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Libros de arte
En Abacus disponemos de una gran selección de libros de arte para despertar las dotes creativas y artísticas tanto de niños como de adultos. Compra libros de arte online. En la sección libros de arte, encontrarás una amplia colección de bibliografía sobre una gran variedad de temas, como por ejemplo: la historia del arte, el origen, el simbolismo y curiosidades sobre los colores pantone, los principios básicos del color y la armonización cromática o la museografía, entre otras disciplinas artísticas. Además, disponemos de libros sobre lenguaje visual, estampa japonesa, fomentar la creatividad o para aprender a dibujar retratos, entre muchos otros. ¡Descúbrelos todos en Abacus!
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Este catálogo nos brinda la oportunidad de destacar la relevancia de nuestra Colección en un proyecto que plantea una ámplia reflexión sobre como observamos, experimentamos y representamos la naturaleza. Retoma la exploración de la idea de paisaje, pero centrándose exclusivamente en la creación artística de nuestros días.
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Reunimos en este volumen algunos de los más notables -e inéditos- escritos de Isidoro Valcárcel Medina, muchos de ellos concebidos como intervenciones públicas. Las reflexiones que contienen arrastran un caudal de ideas -ni manoseadas ni automáticas- que son un estímulo mayor para el pensamiento, que excede los límites del arte. Si bien Valcárcel Medina está considerado como uno de los artistas conceptuales más importantes de nuestro tiempo, quien se acerque a estos textos encontrará en ellos el fruto de un pensador que desmenuza pacientemente cada una de las cuestiones que aborda. En este libro, que ha de degustarse con pausa -no valen aquí las prisas- se incluyen los siguientes ensayos: «Espíritu de aprendiz», «El arte económico», «Estado de sitio», «Primores de la disidencia», «La ciudad nonata», «Indicios racionales de irracionalidad» y «El seguro azar».
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Tres ensayos de William Morris (Cómo vivimos y cómo podríamos vivir Trabajo útil o esfuerzo inútil. El arte bajo la plutocracia.) acompañados del prólogo de Estela Schindel «William Morris: la técnica, la belleza y la revolución»
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El descrèdit de la realitat està format per mirades breus als diferents moments de la història de l'art amb el desig d'entendre les relacions entre les tendències de la pintura occidental i la realitat. Tanmateix, Fuster en va més enllà, ja que, entre les reflexions més purament artístiques, desgrana pensaments filosòfics, observacions sobre els hàbits socials i les doctrines religioses.
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Esta é a historia dunha escola que se propuxera ser o xerme dun novo mundo, dun xeito diferente de entender e aplicar a arte as nosas vidas. Pero, sobre todo, é a crónica das mulleres da Bauhaus, fundamentais para alentar o ímpeto revolucionario co que naceu e a intensidade duns ideais que eran rompedores para a época.
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Publicado por primera vez en 1991, El ABC de la Bauhaus se ha convertido en una referencia ineludible y un verdadero clásico entre los diseñadores. El libro nos cuenta los orígenes y el florecimiento de uno de los fenómenos más ampliamente debatidos, diseccionados, imitados y difundidos del diseño moderno, la Bauhaus, y el impacto creativo que su experimento pedagógico supuso para el diseño, el psicoanálisis, la geometría, la educación infantil y la cultura popular. Mientras que los textos, a cargo de diversos especialistas, desarrollan una exploración teórica y provocativa de los fundamentos de la famosa escuela, el libro en sí -diseñado por Ellen Lupton y Abbott Miller- es un auténtico manifiesto visual de sus ideales materializados a través de la tipografía y la composición visual de los editores. Un manual extraordinario, en definitiva, que seguirá siendo fuente de inspiración ineludible entre los profesionales del diseño y una revelación para todas aquellas personas interesadas en la cultura del siglo xx.
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* El enigma de la Mona Lisa desnuda, El artista que pintó el fondo marino, Los ángeles mosqueteros del Nuevo Mundo, Los misteriosos retratos de hombres en llamas o La legión de hombres lobo del Ejército romano: una estrafalaria exploración de la vertiente más curiosa del arte, con pinturas, esculturas, dibujos y otras rarezas artísticas extrañas. * Una exposición única que reúne más de cien obras magníficas, elegidas por su sorprendente belleza, su rareza y la cautivadora historia que hay detrás de su creación. * Tesoros oscuros y olvidados conviven con obras maestras muy conocidas, y todos tienen historias secretas que contar. Las páginas de este libro acogen frescos medievales sobre el Juicio Final, esculturas que gritan, manuscritos mágicos, arquitectura imposible, santos con cabeza de perro y el primer retrato de un caníbal. Arte robado, arte marginal, arte fantasma, arte de venganza y arte pintado en el fondo del mar junto a muestras de arte escandaloso, falsificaciones y engaños, arte de sueños y pesadillas, y pinturas crípticas todavía por descifrar. Del arte rupestre prehistórico a los retratos pintados mediante inteligencia artificial, esta obra se basa en una profunda investigación y una abundante variedad de imágenes que conforman un libro sorprendente a cada página que, en última instancia, trata de ser un homenaje al infinito poder y la creatividad de la imaginación humana.
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Lino Tagliapietra has been described as the world’s greatest glassblower, a figure born from the five-hundred-year-old culture of Venetian glass, but one who also revolutionized glass as a discipline, inventing new techniques to create his masterful works. Even more astonishing, as Tagliapietra hit his full stride, he has become a notable figure in the unfolding story of modern sculpture – an artist whose distinctive works are coveted by collectors of contemporary abstract art and whose vision makes us think about art history in new and profound ways.
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A celebration of more than 100 major public art commissions throughout the New York transit system Contemporary Art Underground presents more than 100 permanent projects completed between 2015 and 2023 by MTA Arts & Design. This ground-breaking program of site-specific projects by a broad spectrum of well-known and emerging contemporary artists has helped to create a sense of character and place at subway and commuter rail stations throughout the MTA system. Among the featured artists are Yayoi Kusama, Kiki Smith, Nick Cave, Ann Hamilton, Xenobia Bailey, Jim Hodges, Alex Katz, Sarah Sze, and Vik Muniz. Of special interest is the discussion of fabricating and transposing the artist’s rendering or model into mosaic, glass, or metal, the materials that can survive in the transit environment. This is the definitive survey of the latest works of the internationally acclaimed MTA Arts & Design collection. On view 24 hours a day, the collection is seen by more than four million subway riders and commuters daily and has been hailed as ‘New York’s Underground Art Museum.’ The collection enlivens stations in all boroughs, with a myriad works by major contemporary artists executed in mosaic, glass, metal, and ceramic.
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Libro-disco con pinturas a tinta de Juan Manuel Uría y música de Ángel Unzu.El libro-disco Impromptu es un fascinante encuentro entre dos lenguajes poéticos: la pintura y la música. Las sugerentes pinturas de Juan Manuel Uría y la inspirada música de Ángel Unzu, 60 pinturas a tinta y 21 temas musicales improvisados con el guzheng, junto con una serie de “pentagramas intervenidos” y algunas notaciones musicales manuscritas, hacen de Impromptu una maravillosa obra de arte.
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El conjunt mural gòtic de Santa Maria del Bruc, de finals del segle XIII, ha passat per múltiples processos de restauració d'ençà que el 1958 Mn. Jaume Torrent el va redescobrir. L'any 2018, gràcies a un ajut de la Diputació de Barcelona, aquesta restauració es va poder finalitzar totalment. En aquest llibre hi trobareu una explicació en detall de qui en va ser el restaurador en cap, Voravit Roonthiva, però també altres capítols que, des de diferents punts de vista, us permetran posar en valor tant les pintures com el conjunt arquitectònic. Hi han intervingut diverses persones sense les quals aquesta restauració no hauria estat possible: Gemma Estrada, historiadora local, Montserrat Pagès, doctora en història de l'art, Pere Rovira, del Centre de Restauració de Béns Mobles de Catalunya, i Rosa M. Gasol, de l'Oficina de Patrimoni Cultural de la Diputació.
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'Flora Industrialis incide en los límites que plantea la relación entre la ciencia y el arte, y en cómo lo interpreta el espectador. Y lo vincula por un lado a conceptos como veracidad, realidad, definición o exactitud, y por otro con la percepción y la memoria personal del artista, con ideas de belleza, artificialidad, perfección o muerte. Ante las fotografías que en esta flora industrial nos presenta el artista, podemos explorar las sensaciones ambiguas que nos producen. Descubrir las claves que nos permiten identificar ante qué tipo de fenómeno nos encontramos y al mismo tiempo decidir si nos entregamos a una experiencia de los sentidos sin importar si las flores que nos presenta son industriales o naturales.''
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La monografía que tienes en tus manos es el primer trabajo académico nacional en torno a la recreación histórica y su contribución a la educación patrimonial y a la difusión del conocimiento del pasado. El término «historia viviente» (living history, conforme a su denominación en inglés), describe las acciones encaminadas a traer la historia a la vida. La principal diferencia entre una recreación y una actuación dramática es el grado de inmersión, así como el componente científico, una recreación histórica sigue el mismo método científico que ampara a la historiografía: investigación y búsqueda en las fuentes, análisis de las mismas con contextualización del periodo o hechos que recrear, y reconstrucción en vivo con todo lujo de detalles de tales hechos o momentos concretos. La recreación histórica no solo se circunscribe a la puesta en escena de actores, sino que a ello une la reconstrucción de cultura material, distintas aptitudes, modelos históricos e incluso usos lingüísticos de épocas pretéritas, lo que contribuye a la experimentación y por tanto a la investigación en factores y elementos que las fuentes, por su finitud, son incapaces de mostrar. Este trabajo científico persigue constituir un hito pionero en el tratamiento de esta disciplina como una herramienta de primer orden en la difusión del conocimiento y la educación patrimonial, para sensibilizar a administraciones y otras entidades de la existencia de un modelo distinto de conmemoración del pasado, fundamentado en el contacto con los centros de producción científica como son las universidades y centros de estudios, así como la involucración en el fenómeno de otros centros depositarios de la responsabilidad de la difusión de la historia y el patrimonio como son los museos y centros de interpretación o los bienes de patrimonio.La reunión y coordinación de los artículos que conforman esta monografía surge de la plataforma Compromiso de Caspe, un proyecto académico y multidisciplinar que reúne a investigadores nacionales de distintos perfiles y que tuvo su primer gran encuentro en el II Congreso Internacional Ciudad del Compromiso, celebrado en octubre de 2019.
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Un libro de geopolítica cultural y de historioterapia «Occidente ha olvidado el alma hispana que lo vio nacer. Ya es hora de que reencuentre sus raíces y con él todos aquellos que vivimos divididos y de espaldas a los demás y a la verdad. Este libro contribuye decididamente a esa tarea». Marcelo Gullo, profesor argentino. «El Sacro Imperio Romano Hispano, que describe con acierto Alberto G. Ibáñez, nos incluye a todos: indígenas del norte al sur, españoles, criollos, negros mestizos y mulatos. Es un homenaje merecido a la primera operación civilizatoria multicultural de la Historia». Alfonso Borrrego, biznieto del último caudillo apache Gerónimo. «Ibáñez es un intelectual de gran talla: su lectura es urgente e importante. En el Sacro Imperio Romano Hispánico (SIRH), nos hace palpar la grandeza de nuestro legado y abre vías hacia un futuro pleno». Carlos Leáñez, profesor venezolano. «El autor, tras sus exitosos ensayos anteriores, no defrauda con un nuevo estudio serio, innovador y, sobre todo, fascinante. Con este libro el modelo hispano recupera su trayectoria y avanza una vez más hacia el Plus Ultra»
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Un libro polémico sobre las derivas del arte contemporáneo, con un nuevo prólogo y nuevo capítulo de la autora Edición ampliada y actualizada ¿Ha perdido el arte su aura, su dimensión intelectual o, lo que es peor, su poder de comunicación, dicho en otras palabras, su principal razón de ser? En este libro polémico y escrito a contracorriente de la crítica más conformista, Marie-ClaireUberquoi reflexiona sobre la plástica de las últimas décadas, centrándose en los artistas que han llevado más lejos sus deseos de acoso y derribo de la noción tradicional del arte para plantearse nuevas vías de expresión. Muchos piensan que se ha tocado fondo y hablan de la impostura de la creación actual. Otros apuestan por un arte supuestamente renovador plasmado en trabajos que no tienen nada que ver con el goce estético. El rechazo del objeto artístico, la explotación publicitaria de obras falsamente provocadoras, la deriva hacia el activismo político y el fenómeno de la banalización del arte son algunas de las cuestiones analizadas en este ensayo que propone reivindicar «otro arte contemporáneo» ajeno a la cultura del espectáculo.La crítica ha dicho:«Un gran reportaje bien realizado sobre lo que ha sido el arte de esta generación».Eugenio Trías «Un libro muy inteligente, documentado y valiente».José Corredor Matheos
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La columna de la Leona se ha ganado un lugar de honor entre los símbolos de la ciudad de Girona y es muy conocida tanto entre sus habitantes como entre los turistas. Aun así, su popularidad contrasta con lo que realmente sabemos. Hay que buscar su origen en la época medieval, hacia mediados del siglo XIII, pero su pasado, significado, autoría, ubicación, simbolismo, etc., siguen siendo, en buena parte, una incógnita. La revisión de todas las informaciones conocidas sobre la columna, además de la obtención de datos inéditos, y la descripción cuidadosa y analítica de la pieza que plantea este libro, suponen una actualización imprescindible para su conocimiento.
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Me pinto a mí misma porque soy a quien mejor conozco, soy mi propia musa.''Mi pintura es el fruto del dolor y de la pasión, cada trazo refleja mi lucha y mi resistencia.''''Mis pinturas son pintadas, no con el virtuosismo del artesano, sino como quien de inmediato abre el corazón.''
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High Line, la famosa línea ferroviaria elevada convertida en vía verde de la ciudad de Nueva York, recibe millones de visitantes anualmente y brinda un espacio único para encontrarse con el arte y el espectáculo. Elevated examina las ofertas ricas y multifacéticas de su programa de arte público, High Line Art, presentando obras y proyectos de la última década de artistas clave de todo el mundo.El libro presenta una variedad de proyectos de talla mundial de artistas como Simone Leigh, Paola Pivi, Sam Durant, Jordan Casteel, Cecilia Vicuña, Sheila Hicks, El Anatsui, Phyllida Barlow, Faith Ringgold, Barbara Kruger, Zoe Leonard y muchos otros. Documenta la evolución creativa y la vibrante programación cultural de High Line Art, que ofrece un lienzo a escala de ciudad para que artistas e intérpretes interactúen.A través de s fotografías y conversaciones únicas con los artistas participantes, así como ensayos de críticos clave como Julia Bryan-Wilson y Aruna D'Souza, este libro examina las docenas de instalaciones al aire libre, vallas publicitarias, murales, proyectos de video y participaciones y eventos.
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El acto de mirar es siempre interpretativo: supone el establecimiento de una relación íntima que afecta tanto al observador como al objeto de su mirada. Pese al supuesto distanciamiento que suele exigirse al teórico del arte, Miguel Ángel Hernández lleva años aproximándose así a las imágenes para establecer con ellas un diálogo profundo en el continuum de arte y vida. El resultado son los textos aquí reunidos, a medio camino entre el ensayo, la autobiografía y la narrativa, en los que siguiendo la estela de Benjamin, Sontag y Barthes se exploran cuestiones como el valor de la memoria y su vínculo con el conocimiento, el duelo, la ética de la mirada, las relaciones entre tecnología y deseo, o la percepción subjetiva del tiempo. A través de una prosa atravesada de vivencias, iluminaciones y experimentación literaria, el ejercicio de contemplar imágenes se nos revela como una experiencia vital y transformadora.
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El museo occidental es un campo de batalla ideológico, político y económico. Mientras que hoy día casi todo el mundo quiere ''repensar el museo'', pocos tienen la audacia de cuestionar los presupuestos mismos del museo universal, producto de la Ilustración y del colonialismo, de una Europa que se presenta como guardiana del patrimonio de toda la humanidad.Recorriendo la historia del Louvre, discutiendo los callejones sin salida de la representación de la esclavitud y examinando los intentos fallidos de subvertir la institución museística, Françoise Vergès esboza un horizonte radical: descolonizar el museo significa poner en marcha un programa de desorden absoluto, inventar otras formas de aprehender el mundo humano y no humano que alimenten la creatividad colectiva y devuelvan la justicia y la dignidad a las poblaciones desposeídas de ellas.
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Una celebración de más de 300 escultoras innovadoras que examina 500 años de ingenio creativo de todo el mundo.Al presentar una historia de la escultura más amplia e inclusiva, Great Women Sculptors examina el trabajo de más de 300 artistas pioneras de más de 60 países, abarcando 500 años desde el Renacimiento hasta la actualidad.Organizado alfabéticamente, cada artista está representado por una imagen y un texto recién encargado. Esta amplia encuesta defiende a las escultoras más conocidas de la historia del arte junto con las estrellas en ascenso de la actualidad.Desde nombres más reconocibles como Camille Claudel, Gego, Barbara Hepworth y Yayoi Kusama hasta algunos de las artistas contemporáneas más importantes de la actualidad, como Huma Bhaba, Mona Hatoum y Simone Leigh, este libro muestra 500 años de creatividad escultórica en un libro accesible y visualmente impresionante volumen.
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Esta publicación presenta la obra de Mari Chordà (Amposta, 1942), creadora multidisciplinar que utiliza la imagen, el lenguaje yla acción social, elementos inherentes a su vida, como material fundamental para su obra. La artista, la poeta y la act
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Anatomía humana dinámica continúa donde termina Anatomía humana básica y ofrece a los artistas y estudiantes de arte una comprensión más profunda de la anatomía, incluida la anatomía en movimiento, y cómo esa habilidad esencial se aplica a la creación de bellas artes figurativas.
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Breve tratado sobre filosofía de la pintura china escrito a principios del siglo XVII. Shitao presenta la actitud espiritual que debe tener el pintor a la hora de ejecutar su arte, de manera que pueda conseguir la comunión con el universo y consigo mismo.
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Diego Rivera, desde las vanguardias europeas al muralismo mexicano“En la figura de Diego hay una flojedad rara y suntuosa, como si todo pesase sobre él, como si pudiendo con todo, lo llevase todo colgado tranquilamente a sus hombros, como si llevase insistiendo sobre él las más grandes ideas, como si reposase sobre él la responsabilidad de la creación, como si en el fondo de su alma y en el fondo profundo de sus grandes bolsillos llevase cosas materialmente muy grandes, monstruosas, compactas y macizas.
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Hijo de un grabador y estudioso apasionado de técnicas y de artistas del grabado, Henri Focillon reservó una atención particular a las formas artísticas, a sus relaciones psicológicas y materiales, y a su comportamiento extremadamente concreto y funcional. Desde su publicación en 1934, 'Vida de las formas', fue saludada como un clásico de la cultura del siglo xx, así como un gran modelo de lectura de la obra de arte. En su concepción «sinfónica» de ésta, el problema principal para Focillon no fue tanto reivindicar una absoluta autonomía de la forma artística respecto a la época, el lugar y el ambiente en que se manifiesta, como proponer una suerte de morfología genética y asentar el concepto de mutación formal autónoma en el marco de materiales y técnicas en permanente cambio. El título del segundo ensayo, 'Elogio de la mano', es ilustrativo: las manos son el vehículo del genio, las que dan forma a una idea. Son la salvación del ciego, que sólo a través de ellas puede llegar a ver el mundo, mientras que para el vidente son el medio que le permite completar la percepción de las apariencias a través del tacto. Para indagar en la pregunta de por qué este órgano mudo y ciego nos habla con una fuerza tan persuasiva Focillon recurre al ejemplo de los artistas, los más destacados de los cuales le han prestado una atención extrema, pues en su obra proliferan los estudios de la mano. ¿Puede ser porque es lo más original y diferenciado que poseemos, aquello que más nos aproxima a las formas superiores de la vida? Completa esta edición 'Elogio de las lámpara, un bello texto desconocido del autor.Henri Focillon (Dijon, 1881 – New Haven, ee.uu., 1943) está considerado uno de los historiadores del arte más brillantes del siglo xx. Sus aportaciones teóricas resultan fundamentales dentro de la historiografía artística y, junto a Heinrich Wölfflin, es uno de los principales introductores del método de análisis formalista. Nacido en un ambiente de artistas, estaba destinado, como su padre, al grabado, pero una acusada miopía le impidió hacer de ésta su profesión. Tuvo una sólida formación clásica y humanística, y pronto manifestó una vocación por la historia del arte. Su tesis doctoral versó sobre la obra de Giovanni Piranesi y el grabado del siglo xviii en Venecia y Roma. Inició su carrera académica en Lyon, y posteriormente fue catedrático en la Sorbona, el Collège de France y la Universidad de Yale. Entre sus obras destacan: Piranesi (1918), Hokusai (1924), El arte de los escultores románicos (1931), La vida de las formas (1934), El arte de Occidente (1938) y El año mil (1942). En esta misma editorial se han publicado sus Cartas desde Italia (Elba, 2023).
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Este libro va dirigido a cualquiera que quiera mejorar en el dibujo del rostro humano, ya sea si empieza desde cero o es un artista más experimentado. Desde las estructuras faciales básicas hasta los rasgos más detallados, aprenderá los fundamentos del retrato, además, le proporcionará el espacio necesario para practicar en sus páginas. Aprenda a comprender la anatomía y la forma, emplear la luz y la sombra, realizar bocetos de perfil y de frente, dibujar detalles como el cabello y las arrugas y captar el parecido y las expresiones. Cada capítulo cuenta con espacio suficiente para que practique los bocetos directamente sobre la página. ¡Tome un lápiz y descubra el placer de dibujar caras!
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El libro no solo revisa la trayectoria de Nochlin, sino que también la honra de la mejor manera posible: continuando con su legado de cuestionar y desafiar el statu quo, promoviendo una estela infinita de preguntas y descubrimientos en el campo de la historia del arte. De manera amena ofrece una perspectiva fresca y necesaria sobre la historia del arte. A través de una mirada interdisciplinar, explora cómo el legado de Linda Nochlin ha evolucionado y sigue influyendo en la investigación contemporánea. Es una obra fundamental para aquellos interesados en enfoques innovadores y críticos dentro de la teoría del arte. Este libro reúne a una destacada selección de académicas y profesionales cuyas trayectorias aportan una riqueza única a sus reflexiones sobre la figura de Linda Nochlin y su impacto en el pensamiento contemporáneo. Procedentes de reconocidas universidades e instituciones museísticas, las autoras aquí reunidas no solo trabajan desde los estudios de género como especialistas en feminismos y arte contemporáneo, sino que provienen de diferentes disciplinas como la música, la literatura, la práctica curatorial y artística, lo que enriquece las aportaciones del presente volumen. Sus experiencias en la docencia sobre estas cuestiones amplían aún más el alcance y la profundidad de este trabajo. Además, la dedicada labor de las editoras, Carmen Gaitán Salinas, Esther Romero Sáez y Vanesa Villarejo Hervás, ha sido fundamental para coordinar esta colaboración multidisciplinar y garantizar la calidad y cohesión del resultado final. Todas ellas se encuentran unidas afectiva e intelectualmente a la figura de Linda Nochlin, cuya influencia sigue vibrando en el contexto contemporáneo de la historia, el arte y los feminismos.
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Entre leyendas y supersticiones, la simbología del
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Aunque, a principios de los años 70, firmara algunos de los artículos más reseñables de la edad de oro de Rolling Stone -como el reportaje sobre Dennis Hopper en Nuevo México- Robin Green jamás fue reconocida en la revista como realmente se mereciera. Auténtica especialista en retratar al sujeto con una inalterable energía, no duró mucho en aquel selecto círculo del Nuevo Periodismo. Fue expulsada por el fundador de la revista Jann Wenner al negarse a cumplir un encargo con uno de los Kennedy, en un acontecimiento que quedaría para siempre en mítico imaginario de la prensa musical mundial. Con el paso del tiempo, ya como guionista y productora de televisión, Green recibió tres premios Emmy y dos Globos de Oro por su trabajo en las series Doctor en Alaska y Los Soprano.
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Breu tractat sobre filosofia de la pintura xinesa escrit a principis del segle XVII. Shitao presenta l’actitud espiritual que el pintor ha de tenir a l’hora d’executar el seu art, de manera que l’artista, pintant, aconsegueixi la comunió amb l’univers i amb ell mateix.
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Una guía amena para entender cómo funciona el mercado del arteEn 2019, una tabla que una anciana tenía olvidada en su cocina de París se vendió en subasta por 24 millones de euros. La mujer pasó años sin saber que aquel trozo de madera a priori irrelevante, hoy expuesto en el Museo del Louvre, era en realidad el Cristo burlado, del pintor italiano Cimabue. Por supuesto, no es normal encontrarse con semejante tesoro en una cocina, pero es un ejemplo fascinante de la importancia de conocer, valorar y dedicar tiempo al arte. Rodeado de un halo de lujo y exclusividad, el mundo del coleccionismo se antoja inalcanzable para la mayoría de los aficionados. Sin embargo, es más accesible de lo que parece y una actividad gratificante siempre que concurran dos características fundamentales: la pasión artística y el conocimiento del mercado. María Sancho-Arroyo lleva treinta años trabajando con artistas, coleccionistas e inversores y durante dos décadas trabajó en la famosa casa de subastas Sotheby's. Desde la trastienda de ese universo de sofisticación abre la puerta a los lectores con esta guía que da acceso al rico ecosistema de ferias, galerías y colecciones. ¿Inversión o pasión? desgrana de manera entretenida los canales de venta, los secretos de la tasación, las interacciones entre los museos y el mercado, y las posibilidades del arte como bien de inversión para todos los bolsillos. Un libro, en definitiva, que busca proporcionar «las herramientas esenciales para maniobrar hábilmente en el mercado del arte y asegurar que cada adquisición sea no sólo gratificante, sino que también añada valor y satisfacción a tu experiencia como coleccionista».
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Proyectos arquitectónicos, procesos artísticos e investigaciones alrededor de la pérdida de la centralidad de lo humano en la configuración del ambiente contemporáneo.Este libro se abre con el relato del desguace minucioso de un coche realizado en público durante cinco días y se cierra con la narración de la reconstrucción de una barca de navegación fluvial para nuevos usos colectivos. Dos vehículos con una enorme carga simbólica de lo que llamamos comúnmente civilización enmarcan la investigación que se recoge en esta publicación, realizada entre los años 2020 y 2023, que aborda las prácticas críticas en el Antropoceno. Los contenidos abordan proyectos arquitectónicos, procesos artísticos e investigaciones alrededor de la pérdida de la centralidad del factor humano en la configuración del ambiente a partir de visiones críticas de este proceso cultural, material y político que marca, como ningún otro, la condición contemporánea de forma global. El título alude a un famoso ensayo del teórico cultural ultraconservador Hans Sedlmayr llamado Verlust der Mitte (pérdida del centro) de 1948. Este mítico ataque contra la modernidad se lamentaba de la pérdida de centralidad del Anthropos en el mundo industrial, visible en las nuevas estructuras descentradas del arte moderno. Lo que el libro procura demostrar es que el centro perdido que anhelaba Sedlmayr nunca existió en realidad. El ambiente, el capital y las economías extractivas están entretejidas en narrativas que la arquitectura, las humanidades y las prácticas artísticas que afectan al espacio pueden y deben desentrañar críticamente.
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En este nuevo manual, Ai Akikusa nos sumerge en las maravillas del reino animal que habita dentro o cerca del agua. Fiel a su estilo, la ilustradora japonesa nos descubre los rasgos anatómicos más característicos y asombrosos de estos animales, y nos guía paso a paso para mostrarnos cómo los podemos representar con lápices de colores y papel. Conoceremos una variada cantidad de especies marinas como la nutria, el tiburón ballena, el oso polar, el cachalote o la beluga, y otros animales que viven en los ríos, pantanos y estanques como la tortuga, el cocodrilo, el hipopótamos o el castor. Una nueva invitación a fascinarnos con la riqueza del mundo animal y a aprender dibujar a sus protagonistas acuáticos.
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This visual celebration of the world's most celebrated thinkers tells the fascinating stories of their lives and pioneering ideas.Artists Who Changed History places well-known artists in their historical and cultural context, showing you how they came to influence Art as we know it today.This illustrated guide is ideal for those interested in art, sculptures and the history of art or who would like to broaden their general understanding of art and the lives of artists.
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Colección de ensayos en torno a conocidas obras del arte occidental, quetienen en común la seducción de su misterio. Ante la ventana abierta delos lienzos, Siri Hustvedt propone al lector no sólo un paseo por lahistoria de la pintura, sino también por la vida. Unos textosesclarecedores y plenos de sensibilidad.
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