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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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En enero de 2015, a Iván de la Nuez le fue extendido en La Habana, desde los Servicios Necrológicos de una funeraria, su certificado de defunción. Un hecho insólito, atribuido a un «error burocrático». Después del shock inicial ,¿cómo se puede salir del país estando muerto, qué mente enferma es capaz de fraguar una broma así, cómo «volver» legalmente a la vida?
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El Putxet i El Farró
Eduardo Vicente ha estat l'encarregat d'il·lustrar els barris del Putxet i el Farró en aquest quadern de viatge. El llibre és un recull d'il·lustracions que segueixen l'estil dels ''urbans sketchers'', o el que és el mateix, el dibuix al carrer, ràpid i en directe.
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Los Brincos (Juan Pardo, Antonio ''Junior'' Morales, Manolo González, Fernando Arbex) aparecieron a finales de 1964, a imagen y semejanza de los Beatles, dominadores del panorama pop mundial. El sello Zafiro-Novola puso en órbita a su nueva banda tratando de emular a los de Liverpool, con buenas canciones beat originales e inequívoco aire español. Esta es la historia de Los Brincos, el mejor grupo pop español de los sesenta, pero también de sus múltiples historias vividas: grabaciones, actuaciones y sus éxitos, desde el punto de vista de los propios músicos, junto con la copiosa hemeroteca disponible. Los Brincos forman parte de nuestro imaginario colectivo cultural pues con ellos arrancó la música moderna, liderando con autoridad aquella primera edad de oro del pop-rock nacional.
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Uwe Fleckner nos presenta la visión política y comprometida, desde el análisis profundo de la iconografía y la composición, de la producción artística de Pablo Picasso.En 2023 se conmemora en todo el mundo el 50 aniversario de la muerte de Pablo Picasso, el pintor más importante del siglo XX. Mientras las exposiciones y las publicaciones, principalmente en España y Francia, destacan los polifacéticos aspectos de su arte, este libro se centra en un aspecto particularmente significativo de su repercusión: el compromiso político de su obra y la acogida universal de la misma.El presente volumen reúne una serie de artículos en los que se aborda al Picasso «político»: desde la incautación de su temprana obra maestra La bebedora adormecida (1902) en Alemania, hasta la «iconización» del Guernica (1937), del que se descubre en este texto una interpretación iconográfica completamente nueva pasando por el análisis de la única obra de teatro de Picasso, El deseo atrapado por la cola (1941), que se interpreta como la reacción ante la Ocupación Alemana en París.Desde una perspectiva metológica, el libro, escrito por uno de los mejores conocedores del arte moderno, se caracteriza por el minucioso estudio de documentos desconocidos, así como por un análisis profundo de la iconografía y la composición de importantes obras maestras de Pablo Picasso.
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Esta nueva muestra sobre el pintor Joaquín Sorolla ofrecerá una combinación inédita hasta ahora y que se ensaya aquí por primera vez: una exquisita selección de un interesante conjunto de pinturas originales -muchas de ellas pertenecientes a colecciones particulares y, por tanto, apenas vistas antes- y los nuevos formatos de exposición que, utilizando los recursos técnicos de última generación -multipantallas LED y realidad virtual- sumergen al visitante en un espectáculo de imágenes en movimiento y sonidos que amplían e intensifican el efecto sensorial de la pintura y nos permiten viajar cien años atrás a la época del pintor. Ninguna otra pintura podría prestarse mejor a esta fusión que la de Sorolla, que tiene en la luz y el color su principal soporte.
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Per què, Dalí?
Una aproximació a Dalí i a la seva pintura més icònica i enigmàtica, El Crist, amb motiu de la primera exposició dedicada a l'obra. Amb motiu de l'exposició monogràfica de l'obra El Crist de Dalí, que acollirà el Museu Dalí de Figueres del novembre del 2023 a l'abril del 2024, Planeta publica un apassionant assaig que ens descobreix una de les obres més enigmàtiques del pintor. Mitjançant una ficció en forma de correspondència epistolar amb el pintor, Javier Sierra ens submergeix en l'essència d'aquesta obra i el seu procés de creació a través d'un pertorbador interrogant: Per què, Dalí? A continuació, Antonio López, en diàleg amb Montse Aguer, aprofundeix sobre la figura de Salvador Dalí i ens convida a endinsar-nos en la ment, el cervell i el procés de creació d'un dels artistes més complexos dels últims temps. La part més tècnica va a càrrec de diversos membres del centre de documentació de la Fundació Gala-Salvador Dalí.
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Se aborda en este libro el estudio de la vida, la obra y la significación de Velázquez a través de una amplia variedad de temas y perspectivas, desde la etapa inicial de su carrera y los problemas atributivos que plantean dos cuadros que se relacionan con él hasta la recepción de su pintura: artistas, críticos, historiadores, literatos, museólogos o el público anónimo desfilan por sus páginas para explicar el lugar que ocupa el sevillano en el imaginario de la cultura occidental. Velázquez dedicó la mayor parte de sus esfuerzos a su faceta de retratista cortesano, analizada aquí desde el punto de vista de las fórmulas de representación que fue adoptando, fruto siempre de un compromiso entre los retos estéticos, la cultura ceremonial de la época, los ideales políticos, la tradición y las expectativas que generaba la representación del rey y su entorno. Entre retrato y retrato, el sevillano se acercó a la «pintura de historia», campo en el que hizo gala de extraordinaria originalidad a través de narraciones complejas construidas con una técnica distinta y original. Fue ahí donde expresó de manera más explícita su postura ante la tradición pictórica y el papel que deseaba desempeñar dentro de ella. A través de los catorce textos que componen este volumen, el autor plantea una de las reflexiones recientes más certeras sobre la figura de Velázquez y el significado de su obra.
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Vida i miracles de la plaça Reial
Aquest llibre, coeditat amb l’ajuntament de Barcelona, mostra la història de la plaça Reial des de els seus inicis fins avui. Hi ha anècdotes, personatges, indrets, locals, negocis... i opinions de veïns i veïnesque hi viuen. Una història que mai s’havia fet i explicat.
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Punxa de temps
L'evolució d'un cantant i home de cultura atent als canvis del país i del món durant la segona meitat dels vuitanta.Dels dietaris dels anys vuitanta, el cantant Raimon n'ha extret uns textos que constitueixen un relat que reflecteix el seu dia a dia com a músic, cantant i intel·lectual compromès amb el país. Si el volum Personal i transferible abraçava el principi de la dècada, el nou volum recull els anys següents, en què la seva figura i les seves reflexions, relacions i vivències capturen l'evolució personal i la col·lectiva. Hi ha episodis de gran intensitat com els últims dies amb Salvador Espriu, les tertúlies amb companys que acabarien esdevenint ministres, la inevitable lluita per la llengua als Països Catalans, els concerts amb Pete Seeger als Estats Units i tantes altres vivències sobre les quals projecta la seva mirada independent, lúcida, de gran escriptor.
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L'era dels àlbums
Un llibre imprescindible per descobrir les històries humanes darrere dels millors àlbums de la història de la música moderna.Aquest llibre no pretén ser exhaustiu. Tampoc aspira a ser consistent respecte a un criteri universal. No té intenció, tampoc, de fer equilibris sobre cap mena de paritat. Àlex Torío ha mirat de distribuir els discos amb una certa equitat cronològica i s'ha sacrificat per no posar més d'un disc d'un mateix músic o banda. Per tant, és un llibre injust en què tothom pot trobar a faltar alguna cosa. Ell hi troba a faltar molts discos, però ha acabat acceptant que no feia una enciclopèdia. Es podria haver fet el mateix llibre amb 40 discos diferents. Amb tries alternatives, es podrien haver fet altres llibres que no serien secundaris. No es descarta que es faci. Sintetitzar la història del pop-rock, música d'arrel negra i anglosaxona, és una tasca inabastable, i sempre serà incompleta, però ens ho podem passar bé considerant-la encara que només sigui parcialment.
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Este catálogo de exposición reúne obras de tres artistas románticos: los noruegos Peder Balke (1804-1887) y Lars Hertervig (1830-1902), y el español Eugenio Lucas Velázquez (1817-1870), ofreciendo un paralelo entre sus respectivos paisajes para mostrar cómo plasmaron sus visiones interiores de la naturaleza a través de técnicas experimentales que, en cierta medida, anticiparon la manera suelta del Impresionismo y otros movimientos de la pintura moderna.
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« Degas, le peintre de la vie moderne, s'affirme un pur classique qui, quelque étonnante que la constatation en puisse paraître, s'apparente beaucoup plus aux anciens qu'aux modernes, aux primitifs qu'aux contemporains. Il forme le chaînon qui rattache le passé, la bonne et solide tradition, à l'avenir, il la prolonge magnifiquement. Avec Manet, il libère la peinture du XIXe siècle des contraintes pédantes et routinières, des entraves de l'enseignement académique, des formules ressassées à satiété, du convenu, du faux, du mensonger. A eux deux, ils la ramènent à l'observation directe. »o. Esta incre¡ble e improbable experiencia es también, entre otras dimensiones, pol¡tica. Anuncia un pensamiento, o mejor, sin prometerla, una puesta a prueba de lo pol¡tico. estimuló avances que se ramificaron en múltiples direcciones. ,s. Como en las danzas de la muerte medievales nadie se salva en este epistolario de las pasiones humanas. Y, desde luego, el toque de gracia corresponde a una ardilla.
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¿Es el color tan sólo una reacción psicológica, o una pura sensación física? ¿Tiene un efecto en nuestros sentimientos o estados de ánimo? John Gage examina desde una perspectiva nueva y extraordinaria el fenómeno del color, convencido de que, como el lenguaje, es un hecho históricamente determinado cuyo significado reside en los diversos contextos en los que se experimenta e interpreta. Así, su erudita investigación-ilustrada con más de cien imágenes, treinta y siete de ellas en color-abarca temas tan diversos como las mezclas ópticas en una técnica como el mosaico, la simbología medieval de los colores, la sintaxis de los colores y sus usos en Latinoamérica en tiempos de la conquista, la temprana historia de la óptica y el prisma, o las ideas sobre el color en la obra de Goethe y Runge, Blake y Turner o Seurat y Matisse. Un texto lleno de ideas, tan esencial como ameno.
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La biografía definitiva de Chuck Berry, el legendario inventor del rock and rollConocido principalmente por ser el compositor de clásicos como «Johnny B. Goode», «Maybellene», «You Never Can Tell» y «Roll Over Beethoven», Chuck Berry fue un hombre sumamente contradictorio cuyos propósitos e intenciones siempre estuvieron envueltos en un halo de misterio. ¿Cómo llegó un joven delincuente a componer tantas canciones que transformaron la cultura estadounidense? Y una vez que logró fama y reconocimiento, ¿por qué puso en peligro su carrera con su comportamiento imprudente?Dotado de un talento sin igual, Chuck Berry alcanzó una enorme repercusión social y política con sus canciones, que consiguieron que el mundo se pusiera en pie y empezara a bailar. Sin embargo, su poca predisposición a hablar, tanto de sus logros personales como de sus pasos en falso, hizo que la complejidad de su vida y su música quedara en gran medida inexplorada…… Hasta ahora.
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El presente libro recoge la acción desarrollada a cabo por José Manuel Ciria en distintos lugares de la ciudad de Madrid, en el contexto de la celebración de ARCO en 2022. Una acción que, con su provocativo título, quería llamar la atención sobre la incursión del artista en el mundo de los NFT: en efecto, Ciria no estaba en ARCO porque se había trasladado al metaverso.El volumen principal se compone de un texto introductorio en el que el autor establece la genealogía de su acto dentro de la corriente de la performance y el accionismo de la segunda mitad del siglo XX. A continuación, viene lo que es la obra en sí: la acción propiamente dicha, recogida, como es canónico en este tipo de práctica efímera, mediante un amplio repertorio de imágenes que documentan todos los momentos y preparativos de esta compleja acción.A ellos se añade un pequeño cuaderno que constituye el verdadero eje teórico de la obra y que permite conocer las ideas, reflexiones e inspiraciones que hay detrás de todo el conjunto. Se trata de la verdadera ''fuente'' de la obra, una ocasión excepcional de asomarse al proceso creativo del artista.
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Un repaso por la trayectoria de uno de los músicos españoles que más ha conectado la tradición con la vanguardia.En esta larga conversación con el periodista y crítico musical Pablo Gil, Kiko Veneno repasa su trayectoria, sus momentos gloriosos y también sus penas, así como la importancia de algunos amigos en su vida, como Santiago Auserón, y las circunstancias que le han llevado a ser, hoy en día, el músico honesto, rebelde y popular que es. Un hombre en paz y un enorme músico.Ecléctico, surrealista, divertido y naïf, Kiko Veneno se entiende a partir de su gran personalidad y la de los amigos de los que se ha rodeado.
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Pocos compositores han gozado de la aceptación crítica o la longevidad de Jean Sibelius, que murió en 1957, a los 91 años, después de haber puesto a Finlandia en el mapa de la cultura europea, por mucho que su figura superase con creces los límites nacionales para llegar a ser uno de los pilares centrales de la música clásica contemporánea.A través de un fascinante recorrido que no explora únicamente su vida y su obra, sino también su relación con las artes visuales, la literatura, la arquitectura o la política de su tiempo, Daniel M. Grimley ofrece tanto una introducción accesible y provechosa para el público general como una novedosa y provocadora interpretación de las múltiples facetas de este creador excepcional para aquellos ya familiarizados con su música.
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Los 17 poemas visuales originales están acompañados por un texto introductorio y una larga entrevista con el autor realizados por David Pavo, estudioso de la obra de José Antonio Cáceres.
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Catálogo de la exposición que se celebrará en la Sala Recoletos, Fundación MAPFRE, Madrid, del 31 de enero al 5 de mayo de 2004.La exposición “Chagall. El grito de libertad” presenta la obra del artista a la luz de los hechos históricos de los que fue testigo, convirtiéndose así en la primera lectura completa de su producción desde la perspectiva de sus tomas de postura y su compromiso sociopolítico de cariz humanista. El proyecto, nacido de la colaboración entre La Piscine - Musée d’Art et d’Industrie André Diligent, Roubaix, Fundación MAPFRE y el Musée national Marc Chagall de Niza, y dirigido por las comisarias Meret Meyer y Ambre Gauthier, brinda asimismo la oportunidad de descubrir un amplio abanico de documentos inéditos procedentes del archivo del artista, que han sido seleccionados a lo largo de las investigaciones realizadas al servicio de la exposición.
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Tirando de inocencia podríamos sorprendernos de que los pechos sigan recibiendo todavía tantos tabús, fantasmas, estereotipos, obligaciones sociales...Los pechos femeninos saturan el imaginario y, sin nunca confesarlo, son el eje de mil representaciones interesadas que participan en objetualizarlos y reprimirlos, dejándolos al margen de una dinámica de liberación que sin embargo sí parece haber llegado a otras partes del cuerpo. Camille Froidevaux-Metterie apostará aquí por sacarlos del ocultamiento, conversar abiertamente sobre ellos, retratarlos, pensarlos. Desde la experiencia directa de una cuarentena de mujeres, desde los 5 hasta casi los 80 años, revisitaremos la corporeidad de nuestra existencia, su inalienable materialidad, su sorprendente variabilidad, tanto entre diferentes personas como en un solo cuerpo a lo largo del tiempo. Desafiaremos aquí cualquier prohibición de mostrar y hablar de tetas, pezones y areolas. Tetas como rostros que condensan el conjunto de la experiencia vivida de lo femenino , pechos como un paisaje desde el que reconstruir nuestra historia de sometimiento y desde el que forjar también una historia colectiva de liberación.
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Primera monografía del artista gallego afincado en Berlín Rubén Grilo.Worn Not es la primera monografía dedicada a la práctica artística de Rubén Grilo, gallego afincado en Berlín. El libro examina críticamente la obra de Grilo a lo largo de más de una década, conectando los puntos de su meticuloso aunque heterogéneo corpus de trabajo. Partiendo de la indirecta y exhaustiva investigación del artista sobre la tecnología y su impacto en el arte, la publicación incluye tres textos: Melanie Bühler traza un mapa de la diversa obra de Grilo en busca de una tipología de artista que el propio Grilo se esfuerza en negar, Zoey Lubitz examina el uso que Grilo hace de la tela vaquera desentrañando sus implicaciones materiales en una realidad cada vez más afectada por lo digital, Anna Mikkola conversa con el artista intercambiando impresiones sobre las múltiples referencias que sustentan su práctica. La publicación está acompañada de numerosas imágenes, proporcionando la documentación más extensa de su obra hasta la fecha.
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Catálogo de la exposición que se celebrará en el Centro de Fotografía KBr. Fundación MAPFRE, Barcelona, del 3 de junio al 15 de septiembre de 2024Nacido en Brooklyn en 1922, Louis Stettner comenzó a hacer fotos siendo un adolescente en la década de 1930, y dedicó casi ochenta años de su vida a la fotografía. Tras prestar servicio en el Pacífico como fotógrafo para el ejército de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, se trasladó a París en 1947. A lo largo de su vida, alternó la residencia durante largos periodos en Francia y Estados Unidos antes de establecerse definitivamente en París desde 1990 hasta su muerte, en 2016.A caballo entre estas dos culturas, la obra de Stettner incorpora elementos de la fotografía callejera estadounidense y de la fotografía humanista francesa. Formado en la escuela neoyorquina de la Photo League, aprendió con Sid Grossman y fue un gran amigo de Weegee. En París, el joven fotógrafo conoció a Brassaï, que se convirtió en su mentor y le introdujo en la comunidad fotográfica parisina. Stettner fusionó la vertiente lírica francesa con la tradición neoyorquina de fotografía socialmente comprometida para crear su propia versión del humanismo.
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El primer libro que muestra selecciones de la innovadora Dean Collection de Swizz Beatz y Alicia Keys, que acompaña a una importante exposición en el Museo de Brooklyn.Giants celebra selecciones de la colección de arte mundial de los íconos musicales y culturales Swizz Beatz (Kasseem Dean) y Alicia Keys.Gigantes ilustra 100 obras de casi 40 artistas multigeneracionales afroamericanos, africanos y de la diáspora africana en la Colección Dean, cuidadosamente seleccionados y curados por el Museo de Brooklyn para una importante exposición del mismo nombre.El libro también presenta una conversación exclusiva entre la curadora Kimberli Gant, Swizz Beatz y Alicia Keys, así como entrevistas con diez artistas legendarios: Derrick Adams, el hijo de Kwame Brathwaite, Kwame Samori Brathwaite, Jordán Casteel, Nick Cueva, Tito Kaphar, Ébano G. Patterson, Jamel Shabazz, Amy Sherald, Mickalene Thomas, y Kehinde Wiley.Tanto el libro como la exposición reúnen a estos ''gigantes'' del mundo del arte para encarnar y resaltar la filosofía de coleccionismo de los Deans: ''por el artista, para el artista, con la gente''.Artistas destacados: Nina Chanel Abney, Torre de perforación Adams, Radcliffe Bailey, Ernie Barnes, Jean-Michel Basquiat, Jarvis Boyland, Kwame Brathwaite, Jordán Casteel, Nick Cueva, Hassan Hajjaj, Barkley L. Hendricks, Arturo Jafa, Tito Kaphar, Jerónimo Lagarrigue, Dean Lawson, Esther Mahlangu, Meleko Mokgosi, Odili Donald Odita, Toyin Ojih Odutola, Zohra Opoku, Frida Orupabo, Parques Gordon, Ébano G. Patterson, Débora Roberts, Yo Tschabalala, Jamel Shabazz, Amy Sherald, Malick Sidibé, Lorna Simpson, Sanlé Sory, Vaughn Spann, Henry Taylor, Hank Willis Thomas, Mickalene Thomas, Kehinde Wiley, Madera de Qualeasha, Kennedy Yanko, y Lynette Yiadom-Boakye.
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«Podría decirse que Le Corbusier influyó más en la forma del mundo moderno que cualquier otro arquitecto… No se podría escribir un libro como este sobre cualquier arquitecto. Más allá de la arquitectura, revela mucho sobre el propio autor» – GuardianCasi dos décadas después de su primera publicación, la monografía clásica y superventas «Le Corbusier Le Grand» por fin está disponible de nuevo. Documentando la vida y obra (sus relaciones con personajes como Josephine Baker, Eileen Grey, Fernand Léger, Pablo Picasso o Jean Prouvè entre otros) de uno de los gigantes de la arquitectura y el diseño del siglo XX, el libro presenta una serie de bocetos, fotografías y correspondencia (más de 2000 ilustraciones), que trazan la vasta y variada producción de Le Corbusier, un artista que sigue fascinando tanto a expertos en arquitectura como a quienes no lo son.El estudio incluye un ensayo introductorio del prestigioso historiador de la arquitectura y experto en Le Corbusier, Jean-Louis Cohen, a quien está dedicada esta edición, y las introducciones de los capítulos a cargo de otro destacado estudioso de Le Corbusier, Tim Benton.
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Los Bee Gees, formado por los hermanos Barry, Robin y Maurice Gibb, iniciaron su andadura en 1958 y ha sido uno de los grupos musicales con más éxito de todos los tiempos.Entre 1967 y 2001 vendieron 200 millones de discos en todo el mundo. Destacados intérpretes de la música disco, sus canciones están unidas de manera indisoluble a toda nuestra historia musical.
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Genesis se inició como uno de los grupos más creativos e influyentes del rock progresivo. Unos músicos que se reinventaron de nuevo a principios de los ochenta y acabaron convirtiéndose en grandes estrellas del pop internacional, con 150 millones de álbumes vendidos y dos de los solistas más exitosos del mundo: Peter Gabriel y Phil Collins.
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La fantasía de una cultura dominada por imágenes es una posibilidad cada vez más factible. La tecnología digital, responsable de la mayoría de las imágenes que se cruzan en nuestra vida, ha experimentado un desarrollo exponencial en los últimos años que ofrece un escenario cada vez más rico y complejo. Sin embargo, a pesar de lo sofisticadas que puedan ser las herramientas que crean y distribuyen las imágenes, un análisis de sus usos y funciones revela que éstas reproducen, mantienen y perpetúan actitudes, respuestas y sentidos que cuentan con un largo recorrido en la historia. Aunque la tecnología cambie, las imágenes mantienen en muchos casos los usos que se le asignaron desde antiguo. Además, en el contexto del posthumanismo, la noción de cultura visual se amplía para incluir experiencias y usos de imágenes por parte de animales o Inteligencias Artificiales. El presente libro se propone analizar distintos casos contemporáneos enraizados en una cultura visual digital y posthumana. Los actos iconoclastas del grupo terrorista Dáesh, las imágenes conversacionales en el contexto del procés de Cataluña, la construcción de la imagen del poder con Barack Obama y la postfotografía, la problemática de la autoría de un selfie tomado por un macaco o la constatación que los dinosaurios sólo existen en imagen son los temas que se estudian para comprender nuestra cultura visual.
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Muchos artistas aficionados y estudiantes consideran la perspectiva un tema complicado, sin embargo, comprender la tridimensionalidad del espacio es fundamental para comprender el entorno, la forma de percibir las cosas y las estrategias de representación en el dibujo, siendo además indispensable para proyectar edificios, calles, pueblos o vistas urbanas. En estos casos, se recurre a la perspectiva lineal, un sistema de representación que sostiene el uso de líneas rectas convergentes para provocar la ilusión de profundidad. Los principios de esta perspectiva son sencillos de entender y de aplicar y resultan de gran utilidad para resolver problemas de espacios y distancias, sobre todo cuando el modelo presenta afinidades geométricas.
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La vorágine vital y creativa de las mujeres surrealistas excede la problemática de género. Su manera de estar en el mundo derroca estereotipos adquiridos y, a un tiempo, custodia el seductor orgullo de su feminidad. Musas, sí, de presencia poderosa que inspira, instigadoras del prodigio y de una vida plena que no consiente desfallecimiento alguno ante convenciones castrantes. Amantes, también, que experimentan el amor erótico como timón de provocación y llave para el conocimiento interior, horizonte de apertura y no cárcel del deseo masculino. Pero, ante todo, creadoras, que se sumergen en las potencias oscuras del espíritu a la búsqueda de los deseos inmovilizados en el inconsciente, vértigo que subyace a toda creación surrealista.
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El colapso del Imperio ruso y el advenimiento de la Revolución bolchevique comportaron una transformación vertiginosa en todos los ámbitos de la cultura. Los escritos teóricos de Várvara Stepánova (1894-1958) permiten reseguir los cambios en las ideas sobre el papel de las prácticas artísticas durante un periodo convulso de la historia, de la mano de una de las artistas más significativas e interdisciplinares del momento. Con una esclarecedora introducción a cargo de la profesora Irina Aristarkhova, así como un apéndice en el que se incluyen textos de Olga Rozánova, Natalia Gonchárova, Liubov Popova y Esfir Shub (parte de las denominadas “amazonas de la vanguardia rusa”), las autoras incluidas en este libro fueron sin duda protagonistas y fuerzas motrices de este estallido, que quizá todavía hoy no ha agotado sus capacidades de resonancia.
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¿Eres una de esas personas que se sienten perdidas en un museo o entre las piezas de una exposición? ¿No sabes qué mirar cuando miras un cuadro? ¿En qué consiste un comisariado? O, si te gusta pintar, ¿acaso no has sentido pánico frente al lienzo en blanco? ¿Es necesaria la técnica? ¿Es el arte una mera construcción intelectual? ¿Dónde quedan las sensaciones? ¿Me gusta, no me gusta...? ¿Lo entiendo o me emociona? ¿Cómo miran el mundo los y las artistas? Este libro atesora respuestas para quienes se hacen estas preguntas, para todos y todas las que intuyen que algo interesante y atractivo sucede más allá de la imagen evidente, bajo la última capa del cuadro. Aun así, no esperéis en estas páginas un libro de instrucciones, ni pautas a seguir, ni obligaciones que asumir, ni fechas, nombres o acontecimientos que recordar. Simple y llanamente, encontraréis sugerencias que estimulan y facilitan la experiencia y el conocimiento de la pintura. Una bendita y placentera maldición, de la que no podemos ni queremos escapar.
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La monografía definitiva sobre uno de los artistas más venerados de nuestro tiempo.Ellsworth Kelly será recordado para siempre como uno de los artistas más distintivos e influyentes de nuestro tiempo. Este libro, el último creado en estrecha colaboración con el artista, mapea su prolífica y diversa obra desde la década de 1940 hasta sus proyectos finales antes de su muerte a finales de 2015. Con una portada recientemente diseñada, esta edición de tapa dura lleva el volumen aclamado por la crítica de Tricia Paik a un nivel superior. nueva audiencia de lectores.
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Un productor musical rechaza a Mónica Naranjo por considerarla «música para chonis». Poco después, la artista vende un millón de copias de PALABRA DE MUJER. ¿Qué ha pasado entre esos dos momentos? Juan Sanguino lo explica en este ensayo, cargado de claves para entender la transformación de la industria musical española, que fue a su vez la transformación de un país. Mónica Naranjo dio forma a un público nuevo que ningún ejecutivo de las grandes productoras supo anunciar. En los años 90 la comunidad gay empezaba a sacudirse el estigma del VIH y se afianzaba como un grupo con poderío económico, capaz de vertebrarse por sus propios canales (como la revista Shangay), y con fuerza para encumbrar a un nuevo tipo de artistas. Las divas, de capa caída desde los tiempos de las folclóricas, resurgían de nuevo. Apriétame más fuerte analiza la singularidad del fenómeno Mónica Naranjo: una cantante que triunfó primero en México, que renovó la puesta en escena y sobre la que no pararon de circular disparatados rumores que en realidad hablaban más de la estrechez de aquella España. Pero, además, este libro cuenta la historia de una dura constatación: que la comunidad LGTB tuvo que existir como público para ser tratada con dignidad.
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L'artista sud-africà William Kentridge no es refia d'aquells que abracen cegament les pròpies certeses sense tenir en compte els dubtes i les paradoxes. L'ambigüitat i les contradiccions són al centre de la seva obra, que ha crescut i s'ha transformat al ritme de la polièdrica Sud-àfrica. El setembre del 2020, la periodista Gemma Parellada va entrevistar William Kentridge al seu estudi de Johannesburg amb motiu de l'exposició que l'artista preparava per al CCCB. Kentridge va parlar de segregació, de les repercussions del colonialisme i de la lluita antiracista, dels desequilibris i dels abusos de poder, del privilegi i del paper de l'art a l'hora de repensar els relats dominants.
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Assaig teatral on es recrea un programa radiofònic habitat de personatges que repassen algunes de les obres de Txékhov per esbrinar si, més de cent anys després, ens hem acostat a aquest futur meravellós que presagiava l'escriptor.
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¿Cuál es el significado de los Reyes Magos y cómo los artistas lo expresaron en la Edad Media? ¿Sabes diferenciar un «Cristo en Majestad» de un Pantocrátor? ¿Por qué en la fachada de la catedral de Santiago de Compostela aparece una mujer sujetando una calavera? ¿Cuál es la razón de la presencia de temas impúdicos adornando los templos sagrados? «Una imagen vale más que mil palabras» es un dicho que adquiere mayor relevancia en el periodo medieval, cuando la inmensa mayoría de la población era iletrada. Desde la creación del universo hasta el juicio final, pasando por todos los pasajes y personajes relevantes de los textos sagrados, la iconografía románica sirvió para dar al pueblo llano una visión del mundo, ya que Dios era, de forma unánime, el alfa y el omega. Sin embargo, desde el punto de vista del ciudadano del siglo XXI, puede asombrar que este arte expusiera también una vertiente profana e impúdica, que escapaba de la estricta moral cristiana de la época, en la que tampoco se deben pasar por alto otras expresiones como las representaciones geométricas, vegetales y de bestias tanto reales como fantásticas. Carlos Taranilla nos muestra, a través de este libro ilustrado, un viaje histórico por catedrales, iglesias, monasterios y museos de diferentes puntos de España y del resto del continente europeo para acercar al público la iconografía románica con una mirada amplia y divulgativa, basándose constantemente en numerosos ejemplos que nos siguen fascinando hoy en día. «Este libro, respetable lector, está concebido como un manual o guía para introducirte en el conocimiento de la iconografía románica, para lo cual, estamos seguros, te resultará de mucha utilidad el esquema general que hemos confeccionado, algo que no encontrarás en otros libros, y que constituye una brújula imprescindible para adentrarse en este apasionante estilo artístico, que tuvo su desarrollo histórico durante la Plena Edad Media, pasado el año mil y el terror al fin del mundo, inferido de algunos mensajes bíblicos apocalípticos tomados en sentido literal».
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