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Llibres de disseny i arts decoratives
Descobreix la nostra col·lecció de llibres de disseny. Una àmplia i variada selecció de lectures per aprendre les tècniques professionals de pintura i dibuix. Converteix-te en un artista! Compra llibres de disseny online. En aquesta secció disposem d'una extensa selecció de llibres de disseny i arts decoratives. Lectures que et convidaran a aprendre a explicar històries i dibuixar, a crear objectes amb ceràmica, a escriure, a pintar a l'oli o amb aquarel·les, a fer maquetes, gravats, marqueteria, serigrafia o cal·ligrafia amb pinzell. Així mateix, hi trobaràs equips complets de dibuix, manuals de tècniques de dibuix i guies introductòries sobre tot tipus de materials, com ara esmalts ceràmics, llapis, pintures i tintes, entre altres.
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Fernande Olivier, Pablo Picasso i els seus amics
Aquest catàleg ens permet endinsar-nos en l'excepcional moment històric en què l'artista irromp en l'escena artística del París, a principis del segle XX, a través de la mirada i la sensibilitat d'Olivier, la seva companya d'aquells anys, i d'alguns dels seus amics i col·laboradors.
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Anthony Cudahy
La primera monografía completa sobre el pintor figurativo contemporáneo, publicada como complemento de la primera exposición individual del artista en los Estados Unidos.Spinneret se inspira en el órgano homónimo productor de seda que las arañas utilizan para tejer sus redes. Las pinturas figurativas de Anthony Cudahy reconstruyen con ternura escenas enigmáticas de objetos específicos y entornos equívocos a partir de referencias entrelazadas extraídas de archivos queer, historia del arte, cine, poesía, amigos y autobiografía.Coincidiendo con la exposición individual de Cudahy en el Museo de Arte Americano Ogunquit, esta monografía abarca la última media década de su carrera, incluyendo trabajos completamente nuevos, y revela su rica práctica artística.Organizado por cinco temas artísticos (alegorías, figuras, espacios, deslizamientos y fragmentos), Spinneret captura el tira y afloja continuo, conceptual y materialmente, a lo largo de la práctica del artista.
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Racrufi
Racrufi es uno de los exponentes más reconocidos del arte fantástico mexicano. A lo largo de este libro, los lectores se encontrarán con textos e imágenes que los acercan a toda su vida, desde dibujos hechos en su infancia, publicidades realizadas para la
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Diego de Anaya y Maldonado
A lo largo de una vida, las razones que traen a las manos un libro, los usos y las funciones que se les conceden varían de la misma forma que sus lecturas, de tal modo que en los últimos años se conservan algunos de los más preciados, pero no sólo, también habrá otros que nunca fueron leídos del todo, otros, fruto de un regalo que fueron directamente almacenados, incluso algunos se intentaron vender, pero no se pudo, por supuesto, también se conservan varios de los olvidados. Por todo ello, la aproximación a una colección de libros resulta controvertida y, en cierto modo, voyerista, pues hay quienes reconocen en las colecciones el reflejo de su propietario, mientras que otros ponen en entredicho la posibilidad de ponerse en el lugar de sus lecturas. En el equilibrio de este dilema, entre la posesión y la recepción, oscila la inspección sobre las arcas que custodiaban los libros del arzobispo Diego de Anaya al final de su vida, una de las colecciones privadas más importantes de la ciudad de Salamanca durante las primeras décadas del siglo XV. Con el propósito de conocer las actitudes que manifestó hacia ellos y con ellos, confluyen en esta monografía referencias tan asépticas como son los inventarios colegiales, cuya información se ve tamizada por la red de afectos que revelan las mandas testamentarias, así como la configuración visual y material de los últimos códices que encargó, paradójicamente, con inquietantes imágenes que nos evocan sus últimos años al frente de la sede hispalense.
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Da capo, anotación en una partitura que indica al músico que debe reanudar la pieza desde el principio, es el título de esta monografía, que recopila una selección de textos escritos por Francesc Torres desde los años setenta hasta nuestros días. De este artista son especialmente conocidas las instalaciones multimedia que representan la velocidad, la competición y el machismo como fuentes de violencia. La guerra como expresión sofisticada de esta violencia y la fragilidad de la memoria histórica están igualmente presentes en su trabajo.
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Las vanguardias artísticas del siglo XX
de arte Mario de Micheli ha trazado una crónica viva de los grandes movimientos que configuraron la transformación de las artes plásticas desde el cambio de siglo hasta 1950, buscando su línea de continuidad y su común razón de ser en aquello que propiamente constituye la esencia de la vanguardia: el ánimo de ruptura cultural. Combinando el dato histórico y la crítica, se ofrecen aquí los materiales de una variantes formales, una visión integral, apoyada, de una parte, en el examen de la actividad creadora de los artistas más representativos del período, y, de otra, en los manifiestos y programas que presentaron las posiciones de partida de cada grupo.
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El desnudo. Elementos de análisis visual
El dibujo de la figura humana nos compromete a nosotros mismos, por completo: atañe a la emoción que sentimos frente al modelo mientras observamos sus características físicas y percibimos, alternándolos con los nuestros, sus estados de ánimo. Quizá, de forma parecida a lo que sucede en el retrato, y con valores aún más sutiles y profundos, observar el cuerpo de uno de nuestros semejantes provoca una especie de mirada también sobre su fluir interior y provoca casi una reflexión o una proyección en él...No sorprende, por tanto, y es bien sabido, que desde los primeros balbuceos del sentir artístico y religioso la representación del cuerpo humano ha constituido uno de los temas más elevados y significativos. El desnudo identifica al hombre en su esencia, quizá con itinerarios diversos en las civilizaciones de Occidente y en las orientales: en las primeras, por ejemplo, parece surgir, como rasgo distintivo, la tensión en el análisis, en la descripción, en la anatomía y en la explicación de lo orgánico, en la composición entre generalidad e individualidad,en las segundas, al contrario, predomina la atención por el fluir vital, por los indicios difuminados pero reveladores de los caracteres más íntimos y esenciales de las energías interiores. Giovanni Guglielmo Civardi nació en Milán el 22 de julio de 1947. Licenciado en Economía, estudió posteriormente en la Facultad de Medicina y en la Scuola del Nudo de la Accademia di Brera, y se dedicó al retrato y a la escultura. Durante más de una década realizó ilustraciones para diarios, revistas y cubiertas de libros. Organizó muestras personales de escultura y amplió sus estudios anatómicos durante frecuentes estancias en Francia y en Dinamarca. Desde hace muchos años dirige cursos de anatomía y de dibujo de la figura humana, y ha condensado su experiencia didáctica en numerosos libros, reeditados con frecuencia. La mayoría de ellos han sido traducidos a varias lenguas (inglés, francés, español, ruso, alemán, japonés, etc.). De 2011 data el Cuaderno de Lourdes, el más reciente de sus apuntes de viaje. Actualmente vive y trabaja en Milán, Casteggio y Niza.
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José Gutiérrez Solana. Colecciones Fundación Mapfre
Catálogo de las Colecciones de José Gutiérrez Solana en FUNDACIÓN MAPFREJosé Gutiérrez Solana fue uno de los artistas más singulares del arte español en el paso del siglo XIX al XX. Pintor, escritor y grabador, su prolífica producción ofrece una visión que enlaza con la idea de España Negra, en un camino que parte de la tradición española del Siglo de Oro y continúa con Francisco Goya para alcanzar su apogeo en 1898. Las obras de Solana que pertenecen a las Colecciones Fundación MAPFRE ofrecen, en su variedad, pues alberga tanto óleos como estampas, una amplia visión de conjunto del autor y con este nuevo catálogo se abren nuevos puntos de vista sobre su vida y su obra.Con textos de María Dolores Jiménez-Blanco y de Leyre Bozal Chamorro.
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El llibre explica la intervenció que es va dur a terme el 2015 a l'església de Santa Cecília per convertir-la en l'Espai d'Art Sean Scully. Cinc articles il·lustrats amb abundants fotografies documenten la remodelació des del punt de vista històric, arqueològic, arquitectònic i artístic
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Volver al padre
El 27 de abril de 1991, el pequeño Abel, de tres años de edad, fue secuestrado por la persona que había asumido su paternidad a efectos legales. Seis meses más tarde fue encontrado en un pequeño pueblo de Extremadura, en un estado cercano a la desnutrición, y habiendo perdido, según los informes oficiales, la «alegría de vivir». Treinta años más tarde, el artista Abel Azcona desarrolla una estremecedora obra en tres momentos. El primero de ellos supone la repetición exacta del viaje junto a la persona que le secuestró. Un año después, Azcona invita al coprotagonista de la obra a formar una instalación corporal mediante performance ante la mirada del público asistente en la Sala Amós Salvador de Logroño. Finalmente, esta misma sala ha acogido la muestra expositiva con toda la documentación, cerrando el proceso de varios años de duración. «Volver al Padre» de Abel Azcona es un viaje iniciático detonado con la intención de restablecer un vínculo dañado, pero no limitándose a dejarlo atrás sino retomándolo de forma cruda y directa. El presente libro compila la base teórica y el material documental de todo el proceso, así como los emocionantes escritos personales de Abel Azcona sobre su experiencia.
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Vera-Opera, la pintura de Aute
Este ensayo analiza de manera cronológica la faceta menos conocida del cantautor Luis Eduardo Aute: su pintura. Una pintura que a pesar de su calidad y cantidad ha permanecido semioculta para el gran público. Por ello, este ensayo escrito a su vez por un pintor, pretende iluminar las zonas de sombra en la que se ha visto envuelta la creación plástica de un artista que al ser valorado mayoritariamente como cantautor, es conocido a medias ya que su obra pictórica le ocupó un tiempo, un esfuerzo y un empeño superior a su obra musical. Los lectores admiradores del cantautor encontrarán en estas páginas a un Aute distinto y posiblemente más poliédrico de lo que imaginaban.
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El Prado inadvertido
Un recorrido por el Museo del Prado ?por sus imprescindibles y sus olvidados? de la mano de una Estrella de Diego. áá Paseos por el Museo del Prado. Por sus clásicos y sus olvidados. Por su historia, sus historias y sus recovecos. Siguiendo la estela del clásico Tres horas en el Museo del Prado de Eugenio d'Ors, Estrella de Diego nos propone un nuevo recorrido con una mirada del siglo XXI.Y así asoman por estas páginas imprescindibles como Las meninas de Velázquez leídas a la luz del Pierre Menard de Borges, o las obras de Goya, también cuadros históricos que hoy vemos con otros ojos e interpretamos con otra perspectiva, como Las hijas del Cid de Teófilo de la Puebla o Juana la Loca de Pradilla, o la escultura del Hermafrodito, y lienzos olvidados como los de Clara Peeters o el espléndido retrato de un león africano titulado El Cid de Rosa Bonheur, que durante demasiado tiempo estuvo guardado en los sótanos, acaso porque su autora era mujer y lesbiana, y si hoy hay que reivindicarla es sobre todo como una gran pintora a secas.El Prado inadvertido se mueve entre el ensayo y la memoria personal y es un homenaje a un museo que ha acompañado a la autora a lo largo de toda su vida. Un museo cargado de pasado y de futuro, un espacio vivo, que se va transformando a través de las miradas de las sucesivas épocas. Porque, como dice Estrella de Diego: «Los museos, como las palabras y las historias y las imágenes, van cambiando a cada paso, llenándose de narrativas diferentes y nuevas, las que exigen los cambios en el gusto, las que persiguen las transformaciones en el concepto de calidad, las que se construyen, aun sin saberlo, desde las leyes del extranjero: traer y llevar las preguntas. Es cuestión de sacar lo olvidado a la luz ?aunque lo olvidado sea diferente en cada momento histórico? y rescatar lo excluido teniendo clara una cosa: por mucho que tratemos de recuperar lo excluido, siempre quedará algo fuera, alguien fuera.»
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Lorna Simpson
Lorna Simpson es una artista multimedia, quizás más conocida por su aproximación precursora a la fotografía como arte conceptual. En el año 1993, fue la primera mujer afroamericana en exponer en la Biennale de Venecia y en terne una exposición en solitario en el Museo de Modern Art de Nueva York.Este libro recoge la carrera de la artista en su totalidad, desde sus primeras obras hasta sus trabajos más recientes, mostrándonos con detalle el camino que Lorna Simpson ha recorrido hasta ser aclamada por la crítica internacional y alcanzar el estrellato en el mundo del arte.La primera edición fue en 2002 y está agotada. Este libro ha sido concebido enteramente nuevo.“Las obras de Simpson nos devuelven nuestra mirada con seguridad en sí mismas, a pesar de las tormentas que se ciernen en sus alrededores. Nos ofrecen nuevas maneras de ver en la oscuridad” Frieze.
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A finales de la década de 1980, más de 30 de los artistas más aclamados de la época, incluidos Jean-Michel Basquiat, David Hockney, Roy Lichtenstein, Salvador Dalí y Keith Haring, diseñaron atracciones de feria únicas y en pleno funcionamiento específicamente para el parque original, incluidos juegos mecánicos, esculturas interactivas, juegos, actuaciones y música. La contribución de cada artista está documentada en fotografías que muestran al artista trabajando, con detalles de las obras de arte y mostrando el arte en el contexto de la exposición. Al dar acceso a obras de arte raras que no se han visto ampliamente en 35 años, este libro se publica por primera vez en inglés con un prefacio actualizado.latos regionales, que incluyen curry de coco fragante, laksas sabrosos, sotos fortificantes y postres tradicionales. Las 150 recetas accesibles se han adaptado para cocineros caseros, con ingredientes fáciles de obtener y métodos de cocción sencillos. Con una introducción a la cultura culinaria de Indonesia, impresionantes imágenes de recetas y cultura local, e historias personales que revelan la rica historia y la inspiración detrás de cada receta, este es el compañero perfecto para la cocina indonesia.
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Bruce Baillie
Publicación que dibuja una constelación de artistas de diferentes generaciones inspirada por el universo fílmico de Bruce Baillie.Cineasta esencial de los años 60, uno de los más influyentes de la vanguardia cinematográfica norteamericana y gran promotor del llamado cine experimental.Publicado con motivo de la exposición homónima en Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao y comisariada por Garbiñe Ortega, curadora de cine.
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Sorolla en 30 claves
A lo largo de una fructífera vida consagrada al arte, Joaquín Sorolla forjó un estilo propio, lleno de luz, color, incluso sabor. Pero en su vasta obra también abordó estilos con los que habitualmente no se le identifica, como el costumbrismo, el modernismo o la pintura social, e incluso realizó una importante obra en tonalidades oscuras. Triunfó en Roma, París o Nueva York y recorrió España para pintar sus rincones y sus gentes. A los cien años de su muerte, su obra sigue muy vigente. Con el ritmo de una novela de intriga y el estilo de un narrador con voz propia, Sorolla en 30 claves muestra el perfil humano y revindica la riqueza artística de este singular pintor. El libro se ilustra con una selección de las obras de Sorolla, así como con obras de precursores, coetáneos o admiradores del artista, y otras imágenes variadas (desde los lugares en que vivió hasta objetos de la época) que en su conjunto contextualizan y ofrecen una cuidada edición.
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Secretos para dibujar moda manga
No se requieren herramientas especiales Para seguir las indicaciones de la dibujante Dalia Sharawna, solo necesitas papel y lápiz.Con instrucciones visuales Aprende a dibujar con detalle y paso a paso conjuntos formales e informales, ropa deportiva y accesorios. Los tutoriales de Dalia, que ofrecen una gran variedad de diseños de última moda, te enseñarán a dar personalidad y estilo a tus personajes. Crea una carpeta para tus proyectos Al final de cada capítulo encontrarás ejercicios para calcar o dibujar a mano alzada ilustraciones que han aparecido anteriormente. De este modo, terminarás con una recopilación de bocetos que reflejarán tu progreso en este arte creativo. Artistas invitados Cinco artistas contemporáneos te cuentan los secretos de la moda manga y te enseñan su propio trabajo.
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Phyllida Barlow en Zabalaga
Edición dedicada a una de las artistas contemporáneas con mayor proyección internacional, y a la primera mujer invitada a exponer en Zabalaga, en el Museo Chillida. Esta publicación recoge dieciocho obras que configuran una instalación creada por la artista para el caserío de Eduardo Chillida junto al Museo Chillida de San Sebastián. Primera publicación tras la muerte de la artista en marzo de 2023. Incluye un texto de Ben Luke, editor en The Art Newspaper. Un libro de grandes proporciones que evoca el desbordamiento de las obras del artista.
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Les demoiselles d'Avignon' de Pablo Picasso van néixer a París, però van ser concebudes a Gósol. Si algú dubta d'això, només cal que es capbussi en aquestes pàgines. Vet aquí la crònica d'una revelació artística i d'una transformació personal. El 1906, en un poblet de l'Alt Berguedà, al peu del Cadí, Pablo Picasso va transformar-se en Pau: Pau de Gósol. Es va fascinar per l'enigmàtica Hermínia, per les «pageses d'Andorra» i per uns homes que semblaven fets de pedra i terròs. El viatge a Gósol era, a principi de segle XX, un viatge radical en el temps. Iñaki Rubio aconsegueix fer palpable el batec d'aquelles muntanyes i posar llum sobre un dels períodes més transcendentals i desconeguts de la trajectòria d'un dels artistes més influents de la història.
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Emerald drifters
Tras su célebre monografía Blue Violet (Monacelli, 2021), la fotógrafa Cig Harvey continúa su estudio personal de la experiencia sensorial, centrándose en la naturaleza efímera de la luz, los pigmentos y la visión.Sus últimas fotografías son cuadros exuberantes de sus temas característicos (flora, pasteles, interiores domésticos y la figura humana en el paisaje) acompañados de viñetas en prosa sobre la ciencia y el arte del color, escritas en su estilo vibrante e íntimo.Con un epílogo del galardonado novelista y poeta Ocean Vuong, Emerald Drifters es un catálogo de placeres y desamores, y ''un llamado urgente a vivir''.Cig Harvey es una artista nacida en Gran Bretaña y residente en Maine que utiliza imágenes y lenguaje para celebrar la belleza de lo cotidiano. Su trabajo ha aparecido en The New York Times, Vogue y The Wall Street Journal. Esta es su quinta monografía.
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Figurativas 2025
El Museo MEAM presenta este otoño una de las citas más esperadas del calendario artístico internacional: Figurativas 2025, la exposición resultante del prestigioso concurso internacional de pintura y escultura figurativa organizado por la Fundació Privada de les Arts i els Artistes. Figurativas 2025 es mucho más que un concurso: es un escaparate de tendencias, un punto de encuentro entre generaciones y culturas distintas, y un mapa vivo del estado actual de la figuración. La muestra reúne a artistas consolidados y a nuevas voces emergentes que, con su mirada personal, contribuyen a escribir la historia del arte figurativo del siglo XXI. Con esta exposición, el Museo MEAM reafirma su compromiso con la defensa de un lenguaje artístico que, lejos de desaparecer, continúa renovándose y conectando con el público de una manera directa y emocionante.
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Serzo vs. Palencia
Este libro es un diálogo, una conversación directa entre Serzo y Palencia, máximo representante de la Escuela de Vallecas, desde sus obras, sus paisajes y sus obsesiones. Es también, como Serzo reconoce, una cuenta pendiente, un regreso consciente al legado de su paisano manchego, que ha ejercido una influencia silenciosa y persistente en su evolución artística. Es esta una propuesta generadora, que no solo recoge el legado de Vallecas, sino que lo proyecta hacia una posible III Escuela: plural, contemporánea y comprometida, que fortalezca la identidad local para alcanzar lo universal. Lejos de cualquier costumbrismo o nostalgia paisajística, Serzo propone una resignificación de la raíz como vía hacia lo universal, abriendo nuevas preguntas sobre el lugar del arte, la periferia y la identidad en estos tiempos de hiperconexión y disolución cultural.
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Tvboy: La Calle Es Mi Museo
Un libro que recoge lo más significativo de la obra de TVBoy, el artista urbano que además de reconciliar artísticamente a rivales políticos y futbolísticos, con sus obras denuncia la contaminación o la situación de los refugiados, o defiende los derechos de lacomunidad LGTB. Más allá de un libro de arte,es un retrato de personajes contemporáneos, desde una mirada muy especial, y que conecta muy bien con elpúblico joven. En estas páginas, el autor hace una reflexión irónica sobre cómo ha cambiado el culto a los iconos. De las figuras religiosas de antes alos músicos, los influencers o los futbolistas de hoy. También reflexiona sobre el valor del arteurbano, que siendo efímero puede llegar a millones depersonas gracias a las redes sociales, y que se convierte en el arte más democrático, pues convierte a las calles, a los muros, en galerías de arte accesiblesa todo el mundo.
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Des de la seva creació la Biblioteca Museu Víctor Balaguer ha comptat amb un dipòsit important de quadres procedents del Museu del Prado. Inaugurada el 1884 a Vilanova i la Geltrú, en pocs anys comptava ja amb una cinquantena d'obres que complementaven les col·leccions pròpies. Al llarg d'aquests 136 anys la presència de peces del Prado ha estat constant i amb obres realment destacades, com _L'Anunciació_ d'El Greco o el _Dos de maig_ de Sorolla, al costat de pintures de Murillo, Ribera, Juan Bautista Maíno o Goya. El llibre mostra les peces que actualment estan en dipòsit a la Biblioteca Museu, producte d'aquesta llarga i fecunda col·laboració amb el Museu del Prado, i que el 2019 van formar part d'una exposició amb gran èxit de públic. També hi ha una edició en castellà a Lectio Ediciones.
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Nuevos Quilts Con Diseños Espectaculares
Quilts con aplicaciones inspiradas en diseños clásicos Una manera muy especial de empezar un quilt es rodearse de amigos y seguir los nuevos modelos de dos grandes diseñadoras. Kim Diehl y Jo Morton se unieron por primera vez en el libro Quilts con diseñosespectaculares, publicado en esta misma editorial con gran éxito de ventas, ahora vuelven para compartirmás quilts que reflejan el estilo personal de cada una de ellas. Este libro muestra una nueva colección de 14 quilts con aplicaciones inspiradas en diseños clásicos. Cada bloque se une a otro para lograrunos quilts magníficos, las técnicas de aplicación se explican con detalladas instrucciones paso a paso,con ayuda de fotografías, imágenes y prácticos consejos que facilitan la realización de un perfecto acabado en cada uno de los proyectos. Resultará fácil crearbloques en solitario o en grupo, tanto de los quiltscomo de los Sampler quilts espectaculares tan característicos de las obras de estas reconocidas quilters.
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Globalistas utópicos
El presente libro ofrece una perspectiva realmente nueva a la hora de abordar el análisis de la producción artística de los últimos cien años, ya que, al margen de cuestiones estilísticas, estudia el trabajo de algunos de los creadores más relevantes del pasado siglo (Tatlin, Picasso o Beuys lo son, sin lugar a dudas) en el que se encarnan ideas de revolución y transformación humana y social: esto es, la creación artística como algo más que un mero espectáculo de índole estética. De la Revolución rusa al reciente mundo globalizado, pasando por la Guerra Fría, en los distintos capítulos Jonathan Harris explora la idea de que el linaje globalista-utópico en el ámbito del arte sigue dividido entre su anhelo de libertad y una identificación cada vez más profunda con lo espectacular como artículo mercantil y de consumo, una encrucijada fundamental para entender no sólo la evolución y el significado de la vanguardia artística sino la situación actual de una creación sometida a (y desnortada por) los designios del dios Mercado. Estamos, pues, ante una crítica innovadora y bastante esclarecedora del arte contemporáneo y de sus instituciones.
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Realismo imaginativo
La mayoría de los manuales de dibujo nos enseñan cómo dibujar o pintar lo que vemos: bodegones, paisajes, retratos... ¿Qué sucede, en cambio, cuando queremos crear una imagen realista de algo que solo existe en nuestra imaginación? Este libro muestra los métodos más eficaces utilizados por los artistas, desde el Renacimiento hasta nuestros días. Convirtamos nuestras ensoñaciones en reales obra de arte. «Realismo imaginativo de Gurney es una mina de oro para artistas que quieren crear imágenes evocadoras, impactantes, que deleiten al espectador con ricos elementos visuales de otro mundo». -Erik Tiemens, artista conceptual, La guerra de las galaxias: Episodio II y III. «Gurney ha recopilado distintos métodos de enseñanza y prácticas de pintura sacados tanto de su propia experiencia como de la historia del arte, en particular de finales del siglo XIX, y ha puesto estos valiosos conocimientos a nuestro alcance». -Dennis Nolan, profesor de ilustración, Hartford Art School. «Realismo imaginativo es una obra de referencia indispensable y perfecta que ayudará a los creadores visuales de cualquier disciplina a dar vida a sus propios reinos de la imaginación». Frank M. Constantino, ASAI, SI, JARA, cofundador de la American Society of Architectural Illustrators. «Este libro, a la vez enciclopédico y lleno de anécdotas, debería estar en la mesilla de todo pintor narrativo. Es una guía exhaustiva sobre la disciplina de la pintura y la narración visual, además del entretenido testimonio visual de la vida de un artista comprometido con su profesión, una vida vivida plena y apasionada. Se lo recomiendo a todos mis estudiantes de todo corazón». Charles S. Pyle, director, ilustrador, Academy of Art University, San Francisco.
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Derivas
El presente libro ofrece una reflexión sobre el arteatravés de sus «derivas», es decir, los movimientosque anidan en la creación y que hacen que en el arteactual quepan todas las maneras. A lo largo de sus capítulos no sólo se considera la creación propiamentedicha sino también la disciplina de la Historia del arte,sus límites y la necesidad de plantear nuevos métodos y estrategias de lectura. Y ello a partir de unmodode entender el conocimiento a través de intercambiosde saberes entre disciplinas –afines o no–, enlugarde querer encapsularlo en un único y delimitadocampo.Son estos saberes reticulares los que explican las mencionadas «derivas», que, partiendo de un núcleo central que podría resumirse en un análisis de lateoríay la historia del arte global de las dos últimas décadas, se diversifican en múltiples visiones nojerárquicas que dan cuenta de los contextos en los que se generan y operan. En definitiva, este texto desarrolla una serie de «líneas de fuga» que, desde la crítica dearte, los Estudios Visuales, el concepto dearchivo oel de globalización, tanto convergen comodivergen buscando un movimiento continuo y, en últimotérmino, generan un espacio común desde el que reconocer que tanto o más importante que el arte que nuestro momento global concibe, lo es la manera de analizarlo, de narrarlo, de comunicarlo y de hacerlo extensible a una audiencia activa y participativa.
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Las obras de Christo y Jeanne-Claude son monumentos de la transitoriedad. Realizados a escala gigantesca, siempre son temporales, concebidos para existir durante un tiempo limitado y provocar impresiones únicas e irrepetibles. “,Desde el más pequeño de los Packages hechos en París a principios de la década de 1960, hasta el delicado patrón formado por cientos de ramas cubiertas con un velo translúcido de tela... en las obras de Christo y Jeanne-Claude no hay nada abstracto, nada imaginado, todo está allí: corpóreo y tangible.”, (Lorenza Giovanelli) A medio camino entre la biografía, el análisis crítico y el catálogo, esta edición actualizada recupera la exitosa Edición de Coleccionista de TASCHEN. El volumen abarca la obra completa de Christo y Jeanne-Claude, desde sus primeros dibujos y fotos de familia hasta sus planes para futuros proyectos. Cientos de fotografías y dibujos repasan la obra de los dos artistas a lo largo de los últimos diez años, entre ellos The Floating Piers y La mastaba de Londres, y trabajos todavía en curso como La mastaba de Abu Dhabi y L’,Arc de Triomphe Wrapped en París. Junto a la exhaustiva documentación fotográfica de Wolfgang Volz, este libro es un homenaje a la obra de dos artistas cuya imaginación ha influido en el paisaje de todos los continentes.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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El Románico español
A mediados del siglo XIX los últimos historiadores románticos y los primeros investigadores modernos iniciaron una fascinante cruzada: descubrir al mundo los tesoros medievales que aún permanecían ocultos en la España más recóndita. Pequeñas ermitas, ig
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Cézanne
Durante la segunda mitad del siglo XIX, en los verdes campos de los alrededores de Aix-en-Provence, Paul Cézanne (1839-1906) se consagró a la representación de paisajes y naturalezas muertas que se convertirían luego en obras clave del arte moderno. Con pinceladas compactas e intensas y un audaz acercamiento al espacio y la luz, Cézanne intermedió entre el impresionismo y los movimientos fundamentales de principios del siglo XX y se convirtió, en palabras de Matisse y Picasso, en «el padre de todos nosotros». Esta nueva aproximación a su trabajo selecciona las obras clave que permiten entender el desarrollo, las innovaciones y la influencia crucial que Cézanne ha tenido en el arte moderno. Desde composiciones de frutas y peras hasta escenas de bañistas, recorremos su experimentación con el color, la perspectiva y la textura para evocar «una armonía paralela a la naturaleza», así como el propio proceso de ver y representar.Por el camino, nos detenemos en su famosa serie de pinturas Los jugadores de cartas, con su combinación de capas de colores cálidos y fríos para construir forma y superficie, y en el rigor geométrico de sus paisajes de los alrededores de Aix-en-Provence, tan brillantes en su captura de la luz del sur de Francia como atrevidos por su concepción radical de las dimensiones y la profundidad.
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Los pintores de las cavernas. El misterio de los primeros artistas
Una obra imprescindible para comprender mejor quiénes somos a través de las huellas artísticas que dejaron nuestros antepasados hace más de 30.000 años.¿Qué movió a los primeros artistas a adentrarse en la oscuridad para plasmar bisontes, caballos y misteriosas figuras? ¿Qué significado tenían estas obras para sus creadores? Gregory Curtis nos guía en un apasionante viaje a los orígenes del arte y la creatividad humana, a través de las entrañas de las cuevas prehistóricas más importantes de Francia y España, para desentrañar los misterios que encierran sus paredes pintadas hace más de 30.000 años. Siguiendo la huella de algunos de los arqueólogos, historiadores del arte y especialistas que han dedicado sus vidas a interpretar los enigmáticos testimonios de nuestros ancestros, el autor combina magistralmente en este ensayo la aventura de la exploración subterránea, el rigor científico y la reflexión sobre el nacimiento del arte y la consciencia humana.
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La tradició popular de fer catifes de flors per engalanar els carrers per Corpus ve de lluny. Aquest llibre fa un repàs de la història d'aquesta tradició, de l'evolució de la tècnica de fer catifes i de les associacions que apleguen els catifaires, i posa èmfasi en els valors d'aquest treball artístic, artesanal i col·lectiu. Alhora, presenta la Federació Catalana d'Entitats Catifaires i la candidatura a la UNESCO d'aquest art efímer amb arrels profundes a Catalunya, que ha aconseguit créixer en valors, en creativitat, en qualitat i en espectacularitat. Quan va començar aquesta festa? Per què està relacionada amb el Corpus? Se celebra a tot Catalunya? I en altres països? Per què vol ser Patrimoni Cultural Immaterial de la UNESCO? Il·lustrat amb fotografies curioses, boniques i evocadores, el llibre dona resposta a aquestes preguntes i mostra la bellesa de les creacions florals, així com la dedicació, la creativitat i l'entusiasme dels catifaires catalans.
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Van Gogh. Obra pictórica completa
Hoy en día, las obras de Vincent van Gogh (1853-1890) se encuentran entre las más conocidas y valoradas del mundo. En pinturas como Los girasoles, La noche estrellada y Autorretrato con la oreja vendada reconocemos a un artista con un talento único para la representación de las texturas y las emociones, la luz y el espacio.Durante su vida, Van Gogh tuvo que enfrentarse no sólo al desinterés de sus contemporáneos, sino también a los devastadores ataques de su enfermedad mental. Sus episodios de depresión y ansiedad le acabarían costando la vida cuando, en 1890, poco después de su 37 cumpleaños, se suicidó. Este exhaustivo estudio sobre Vincent van Gogh ofrece un catálogo completo de sus 871 pinturas acompañadas por textos que recorren la vida y la obra de una de las figuras más destacadas de la historia del arte.
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Pablo Palazuelo. La Vida Onírica En Line
La obra y la vida de Pablo Palazuelo está determinadapor dos viajes. A pesar de su temprana vocación porser pintor, su padre le convenció de la necesidad derealizar una carrera universitaria. Por este motivo inició un primer viaje formativo que le llevó hasta laciudad británica de Oxford para cursar estudios de arquitectura. Tras la concesión de una beca del Gobierno Francés, Palazuelo emprendió hacia París su segundo viaje. Un viaje iniciático donde logró el apoyo delos galeristas Maeght, y conoció a artistas de la talla de Braque, Calder, Giacometti, Miró o Chillida. Enla capital francesa no solo desarrolló una intensa obra pictórica, sino que también la trascendió hasta los ámbitos de la escultura y la arquitectura.
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Suivant une voie moyenne entre recueil et synthèse, le livre propose une vue d’ensemble de recherches basées sur un considérable travail d’heuristique sans cesse élargi, dont l’avant-propos évoque la genèse, lesétapes et les limites. L’ouvrage s’efforce de présenter avec cohérence une matière largement remaniée faite d’études de cas, d’analyses nuancées de dynamiquesdiverses, de bilans partiels, d’ouvertures et de pistes de recherche pour une période allant du VIe aux premières décennies du XVIe siècle.Sous le titre «Vénération des images et miracles dans le haut Moyen Âge:Rome, l’Italie et les pays transalpins», la premièrepartie fusionne deux travaux datant des débuts de larecherche avec bon nombre de modifications et de mises à jour. La deuxième rassemble, avec moins d’interventions, diverses études significatives concernant descrucifix et d’autres images du Christ. La troisième,la plus longue et la plus restructurée, porte sur laconsécration des images, sur les rapports et l’importance respective des représentations des saints autres que la Vierge et de leurs reliques ainsi que sur lerecours de plus en plus marqué aux effigies de la Mère de Dieu.À l’initiative des éditeurs scientifiquesde la série ouverte par ce livre, celui-ci est pourvud’un ample dossier iconographique réalisé par Fuensanta Murcia Nicolás, postdoctorante à l’Université deMurcia.
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