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Llibres d'Art, Cinema i Música
T'apassiona el setè art? Tot el que té a veure amb la cultura? Si la resposta és sí, no et pots perdre la nostra gran selecció de llibres d'art, cinema i música. Compra llibres d'art, cinema i música online. En aquesta secció disposem d'una àmplia selecció de llibres d'art, cinema i música en diferents formats i en múltiples idiomes. Hi trobaràs lectures sobre diferents disciplines artístiques com interpretació, entre altres, sobre sèries de televisió i pel·lícules com Harry Potter, Joc de Trons, Star Wars o Stranger Things i sobre la història de cantants i grups de música com ara Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre molts altres.
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Pepe el de la Matrona
Se cumplen 50 años de la primera edición de este título emblemático entre los libros de flamenco, cinco décadas, asimismo, del nacimiento de la escritura inimitable de José Luis Ortiz Nuevo, el hombre que se propuso saber algo de este arte —y de esta forma de vida— dejándose poseer por el habla de sus protagonistas y a partir de una tabula rasa donde empezaban a plasmarse los primeros signos de un conocimiento que se alimentaba ya de hemerotecas y archivos, no de tópicos y lugares comunes fosilizados. El cantaor José Núñez Meléndez, «Pepe el de la Matrona», nació en Sevilla el 4 de julio de 1887. A los doce años hacía ya bolos y andarríos. En 1906 se fue a Madrid a cantar a Naranjero y en el 14 decidió irse a tomar café a La Habana. Vivió de las juergas y las fiestas y conoció a todos los flamencos: a don Antonio Chacón y Manuel Torre, a Pastora Pavón y su hermano Tomás... Su vida, que aquí se cuenta, es la hermosa epopeya de un hombre que vivió al aire de la libertad y en los fecundos territorios del flamenco. Su grito trianero, primitivo y feroz, clavado está en la conciencia de los tonos, corriendo por las azoteas del arte.
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El llibre analitza i descriu les diferents tipologies d’aquesta arquitectura tradicional dins la comarca del Bages i també fa una reflexió sobre la seva presència històrica, física i dels seus constructors.
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Acid for the Children. Edición tapa blanda
Las memorias del célebre bajista y cofundador de la banda Red Hot Chili Peppers.Amaba a su perro. La vida lo levantó y lo sacudió por todos lados. A trompicones y tambaleándose, a ciegas y en una búsqueda constante, se enamoró de las cosas verdaderamente bonitas. Los corazones dulces lo calentaron con su brillo de amor. Otros corazones le fallaron. Se sentía desconectado y corrió por las calles buscando alivio. En el proceso hizo cosas que atenuaron la luz de su propio corazón. Una fría oscuridad de miedo creció en su interior. Pero en aquel lugar terrorífico, la Música, la Voz de Dios, le habló, diciéndole que compartiese su voz en esta tierra. Fue arrastrado por la gloria. —Flea En Acid for the Children, el icónico bajista y cofundador de Red Hot Chili Peppers transporta a los lectores a una gira profundamente personal y reveladora de sus años de formación, que abarca desde Australia hasta los suburbios de la ciudad de Nueva York y, finalmente, a Los Ángeles. A través de anécdotas hilarantes, meditaciones poéticas y vuelos ocasionales de fantasía, Flea cuenta la historia de su vida con todos los vertiginosos altibajos que se esperaría de una rata callejera de Los Ángeles convertida en estrella de rock mundialmente famosa, y narra hábilmente las experiencias que lo forjaron como artista, músico y persona. Su prosa soñadora, con inflexiones como de jazz, hace que Los Ángeles de los años 70 y 80 tenga una vida gloriosa, que incluye el potencial de diversión, peligro, caos o inspiración que acechan en cada esquina de la ciudad. Es aquí donde el joven Flea, buscando escapar de un hogar turbulento, encontró a su auténtica familia en una comunidad de músicos, artistas y adictos que también vivían en la periferia. Pasó la mayor parte de su tiempo de fiesta en fiesta y cometiendo delitos menores. Pero fue en la música donde encontró un significado más elevado, un lugar para canalizar su frustración, soledad y amor. Esto lo dejó abierto al momento de cambio de su vida cuando él y su mejor amigo, su hermano del alma y compañero de travesuras, Anthony Kiedis, tuvieron la idea de dar inicio a su propia banda, un grupo que se convertiría en los Red Hot Chili Peppers. Acid for the Children es el debut de una nueva y sorprendente voz literaria, tan ingeniosa, entretenida y tremendamente impredecible como el propio autor. Una historia tiernamente evocativa de la mayoría de edad y una estridente carta de amor al poder de la música y la creatividad de uno de los músicos más reconocidos de nuestro tiempo.
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El somni de la subversió narra amb prosa clara, aguda i plena de facècies incisives, la transició política i l'esclat cultural i artístic de la Barcelona dels anys setanta i vuitanta del segle XX. Són les memòries d'una generació i d'un país que interpel·len el present amb unes reflexions crepusculars, estoiques, plenes de benvolença, saviesa i combat per part d'un dels seus protagonistes més actius. El que aparentment és un relat biogràfic es converteix en una obra literària i política que s'inicia amb el pas d'una societat rural i industrial, durant la dictadura del nacionalcatolicisme, a la pretesa societat moderna i del coneixement. Tot seguit, en plena revolta política, el poeta participa de la revolta poètica dels setanta i s'enllaça amb els poetes que el precedeixen: J. V. Foix, Brossa, Vinyoli i Palau i Fabre, entre altres. Afillant-se a l'esperit d'avantguarda i al catalanisme polític i cultural, Vicenç Altaió viu i descriu els primers experiments postmoderns i la vinculació a artistes naixents: Perejaume, Uclés, Barceló, Amat, entre molts més. Als primers anys vuitanta, el traficant d'idees eixampla un projecte estètic cultural europeu des d'espais experimentals i des de les primeres plataformes institucionals democràtiques, tothora que proposa una poètica de les arts radical i progressista. El xoc amb una cultura política conservadora es començà a manifestar amb el model monolingüe i historicista, per una banda, i el pretès cosmopolitisme substitutori, per l'altra. El 1985 s'acaba un cicle iniciat el 1971 i que tindrà continuïtat amb un proper llibre de memòries esperat.
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En aquestes memòries, l'autor mira d'explicar una consciència artística a partir de mancances i pors, en un fresc que es va desplegant com un mural farcit de contradiccions. La seva aposta de viure al món des de fora del món. El seu descobriment de l'art,
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El arte de la naturaleza
* La naturaleza nunca ha sido tan vibrante. Contemple la belleza y el poder del mundo natural, desde volcanes y mares tempestuosos hasta bosques resplandecientes y estrellas fugaces. * Esta observación guiada de la naturaleza ofrece una forma totalmente nueva de contemplar el mundo. * Un increíble compendio de la historia del mundo que nos rodea, contada a través de pinturas, dibujos, esculturas, textiles y artes decorativas. Este libro, que ofrece una refrescante perspectiva de análisis visual de la tierra, el agua y el cielo, destaca los motivos, colores y temas que se repiten y que han cautivado a los artistas a lo largo de la historia. «Ver lleva tiempo, igual que tener un amigo, también lleva tiempo». Georgia O'Keeffe
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Abitar el herror
'Lo que no queremos, aquello que simboliza la frustración, el bloqueo, lo incómodo. Aquello que en el fondo sabemos que es necesario para avanzar en lo que buscamos. [...] Un desecho útil para quien piense y sienta antes de actuar.'' En esta nueva edición, Guridi revisita el proceso creativo y ahonda en el papel del error con nuevas reflexiones y narraciones visuales. A caballo entre un manual de creatividad y un cuaderno de artista, el libro que tienes entre las manos es una invitación a pasear por los entresijos de la creación y las dobleces de la subjetividad para entender el arte en base a la autenticidad y la conexión.
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Duchamp
Catàleg de l'exposició inaugurada al Museu Nacional d'Art de Catalunya el 26 de juny de 2008 (21.6.2008 al 21.9.2008), organitzada conjuntament amb la Tate Gallery de Londres, en la qual es proposa descriure l'amistat personal i els diàlegs artístics entre tres de les grans figures de l'art del segle XX: Marcel Duchamp , Man Ray i Francis Picabia. Presenta prop de 300 obres (pintures, objectes, fotografies i cinema) amb els principals temes que exploraren aquests artistes durant la seva experiència dadaista, i que són el reflex de l'univers compartit per tots tres.
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Con Billie Holiday
Las biografías de compositores e intérpretes suelen conceder excesiva atención a la música, cuando no a las propias memorias de los artistas, en perjuicio de una comprensión cabal y ponderada de la vida y obra del artista y su circunstancia. Ensayos estos que, a la usanza academicista, rara vez van más allá de los límites de la investigación bibliográfica, obviando otras posibilidades que brinda el trabajo de campo -ya sea por medio del periodismo de investigación o vía la reveladora exhumación de los testimonios de otras fuentes, tanto o más relevantes que la memoria selectiva del autohagiografiado-. Así pues, en lugar de relatar, como dicta el canon, el ascenso y declive del objeto de esta reconstrucción arqueológica --con tintes de investigación detectivesca-, Blackbum nos propone otra aproximación: permite que sean las voces de los personajes que trataron y conocieron a Billie Holiday quienes tomen la palabra. Invocación espiritista que ha sido posible gracias a un inesperado hallazgo: las más de 150 entrevistas realizadas por Linda Kuehl en los años setenta a acólitos, vagos y maleantes. No obstante, cuando llegó el momento de transcribir dichas grabaciones, escudriñar entre recortes de periódicos, zambullirse en su correspondencia y examinar otros artefactos, Kuehl se vio abrumada por la responsabilidad de tener que pronunciarse sobre la relevancia y el valor de las fuentes consultadas. Para colmo, el material reunido fue rechazado por el editor que la animó a acometer tal empresa, y de nuevo por otro que tampoco supo apreciar el valor de ese polifónico retablo. Kuehl se suicidó en 1978 pero las grabaciones se conservaron y, tras diversas vicisitudes, fueron a dar con sus cintas en manos de un coleccionista a cuya generosidad debemos la materialización póstuma de aquel encargo frustrante y frustrado. El gran acierto de Julia Blackburn está en el tratamiento y la orquestación de esa multiplicidad. Poco importa si las historias no concuerdan, si tropezamos con alegatos contradictorios o incluso si estas contrapuntísticas semblanzas parecen versar sobre un ser irreconocible. El desafío era liberar a la artista no solo de las ensoñaciones que recitó a William Dufty en Lady Sings The Blues, sino también del reduccionista estereotipo que se nos ha servido hasta la saciedad. Y eso, precisamente, es lo que con gran tino consigue Blackburn, invitando al lector a que extraiga sus propias conclusiones.
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Teoría del arte y cultura digital
Este libro aborda las principales cuestiones y retos de la estética y de la teoría del arte en el cada vez más complejo contexto de la cultura digital. Ofrece un amplio, profundo y detallado estudio de los nuevos interrogantes, categorías y conceptos emergidos en el campo artístico a consecuencia de las transformaciones provocadas por la revolución informática, poniendo especial énfasis en lo acontecido en las dos primeras décadas del siglo XXI.La perspectiva de análisis filosófico de las nuevas prácticas artísticas entabla en este escrito un continuo y muy personal diálogo con las metodologías de los Estudios visuales y de la Historia del arte. Con ello se trata de facilitar la comprensión de las principales estrategias artísticas más comprometidas con la reflexión crítica sobre la era digital, así como atisbar sus líneas de evolución en el futuro.El texto hace hincapié en problemáticas centrales en el arte reciente, como la producción de subjetividad, la diferencia, la identidad, la participación , analizándolas en su relación específica con algunos de los nuevos desarrollos tecnológicos (redes sociales, inteligencia artificial, realidad aumentada, realidad virtual, blockchain ).Un libro, en definitiva, fundamental para la compresión del impacto que la evolución digital está teniendo sobre el desarrollo de la creación artística en nuestro presente, así como acerca de los nuevos caminos que se abren para su teorización, difusión y comercialización.
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Pinta y descubre la Sagrada Familia
UN LIBRO PARA COLOREAR Y DESCUBRIR LOS DETALLES MÁS EMBLEMÁTICOS DE LA SAGRADA FAMILIA, LA OBRA MAESTRA DEL ARQUITECTO MODERNISTA. La Sagrada Familia es un templo excepcional, tanto por lo que respecta a su origen y a su fundación como porlo relativo a sus propósitos. Fruto de la obra del genial arquitecto Antoni Gaudí, fue un proyecto impulsado por y para el pueblo, y ya son cinco generaciones las que han ido viendo la evolución del templo en Barcelona. Actualmente, con más de 140 años desde la colocación de la primera piedra, la Basílica sigue en construcción. Con este libro tienes la oportunidad de pintar y descubrir la obra de Gaudí. Explorar la Sagrada Familia es una experiencia única en la que te sumerges en la genialidad de este arquitecto, rodeado de formas y colores que despiertan la imaginación. Ahora te invitamos a recrear este icónico lugar y darle vida en este libro. Y te desafiamos a descubrir dónde se esconde la rana en cada una de sus páginas.
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La escultura: procesos y principios
Vinculado, como otros grandes historiadores del arte europeo, al fecun do Instituto de Londres Rudolf Wittkower (1901-1971) se distinguió por sus ejemplares estudios sobre la arquitectura y la escultura del Rena cimiento y el Barroco: Architectural Principles in the Age of Humanism (1949), Gian Lorenzo Bernini (1955), Art and Architecture in Italy 16 00 to 1750 (1958). La escultura, edición póstuma de una serie de confe rencias pronunciadas en la Universidad de Cambridge en 1970-1971, no e s una historia de la escultura occidental ni un manual de técnicas, si no una indagación en un campo menos explorado: la interacción de proce dimientos de trabajo y principios formales, interacción que en el caso de la plástica determina, de manera más esencial y tangible que en ot ras artes, el carácter final de la obra y la formación de los estilos individuales y colectivos. Mediante el análisis atento de obras y test imonios directos, Wittkower ofrece una comprensión más profunda de la escultura de cualqui
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Arte y transformaciones sociales en España 1885-1910
Catálogo de la exposición Arte y transformaciones sociales en España (1885-1910), celebrada en el Museo Nacional del Prado entre el 21 de mayo y el 22 de septiembre de 2024. En el periodo comprendido entre 1885 y 1910 se produjeron en España transformaciones decisivas para la modernización del país. En esos años los artistas dejaron de tratar asuntos históricos para abordar los aspectos más relevantes de la vida del momento, de modo que sus obras se convirtieron en testimonios de aquellos cambios. Surgió así la pintura social, cuyas obras más destacadas, adquiridas por el Estado en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, conserva el Museo del Prado. También abordaron esos temas la escultura, las artes gráficas y la fotografía, que tuvieron un papel destacado en la configuración de la imagen de la época. Muchas de estas obras se estudian por vez primera en esta publicación.
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Clase de dibujo, La
Drac tutor
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La gramática de la arquitectura
La gramática de la arquitectura reúne los más diversos y cautivadores estilos de construcción, así como los detalles arquitectónicos que narran la historia de este arte desde las más antiguas civilizaciones hasta la Revolución industrial. Los originales grabados identifican partes de edificios y muestran los elementos decorativos con exquisito detalle. La belleza de las ilustraciones y el rigor de los textos hacen de esta obra excepcional una atractiva y útil guía para todo aquel que disfrute con la arquitectura, ya sea experto o no. Esta obra ofrece: - Una clara y comprensiva guía de la historia de la arquitectura, que incluye culturas tan diversas como la maya, la China dinástica o el Renacimiento europeo. - Una accesible y concisa manera de descubrir muchos de los clásicos ejemplos mundiales de la arquitectura. - 750 magníficas ilustraciones con innumerables detalles.
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Aquest volum inèdit aplega quinze assaigs breus de Colm Tóibín, triats d'entre els més de quaranta que ha escrit sobre artistes i les seves obres els darrers vint anys. És un llibre sobre art, especialment sobre una determinada manera de mirar i de deixar-se captivar, una manera de llegir i de narrar. Tota obra de creació, ja sigui plàstica o literària, té un punt de partida, de vegades tot just una marca en una tela o una paraula en un full en blanc, un desllorigador per deixar volar la imaginació. Miró, Calder, Barceló, Tàpies, Bacon, Arbus, Freud, Sargent, Lotto, Tintoretto, Goya... evidencien que la imaginació, quan treballa, està sempre sola, i que aquell moment inicial de concentració furiosa i única de l'acte creatiu només la intel·ligència pot decantar-lo o moderar-lo. Al prefaci que obre el llibre, Tóibín suggereix que segurament deu a la pintura el fet d'haver-se posat a escriure.Deixa't seduir per la bellesa i el misteri que s'amaguen darrere de cada pinzellada i cada obra d'art amb La mirada captiva, una col·lecció d'assajos de l'aclamat escriptor irlandès Colm Tóibín. En aquest volum, que aplega quinze textos inèdits escrits al llarg de vint anys, Tóibín ens convida a un viatge íntim i personal per l'univers de la creació artística. No es tracta d'un manual d'història de l'art, sinó d'una exploració apassionada sobre l'acte de mirar, de deixar-se atrapar per una imatge i de com aquesta experiència pot transformar la nostra percepció del món.Amb una prosa elegant i propera, l'autor ens guia a través de les vides i les obres de grans mestres. Des de la relació entre Miró i Calder fins a la intensitat de Bacon o la carnalitat de Lucian Freud, passant per la genialitat de Goya, Tintoretto o Tàpies. Tóibín s'endinsa en el moment precís de la creació, aquell instant de concentració furiosa on l'artista es troba sol davant la tela en blanc, donant forma a la seva imaginació. És una reflexió profunda sobre com neix l'art i com, a través de la seva mirada, podem connectar amb les emocions i les circumstàncies vitals dels creadors. El mateix autor suggereix al prefaci que, probablement, va ser la pintura el que el va impulsar a començar a escriure, una confessió que revela la profunda connexió entre les diferents formes d'expressió artística.A qui va dirigit el llibre La mirada captiva?Aquesta obra és ideal per a qualsevol persona amb sensibilitat artística, ja siguin amants de la literatura, la pintura o simplement curiosos per entendre el procés creatiu. No cal ser un expert en art per gaudir d'aquests assajos; només cal tenir ganes de descobrir una nova manera de mirar i d'apropar-se a les obres amb una perspectiva fresca i humana. És un llibre perfecte per a lectors que busquen una lectura estimulant, que combini la profunditat de l'assaig amb el plaer d'una narració propera i personal.Temes que tracta el llibreLa mirada captiva explora una sèrie de temes interconnectats que giren al voltant de l'art i la seva relació amb la vida:El procés creatiu: Tóibín analitza l'instant solitari i decisiu en què l'artista inicia la seva obra, explorant la barreja d'imaginació, intel·ligència i emoció que defineix l'acte de crear.La relació entre art i vida: El llibre indaga en com les circumstàncies personals, les amistats i el context històric dels artistes, com la relació entre Miró i Calder, influeixen directament en les seves creacions.L'acte de mirar: Més enllà de la tècnica, l'autor posa l'accent en la importància de la mirada de l'espectador, en com ens deixem captivar per una obra i en la narrativa que construïm a partir d'aquesta experiència.Anàlisi de grans artistes: S'ofereixen radiografies humanes i artístiques de figures clau com Francis Bacon, Lucian Freud, Goya i Diane Arbus, entre d'altres, des d'una perspectiva íntima i reveladora.El simbolisme del color: Un dels assajos més destacats explora la història i l'evolució del color blau, des de l'antiguitat fins a l'actualitat, en un text que combina l'erudició amb el relat autobiogràfic.En general, la crítica coincideix a descriure La mirada captiva com una col·lecció d'assajos d'alt voltatge que, amb un estil vigorós i accessible, aconsegueix apropar el lector a l'art d'una manera sorprenent i profundament humana.
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¡Caliente! Una historia del jazz latino
El carácter universal del jazz latino se manifiesta en la diversificación de sus repertorios. La importancia de este género de la música popular se aprecia por la influencia del Caribe y de Latinoamérica en todos los ámbitos de la cultura. Delannoy hace un registro de los músicos y las corrientes esenciales que han dado vida a esta expresión musical, además de hacer una invitación a profundizar en el estudio de los ritmos afrolatinos.
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Bestiario románico en España
Este es un libro imprescindible para todos los aficionados al románico que reúne una extensa relación de animales –aves, reptiles, peces, cuadrúpedos y seres fantásticos– que pueden verse en las iglesias de España. No hemos pretendido elaborar un inventario exhaustivo, tarea por otro lado imposible, pero si están casi todos los que podríamos considerar importantes, sobre todo atendiendo a razones estéticas.Se recogen aquí los orígenes, a veces prehistóricos, de sus iconos, su significado simbólico, su evolución a lo largo de todas las culturas y civilizaciones y su huella en los bestiarios medievales. Este peculiar código de imágenes se trasladó con su carga simbólica y cultural a los capiteles, canecillos, tímpanos y pinturas de nuestros templos.Otro de los objetivos de esta obra es promover un mayor interés hacia el arte románico, que nos ayude a conservar mejor este maravilloso patrimonio que deberemos legar a futuras generaciones.
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Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España
Publicado con motivo de la exposición Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 10 de junio y el 14 de septiembre de 2025.La imagen de la Virgen de Guadalupe se difundió masivamente entre 1650 y 1790, convirtiéndose en un símbolo religioso clave en España, Italia, Filipinas y América Latina. Se consideraba una imagen milagrosa, con su belleza y técnica sirviendo como prueba del favor divino hacia los habitantes de la Nueva España. Fue la imagen más reproducida y copiada por artistas novohispanos, asociada a la idea de un ''icono revelado''. La exposición y el catálogo que la acompaña exploran su circulación en España, el impulso del culto en la Edad Moderna, las relaciones entre la Virgen de Guadalupe de Extremadura y la mexicana, y el papel de los artistas en su difusión. Presenta unas 70 obras, la mayoría provenientes de España y México, incluyendo impresos de Madrid y Sevilla.El catálogo, que se abre con una introducción a cargo de los dos comisarios de la exposición, Jaime Cuadriello, profesor de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México, y Paula Mues Orts, profesora del Instituto Nacional de Antropología e Historia de México, repasa el culto a esta Virgen en seis ensayos de la mano de diversos especialistas: El «icono moderno» ante la era del arte (Javier Portús), Tipología figural, construcción visual y articulación devocional (Jaime Cuadriello), La Virgen de Guadalupe, un icono entre dos orillas (Francisco Javier Pizarro Gómez y Angelika García Manso), La Virgen de Guadalupe de México y de cómo los pintores novohispanos intentaron retratarla (Paula Mues Orts y Rocío Bruquetas Galán), Agentes, dinámicas y espacios de la recepción guadalupana en España (Francisco Montes González) y La Virgen, los «señores indianos mexicanos» y el rey católico (Iván Escamilla González). El libro se cierra con una bibliografía y un índice antroponímico y de obras reproducidas.
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Arte y revolución
En esta historia alternativa del «largo siglo XX», Raunig analiza las concatenaciones entre arte y política, desde la Comuna de París de 1871 hasta las turbulentas protestas contra la globalización en Génova en 2001, pasando por Sergei Eisenstein, Bretch y Benjamin, los situacionistas, el accionismo vienés y el teatro transgresor del PublixTheatreCaravan, con una coda hasta el 15M y las acciones feministas de la última década. En esta investigación sobre qué ocurre exactamente cuando durante cierto tiempo se desarrollan zonas de solapamiento entre las máquinas revolucionarias y las máquinas artísticas (sobre qué ocurre a lo largo de la línea de fuga de arte y revolución), siguiendo el arte de fabricar conceptos preconizado por Deleuze y Guattari, Raunig desgrana momentos en los que arte y revolución se suceden sin apenas contacto, otros de concatenaciones negativas de oposición y momentos en los que priman las relaciones jerárquicas de subordinación. Son las concatenaciones transversales, cuando los métodos de la acción política y la práctica artística se infiltran mutuamente y se solapan temporalmente, las que pueden poner en marcha un devenir revolucionario, una máquina revolucionaria con todos sus componentes de resistencia, insurrección y poder constituyente. Y es que al analizar las concatenaciones de arte y revolución, Raunig despliega además una propuesta concreta de revolución, una que no se limita a la toma del Estado, a partidos que se convierten en aparatos del cierre de la revolución en las instituciones: la música de la revolución social se empieza a tocar en el terreno maquínico-social y consiste en recolectar y ensamblar, inventar y componer socialidad, cooperación social, ecología social.
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Arte gótico
Cuando contemplamos los vertiginosos espacios de la catedral de Chartres o las brillantes páginas de un manuscrito iluminado, somos testigos de un nuevo modo de ver las cosas. En esta radical revisión del arte gótico en Europa, la palabra «gótico» no sólo describe un estilo artístico, sino un concepto cambiante del espacio, el tiempo y la sociedad: un nuevo tipo de percepción, tanto visual como espiritual, en el que la luz tiene una importancia fundamental. Camille nos muestra cómo veía su propia época el arte de los siglos XIII y XIV, al tiempo que explora el modo en que se entendía la visión en sí. En esta época de pintura gloriosa, de arquitectura y escultura magníficas y complejas, de lujosa iluminación de manuscritos, el arte era la expresión de la pasión religiosa y del poder terreno, de la riqueza pública y privada, de la ciencia y del conocimiento. La nueva visión condujo a un estallido de brillantes imágenes, pero tenía su lado sombrío, al que la Historia del arte rara vez ha prestado atención: la representación deformada de los «otros» -judíos, herejes, leprosos-. una nueva visión, pues, no sólo de lo maravilloso, sino también de lo grotesco. Este libro contrasta con los enfoques tradicionales, centrados con frecuencia en la tecnología arquitectónica y en los pequeños detalles de la iconografía. Elementos inusuales, como el revival gótico del siglo XIX, proporcionan un marco amplio, mientras que las numerosas obras de arte seleccionadas, de Londres a Praga, de Escandinavia a España, revelan el estilo gótico como un verdadero estilo internacional.
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Retratos con Procreate
Dibujar y pintar retratos es una experiencia gratificante, divertida y enriquecedora para cualquier artista, pero puede resultar un poco agotador aprender las distintas técnicas para dibujar rostros y, al mismo tiempo, la enorme variedad de funciones y herramientas que ofrece el software Procreate. Si te has propuesto mejorar radicalmente tus habilidades y crear retratos sorprendentes de forma sencilla, Retratos con Procreate es para ti. Escrito por Melissa de Nobrega, artista, ilustradora y diseñadora, este es un recurso lleno de conocimientos valiosos, destinado a artistas que quieren aprender a crear arte digital con Procreate. Proporciona tutoriales prácticos paso a paso y proyectos reales que te ayudarán a obtener una comprensión profunda de la interfaz y las herramientas de Procreate, de la anatomía para el dibujo de rostros y de las técnicas de dibujo y pintura necesarias para la creación de hermosos retratos. El libro contiene: Las nociones básicas de la creación de arte digital, las diferencias entre los medios digitales y tradicionales, así como las herramientas necesarias para comenzar. El uso de la interfaz y las herramientas de Procreate, los controles gestuales, la creación del lienzo, las herramientas de color, las capas, los pinceles, la herramienta de selección y la herramienta de transformación. La anatomía de la cabeza y el rostro, incluyendo elementos faciales clave, como los ojos, la nariz, la boca y las orejas. Cómo esbozar y perfeccionar dibujos de retrato, subir una foto de referencia en Procreate, así como corregir y perfeccionar los bocetos con precisión. Cómo pintar retratos en Procreate, desde la creación de una pintura simple en escala de grises, hasta agregar color, renderizar y compartir la obra en redes sociales. Todo ello se refuerza en este libro mediante la elaboración de cuatro proyectos completos de retrato, de inicio a fin. Más allá del nivel de tus habilidades, Retratos con Procreate es una guía integral y un excelente recurso para artistas de toda clase que busquen mejorar su trabajo y crear retratos digitales verdaderamente sorprendentes.
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PEQUEÑOS PARAÍSOS
A lo largo de los siglos, en todas las culturas, los seres humanos han creado monumentos de verdor y acequias labradas en piedra para evocar un mítico lugar ideal, frondoso, donde siempre es primavera, los animales son serenos, los hombres pocos y pa
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Habitaciones
La habitación es el lugar donde habitan los sueños. La decoración de interiores no es solo un tema de estética y de arte. Es sobre todo un ambiente, un escenario, un recinto, un lugar de encuentro consigo mismo. Estas son las ideas que se han tenido en cuenta a la hora de elegir el conjunto de imágenes que presenta este libro: todas las habitaciones son habitáculos con estilo, creados por profesionales del diseño de interiores, pero que se han pensado para personas que quieren vivir, sentir y amar entre sus paredes.
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Lofts
Se conoce como lofts a los locales que han sido anteriormente industrias o negocios y, tras quedar vacíos, se han empleado como viviendas o talleres-vivienda de profesionales. Este nuevo título de la colección Interiorismo, Arquitectura y Decoración ofrece una selección de lofts en los cuales la originalidad y creatividad, combinadas con las necesidades de los propietarios, los recursos, los materiales y valores que se han dado a cada elemento han logrado unos resultados espectaculares.
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ARQUITECTURA VEGETAL / PLANT ARCHITECTUR
La vegetación ha sido, por tanto, parte de la arquitectura desde sus orígenes y ha estado presente en diversas tradiciones constructivas que ahora están siendo incorporadas a la práctica contemporánea para sacar partido de sus cualidades térmicas, su faci
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La destrucción de la memoria
Dresde, Guernica, Vukovar, Sarajevo. Tíbet, Mostar, las Torres Gemelas, Palmira. La destrucción de la memoria propone un aterrador viaje por una serie de guerras y con-flictos en los que la aniquilación de iconos arquitectónicos ha ejercido un papel fundamental. Desde la destrucción de las ciudades aztecas por parte de Hernán Cortés hasta los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial, desde el genocidio armenio hasta la guerra en la antigua Yugoslavia, el terrorismo del IRA o los ataques del yihadismo contra monumentos emblemáticos. En este profundo ensayo, que combina erudición con testimonios de primera mano recogidos sobre el terreno, Robert Bevan expone la guerra cultural que se libra detrás de la demolición del patrimonio. Su objetivo es exterminar a un pueblo, erradicar la memoria de su cultura y, en última instancia, borrar el recuerdo su misma existencia. Es el llamado urbicidio. Lo sabían los babilonios que destruyeron el Templo de Salomón en Jerusalén. Lo sabían los nazis que quemaron las sinagogas. O los guardias rojos de Mao que arrasaron miles de monasterios budistas del Tíbet: lejos de ser un daño colateral, la destrucción de bienes culturales y edificios simbólicos constituye un acto deliberado de guerra. Un ataque para destruir la memoria, para liquidar una cultura, para enterrar a un pueblo. Reseñado en The New York Review of Books, The Guardian, The Times, Financial Times Magazine, Sunday Times, The Independent, The Scotsman o Icon.
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F.L. Wright
Aclamado como padre de los rascacielos, Frank Lloyd Wright (1867-1959), un icono intrínsecamente estadounidense, fue un arquitecto de aspiraciones. Creía que la sociedad norteamericana culta debía tener un equivalente arquitectónico adecuado y aplicó
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Arquitectura para Dummies
¿Cuándo un edificio es solo una construcción y cuándo es arte? ¿Qué hace que nos emocionemos con la magnificencia del Taj Mahal,las pirámides de Giza o un rascacielos de Nueva York? ¿Qué secretos ocultan la cuidada sobriedad de Le Corbusier, la trascendencia espiritual de Miguel Ángel o la racionalidad clásica de Calícrates? Con un lenguaje alejado de tecnicismos, esta guía te descubre loesencial de la arquitectura de todo el mundo para que puedas disfrutar más de esta apasionante faceta de la actividad humana.
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Con sus trajes elegantes y sus gafas redondas negras, Philip Johnson (1905-2005), un ingenioso, rico y muy bien conectado arquitecto, fue durante muchos años la persona más poderosa en su profesión. Este libro recorre sus más de siete décadas de enorme influencia, innovación y controversia (fue abiertamente homosexual y simpatizante nazi) en el entorno de la arquitectura y la sociedad (Fue amigo de Andy Warhol, Mark Rothko, Truman Capote, Mies van der Rohe, Frank Lloyd Wright)Contiene fotografías y documentos inéditos, dibujos, cartas personales y planos provenientes del MOMA y del The Getty que apoyan la narración de esta auténtica leyenda.
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Manuel Sayrach va ser l'arquitecte de dues cases emblemàtiques a¬l'encreuament de la Diagonal amb el carrer d'Enric Granados de Barcelona,¬però també va escriure obres de teatre i textos polítics. Admirador de¬Gaudí, va bastir una producció modernista qua
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La casa natal de l’arquitecte Rafael Masó al costat del riu Onyar, a Girona, el Mas d’en Pinc, a Begur, on la bailaora Carmen Amaya va passar els últims anys de la seva vida, la casa de Cervera de l’historiador Agustí Duran i Sanpere, la casa museu del violoncel·lista Pau Casals al Vendrell, la casa on va néixer Enric Prat de la Riba a Castellterçol...L’escriptor i periodista Daniel Romaní emprèn un nou viatge a través del patrimoni del nostre país, per mostrar-nos més de 40 cases on van néixer, viure i treballar catalans cèlebres en àmbits diversos de l’art i la cultura, la política i les ciències socials.A través de l’arquitectura dels edificis, dels mobles i els objectes personals, de la decoració de les estances d’aquestes cases —que mai no van ser mai pensades per ser visitades, la qual cosa les fa encara més atractives—, Daniel Romaní ens transporta, amb el seu estil càlid i amè, al context que va viure cadascun d’aquests grans personatges, principalment dels segles XIX i XX, i ens en fa un excel·lent retrat.
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Guia Park Güell (espanyol)
Us proposem la visita a un món màgic, de somni i bellesa: un parc de llegenda! La Guia del Park Güell és un complet, minuciós i ordenat recorregut per aquesta extraordinària obra d'Antoni Gaudí. Nombroses fotografies comentades, dades històriques, descripcions de les aportacions artístiques avançades al seu temps i el seu valor simbòlic, curiositats, «petits secrets» i un detallat mapa del parc us faran gaudir d'una experiència única.
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Máquinas de vivir
Este estudio presenta un campo rico de interseccionesentre la vanguardia radical moderna, antes y despuésde la Internacional Situacionista, los proyectos dearquitectura social centrados en los modos de vida degitanos, emigrantes meridionales y lumpen urbano, lugares donde, precisamente, nacen las distintas heterodoxias flamencas, unas nuevas formas de habitabilidad, de producción simbólica y de reinvención de públicos, espacios y lugares.
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Estrategias, espacios y redes para la innovación urbana
Los capítulos de este libro aportan reflexiones sobreprocesos innovadores en algunas ciudades europeas ylatinoamericanas. Pero ¿de qué hablamos cuando nos referimos a innovación urbana? Parece que existe ciertoconsenso en su definición: un proceso que facilita nuevas y más eficientes soluciones para resolver futuros y presentes problemas complejos. Sin embargo, losenfoques posibles son muchos, destacando la perspectiva actual de la innovación social. Además, no hay queperder de vista que para implementar lo nuevo hay que tener en cuenta su articulación con los modos y estructuras de organización preexistentes. En estas páginas veremos la capacidad de las ciudades para recuperarse de las crisis reinventando sus modelos urbanos,favoreciendo el desarrollo de industrias creativas, atrayendo talento o creando espacios y redes para la innovación, al mismo tiempo, veremos qué vías se han explorado para apoyar la economía fomentando un tejidosocial capaz de sostener la comunidad, y comprobaremos cuáles son los retos de la innovación en el contexto actual de pandemia. El objetivo de este volumen esconocer qué capacidades y habilidades favorecen la creación de sociedades más innovadoras, siempre en relación con las circunstancias específicas de los distintos territorios.
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Textos criticos #15
Este Textos críticos 15 recoge muchos, casi todos, los textos que escribió Luis Moreno Mansilla a lo largo de su carrera, bastantes de ellos firmados con su inseparable socio Emilio Tuñón. Ordenados cronológicamente, van mostrando los variados asuntos que a lo largo de los años le fueron interesando, al hilo de los proyectos y concursos que dibujaba, los cursos y conferencias que impartía, los paisajes y ciudades que conocía y los innumerables temas que su curiosidad incansable le hacía explorar. Son, por ello, circunstanciales, de algún modo biográficos. Y aunque no quieren organizar una teoría abstracta de la arquitectura destilan, sin embargo, una inesperada vocación de universalidad, como corresponde a la poética sincera luminosa de un creador genuino.Juntos, estos escritos revelan la manera de pensar de Luis Moreno Mansilla sobre la arquitectura y sobre la vida, dos cosas que para él iban inevitablemente de la mano. El espacio inmóvil, acaso ajeno, y el tiempo imparable que desearíamos atrapar y se nos derrama entre los dedos, como Luis advertía, se amalgaman, pues, en estos escritos precisos, delicados, agudos, lúcidos. En ellos su fina sensibilidad, su penetrante inteligencia, su sentido del humor y su infalible olfato para detectar los nudos del panorama arquitectónico perfilan un territorio propio que Luis quiso siempre compartir, en su elegante aspiración de transformación personal y colectiva, con sencilla generosidad que siempre agradeceremos aquellos que tuvimos la fortuna de conocerle como tú, lector, puedes hacer hoy.
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