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Llibres d'Art, Cinema i Música
T'apassiona el setè art? Tot el que té a veure amb la cultura? Si la resposta és sí, no et pots perdre la nostra gran selecció de llibres d'art, cinema i música. Compra llibres d'art, cinema i música online. En aquesta secció disposem d'una àmplia selecció de llibres d'art, cinema i música en diferents formats i en múltiples idiomes. Hi trobaràs lectures sobre diferents disciplines artístiques com interpretació, entre altres, sobre sèries de televisió i pel·lícules com Harry Potter, Joc de Trons, Star Wars o Stranger Things i sobre la història de cantants i grups de música com ara Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre molts altres.
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ESO NO ESTABA EN MI LIBRO DE HISTORIA DE
Mozart padecía el síndrome de Tourette, lo que le provocaba expresarse en términos escatológicos compulsivamente las primeras notas de la Quinta de Beethoven equivalen, en morse, a tres puntos y una raya, que significa «V» de victoria, por lo que los n
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Los tres mosqueteros. El libro del 75 aniversario
En el 75 aniversario del film Los tres mosqueteros, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: el original literario, los actores y sus personajes, el rodaje, las otras versiones... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Viven, el triunfo del espíritu humano
La verdadera historia de los supervivientes de los Andes, protagonistas de La sociedad de la nieve, la nueva y aclamada película de J. A. Bayona. ¡Viven! El triunfo del espíritu humano relata esta escalofriante peripecia y la de los familiares de sus protagonistas, que nunca dejaron de buscarlos. En 1972, partió de Montevideo, con destino a Santiago de Chile, un avión Fairchild Hiller FH-227 de las fuerzas aéreas uruguayas en el que viajaba el equipo de rugby Old Christians y sus acompañantes. Sin embargo, les aguardaba un destino muy distinto del que habían proyectado. Las infernales condiciones climatológicas determinaron la catástrofe y el aparato se estrelló con los Andes. Solo dieciséis de los cuarenta y cinco pasajeros que viajaban en el avión sobrevivieron al accidente y a los casi tres meses de indescriptibles rigores que sufrieron a consecuencia del hambre, el frío y el dolor. Sin otras provisiones, se vieron obligados a enfrentarse al horror de alimentarse con la carne de sus compañeros muertos, en un acto desesperado por conservar la vida.
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Los músicos de Hitler
Que Europa quedara destrozada durante medio siglo por las dos grandes guerras no fue razón suficiente para que la música continuara alcanzando un formidable desarrollo. Alemania, una de las protagonistas esenciales de la contienda, prosiguió su glorioso camino iniciado con Bach y transitado luego por Mozart, Haydn, Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Brahms, Bruckner, Wagner... para desembocar, en pleno hitlerismo, en una nueva explosión creativa que rompió con una tradición que ya se había tensionado hasta el límite en las últimas creaciones de la etapa romántica: la armonía tradicional. Las dos figuras clave en esa dialéctica entre pasado y futuro, Richard Strauss y Arnold Schönberg, hijos no deseados pero muy queridos de Wagner, constituyen la base de este libro, que sin embargo no olvida que los nazis llegaron a otros países. A Francia y Hungría, por ejemplo, donde oficiaron Messiaen y Bartók, respectivamente. Figuras de culto, como la de Hans Pfitzner, o el gran listado que Hitler construyó con lo que sus servidores definieron como «músicos degenerados», forman parte de sus páginas, que también recalan en una parte de los intérpretes de primera línea que protagonizaron la vida musical en el área alemana durante el periodo nazi: los directores de orquesta que vivieron en sus propias carnes la debacle nacionalsocialista. De alguna manera, es un libro que complementa a Los músicos de Stalin, la anterior publicación del autor. La suma de ambos revela una buena parte de la grandeza musical del siglo XX. «Desde que Pedro González Mira abandonó el trabajo de crítico desde su revista del alma, la centenaria Ritmo, se ha dedicado a regalarnos libros que resumen todas sus experiencias musicales. En este, una vez más se recogen textos que él califica de divulgativos pero que van mucho más allá, porque no solo atesoran una gran cantidad de información, resultan entretenidos, se leen con placer». Rosa Torres-Pardo, pianista y Premio Nacional de Música.
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El arte de inventar la realidad
Podría parecer a simple vista que «ficción» y «realidad» son dos esferas que se diferencian nítidamente la una de la otra, pero lo cierto es que muchas más veces de las que sospechamos actúan como cara y contracara de una misma moneda... llegando incluso a (con)fundirse en múltiples ocasiones. En «El arte de inventar la realidad», la historiadora del arte y crítica de cine Áurea Ortiz Villeta sondea, a través de abundantes ejemplos de películas y series, incluyendo documentales, el modo en que esta (con)fusión opera, dando lugar a equívocos que, ya sean intencionados o no, bien pudieran suponer un reto a la hora de delimitar qué es la verdad y qué no lo es. ¿Puede una imagen inventada llegar a sustituir lo real? ¿Puede una representación convertirse en algo más real que lo real? Pensemos en un ejemplo icónico: el atentado contra Carrero Blanco. ¿Qué imagen acude a nuestra mente casi al instante al pensar en ello? [...] En efecto: una escena perteneciente a la película Operación ogro, del director italiano Gillo Pontecorvo. Una ficción... que sin embargo ha quedado fijada en el imaginario colectivo como representación paradigmática de un suceso. Este breve ensayo rastrea las zonas de sombra en las que lo ficticio y lo real se entremezclan, en un itinerario orientado a arrojar luz sobre una pregunta de fondo: si cada vez nos cuesta más diferenciar las imágenes ciertas de las ficticias, ¿cuáles son los retos a los que nos enfrentamos como sociedad?
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Una rápida compañera
Invernaderos, puertos logísticos, granjas, vacas y robots para entender las dinámicas espaciales y laborales tras los muros de los espacios de trabajo automatizadosUna rápida compañera presenta, por primera vez en castellano, los escritos de Víctor Muñoz Sanz en torno a los nuevos espacios creados alrededor de y posibilitados por las tecnologías de la automatización. Es un viaje que nos traslada a fábricas de calzado de finales del siglo XIX, a innovadores puertos logísticos e invernaderos en los que no encontramos rastro de trabajadores humanos y a terrenos fangosos donde vacas frisonas fruto de la selección genética conviven con robots de la más alta tecnología.Lejos de ser complaciente, este ensayo, entre la observación más aguda y la especulación más sugestiva, no se deja cegar por el brillo de las tecnologías más recientes ni fascinar por productos espaciales nunca vistos. Su trabajo nos ayuda a entender los avances espaciales que día tras día transforman toda clase de entornos de trabajo tras los muros opacos del oscurantismo empresarial y, a la vez, la forma en que la tecnología, la ciencia y la arquitectura moldean, días tras día, cuerpos humanos y no humanos.
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Eso no estaba en mi libro de Historia de
La historia del Arte esconde numerosos aspectos ocultos, hechos olvidados y detalles silenciados que permitirían escribir toda unaenciclopedia paralela desde el punto de vista de las mentalidades de cada época, de las mujeres que fueron olvidadas dura
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Festivales
Festivales es una guía sobre los mejores y más destacados encuentros musicales del mundo, una lista de todos los que debes conocer y probar. Descubre las fascinantes historias que se esconden tras los festivales de música más destacados y emocionantes del mundo a través de esta inspiradora guía que presenta cincuenta festivales, pasados y actuales, y señala muchos más por explorar. De la mano de grandes personajes de la industria, clásicos del jazz, gigantes del pop, favoritos del indie, números uno de las pistas de baile y peripecias del punk-rock, recorreremos festivales de lo más variopinto, desde Woodstock, Glastonbury, Coachella y Roskilde hasta el Fuji Rock, Primavera Sound, Tomorrowland, Burning Man y Afropunk. Este libro recrea la extraordinaria experiencia de asistir a un festival y desvela el resurgir del maravilloso mundo de la cultura festivalera tal como lo conocemos hoy.
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Amb l'arribada de l'arxiduc Carles d'Àustria a Barcelona l'any 1705, en plena guerra de Successió, va arribar també la música clàssica a la ciutat. Des d'aleshores Barcelona ha viscut una llarga història d'amor amb la música i sobretot amb els principals compositors: de Bach a Stravinsky, passant per Mozart, Beethoven, Verdi o, naturalment, Wagner. Cesc Avilés s'ha capbussat en la recepció dels compositors a la ciutat -amor, rebuig, passió- i la seva repercussió: com Pau Casals rescata les suites de Bach, com sorgeixen el Teatre Líric, el Palau de la Música o el Liceu, com Lluís Millet i Amadeu Vives impulsen la creació de l'Orfeó Català, etc. I, amb una gran amenitat, l'autor recrea les anècdotes que provoquen les visites d'Strauss, Liszt o Stravinsky, o l'èpica cursa per aconseguir que Barcelona fos la primera ciutat on es representés Parsifal, un 31 de desembre de 1913. LES MILLORS HISTÒRIES I CURIOSITATS SOBRE BARCELONA, LA MÚSICA CLÀSSICA I ELS GRANS COMPOSITORS UNIVERSALS. _''Editat amb la col·laboració del Departament de Cultura de la Generalitat''_
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Verano azul
Para la generación de los nacidos en los setenta, la serie Verano azul –emitida por primera vez en 1981, y repuesta en numerosas ocasiones desde entonces por Televisión Española– es un referente cultural de primer orden. Su irrepetible galería de personajes –el pescador Chanquete, la pintora Julia y la pandilla de niños y preadolescentes formada por Pancho, Javi, Bea, Desi, Quique, Tito y el Piraña– ha dejado huella en el imaginario colectivo y todavía hoy se recuerdan algunos de los momentos más destacados de la serie y el vocabulario que ésta popularizó. Pero Verano azul va más allá del entretenimiento y de un puñado de escenas memorables. Si ha calado hondo en la sociedad española ha sido porque sus episodios ocultaban mucho más de lo que podría parecer. Verano azul no sólo fue el recuento de las aventuras de un grupo de jóvenes durante unas vacaciones en Nerja (Málaga), sino el reflejo de una España que, en ese momento, justo después del 23-F y antes de la victoria socialista en las elecciones de 1982, todavía se debatía entre el pasado –la oscuridad– y el futuro –la modernidad–. En cierto modo, la serie Verano azul simboliza la Transición: el conflicto latente dentro de aquella fractura generacional de los 80, en la que un país puritano, autoritario y poco receptivo a nuevas ideas coexistía con otro ávido de cambio, libertad y empatía. En todas estas cuestiones ahonda Verano azul. Unas vacaciones en el corazón de la Transición: a partir de la mitomanía, la memorabilia y las citas de diálogos míticos –y de una ruta turística por Nerja acompañada por Miguel Joven, el actor que encarnó a Tito–, Mercedes Cebrián reflexiona acerca del impacto que ha tenido la serie creada por Antonio Mercero no sólo como producto de entretenimiento y narración juvenil, sino también como altavoz de la necesidad de aire fresco y del espinoso proceso de transformación de un país entero. Una idea que se resume en unas pocas palabras: Verano azul somos todos, y hoy somos lo que somos, en parte, gracias a aquellos diecinueve episodios que han traspasado generaciones y siguen muy vivos en el recuerdo.
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Harry Potter Ravenclaw Magic
Cada año, el 1 de septiembre, los estudiantes llegan al Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería para estudiar magia, jugar al Quidditch y hacer amigos para toda la vida. Pero antes de que comience el curso, los estudiantes de primer año son clasificados por el Sombrero Seleccionador dentro de una de las cuatro casas: Gryffindor, Hufflepuff, Ravenclaw y Slytherin. ¡Y tú has sido seleccionado para Ravenclaw! En estas páginas, aprenderás todo sobre esa casa de Hogwarts tal y como se ve en las películas de Harry Potter, y adquirirás una serie de artefactos, como banderines o pins, para celebrar el prestigio de tu casa. En este libro, explorarás la Sala Común, conocerás al Fantasma de la Casa y se te presentará a famosos Ravenclaw del pasado y del presente. También adquirirás una serie de objetos de la casa, como la Diadema de Ravenclaw o un emblema de Ravenclaw bordado. HARRY POTTER: RAVENCLAW MAGIC incluye: - Más de una docena de espléndidos artefactos, como un banderín, un emblema bordado y facsímiles de accesorios oficiales, como la lista de posesiones perdidas de Luna Lovegood. - Artículos de papelería con temática de la casa, como un marcapáginas de Ravenclaw, notas adhesivas con forma de cuervo, pegatinas de la casa y un cuaderno y un lápiz de Ravenclaw. - Datos y opiniones sobre las películas de Harry Potter, incluidas las reflexiones de Daniel Radcliffe y otros miembros del reparto y el equipo técnico. - Impresionantes fotografías del decorado y arte conceptual.
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Cómo dibujar vampiros en sencillos pasos
Nueva guía paso a paso para crear grandes dibujosFantástica colección de vampiros para todo aquel que quiera aprender adibujar muertos vivientes. Dinámicas, oscuras, carismáticas… estascriaturas toman cuerpo en sencillos pasos con simples formas inicialesque dan lugar a convincentes figuras de fantasía. Desde el estilo mangahasta el cómic, este libro dará la clave para dibujar fantásticasimágenes al gusto de cada uno.Incluye una amplia selección de vampiros y vampiresas de distintosestilos, unos aterradores y otros atractivos, y para añadir atmósferasamenazadoras, se pueden completar con murciélagos, lápidas y castillosen algunos dibujos. Un fondo apropiado puede mejorar considerablementeun personaje y no tiene por qué ser complicado.
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Figuras Fabulosas
Divertida técnica para disfrutar creando fantásticas figuras Jane Davenport, autora de reconocida fama mundial como artista del mix-media, ha desarrollado un sistema único que denomina Líneas de corazón. Se trata de un enfoque muy fácil de recordar
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La dimensión imposible
Una reflexión sobre la existencia de una arquitectura compleja, ambigua, equívoca, el espacio arquitectónico visto desde lo sensorial, lo perceptivo o lo atmosférico.La dimensión imposible reivindica el papel activo del arquitecto como un sintetizador capaz de transformar, cambiar o anular las reglas impuestas por el propio contexto para alterar perceptivamente elementos propios de la arquitectura, tratando de jugar con la realidad del usuario-espectador. Una arquitectura en la que no nos importa tanto qué forma tiene, qué volumen posee o qué pesa, sino cómo pasa a entenderse en su relación con el medio o cómo es capaz de generar ambientes de alta intensidad que posibiliten una rica y densa vinculación entre el sujeto y el espacio.La dimensión imposible también defiende la existencia de una arquitectura compleja, ambigua, equívoca. Una arquitectura donde proyectar se convierte en un proceso abierto en el que todas las partes conviven en un conjunto dotado y potenciado por las experiencias, los entornos y los significados que la rodean. Una arquitectura capaz de establecer nuevas leyes perceptivas que despierten nuestros sentidos y nos permitan aproximarnos al objeto y al espacio arquitectónico desde visiones que tienen que ver con lo sensorial, lo perceptivo o lo atmosférico.Esto es, lo imposible superpuesto a lo visible.
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Pero... ¡en qué país vivimos!
Los profundos e interesantes cambios de la sociedad española en el siglo XX vistos a través de las películas que nos han marcado. Una celebración del cine y la cultura popular española.El trasfondo de un país de la complejidad de España ha sido objeto de apasionados debates que arreciaron durante el zarandeado siglo XX, cuando se lo consideró un «enigma histórico», un «laberinto» o algo «invertebrado». Pero bajo tantos quiebros identitarios aún podían reconocerse continuidades tan llamativas como la vitalidad de su cultura popular, incluso tras la llegada del cine, que la rearticuló de abajo arriba, asistido por la industrialización del ocio y el consumo de masas. A la altura de los años sesenta del pasado siglo, las mutaciones eran de tal calibre que lo popular se había convertido en pop, estableciendo un nuevo pacto que la llegada de la democracia tradujo dos décadas después en productos tan inclasificables como las películas de Almodóvar. Un realizador que tras su audaz vanguardismo terminaría mostrando un hondo enraizamiento en tradiciones de tanto recorrido como el sainete, ya actualizado en la filmografía de Berlanga. No son los únicos ejemplos de ese sustrato autóctono atendidos por este libro. En sus páginas se narran muchos otros, trazando una crónica dramática o desenfadada, siempre fascinante de sus aspectos más insólitos o significativos. Se exploran así nuevas perspectivas sobre el cine, la intrahistoria española y su vida cotidiana, revelando sorprendentes atavismos agazapados en nuestro irreductible imaginario colectivo.
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Los no llamados por su nombre: Matthias Grünewald, el pintor
Meister Mathis, Mathis Grün de Eisenach, Mathis Godhart (o Gothardt) Nithart (o Nithardt), Matthias Grünewald, el pintor (y también, quizá, el ingeniero, el fabricante de jabones, el conocedor de alquimias) son algunas de las señales que han velado y velan todavía al hombre que pintó el imponente Retablo de Isenheim a principios del siglo, en una Europa diezmada por la pobreza, la guerra y la peste, en la que tronaban las revueltas de campesinos, el comercio de bulas era moneda corriente y la Reforma echaba a andar. El políptico, con sus escenas sucesivas, estaba destinado a causar el estremecimiento de los enfermos que acudían en río al hospital que los antonianos habían abierto en Isenheim: detenerse ante el cuerpo retorcido y masacrado de la Crucifixión, la música angélica de la Natividad, un san Antonio tentado y vejado, o el triunfo de la Resurrección debía propiciar la curación a sus males –las fiebres y la lepra, el fuego de san Antonio, la sífilis, la epilepsia–. Aquella primera conmoción, tras siglos de oscuridad en los que se multiplicaron los supuestos nombres del pintor y se difuminó su rastro en los archivos, rebrotó en los pinceles de los expresionistas, en una Alemania que tejía nuevos sudarios. Ramón Andrés recorre el retablo y nos acompaña por sus detalles, nos anima a escuchar su música y traza el meridiano que lo une a nuestro tiempo, en un ejercicio de la mirada que es también amor a la lentitud del paseo y de la lectura.
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El tercer hombre
El tercer hombre (1949), de Carol Reed, es el mítico largometraje cuya génesis lleva la firma de Graham Greene, un proyecto que era, en sus inicios, un tratamiento de libreto cinematográfico, que después fue un guion completo y, finalmente, una novela. En una entrevista radiofónica, Greene consideró este trabajo como mero entretenimiento, “,una excitante historia de acción”,. El tiempo y las dimensiones del filme la han convertido en una de las mejores películas de todos los tiempos, un artefacto perfecto y una historia inolvidable de amor, traición y redención en el despiadado trasfondo de la posguerra europea en la ciudad de Viena. Para celebrar sus setenta y cinco años, los catorce autores y autoras reunidos en este volumen analizan desde su visión personal el misterio y la trascendencia de la que es, sin lugar a dudas, una de las cumbres, no solo de la historia del cine, sino de la creación artística universal.
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Jonathan Becker: Lost time
A lo largo de cinco décadas, Jonathan Becker ha producido un conjunto de trabajos fotográficos evocadores que documentan la vida de la alta sociedad del siglo XX.Protegido del legendario fotógrafo Brassaï y colaborador de Vanity Fair desde hace mucho tiempo, el trabajo de Becker proporciona un vínculo entre la fotografía artística y la noción del fotógrafo como observador social.Esta impresionante colección, que reúne trabajos personales y por encargo, presenta más de 200 imágenes de toda la carrera de Becker y traza sus viajes por Nueva York, París, Londres y Buenos Aires desde la década de 1970 hasta la de 2010. Los retratos de los artistas Ed Ruscha y Cindy Sherman, los escritores Arthur Miller y Eudora Welty, los músicos David Bowie y Mick Jagger y otros revelan el ojo excepcional y las astutas observaciones sociológicas de Becker.La monografía incluye un texto introductorio del editor del libro, Mark Holborn, junto con un texto narrativo de Becker sobre su vida, viajes y encuentros con algunas de las figuras más conocidas del siglo XX.Incluye retratos de: Peter Beard, Su Alteza Real el Rey Carlos III, Fran Lebowitz, Robert Mapplethorpe, Arthur Miller, Jackie O., Gwyneth Paltrow, Cindy Sherman, André Leon Talley, François Truffaut, Gloria Vanderbilt, Gore Vidal, Diana Vreeland , Andy Warhol y muchos más.
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Imágenes que se escriben
Arquitectura, promptografía, imágenes y formas de percepción, un ensayo sobre su evolución y la irrupción de la IA en este territorio.Este ensayo aborda los primeros intercambios entre la arquitectura y la promptografía, o las imágenes generadas por medio de la inteligencia artificial. En el marco de esta tecnología, la arquitectura se abre a nuevas formas de percepción que entrelazan la escritura con la visualización, la memoria con las bases de datos globales o la creatividad con el descontrol. Estas y otras cuestiones constituyen los puntos cardinales de un texto en el que Lluis Juan Liñán se adentra en las propuestas creativas que se adivinan con la aplicación de la IA a la imaginación arquitectónica.
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Henry Hobson Richardson
La primera publicación en profundidad de dibujos que revelan el genio creativo de H. H. Richardson, el mayor arquitecto americano del siglo XIX.El tesoro de 4.000 dibujos, conservados desde la muerte de Richardson, ha permanecido en gran medida inédito hasta ahora. Este nuevo libro abarca obras maestras como la Trinity Church en Boston, MA (votada como el ''edificio más hermoso de Estados Unidos'' en 1885), el tribunal y la cárcel del condado de Allegheny en Pittsburgh, PA, el Ames Gate Lodge en Easton, MA, Glessner House y Marshall Field Wholesale Store en Chicago, IL, y muchos más.El libro hace una importante contribución para el estudio de Richardson a través de bocetos, representaciones y planos inéditos de más de 50 proyectos, incluidas casas de campo y de ciudad, iglesias, bibliotecas, estaciones de ferrocarril y edificios municipales. El texto complementario incluye un ensayo que analiza la vida y carrera de Richardson escrito por James F. O'Gorman, el principal estudioso de su obra, que proporciona contexto a los dibujos, junto con ensayos adicionales que analizan la organización del estudio de Richardson en Brookline, MA. y su enfoque personal hacia una amplia red de clientes, así como una descripción general del archivo Richardson en Harvard.Con su selección curada de 450 dibujos, meticulosamente reproducidos para revelar el proceso de diseño y la mano del arquitecto, este libro es una exploración del trabajo de Richardson que ejerció una influencia global en el nacimiento del modernismo.
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Llibre sobre joiería contemporánia. 35 joies d'una col·lecció privadaLa joieria contemporània està cada cop més ben representada a les col·leccions de museus d’art i disseny d’arreu del món. Tot i que aquestes institucions digitalitzen parcialment les seves col·leccions per fer-les accessibles a escala mundial, no sempre és tan evident que es puguin trobar joies contemporànies a les seves exposicions públiques permanents. Per aquest motiu, l’exposició d’obres mestres dels anys 80 als 90 a la Hannah Gallery ofereix una oportunitat valuosa per conèixer d’una manera inusualment propera l’època més emblemàtica de la joieria europea contemporània. L’exposició aplega 35 obres de una col·lecció privada.
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Paul Durand-Ruel y los últimos destellos de impresionismo
La publicación aborda la relación que el célebre marchante de arte parisino Paul Durand-Ruel estableció con los pintores postimpresionistas Henry Moret, Maxime Maufra, Gustave Loiseau, Georges d’Espagnat y Albert Andrè, con los que firmó un contrato de exclusividad «moral» y a los que protegió a lo largo de toda su trayectoria artística, tanto desde su galería parisina de la Rue Lafitte como desde la que abrió más tarde en Nueva York. La publicación cuenta con textos de su comisaria, Claire Durand-Ruel Snollaerts y Dominique Lobstein, así como con las biografías realizadas por la propia Claire, además de por Flavie Durand-Ruel Mouraux, Jean-Dominique Jacquemond, Christophe Duvivier, Guillaume Ambroise y Caroline Durand-Ruel Godfroy que clarifican la trayectoria de los mencionados pintores, así como el desarrollo de la escena artística en Francia durante uno de los periodos más fecundos de la historia del arte universal.
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Great women sculptors
Una celebración de más de 300 escultoras innovadoras que examina 500 años de ingenio creativo de todo el mundo.Al presentar una historia de la escultura más amplia e inclusiva, Great Women Sculptors examina el trabajo de más de 300 artistas pioneras de más de 60 países, abarcando 500 años desde el Renacimiento hasta la actualidad.Organizado alfabéticamente, cada artista está representado por una imagen y un texto recién encargado. Esta amplia encuesta defiende a las escultoras más conocidas de la historia del arte junto con las estrellas en ascenso de la actualidad.Desde nombres más reconocibles como Camille Claudel, Gego, Barbara Hepworth y Yayoi Kusama hasta algunos de las artistas contemporáneas más importantes de la actualidad, como Huma Bhaba, Mona Hatoum y Simone Leigh, este libro muestra 500 años de creatividad escultórica en un libro accesible y visualmente impresionante volumen.
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Ombligo
En el sexto libro de la colección Esto es un cuerpo, hemos vuelto a palpar la cicatriz a través de diálogos entre fotógrafas y escritoras sobre lo que implica tener ombligo (o no tenerlo): hablaremos sobre las reliquias corporales, maternidad, relaciones entre madres e hijas, un ombligo premonitorio, la identidad, sobre creernos el epicentro del mundo... ¡Incluso hablará una pelusa que habita en el ombligo de una adolescente!
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The definitive history of this groundbreaking record label, founded in 1947 in New York by Ahmet Ertegun and Herb Abramson, features Ray Charles, Aretha Franklin, Otis Redding, Led Zeppelin, the Rolling Stones, Stevie Nicks, Coldplay, Bruno Mars, Lizzo, and countless other music legends, shot by many of the greatest music photographers of all time.
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La publicació dels resultats del VI Seminari d’Humanitats i Cultura Visual de la Universitat Autònoma de Barcelona, centrat en el teatre i les muses.
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Castillos y fortalezas
Los secretos de los castillos, fortalezas y atalayas más importantes de España, estructuras que fueron fundamentales para la defensa del territorio y que sirvieron como centros de poder durante la época medieval. Un libro mediante el cual descubriremos cómo estas construcciones no solo cumplían funciones militares, sino que también actuaban como residencias y símbolos de autoridad. Elaborado por especialistas de la Asociación Española de Amigos de los Castillos, este libro examina construcciones emblemáticas desde Pontevedra hasta Mallorca, pasando por Madrid, Murcia, Huesca o Castellón. Desde el Alcázar de Segovia hasta la Alhambra de Granada, o joyas menos conocidas como los castillos de Loarre, Olite y Baños de la Encina. Conoceremos sus características arquitectónicas, su función defensiva y su papel histórico. A través de descripciones detalladas, fotografías y documentación histórica, Castillos y fortalezas nos permite entender cómo se construyeron estas fortificaciones, para qué se utilizaban y qué papel jugaron en la historia de España. Gracias a una combinación de información técnica sobre arquitectura militar medieval con datos históricos relevantes, obtendremos una visión práctica y accesible de estos monumentos que hoy forman parte esencial de nuestro patrimonio cultural y son destinos turísticos de primer orden.
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Otro sinónimo de monstruosos puentes en las autopistas y decrépitos muros abandonados, el hormigón está viviendo un resurgir en el que es considerado intrépido y sexi. Esta edición resaltan las minuciosas proezas y prodigiosas obras de ingeniería de cuanto se ha construido en hormigón durante los últimos años, e incluyen trabajos de arquitectos consagrados como Tadao Ando y Herzog & de Meuron y también de estudios recién creados como el de los rusos SPEECH.
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Rembrandt. Obra pictórica completa
El Siglo de Oro de la pintura neerlandesa engendró algunos de los mejores artistas y artesanos de la historia, pero pocos pueden presumir del genio y el legado de Rembrandt Harmensz. Van Rijn (1606-1669). A pesar de no haber salido nunca de su Holanda natal, Rembrandt elevó su obra más allá de los límites de su propia experiencia, y creó algunas de las obras de arte más variadas e impactantes, ya fueran retratos, escenas bíblicas y alegóricas, paisajes u obras de género. Cualquiera que sea el formato, las pinturas de Rembrandt están tejidas de sutilezas: cada arruga en el rostro, cada mirada o rasgo transmite un poder emocional sin igual entre sus contemporáneos y discípulos.Cada obra está imbuida de humanidad. Las escenas bíblicas, como El baño de Betsabé, se convierten en una vía de reflexión sobre el anhelo y el alma humana, y van más allá de lo que canonizan las escrituras o se muestra en otras representaciones. Sus retratos, ya sean de mecenas o comerciantes adinerados, comunican la esencia del individuo por medio de delicados rasgos distintivos, con sus rostros bañados en una luz etérea sobre fondos de tonos terrosos. Tal vez lo más sorprendente de su serie de autorretratos sea el propio triunfo de este formato o género. Rembrandt comenzó a pintarlos en su juventud y siguió haciéndolo hasta un año antes de su muerte, y gracias a ellos se observa el proceso introspectivo que lo acompañó toda su vida.Esta monografía tamaño XL reúne las 330 pinturas de Rembrandt Harmenszoon van Rijn en exquisitas reproducciones. El presente volumen muestra la obra pictórica de Rembrandt como nunca antes, desde El festín de Baltasar hasta la Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp.
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Rey de gatos: Narraciones antropófagas: 2
Este volumen de cuentos supuso un antes y un después en la narrativa deConcha Alós, se convirtió en un reto de superación estética paraella,deudor del proceso de renovación formal iniciado por LuisMartín-Santosen Tiempo de silencio, de la narrativa de Kafka, y también, por quéno,del emergente realismo mágico. Concha Alós podría haber sido miembrodepleno derecho de la denominada generación del medio siglo, acompañandoaautoras como Carmen Laforet, Ana María Matute o Carmen Martín Gaite,pero tejió su camino al margen de generaciones, corrientes, de ilustresexiliados en una Barcelona cosmopolita que no era la suya. Marcó sustiempos y eligió, sin influencia de modas ni cánones, cuándo habíallegado el momento de hacer hablar a sus protagonistas, de dar paso a lafantasía, eje central de Rey de gatos.En estos relatos, con una fuerte carga psicoanalítica y una prosaenvolvente, casi psicodélica, conviven «fantasmas y diablos ocultos dela subconsciencia», y se proporciona una perspectiva nueva e inquietantede la realidad de la mujer, vista desde dentro, no desde fuera. Graciasa la experimentación, el mensaje se potencia. Se recrudece la críticaalpatriarcado, el erotismo se multiplica, se contrasta el pasado con unfuturo que no llega. Alós logra que dialoguen las dos personalidadespresentes en sus protagonistas, la «bestia» y la sumisa. Deseaba quecada mujer pudiera ver más allá de su pequeña isla y decidir, por sísola, si se aventuraba a salir de ella.El olvido de esta autora en el mundo editorial español es flagrante,másaún si tenemos en cuenta que autoras que en la actualidad gozanmerecidamente del favor del público y la crítica como MarianaEnríquez oAngela Carter, se mueven en similares coordenadas estilísticas ytemáticas que la propia Concha Alós, quien sufrió el desdén de lacrítica y la purga de la censura, pues se atrevió a dar voz a quienespor entonces estaban silenciados.
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Respeto por la interpretación
En Respeto por la interpretación, un clásico de la pedagogía teatral desde su publicación en 1973, Uta Hagen se sirve de las obras que interpretó para ilustrarsus principios sobre el arte y el oficio de la interpretación. Se dirige en todo momento al potencial actor de tú a tú, descifrando con él, a través de ejercicios y trabajos preparatorios, las claves de su técnica de la «sustitución», es decir, la identificación con experiencias emocionales y sensoriales que guíen al intérprete hasta conseguir una actuación interiorizada
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The Libyan Crossroads
Reportaje fotográfico y las historias humanas que haydetrás que ilustran el pasaje mortal a Europa para numerosos refugiados y migrantes: el sufrimiento y laresistencia en todo ese periplo.* Desde Libia y sus centros de detención, pasando por la travesía imposible por el Mediterráneo central rumbo a Europa, hasta la situación extrema de un país devastado por las tresguerras que ha sufrido desde 2011.* Se muestran en contexto los países de origen de los refugiados y migrantes, de dónde proceden las personas que viajan hasta Libia, sus motivaciones, lo que les empuja a abandonar sus países jugándose la vida, todo ello a travésde diferentes rutas.AUTORRicardo Garcia Vilanova es un vídeo y fotorreportero español, residente en Barcelona, que lleva más de quince años trabajando como fotoperiodista, especializado en zonas de conflicto y crisis humanitarias. Su obra más reciente incluye las Primaveras Árabes (desde 2011), las guerras de Siria,Iraq, Libia, Afganistán, Gaza, Yemen, República Centroafricana, Nigeria, Chad, Haití, Líbano, Egipto, Túnez, Bangladés, entre otras. Su trabajo se ha pub
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Cine cómico español 1950 - 1961
Recorrido y análisis de una de las aportaciones capitales del cine español, la comedia de los años cincuenta, en la que destacaron dos variantes con especial intensidad,la comedia negra, a la que se deben títulos como Bienvenido, Mister Marshall, Esa par
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El ojo espejo
¿Qué es un comisario de arte? Una aproximación lúdica y divulgativa a partir de la vida y la obra de algunos de los artistas más destacados del siglo XX. Si como decía Joseph Beuys todo el mundo es artista, ¿también todo el mundo es curator? ¿Qué es un curator, un comisario de exposiciones? ¿El comisario es un autor? ¿Y qué tipo de autor es?David G. Torrres, profesor y comisario, propone diversos recorridos por el arte contemporáneo desde el advenimiento de la modernidad en un libro ameno y sugerente en forma de collage de historias e itinerarios. Y desvela que tal vez todos han sido comisarios.En sus páginas van asomando Baudelaire el paseante de la ciudad, Marcel Duchamp frente a Picasso, Joseph Beuys desnudo en una playa africana, Michel Foucault consumiendo LSD en el Death Valley, Guy Debord el visionario alcoholizado, un Pollock enfadadísimo y Niki de Saint Phalle disparando alegremente a sus pinturas, el rostro siniestro de Carl Andre frente a Ana Mendieta, Carolee Schneemann, Marjorie Strider, Tracey Emin, Chiara Fumai y un Francis Bacon que dijo aquello de que pintar es una forma de comunicarse y una forma de hacer amigos a través del tiempo y el espacio.
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Teatro de objetos documentales
Al abrir este libro se inicia una travesía fascinante por el mundo de los objetos que nos acompañan, objetos que son testigos de acontecimientos, objetos infraleves y contraobjetos, objetos heredados, encontrados azarosamente, perdidos o desaparecidos, objetos que circulan entre lo individual y colectivo, a lo largo de generaciones múltiples, entre la vida, la muerte, las memorias. Shaday Larios, una de las investigadoras mejor acreditadas en este campo, explora el tránsito velado de los objetos hacia su cualidad de «documentos», que evidencian tiempos situados y singularizan vidas. Y lo hace a través de lo poético, la práctica, la experiencia pedagógica tras años de investigación. Teatro de objetos documentales (TOD) es un apasionado ensayo, además de un manual abundante en testimonios, que ha sabido nutrirse de la antropología, la filosofía, la literatura, la crítica cultural, la historia del arte y las artes visuales, para imaginar y documentar el lenguaje oculto de los objetos que nos conviven.
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El efecto Sherlock Holmes
Este libro tiene forma de díptico. En primer lugar, Victor Stoichita escribe sobre la pintura impresionista, verdadera revolución frente a los tradicionales hábitos pictóricos. Y en segundo lugar, se propone el análisis de tres films que tienen como tema principal la intriga visual. Entre ambos mundos se establecen diferencias y se tejen correspondencias. La simetría es compleja, dado que la irrupción de la mirada fotográfica se cruza con la experiencia pictórica del siglo XIX y confluye en la cinematográfica del siglo XX. El propósito del autor es ofrecer, en la interacción de pintura, fotografía y cine, un cuadro coherente, aunque matizado, del papel que el arte desempeña en la construcción de nuestra percepción del mundo.
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