográficos sobre Huélamo. También se efectúa una aproximación al concepto de fiestas y se describen sus celebraciones principales. Del mismo modo, se analiza la presencia, la importancia y los protagonistas de la música en Huélamo. Después, en el llamado cancionero de Huélamo se reúnen la transcripción de distintas canciones recogidas en el pueblo. A continuación de las conclusiones y las referencias bibliográficas, se añaden tres anexos, en los que se incluye la indicación a los libros, capítulos de libro, artículos en revistas divulgativas y científicas y artículos de publicaciones periódicas que poseen indicación expresa en su texto a Huélamo, un pueblo gloria y leyenda de la serranía de Cuenca, un río de sensaciones.
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« Notre-Dame de Paris a été rafistolée et retapée de fond en comble, ses sculptures sont rapiécées quand elles ne sont pas toutes modernes , en dépit des dithyrambes dHugo, elle demeure de second ordre , mais elle a sa nef, son merveilleux transept. Cette cathédrale na plus dâme , elle est un cadavre inerte de pierre , essayez dy entendre une messe, et vous sentirez une chape de glace tomber sur vous. La Vierge ny réside pas jours et nuits, toujours, comme à Chartres.»
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The Red Skein is the latest monograph by Swoon, covering more than a decade of her work. In 224 pages, featuring over 200 vibrant images, this book explores the artistic journey of Caledonia Curry, also known as Swoon, one of the world’s most celebrated female street artists.The in-depth book explores Swoon’s creations both on the streets and in the studio, encompassing animation projects, collaborations, museum installations, and community-based initiatives. The Red Skein stands as the most comprehensive and valuable collection of her artistic endeavours. An especially captivating addition is the intimate and poignant text titled ''Persephone, Medea, Hecate: Constructing a crossroads for art and psychedelic-assisted therapy”, in which Caledonia shares her personal background and articulates the profound significance of art in her life.The book also features an introduction by Dr. Gabor Mate, a bestselling author and Hungarian physician renowned for his expertise in various fields, including addiction, stress, and childhood development. Further enriching the content are essays by New York-based curator RJ Rushmore, one of the world’s youngest and most respected critics of street and graffiti art, Melena Ryzik, a New York Times reporter who was part of a Pulitzer Prize-winning team in 2018 for their reporting on workplace sexual harassment, Jerry Saltz, an American art critic serving as senior art critic for The Village Voice and a columnist for New York magazine, and Pedro Alonzo, a Boston-based independent curator and Adjunct Curator at Dallas Contemporary), Jeffrey Deitch (art dealer and curator, director of the Museum of Contemporary Art LA 2010-2013) and Judy Chicago (feminist artist, art educator, and writer.)
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La evolución de los conceptos de COMPLEJIDAD Y SOSTENIBILIDAD ha sido transcendental y ha viajado en los últimos años: de lo único-unitario se ha pasado a lo dicotómico, de lo dual a lo múltiple, y de lo múltiple a lo complejo (pensamiento y producción). Hemos habitado desde siempre en un mundo «complejo» y es desde la comprensión de ese concepto de complejidad de una manera responsable donde hallaremos la clave para la sostenibilidad futura del sistema.
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«La mecánica de Pimpollos y papanatas […] consiste en entresacar metáforas, sueños, juegos, anécdotas, resuellos, invectivas, interrogantes y violencias a destiempo […]. Carlos Pazos escribe con ánimo de sismógrafo, con voluntad de registrar los vaivenes de su personaje. Un personaje ora papanatas, ora pimpollo […] que ha decidido decapar anhelos e imposturas, propias y ajenas, pinchando en hueso sano y aprendiendo del enfermo.» De los apuntes editoriales de Montserrat Cuchillo Los ejercicios de escritura de Carlos Pazos recogen una selección de notas que ha coleccionado a lo largo de estos últimos años, un dietario particular que apoya su reconocida trayectoria artística y puede leerse en cuestión pocas horas o por fragmentos, antes de acostarse. Pimpollos y papanatas es una demostración del genio del autor cargada de autoironía, que no dejará indiferente al lector.
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«NASEVO es el nombre de un artista o bien, medio oculto, el nombre artístico de Ernesto Ventós, quien es por oficio un reconocido creador de esencias y por pasión un coleccionista muy particular: sordo desde la infancia, en lugar de mirar las obras de arte, mirándolas las huele. A través de estas páginas, pasaremos de la vista al olfato y de éste a la dialéctica de la razón sensible a través del objeto artístico. Se trata de objetos artísticos que son, a la vez, objetos lingüísticos: un arquetipo, la nariz, una semántica, el olor-color, y un continente, los estilos y las formas del arte. Con singularidad, NASEVO lleva a la tierra las obras destiladas del conocimiento de Ventós con el espíritu del alquimista, mago y transformista.» Vicenç Altaió Incluye textos en español, catalán, inglés y francés.
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“Davant la imatge” és un projecte de creació visual que s’interroga, des de la experiència de la creació artística, sobre la forma de veure les imatges. És un assaig, a escala de laboratori, sobre les condicions de la percepció com a focus de l’experiència estètica i de la comunicació artística. El llibre reprodueix 48 obres d’Àlex Nogué, acompanyades de textos de Xavier Acarín Wieland, Marta Dahó i Àlex Nogué traduïts al castellà i angles.
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L’arbre, un dels símbols més universals i un element intrínsecament vinculat al desenvolupament de la nostra cultura, esdevé, en aquest llibre, el pretext idoni per donar a conèixer alguns dels interrogants que la vivència de l’art contemporani planteja. L’artista Àlex Nogué obre les portes del seu procés de creació per fer visible com es desencadena la gènesi d’una obra d’art i posa a la llum les incerteses, les intuïcions i les aspiracions que comporta la creació artística. Dibuixar un arbre tracta de les similituds entre l’emoció que produeix un plançó al mig d’un bosc i l’emoció de traslladar-lo fins a l’interior d’una presó. De les diferencies de dibuixar un xiprer dret o abatut. Dels silencis i dels sorolls de les imatges. Del que una obra pretén i del que mai aconsegueix. Les imatges i els textos d’aquest llibre ens permeten transitar per l’interior de vuit processos de creació i ens mostren com els treballs artístics neixen i creixen. Per emmarcar l’experiència creativa en el context cultural contemporani Dibuixar un arbre s’inicia amb cinc reflexions d’autors que han viscut amb empatia aquest recorregut creatiu. Ells mateixos estan immersos de manera apassionada en la creació, producció, difusió o direcció de projectes creatius, i són: Eudald Camps, Xavier Franquesa, Rosa Pera, Víctor Sunyol i Àngels Viladomiu.
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Tom Carr: Visualización del pensamiento' comprende 20 años de creación del artista catalanoamericano Tom Carr. El artista se sirve de largas páginas dobladas como un acordeón, que él denomina ''leporelos'', para visualizar sus pensamientos mediante unos dibujos que son parte inherente del proceso creativo. Este formato permite al artista dibujar individualmente cada página y posteriormente visualizar como un conjunto las ocho páginas que constituyen una serie. A modo de catálogo razonado, 'Tom Carr: Visualización del pensamiento' ilustra las principales realizaciones de un artista comprometido, mostrando cómo unos primeros bocetos tímidos e indefinidos se metamorfosean en composiciones más complejas.
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Aquest llibre vol escenificar la importància del galerisme a la Barcelona dels anys setanta i vuitanta, i fer-ho amb un doble objectiu: d’una banda, que el volum suposi el rescat i l’estudi d’allò que va succeir a la Galeria Ciento i del període cultural de la ciutat en què s’inscriu, d’altra banda, convertir-se en un explícit homenatge a la Marisa, la Marisa de la Ciento. Alguns dels millors artistes del pais han ofert obres inèdites creades especialment per a aquesta edició. Hi participen: Perejaume, Joan Fontcuberta, Carles Pazos, Antoni Muntadas, Carles Hac Mor, America Sanchez, Rosa Queralt, Chus Roig, Àngels Ribé, Teresa Blanch Malet, Gloria Picazo, Ferran Garcia Sevilla, Juan José Lahuerta, Mireia Sentís, Victoria Combalía, Esther Ferrer, Eulàlia Grau, Eva Lootz, Germán López, Yamandú Canosa, Erich Weiss, Vicenç Altaió, Eugènia Balcells, Patricio Vélez, Joaquim Chancho, Joan M. Minguet, Marta Sentís, Josep Miquel Garcia, Enric Mauri, Carles Poy, Luísa Ortínez, Luis Ros, i Víctor Pérez Ballesteros.
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Hablar de José Andrés Santiago Iglesias es hablar de Japón, es hablar del Zen contemporáneo a modo de haikú, es reflexionar sobre lo obvio y lo obtuso, en definitiva es hablar de una singular actualización de imágenes que acarician la idea de un sistema simbólico inaudito. Un singular sistema de relaciones que enriquece las series perfeccionando las partes del todo. Su obra habla de esas riquezas del lenguaje articulado, con los que constituye de forma vertical las preguntas, es ese orden falso el que permite su evolución.
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Metamétodo indica movimiento y transformación. Su investigación parte del diálogo continuado entre arte y ciencia, un proceso abierto al intercambio de métodos y conceptos, de conocimientos y miradas. Los autores de este libro exponen, a través de la práctica artística y del ensayo, diversos modos de aproximación a una realidad constantemente reformulada por los descubrimientos científicos, irreductible ya a las categorías tradicionales de conocimiento, reflexionan también sobre la intervención del arte en los cambios de mentalidad y de comportamiento que conlleva su difusión.
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Nota del autor: «El primer paso que debe dar el artista para lograr la belleza, unidad y organización en pintura es aprender a ver todo en términos pictóricos» escribe Andrew loomis. Descripción: Los estudiantes, profesionales y aficionados hallarán una segura guía en el texto y las ilustraciones y los profanos descubrirán nuevos motivos de placer aprendiendo «a ver con el ojo del pintor. Las sesenta y cinco ilustraciones incluidas en el libro presenta la mayor variedad. Las obras van de Goya a Marin, de Eakins a Van Gogh, de Degas a Norman Rockwell, de Rubens a Dufy. Sea cual fuere el interés del lector por la forma, el tema, la técnica o el medio, será recompensado por un nuevo enfoque de la belleza que para Loomis representa la principal preocupación del artista.
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Un fascinante recorrido desde los orígenes de los cítricos hasta nuestros días, su importancia en la Historia de la humanidad y su protagonismo en el Arte. Extensa historia de estas plantas extraordinarias y sus frutos, considerados objetos de lujo, de regalo e incluso un medio para el pago de tributos durante siglos. El libro se acompaña con más de 80 obras de arte, desde la antigua Roma hasta el arte contemporáneo. Una historia paralela que demuestra la importancia de estos frutos en todas las civilizaciones y épocas.
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It's been a century since the prohibition sent Americans scurrying to speakeasies. And decades since the movie industry turned mobsters into celebrities. Now the two worlds collide in this highly original pocket-sized collection that creates signature cocktails for gangsters of every stripe.
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