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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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En este nuevo manual, Ai Akikusa nos sumerge en las maravillas del reino animal que habita dentro o cerca del agua. Fiel a su estilo, la ilustradora japonesa nos descubre los rasgos anatómicos más característicos y asombrosos de estos animales, y nos guía paso a paso para mostrarnos cómo los podemos representar con lápices de colores y papel. Conoceremos una variada cantidad de especies marinas como la nutria, el tiburón ballena, el oso polar, el cachalote o la beluga, y otros animales que viven en los ríos, pantanos y estanques como la tortuga, el cocodrilo, el hipopótamos o el castor. Una nueva invitación a fascinarnos con la riqueza del mundo animal y a aprender dibujar a sus protagonistas acuáticos.
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'Flora Industrialis incide en los límites que plantea la relación entre la ciencia y el arte, y en cómo lo interpreta el espectador. Y lo vincula por un lado a conceptos como veracidad, realidad, definición o exactitud, y por otro con la percepción y la memoria personal del artista, con ideas de belleza, artificialidad, perfección o muerte. Ante las fotografías que en esta flora industrial nos presenta el artista, podemos explorar las sensaciones ambiguas que nos producen. Descubrir las claves que nos permiten identificar ante qué tipo de fenómeno nos encontramos y al mismo tiempo decidir si nos entregamos a una experiencia de los sentidos sin importar si las flores que nos presenta son industriales o naturales.''
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ISLAM, INDIA, SUDESTE ASIÁTICO Y EXTREMO ORIENTEConozca las grandes civilizaciones de Oriente: el Islam y su expansión por al-Ándalus, la península del Indostán, el Sudeste Asiático, la isla de Java y el Extremo Oriente. Un contenido imprescindible para adentrarse en el conocimiento de una de las más interesantes épocas de la historia del arte universal. Con Breve historia del arte Oriental el lector tiene la oportunidad de conocer las grandes civilizaciones asiáticas, desde Oriente Medio hasta el Asia Central. Recorrerá el enigmático subcontinente hindú y la maravillosa isla de Sri Lanka, pasando por el impresionante Sudeste Asiático y su conjunto de antiguas civilizaciones semi escondidas en la maraña de la selva (Tailandia, Myanmar, Camboya, Laos, Vietnam), hasta el Lejano Oriente, con las milenarias civilizaciones china y japonesa, además de la poética cultura coreana. Un contenido tan amplio como apasionante, imprescindible para adentrarse en el conocimiento de una de las más interesantes épocas de la historia del arte universal, que ejercen una innegable fascinación entre las gentes de Occidente por la grandiosidad de sus realizaciones arquitectónicas y su estética de permanente barroquismo y fantasía decorativa en constante horror vacui.
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Reivindicar la resiliencia / Reclaiming Resilience es el proyecto curatorial del colectivo Pakui Hardware (Neringa Cerniauskaite & Ugnius Gelguda) donde, a través de las obras de cuatro artistas (Dominique White, Monia Ben Hamouda, Naomi Rincón Gallardo y Bianca Bondi), aspiran a recuperar y profundizar en la resiliencia como forma de curación, resistencia y aguante. El libro explora de forma crítica el término resiliencia a través de los autores: Mark Neocleous, Serene J, Khader, Alexis Pauline Gumbs, Lisa Parola, Sara Garzon y Rose Vidal.
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El tema de los animales siempre ha tenido un gran atractivo para los artistas. Sin embargo, crear bocetos convincentes de animales puede resultar desalentador y llevarle a preguntarse: ¿por dónde empiezo? Olvídese del miedo y déjese guiar por expertos con este cuaderno de bocetos. Descubrirá habilidades de dibujo que nunca pensó que podría tener. Cada capítulo cuenta con espacio suficiente para que practique los bocetos Empiece con técnicas sencillas de trazado y esbozo, y continúe después con la estructura, la textura y la expresión (los elementos fundamentales que harán que sus dibujos de animales pasen de buenos a magníficos). Cada capítulo cuenta con espacio suficiente para que practique los bocetos directamente sobre la página. ¡Tome un lápiz y descubra el placer de dibujar animales!
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El Arte de Retorno se explica a partir de las relaciones comerciales que tienen América y Europa, haciendo hincapié en la circulación bidireccional de obras, artistas, modelos iconográficos y estéticos. A su vez, las islas Canarias funcionan como lugar de paso obligatorio para navíos que hacían la ruta atlántica en ambos sentidos, estableciéndose como filtro, además de como laboratorio artístico y urbanístico. Esto hace que en el Archipiélago no tengan peso regulaciones gremiales y ordenanzas que controlen el trabajo de arquitectos, escultores, pintores, orfebres y creadores de toda índole, sino que, en su versión más libre y sin pasar necesariamente por la categoría de maestros, podían firmar contratos y dar rienda suelta a su creatividad. Esta efervescencia cultural e intelectual durante los siglos xvi, xvii y xviii impactará en los canarios, en su manera de ser y hacer, y generará un patrimonio cultural único. Al mismo tiempo, el isleño muestra desde los inicios de su historia un sentido de hermanamiento con los virreinatos y capitanías que no decae con la secularización de las sociedades en el siglo xix ni con la independencia de las colonias americanas. Aunque exista una intelectualidad decimonónica que mira a países culturalmente boyantes como Italia o Francia, las clases más bajas seguirán leyendo en clave colonial y consumiendo obras de arte de clara querencia virreinal. El concepto de 'ida y vuelta' que engloba obras, artistas y modelos continúa hasta bien entrado el siglo xx y puede extrapolarse a otras relaciones entre regiones que, sin contar ya con Canarias, pero dentro del mundo del arte, se adhieren a la idea de Arte de Retorno y los posibles ecos que éste deja en manifestaciones artísticas contemporáneas, así como en la fotografía y en el cine.
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Una extraordinaria colección de más de 300 imágenes que celebran la belleza y diversidad de los árboles.Este exquisito estudio presenta una impresionante secuencia de imágenes a página completa, desde pinturas de paisajes y dibujos botánicos hasta frescos antiguos, ilustraciones de libros antiguos y fotografías contemporáneas, que revelan el árbol como fuente de inspiración a lo largo de la historia.Abarcando continentes y culturas, Árboles refleja la diversidad de su tema, representando secuoyas gigantes, flores de cerezo, palmeras, álamos, ginkgos y otras especies que se encuentran en los biomas forestales de la Tierra, en una amplia selección de imágenes que datan desde la antigua Grecia hasta la actualidad. Más de 300 imágenes incluyen mosaicos de piedra romanos, mitos nórdicos ilustrados, grabados en madera del período Edo e instalaciones de árboles vivos.Comisariadas por un panel internacional de botánicos, naturalistas, historiadores del arte y otros expertos, las imágenes amplían la definición de arte botánico y juntas forman un homenaje vibrante y vital al mundo natural.Los artistas y colaboradores destacados incluyen: Ansel Adams, Yann Arthus-Bertrand, Ruth Asawa, Paul Cézanne, Agnes Denes, Alberto Durero, Caspar David Friedrich, Global Forest Watch, Andy Goldsworthy, Ernst Haeckel, Utagawa Hiroshige, Frida Kahlo, Yayoi Kusama, Sally Mann, Grandma Moses, Marianne North, Pierre-Joseph Redouté, Daniel Roseberry para Schiaparelli, Antoine de Saint-Exupéry, Sebastião Salgado y Yokohama Nursery Co., entre otros.Panel de expertos: Dr. Giovanni Aloi, Dr. Preston Bautista, Dr. Diana Beresford-Kroeger, Fred Breglia, Casey Clapp, Jim Gardiner VMH, Dr. Andrew Hirons, Tony Kirkham MBE, VMH, Margaret D. Lowman, PhD, Carlos Nobre, PhD, John Parker, Anna Pavord and Christiana Payne.
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Lejos de quedarse en la queja o la constatación de cómo las mujeres fueron excluidas sistemáticamente de la esfera del arte a lo largo de siglos de desdén y dominio patriarcal, las dos autoras de este volumen van más allá: no solo nos explican con extremo rigor y documentación de qué forma precisa se llevó a cabo este «ocultamiento de la voz femenina en la historia», sino que nos ofrecen, con propuestas concretas, hacia el presente y el futuro, la manera en que a partir de ahora deberían organizarse y plantearse las cosas para que la igualdad real de los seres humanos artistas se haga posible, desterrando prejuicios, paternalismos, concesiones caballerosas y principios de autoridad masculinos. El reto es «elaborar modos, clasificaciones y jerarquías que todavía no existen». Hay mucho de reparación sanadora en este libro, pues, como se dice, no está guiado solo por un afán intelectual, sino también por un empeño ético.
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Hijo de un grabador y estudioso apasionado de técnicas y de artistas del grabado, Henri Focillon reservó una atención particular a las formas artísticas, a sus relaciones psicológicas y materiales, y a su comportamiento extremadamente concreto y funcional. Desde su publicación en 1934, 'Vida de las formas', fue saludada como un clásico de la cultura del siglo xx, así como un gran modelo de lectura de la obra de arte. En su concepción «sinfónica» de ésta, el problema principal para Focillon no fue tanto reivindicar una absoluta autonomía de la forma artística respecto a la época, el lugar y el ambiente en que se manifiesta, como proponer una suerte de morfología genética y asentar el concepto de mutación formal autónoma en el marco de materiales y técnicas en permanente cambio. El título del segundo ensayo, 'Elogio de la mano', es ilustrativo: las manos son el vehículo del genio, las que dan forma a una idea. Son la salvación del ciego, que sólo a través de ellas puede llegar a ver el mundo, mientras que para el vidente son el medio que le permite completar la percepción de las apariencias a través del tacto. Para indagar en la pregunta de por qué este órgano mudo y ciego nos habla con una fuerza tan persuasiva Focillon recurre al ejemplo de los artistas, los más destacados de los cuales le han prestado una atención extrema, pues en su obra proliferan los estudios de la mano. ¿Puede ser porque es lo más original y diferenciado que poseemos, aquello que más nos aproxima a las formas superiores de la vida? Completa esta edición 'Elogio de las lámpara, un bello texto desconocido del autor.Henri Focillon (Dijon, 1881 – New Haven, ee.uu., 1943) está considerado uno de los historiadores del arte más brillantes del siglo xx. Sus aportaciones teóricas resultan fundamentales dentro de la historiografía artística y, junto a Heinrich Wölfflin, es uno de los principales introductores del método de análisis formalista. Nacido en un ambiente de artistas, estaba destinado, como su padre, al grabado, pero una acusada miopía le impidió hacer de ésta su profesión. Tuvo una sólida formación clásica y humanística, y pronto manifestó una vocación por la historia del arte. Su tesis doctoral versó sobre la obra de Giovanni Piranesi y el grabado del siglo xviii en Venecia y Roma. Inició su carrera académica en Lyon, y posteriormente fue catedrático en la Sorbona, el Collège de France y la Universidad de Yale. Entre sus obras destacan: Piranesi (1918), Hokusai (1924), El arte de los escultores románicos (1931), La vida de las formas (1934), El arte de Occidente (1938) y El año mil (1942). En esta misma editorial se han publicado sus Cartas desde Italia (Elba, 2023).
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Avec sa préférence pour les solitudes immobiles, les formes robustes et permanentes et les végétations sèches, et en s’éloignant tout autant du « moi » romantique que de la pesanteur réaliste, Théodore Rousseau (1812-1867), personnel par les procédés qu'il emploie, mais non dans l'effet produit, a réussi à montrer le vif de la nature humaine en contact immédiat avec la nature extérieure, avec la vérité profonde et permanente des choses.
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Assaig teatral on es recrea un programa radiofònic habitat de personatges que repassen algunes de les obres de Txékhov per esbrinar si, més de cent anys després, ens hem acostat a aquest futur meravellós que presagiava l'escriptor.
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Esta primera publicación en castellano se produce cuarenta y cuatro años después de la original en inglésy recuerda el potencial del texto en un momento crucial para las luchas contra la normatividad del géneroy los movimientos por la disidencia sexual. Esta edición cuenta con un prólogo de Jesús Alcaide, curador einvestigador independiente, y Jonathan Snyder, profesor de estudios literarios y culturales, responsablestambién de la traducción.
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Aunque independientes, los ensayos que conforman estelibro se encuentran conectados mediante tres cuestiones que los cruzan transversalmente y vinculan sus contenidos. En primer lugar, la crítica de la estéticaoccidental como fuente privilegiada de la
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Una aproximación a la gran variedad de obras que alberga el Museo de Bellas Artes San Pío V de Valencia con una incidencia destacada de la pintura valenciana. Se recogen diferentes muestras representativas de los principales artistas de cada uno de los períodos en que se estructura el libro.
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Cuatro grandes pintoras.Ramón Gómez de la Serna glosa aquí las figuras de cuatro destacadas pintoras del siglo XX.La santanderina María Blanchard (1881-1932) y su arte magnífico, hecho a la misteriosa luz de sus tiernos sentimientos.La parisina Marie Laurencin (1883-1956), aristocrática en el plasmar la femineidad.La porteña Norah Borges (1901-1998), con la simbólica profundidad de sus obras.La gallega Maruja Mallo (1902-1995), que supo dar con su pintura el mordisco al mundo.
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Ramón Gómez de la Serna glosa aquí la figura de ocho pintores, entre ellos, Santiago Rusiñol, Darío de Regoyos, Toulouse-Lautrec, Marc Chagall, Juan Gris o Dalí.“Un pintor es un punto de vista biográfico muy interesante para un escritor. Si lo ha conocido, si lo ha visto –a él además de su pintura–, tiene delante un personaje humano en pleno afán por detener la muerte, por salvar con más o menos delirio lo que se mira cuando aún se tienen ojos y se goza de esa pequeña inmortalidad que es la contemplación.”
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Les artistes ont cru avec de beaux modèles ou de beaux motifs arriver au poétique. Nous croyons l’atteindre plutôt avec de beaux éléments, car ceux de l’esprit sont certainement les plus beaux.Juan Gris (1887‐1927), en portant le cubisme à sa synthèse, a su élever son esthétique au niveau des grands moments de l’histoire de la peinture.
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En el presente volumen, el lector encontrará el estudio detallado de 140 santos fundamentales para una historia general del arte y para la historia del arte español. Cada uno de los artículos se abre con el relato de los episodios biográficos y legendarios que es preciso conocer para comprender correctamente sus imágenes, al que sigue una enumeración de los atributos con sus simbolismos y significados, haciendo especial hincapié en el estudio de las imágenes (aspecto, indumentaria, escenas, ciclos, grabados) y en aquellos ejemplos de especial relevancia para la iconografía del santo tratado. Se concluye con una bibliografía específica, que se completa al final del volumen con otra de carácter más general.
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El arte de los jardines es absolutamente inseparable de la idea de representación, siendo esta un elemento esencial inscrito en letras mayúsculas en el gran texto de la historia de los jardines. El jardín funciona también como representación de ideas
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Esta publicación presenta el proyecto de creación El horizonte del círculo, creado por la artista Agustina Otero. El estudio formal y estructural de la cabeza humana constituye uno de los temas esenciales en la historia del arte clásico y moderno
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¿Es el arrepentimiento una forma de memoria?, ¿una manera de narrarnos a nosotros mismos?, ¿un acto de imaginación? Alejandro Cesarco ha desarrollado una práctica artística heterodoxa a partir de recursos como la repetición, la narratividad, la lectura o la traducción. Con este libro, en el que cuestiona un devenir del arte regido por el principio de producción y orientado hacia el éxito, transita el arrepentimiento como modo estético y como herramienta metodológica. Lo contempla como una fuerza creadora que se sitúa entre quienes somos y quienes aspiramos a ser, o entre lo que hacemos y nuestras deficiencias.De la mano de pensadores y artistas como Louise Lawler, Sturtevant, Lauren Berlant, Jorge Luis Borges o Macedonio Fernández, Cesarco rastrea la doble función de este sentimiento: no solo una manera de mirar atrás sino también de proyectarnos hacia delante, de (re)evaluar lo que nos impulsa. Bajo el signo del arrepentimiento refleja una particular tonalidad a través de la cual imaginamos y construimos nuestra historia mientras volvemos a contarla.
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El objetivo de Cuadernos Parramón es acompañar al lector en la aventura de iniciarse en el dibujo y la pintura, de una manera muy fácil, sencilla, amena y gratificante. Este cuaderno aporta las bases teóricas mínimas indispensables para empezar a trabajar el color, respondiendo a las inquietudes propias del principiante: a partir de qué colores se puede conseguir la mezcla para obtener un color concreto y como relacionar las distintas mezclas entre sí. A través de textos cortos y con el apoyo de numerosas fotografías y un diseño ágil, atractivo y moderno, este cuaderno constituye una guía didáctica elemental para pintar correctamente con armonía.
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La mirada incisiva de John Berger inaugura nuevos modos de ver donde la mirada hacia el arte y hacia la vida se confunden combinando un exhaustivo análisis que tiende a ser 'objetivo', entre materialista y purovisualista. El ojo de la cámara y el ojo del artista nos hablan del significado oculto en la mirada cotidiana con la que contemplamos paisajes, animales o personas queridas. En los lienzos de Millet, Courbet, Turner, Magritte y Bacon, Berger evoca experiencias que confunden el propio misterio que rodea al arte con nuestras propias vidas, paseando entre categorías literarias, del relato al ensayo, sin casi reparar en ello.
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En el presente libro, Peter Sloterdijk toca todos los géneros_x000D_modernos de las artes, desde la música hasta la arquitectura, desde el uso de la luz hasta las artes vivas, desde el diseño hasta la tipografía. Transita por todos los campos de lo visible y lo invisible, de lo_x000D_audible y lo inaudible, en un arco histórico que se extiende desde la Antigüedad_x000D_hasta Hollywood. Cuando aplica su particular método de distanciamiento del_x000D_discurso a la contemplación de obras y géneros artísticos, los objetos_x000D_descritos se muestran súbitamente bajo una luz diferente, y con su despierto y_x000D_combativo sentido de la actualidad nos conduce lejos, muy lejos de los caminos_x000D_trillados del comentario artístico.A lo largo de sus páginas se despliega la manera singularísima, a un tiempo_x000D_jovial y seria, con que el gran filósofo alemán analiza los fenómenos estéticos más_x000D_dispares, caracterizando lo estético del arte y de las artes.
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Siempre he detestado que digan que soy crítico de arte. Así presenta John Berger esta antología completa de todos sus ensayos sobre artistas. Y ciertamente sería poco fiel a la realidad reducir a la categoría de crítico de arte a uno de los intelectuale
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Retomando algunas de las temáticas abordadas en el clásico estudio ''Arte e ilusión'', Gombrich defiendeen este ensayo, centrado en la teoría y práctica de la interpretación, la necesidad de controlar los poderes asociativos de la mente atemperándolos con evidencias contextuales. Evidenciando la dimensión constructiva, y no pasiva, del proceso perceptivo, el autor nos invita a realizar un valioso ejercicio de reflexiónsobre ''el arte de ver''. El texto está dividido endos capítulos, en los cuales el historiador británicoda cuenta de su extraordinaria erudición aportando multitud de ejemplos y referencias.
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Limpieza y suciedad no son conceptos que se deban dirimir exclusivamente en el marco de las normas de higiene dictadas por las autoridades sanitarias o el de los servicios de limpieza y tratamiento de residuos dependientes de cualquier ayuntamiento. Por el contrario, ambas nociones han ido incorporando, a lo largo de su devenir histórico, una dimensión simbólica que ha conllevado su interpretación en términos morales. Los planos de la limpieza física y la limpieza moral aparecen socialmente fundidos y, por lo tanto, imposibles de disociar. Lo limpio es correcto, moral y decente, lo sucio constituye una transgresión de la norma. En el presente libro se abordan las estrategias discursivas. sobre lo limpio y lo sucio que se han desarrollado en el ámbito de las prácticas artísticas contemporáneas. Para ello, se examinan las acciones de lavar o ensuciar como actos políticos conducentes a la definición de cuerpos alternativos que buscan escapar a las presiones disciplinarias del orden social. Asimismo, se analiza cómo los conceptos de suciedad y polución son aplicados a una de las grandes construcciones culturales que han servido para clasificar y excluir: la raza. Por último, y como no podía ser de otro modo cuando se habla de las políticas de la limpieza como garantes del orden moral imperante, se estudia el caso de la sangre menstrual y de su invisibilización -por temor a su efecto de contagio y de corrupción por parte de las políticas visuales patriarcales-. Raza, genero y moral se entrelazan, en consecuencia, en el entramado discursivo elaborado en este ensayo, en el que, por primera vez, se afronta la gestión que los artistas contemporáneos han realizado de conceptos tan connotados simbólicamente como los de limpieza y suciedad.
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La evidencia científica de fenómenos como el cambio climático, el agotamiento de recursos (comenzando por los combustibles fósiles) y la acelerada pérdida de biodiversidad revela que estamos chocando con la realidad impuesta por los límites biofísicos del crecimiento. Pero, a pesar de ello, continuamos sin emprender el camino de la transformación social necesaria para evitar un cada vez más probable colapso civilizatorio a escala planetaria. Lo que de aquí se desprende es que esta crisis no es un problema meramente ''técnico'': en su origen encontramos factores sociales, culturales y políticos que la convierten en una crisis que más bien deberíamos denominar ''sociecológica'' o ''ecosocial''. En este sentido, las Humanidades ecológicas aportan visiones transdisciplinares que, en el marco de un diálogo constante con las ciencias naturales y sociales, permitan pensar las diferentes dimensiones de la crisis -filosóficas, éticas, estéticas, económicas, sociales y culturales- con el fin de abordar los difíciles pero necesarios procesos de transición hacia formas de organización social de verdad sustentables: una humanidad justa integrada en una biosfera próspera.
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Un libro que profundiza en el cine del gran director desde su primera incursión en el séptimo arte, hasta su testamento cinematográfico, El inocente.Pedro García Cueto va detallando los argumentos de sus películas, donde sobresale un gusto esencial por la estética, por el mundo clásico, por una aristocracia a la que perteneció.El libro está divido en varias partes y dedica una atención especial a una obra cumbre del director, que adaptó varias novelas importantes: Muerte en Venecia, basada en la novela de Thomas Mann, La muerte en Venecia. Pedro García Cueto se detiene en muchos detalles tanto de la novela como de la película en un afán comparativo, para señalar semejanzas y diferencias en dos obras maestras, tanto de la literatura como del cine.
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Publicación que recoge el resultado de la convocatoria Generaciones de Fundación Montemadrid. En su 24ª edición, vuelve a ofrecer una plataforma dedicada al arte actual en la que mostrar, a través de la exposición en La Casa Encendida, el trabajo de creadores emergentes y difundir sus propuestas artísticas entre la crítica especializada y el público general, Los artistas seleccionados este año son Daniel de la Barra Gómez (Lima, Perú, 1992), Weixin Quek Chong (Singapore, 1988), Agnes Essonti Luque (Barcelona, 1996), An Wei (Madrid, 1990), Salem Amar (Barcelona, 1999), Milena Rossignoli (Quito, 1990), Raúl Silva C, (Lima, 1991) e Irati Inoriza (Balmaseda, Bizkaia, 1992). Con textos de João Mourão y Luis Silva,
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Catálogo editado con motivo de la exposición ''Escala : Escultura (1945-2000)'', celebrado en la Fundación Juan March de Madrid del 31 de marzo al 2 de julio de 2023. La escala, que no se reduce ?nunca mejor dicho? al tamaño minimizado o ampliado de los objetos, ha sido y es tan crucial para el desarrollo de la escultura que se presta a presentar desde ella las prácticas escultóricas contemporáneas. Así, la muestra comienza con una reflexión sobre los efectos de la Segunda Guerra Mundial en una serie de artistas y en su concepción del espacio escultórico como refugio, acto seguido, desarrolla las distintas acepciones de la idea de escala ?medida, progresión, proporción? para mostrar que esta es el dispositivo y el recurso que ha permitido el desarrollo de nuevas formas de hacer y de pensar la escultura en la segunda mitad del siglo XX.
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Cuando un rico mecenas le pide al aventurero Hélias D
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Se reúnen aquí los tres textos que Wassily Kandinsky (1866-1944) escribió para El jinete azul, el almanaque que, junto con Franz Marc y otros artistas expresionistas, publicó en Múnich 1911. Unos textos donde aborda tres puntos cardinales de toda creación artística -la forma, la composición y el color-, pero desde un punto de vista totalmente innovador y liberador: el que lleva a la abstracción.
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Esta publicación presenta el proyecto de creación Nosotras o atravesar cuerpos, un proyecto desarrollado por la artista Maite Vélaz expresamente para el Museo Oteiza, formado por un conjunto de obras que proponen una reflexión sobre las condiciones de la práctica artística y los modos de abordar lo escultórico. El concepto de lo atravesado determina gran parte del desarrollo conceptual del contenido del proyecto: atravesar los materiales, el tiempo, las referencias a Jorge Oteiza o la propia escultura. Todos estos elementos constituyen recurrentes puntos de partida de una propuesta artística y editorial que remite a su condición procesual y al hacer como de forma de conocimiento y relación con los demás. Esta publicación incluye un completo aparataje visual del proyecto desarrollado por la artista, así como la obra textual de creación titulada Esa escultura se llamaba cariño, un escrito crítico realizado por Peio Aguirre y denominado Cachitos y las intervenciones de los artistas Nerea de Diego, Idoia Leache, Taxio Ardanaz y Daniel Resano.
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Los ensayos que reúne Luis Pérez-Oramas en este libropodrían caracterizarse como una singular disputatiosobre la situación de un objeto específico. La cuestión es la (in)actualidad de ese objeto: la pintura, yentanto objeto esta ha de entenderse aquí en el sentido etimológico de la palabra: obiectum: algo arrojado,puesto enfrente.
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