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Descripción
A luminous collection of essays from one of our most original and influential poets
Five decades after her debut poetry collection, Firstborn, Louise Gluck is a towering figure in American letters. Written with the same probing, analytic control that has long distinguished her poetry, American Originality is Gluck's second book of essays--her first, Proofs and Theories, won the 1993 PEN/Martha Albrand Award for First Nonfiction. Gluck's moving and disabusing lyricism is on full display in this decisive new collection.
From its opening pages, American Originality forces readers to consider contemporary poetry and its demigods in radical, unconsoling, and ultimately very productive ways. Determined to wrest ample, often contradictory meaning from our current literary discourse, Gluck comprehends and destabilizes notions of ''narcissism'' and ''genius'' that are unique to the American literary climate.
This includes erudite analyses of the poets who have interested her throughout her own career, such as Rilke, Pinsky, Chiasson, and Dobyns, and introductions to the first books of poets like Dana Levin, Peter Streckfus, Spencer Reece, and Richard Siken. Forceful, revealing, challenging, and instructive, American Originality is a seminal critical achievement.
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Five decades after her debut poetry collection, Firstborn, Louise Gluck is a towering figure in American letters. Written with the same probing, analytic control that has long distinguished her poetry, American Originality is Gluck's second book of essays--her first, Proofs and Theories, won the 1993 PEN/Martha Albrand Award for First Nonfiction. Gluck's moving and disabusing lyricism is on full display in this decisive new collection.
From its opening pages, American Originality forces readers to consider contemporary poetry and its demigods in radical, unconsoling, and ultimately very productive ways. Determined to wrest ample, often contradictory meaning from our current literary discourse, Gluck comprehends and destabilizes notions of ''narcissism'' and ''genius'' that are unique to the American literary climate.
This includes erudite analyses of the poets who have interested her throughout her own career, such as Rilke, Pinsky, Chiasson, and Dobyns, and introductions to the first books of poets like Dana Levin, Peter Streckfus, Spencer Reece, and Richard Siken. Forceful, revealing, challenging, and instructive, American Originality is a seminal critical achievement.
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Una antologia de poesia com a «lectura prescriptiva» no desperta l?entusiasme espontani. I no només pel fet de ser «prescriptiva» sinó, més aviat, perquè es tracta, precisament, de «poesia». No cal escarrassar-se a dissimular que la poesia és un gènere literari que ha perdut el favor del públic. De l'adult i del jove. Aquest és un fenomen relativament recent. Algun estudiant deu haver tocat últimament un llibre de poesia, potser fins i tot l?ha fullejat, però si, a més, l?ha llegit i s?hi ha divertit, caldria que es publiqués com a notícia més que remarcable. La poesia és un gènere literari per redescobrir. Però per fer-ho cal conèixer com funciona, quin és el mecanisme de creació del sentit en un poema, perquè llegir un poema segons les convencions d'un altre gènere (la narració, la carta o l?autobiografia) el converteix en un text confús i incomprensible. Aquesta antologia permet passejar-se per vuit segles de poesia catalana i entrar en contacte amb trenta-cinc autors i estils diferents. Per molt poques expectatives que tingui el lector, cal advertir que la poesia, quan es coneix, es gaudeix, i és tan interessant i divertida que pot crear addicció. Que consti.
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L'obra de joventut d'una poeta cabdal de la nostra literaturaLectura prescriptiva per a Literatura Catalana de la modalitat d'Humanitats i Ciències Socials i de la modalitat d'Arts al batxillerat a Catalunya. Promoció 2020-22 i 2021-23.Aquesta edició vol posar a l' abast del lector jove l'obra d'una autora jove, perquè Marçal tenia vint-i-set anys quan va publicar Bruixa de dol. Hi conviuen formes poètiques populars i clàssiques alhora, i imatges que reclamen una lectura alternativa i agosarada perquè expressen la seva vivència de dona i de feminista. La fecunditat de l' entramat de forma i fons en la poesia de Maria-Mercè Marçal es podria comparar a l'arrapament de l'heura que tan significativa va ser en la seva vida i en la seva obra. Bruixa de dol és una obra que va d'un jo més íntim a un nosaltres col·lectiu, les dones (fades i bruixes), més èpic.
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La obra de Bécquer supuso toda una renovación del lenguaje poético del siglo XIX. Influido por autores románticos como el alemán Heinrich Heine, su poesía y su prosa se caracterizan por aunar el intimismo, la búsqueda del ideal y la exaltación de la fantasía. Lejos de los excesos retóricos de la literatura anterior, Bécquer busca una expresión mucho más simbólica y evocadora. Gracias a su lenguaje depurado y sugerente, el autor sevillano logra atraparnos en el misterio de sus Leyendas o emocionarnos con la intensidad lírica de sus Rimas. En definitiva, una voz poética universal que ya nos anunciaba, como queda reflejado en estas páginas, el nacimiento de la contemporaneidad.
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Para Gloria Fuertes el amor era algo involuntario, como la poesía o el hipo. Curiosa, melancólica y mordaz, durante toda su vida amó y escribió con un espíritu de libertad y ternura insólito en la España de su época. Le rompieron el corazón mil veces, y mil veces lo recompuso para seguir queriendo. Esta antología se centra en la faceta más íntima de Gloria a través de un centenar de poemas que navegan entre el amor y el desamor, llenos de camas, bocas, desvanes, lágrimas, ríos, cuerpos y noches en vela. Un imaginario personal de una poeta única, isla ignorada, «Patrona de los Amores Prohibidos».
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Amb estudi preliminar i propostes de treball a càrrec de Ferran Gadea.L'autor aplica procediments experimentals d'avantguarda -ruptura d'hemistiquis, esglaonament del vers, alternança de majúscules i minúscules, utilització de tipografies de mides i colors diferents- en una època en que es tendeix a la recuperació dels motius clàssics i dels topoi tradicionals.L'itinerari del procés amorós -invitació, festeig, consecució del goig, comiat-, es descriu en un ventall de formes i gèneres a cavall de la lírica popular i la tradició culta de la fin'amors. Com en els cançoners dels antics trobadors la identitat de l'estimada s'oculta sota el terme amiga.L'escriptura de Papasseit és un homenatge a la noia -Tan fina és Ella que em dicta el vers- on la simbologia floral i la delicadesa expressiva no amaguen el desig, la possessió amorosa i el triomf: Visca l'amor que m'ha donat l'amiga [...] visca l'amor: / la volia i l'he pres.
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Llibre de meravelles connecta present i passat. El present és dins el context franquista, un moment nefast per a la cultura catalana, i el passat s’emmarca en l’edat mitjana, el temps fundacional de la cultura catalana que apareix com un model per al futur.La composició es divideix en tres parts, de les quals la central és clarament la més àmplia. - La primera part, titulada «Teoria i pràctica de la flor natural» està formada per deu poemes sense títol.- La segona part la formen quaranta-set peces (totes, llevat de dues, amb títol i citació inicial). - «Propietats de la pena» és el nom de la darrera de les parts el Llibre de meravelles, constituïda per cinc poemes sense títol.
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«Los Veinte poemas son un libro doloroso y pastoril que contiene mis más atormentadas pasiones adolescentes, mezcladas con la naturaleza arrolladora del sur de mi patria. Es un libro de amor porque a pesar de su aguda melancolía está presente en él el goce de la existencia». Con estas palabras define Pablo Neruda este libro que el lector tiene en sus manos, aparecido en abril de 1924, cuando su autor tenía veinte años de edad. Han pasado desde entonces más de setenta años, los más prodigiosos setenta años de vida de un libro de poesía en nuestro siglo. ''Viente poemas de amor y una canción desesperada'' es la base de la fortuna literaria de Pablo Neruda. Mientras las vanguardias se extendían en el mundo artístico, Neruda se refugiaba en los crepúsculos para pasar de un modernismo en transformación a un neorromanticismo profundamente original. Su conexión con la sensibilidad adolescente y prorromántica ha puesto de manifiesto un poder de comunicación basado en su potencialidad creativa, en su facilidad para crear un breviario sentimental de sensaciones transmisibles y memorables. Como el propio Neruda dice: «Solo he cantado mi vida y el amor por algunas mujeres queridas, como quien comienza por saludar a gritos grandes la parte más cercana del mundo».
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Aquesta edició d'El poema de la rosa als llavis conté una introducció molt completa, elaborada per l'editora, Roser Armengol, amb allò que tot alumne ha de saber sobre el poeta i la seva obra. També inclou una anàlisi molt ben estructurada d’El Poema de la rosa als llavis, que es clou amb una selecció de textos crítics (de Sagarra, Foix, Teixidor, Pla, Molas...) i amb els extractes més representatius dels manifestos en què va participar l’autor. Al final, el llibre conté tot un seguit d'activitats didàctiques pensades per als alumnes d'aquest nivell.
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IL·LUSTRACIONS DE LAURA BORRÀS DALMAU UN GRAN CLÀSSIC DE LA POESIA CATALANA, BELLAMENT IL·LUSTRAT Pocs llibres de poesia han tingut tanta fortuna aquest. Des del 1923 cada nova generació de lectors i d'enamorats l'ha llegit amb autèntica fruïció. El poeta hi recorre tot l'itinerari amorós -del festeig al comiat- en una celebració ardent de la vida, el desig i la figura sensual de la dona.
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¿Alguna vez has sentido que te rompían el corazón? ¿Has podido coser sus grietas hasta amar con mucha más intensidad? El poemario del que todo el mundo habla y que ha arrasado en TikTok: El desamor que jamás viví de Olga González. Los pasos para superar una ruptura son los siguientes: 1. Ira2. Negación 3. Superación 4. Nuevos comienzos Olga González da el salto de la autoedición al mundo editorial con el poemario que ha arrasado en las redes sociales.Un canto al amor y a los corazones rotos, pero también a la fuerza que tenemos en nuestro interior para superar momentos difíciles y resurgir más fuertes que nunca.
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Vuelve el fenómeno más incendiario del mundo editorial: Bebi Fernández.Llega un esperadísimo nuevo libro de Bebi Fernández. Haciendo gala de su única e irreverente voz, la autora, una vez más, creará un universo único e inolvidable.
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Lectura prescriptiva de la materia común de lengua castellana y literatura en el bachillerato en Cataluña. Promoción 2020-2022 y 2021-2023. Esta antología es una introducción sencilla y clara a la poesía española, desde el Cantar de Mio Cid hasta Ángel González, pasando por Garcilaso, Lope de Vega, Bécquer, Rubén Darío o García Lorca. De manera cronológica se recogen los poetas y poemas más representativos de la literatura española, a la vez que se ofrece un estudio esencial para adentrarnos en ellos en el mundo poético, lo que otorgará al lector una muestra esencial y le iniciará en el placer de la lectura.
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Detalles del producto
Tipo de producto:
Libro
Año de edición:
2018
Idioma:
Inglés
Tipo de tapa:
Blanda
EAN:
9780374537463
Referencia Abacus:
1480593.41
Editorial:
Macmillan USA
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ESTE volumen reúne dos libros fundamentales de LouiseGlück (Nueva York, 1943), Premio Nobel de Literatura2020: Figura descendente (1980) y El triunfo de Aquiles (1985). Si el primero de estos libros toma su título del lenguaje musical para referirse a una suertedeviaje órfico que, según la propia Louise Glück, podría definir toda su obra («mis poemas son verticales, aspiran y ahondan, no se expanden, no explican ni amplifican»), el segundo supone un hito en su trayectoriaal recurrir en mayor medida a la máscara de las figuras clásicas y bíblicas que constituirán el hilo vertebrador de sus libros posteriores. Ligados especialmente a la pérdida, a su miedo y reconocimiento (enel amor o en las relaciones familiares), los poemas aluden frecuentemente a un cuerpo que es identidad altiempo que una carga, en los que la experiencia del hambrey el despojamiento es equiparada por la autoracon suproceso de escritura. Un cuerpo que sabe, porotro lado, del riesgo y la fragilidad de permitirse amar aquello que es efímero («¿Por qué amar lo que vasa perder? / No hay nada más que amar»), de afrontarun deseoque es a la vez una promesa de unión y una condena alaislamiento
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LA poesía confesional de Louise Glück (Nueva York, 1943), Premio Nobel de Literatura 2020, alcanza una nueva dimensión con El iris silvestre (1992), su obra más ambiciosa. En este libro, merecedor del Premio Pulitzer de Poesía, la autora levanta sobre el espacio de un jardín, devenido escenario, un teatro polifónico en el que ni la voz del individuo ni su identidad son ya estables, unívocas y transparentes. El sujeto lírico, consciente de su mortalidad y atrapado en el paradójico impulso de experimentar el amor humano a la vez que desea trascender el propio cuerpo, se dirige a un dios inefable —sustituto del padre perdido— para trasladarle su deseo de comunicación o de afecto, pero también sus inquietudes y reproches. Mientras, a su alrededor, las flores encarnan un coro de voces que critican con cierto sarcasmo la ambición de querer escapar a los ciclos de vida y muerte de quien, como ellas, ha sido plantado en la tierra por un poder más grande. A través de la naturaleza —la luz, la mañana, el viento— responde la divinidad interpelada, cerrando así una conversación a tres voces que no es sino un monólogo de la autora en torno a los temas que caracterizan toda su obra: la familia, el deseo, la mortalidad, la trascendencia, la ambivalencia de las pasiones y la memoria.
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LOS dos primeros libros de Louise Glück (Nueva York, 1943) son buena muestra de que el cambio ha sido desde sus inicios la característica más destacada de la autora, Premio Nobel de Literatura 2020. Publicado en 1968, Primogénita despliega en mitad de un paisaje lúgubre y enfermizo un mundo de relaciones brutales a las que la voz poética responde con amargura, decepción y disgusto a través de un estilo excesivo y elevado que recuerda a Robert Lowell y Hart Crane en la densidad de su sintaxis, el uso de la elipsis, la hipérbole y las imágenes duras e inverosímiles que yuxtaponen el vacío y la muerte con la fertilidad natural que rodea a la poeta. Este tono de furia y resentimiento, propio de una víctima indefensa, atrapada en un cuerpo deseante que solo la conduce a la humillación y la violencia por parte de amantes dominantes, familiares, médicos y la propia naturaleza, dará paso a un tono más resignado y calmado, controlado pero firme, en su segundo libro, La casa en el marjal (1975), que supondrá el des cubrimiento de su voz particular. El mundo y el cuerpo no son ya una amenaza, sino que ofrecen posibilidades (si bien a un cierto precio) a la voz de una poeta que encuentra en el lenguaje una puerta para cuajar en el orden simbólico el oscuro don de la experiencia.
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LOUISE GLÜCK (Nueva York, 1943), Premio Nobel de Literatura 2020, inaugura con Ararat (1990), el quinto libro de su trayectoria, su particular estilo poético que luego mantendrá a lo largo de toda su carrera: yano se trata de recopilaciones de poemas más o menos cohesionados, sino de libros construidos casi como unúnico poema en partes, en torno a un solo tema, dondelos símbolos funcionan por acumulación y cada textoaporta un contexto a los demás, multiplicando las interpretaciones y los puntos de vista sobre la experiencia del sujeto lírico. Ararat toma su título del cementerio judío homónimo de Nueva York. Los poemas abordan el luto posterior a la muerte de un padre mitificado, enterrado allí, donde además descansa una de sushermanas, fallecida prematuramente y que será tambiénuna presencia constante en el libro. La poeta explora el mundo de las mujeres sobrevivientes de la familia —la madre, la hija, la hermana— en un tono lacónicoy reticente que abandona definitivamente la pirotecnia verbal de sus primeros poemarios y conecta con elsilencio y el distanciamiento emocional que ella misma relaciona con su padre fallecido, un tono contenidoque un crítico equiparó con «la clase de lenguaje que uno usa antes de ponerse a gritar».
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TRAS la publicación de su poesía reunida en 2012, lapoeta Louise Glück (Nueva York, 1943) ha seguido en Noche fiel y virtuosa (2014) el consejo de su colega Richard Siken de «jugar en el barro, solamente jugar en el barro». En el que es su último libro publicado antes de la concesión del Premio Nobel en 2020, Glückabandona las máscaras mitológicas de su obra anteriorpara mirar desde la vejez directamente al horizontede la muerte la propia, la de los seres queridos enuna serie de poemas (que incluye por primera vez poemas en prosa) en la que un sujeto lírico femenino, más o menos identificable con la poeta, se alterna conla voz de un alter ego masculino: un pintor que aborda el silencio y el lienzo en blanco del tramo final de su vida. La niñez y la vejez, la noche y el día, elpasado y el futuro, la realidad y la ficción, la blancura de la nieve y la oscuridad de los jardines, elrey Arturo y el psicoanálisis se unen en una circularidad de viajes, paseos y libros donde el sujeto despliega, con un tono onírico «visiones oníricas medievales», las llamó un crítico, su aceptación de la muerte, resignada, audaz y curiosa al mismo tiempo.
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SIETE años después de Noche fiel y virtuosa y uno después de la concesi¢n del Premio Nobel de Literatura, Louise Glück (Nueva York, 1943) regresa una vez más en su nuevo libro a una meditación sobre la vejez, la muerte y la poesía: una exploración sobre qué escribir cuando el viaje se acerca a su inevitable final y la única posibilidad es el silencio que ya anunciaba el lienzo en blanco del pintor de su libro anterior. Los poemas de Recetas invernales de la comunidad -música de cámara para un coro de voces espectrales, sobrias y elegíacas- nos hablan de la vulnerabilidad y la fragilidad de un sujeto que en el invierno de la vida, en un paisaje desolado donde no existen más que los bosques, el frío, el viento y un sol del que solo sabemos por la sombra que arroja, sigue rememorando con lucidez el pasado y con inquietud un futuro que parece desprovisto de toda esperanza de renovación, cuando todo regresa, pero lo que regresa no es lo mismo que se fue. Louise Glck siempre ha sido una poeta de la pérdida, el si
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En la línea de lo ensayado en Ararat (1990) y El iris silvestre (1992), Louise Glück (Nueva York, 1943), Premio Nobel de Literatura 2020, desarrolla en Meadowlands (1996) una larga secuencia de poemas en la que el yo lírico escenifica su peripecia biográfica a la vez que pone en duda la propia construcción de su relato. Mezcla de parodia y lirismo, con referencias al fútbol americano (el título alude a una zona de New Jersey que da nombre al estadio de los New York Giants), a la ópera y a la Odisea, los poemas son al mismo tiempo una muestra de la mejor poesía confesional de la autora y una fina reflexión sobre los personajes del mito homérico. La polifonía de voces de Penélope, Odiseo, Telémaco y Circe se mezclan con las escenas de la vida cotidiana de un matrimonio a punto de derrumbarse el de la propia autora en un barrio residencial de una ciudad estadounidense. Como Penélope, Louise Glück teje y desteje en ellos un collage a medio camino entre lo contemporáneo y lo clásico, lo intemporal y lo cotidiano, lo individual y lo colectivo, lo teatral y lo lírico, para abordar la ambivalencia de los deseos y los temores propios de la separación de una pareja en uno de los libros más profundos y originales de la poesía norteamericana del siglo XX.
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Louise Glück (Nueva York, 1943), Premio Nobel de Literatura 2020, explora en Vita nova (1999)-cuyo título recuerda a la obra que Dante escribió tras la muerte de su amada Beatriz- la vida posterior al matrimonio y a la pérdida del sujeto amoroso. De este modo, la voz poética es la de un Orfeo que en el umbral se debate entre mirar hacia delante o hacia atrás, consciente de que la música solo es posible si hay un verdadero dolor. La «vida nueva» a la que canta la poeta supone a la vez un desamparo y una libertad que la impulsan a retrotraerse a su pasado, a la muerte de su madre, al limbo entre la infancia y la vida adulta. También a reflexionar sobre la mezcla de placer y dolor que forma parte de cualquier relación humana y sobre la naturaleza de un tiempo cíclico en donde la repetición es también renovación. No exentos de ironía o autoparodia, los poemas de Vita nova abordan las muertes y los comienzos, la resignación y la esperanza, el trauma y la recuperación desde una perspectiva única donde la abstracción convive con una extraña nitidez biográfica a pesar de que dicha biografía sea a menudo una presencia que el lector solo percibe por el rabillo de ojo, y la confesión poética, como en los mejores libros de Glück, sea un acto de intimidad a la vez esquivo y cercano, pero siempre iluminador.
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Los poemas de Una vida de pueblo (2009), de Louise Glück, Premio Nobel de Literatura 2020, se suceden en forma de breves relatos y monólogos que giran en torno a los ritmos de la vida diaria de unos habitantes cuya existencia se ve definida por el lugar en que nacieron. Anclados en una aldea anónima italiana, el escenario no es, sin embargo, el idílico entorno de las églogas clásicas o el tópico paisaje de acuarela que la sencillez del estilo de la autora parecería evocar —,poco más que montañas, ríos, campos, sol, olivos y unos pocos adjetivos—,, sino un lugar cruel que «mata sin ningún motivo a la gente, / solo por no perder la costumbre». Atrapadas en la dicotomía de quedarse y envejecer o marcharse y mirar siempre atrás, la polifonía de voces de diferentes generaciones compone así una suerte de palimpsesto que es también una lente a través de la cual mirar reflexivamente la infancia y sus secretos, la adolescencia y sus ambigüedades, la madurez y sus engaños, la vejez y las certidumbres de la tumba. A medio camino entre lo que podría haber escrito Robert Frost si hubiera sido un poeta confesional y una Antología de Spoon River sin moralismos, Una vida de pueblo supone el punto final a la fórmula de poemas-secuencia que la autora empezó a ensayar sobre todo en El iris silvestre (1992) y que encuentra aquí uno de sus mejores logros.
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Louise Glück, Premio Nobel de Literatura 2020, además de ser una poeta brillante, es una ensayista a la vez generosa y aguda. En este volumen se reúnen sus dos libros de ensayos literarios, Demostraciones y teorías (1994) y Originalidad americana (2017), escritos con la misma sagacidad y precisión de lenguaje que caracterizan su poesía. En ellos, explora la obra de poetas consagrados, como Eliot o Wallace Stevens, y también de autores más jóvenes, como Dana Levin o Richard Siken -seleccionados por ella misma para el Premio Yale a Jóvenes Poetas-, y con gran claridad de pensamiento pone en tela de juicio valores supuestamente norteamericanos como el narcisismo y el genio, y obliga al lector a considerar la poesía contemporánea y a sus semidioses de una manera radical y deslumbrante. Abordados desde su experiencia personal, entrecruzando sus reflexiones con su propia educación y vida como poeta, sus ensayos son verdaderas piezas literarias.
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Louise Glück (Nueva York, 1943), Premio Nobel de Literatura 2020, nos presenta en Marigold y Rose (2022) lo que la poeta Fiona Sampson ha calificado como «un retrato de la artista en dos mellizas». Desde una perspectiva singular, en una serie de poemas en prosa (o de prosa poética), la autora explora el mundo interior de dos hermanas con personalidades muy distintas durante el primer año de sus vidas. Si Marigold es frágil, callada e introvertida, Rose es protectora, bulliciosa y sociable. Cada una a su manera, ambas reaccionan al misterio del tiempo y el lenguaje, a las rutinas diarias, al comportamiento de los adultos y a las pérdidas que signan la existencia humana. Las mellizas no saben hablar, pero sin duda saben pensar, y también comunicarse entre ellas, Marigold, además, escribe un libro en su cabeza. «Miramos el mundo una sola vez, en la infancia», había escrito la poeta en Meadowlands (1996), y esa mirada es precisamente la columna vertebral de un libro que, con su tono sencillo y su delicadeza, con pasajes donde no falta el humor y la ternura, desafía toda categorización, conservando la fuerza de su poesía.
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Los poemas de Averno, el décimo libro de Louise Glück (Nueva York, 1943-Cambridge, 2023), Premio Nobel de Literatura 2020, discurren entre ambiguos regresos del amor y múltiples regresos de la muerte, entre la nostalgia por la vida y el alivio que proporciona el alejarse de ella. «La muerte no puede hacerme más daño / del que tú me hiciste a mí, / querida vida mía», dice la protagonista de este libro. La poeta aborda una vez más sus temas habituales por medio de personajes mitológicos, los poemas se estructuran a lo largo de un hilo narrativo protagonizado por una modernizada Perséfone, la hija arrebatada a su madre por Hades, el dios de los muertos. Tal separación forzosa adquiere todo tipo de lecturas a lo largo del libro: una historia que «debería ser leída / como una disputa entre la madre y el amante», pero que también permite reflexionar sobre las tensiones entre madre e hija, la fantasía de libertad, la pérdida de la inocencia y, ante todo, los conflictos entre cuerpo y alma, aprovechando la voz de Perséfone, que puede pronunciarse con lucidez desde los dos lados de la existencia y desconfiar tanto de la materia como del espíritu, constatando que las verdades que le revelan sus constantes despedidas no son nunca un alivio sino todo lo contrario. Consciente de que el deber de la poesía es llevarnos adonde no queremos ir, Glück nos invita a un viaje que no ofrece consuelo, pero sí iluminación.
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