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Llibres d'Art, Cinema i Música
T'apassiona el setè art? Tot el que té a veure amb la cultura? Si la resposta és sí, no et pots perdre la nostra gran selecció de llibres d'art, cinema i música. Compra llibres d'art, cinema i música online. En aquesta secció disposem d'una àmplia selecció de llibres d'art, cinema i música en diferents formats i en múltiples idiomes. Hi trobaràs lectures sobre diferents disciplines artístiques com interpretació, entre altres, sobre sèries de televisió i pel·lícules com Harry Potter, Joc de Trons, Star Wars o Stranger Things i sobre la història de cantants i grups de música com ara Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre molts altres.
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Gabriel de la Mora: La Petite Mort (edición español)
La Petite Mort se adentra en la atracción por las superficies de las obras de de la Mora y va más allá de ellas para explorar los impulsos y deseos inconscientes que han sido un tema constante en la práctica del artista.Su meticuloso proceso de recopilación, catalogación y ensamblaje de fragmentos redefine los límites entre el dibujo, la pintura y la escultura.Acompañando la exposición Gabriel de la Mora: La Petite Mort, esta edición incluye una lectura en profundidad de la obra del artista a cargo del curador Tobias Ostrander, junto con ensayos comisionados especialmente de la historiadora del arte María Minera y del escritor y poeta Pablo Soler Frost, cada uno reflexiona sobre aspectos de la muerte, el erotismo y la transformación en la práctica de de la Mora. Este volumen ilustra más de 80 obras del artista producidas a lo largo de los últimos 25 años. Numerosos detalles muestran la precisión y el atractivo de sus composiciones, que emplean materiales como cabello humano, fragmentos de cáscaras de huevo, alas de mariposa y obsidiana.
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Pretérito perfecto. Patrimonio continuo
Esta es una publicación que habla de modos de hacer arquitectura, de cómo los arquitectos y las arquitectas se posicionan en el mundo contemporáneo. La actitud de amanncanovasmaruri referida al patrimonio obsoleto parte del concepto de la intervención. No son restauradores sino arquitectos que apuestan por la arquitectura contemporánea como instrumento para conferir un valor complementario a las estructuras antiguas. Desde esa premisa, su trabajo en patrimonio tiene un carácter contextual, es decir, cada problema tiene una solución específica, una posición que alguien podría definir como ecléctica, aunque esa definición se remita a condiciones formales y a entender el proyecto como una afirmación personal de estilo. En este caso, el de amanncanovasmaruri, el proyecto se entiende como un instrumento de resolución propositiva, es decir, como un mecanismo que propicia un avance de la arquitectura como disciplina y que de manera específica ofrece un servicio contemporáneo a la sociedad a la que se sirve. La arquitectura es para ellos y en esencia un compromiso social.
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El solfeo en cinco minutos al día
Descubre el solfeo de forma fácil, rápida y sin complicaciones. Este manual pedagógico propone un método progresivo basado en breves sesiones de solo cinco minutos al día, perfectas para integrar el aprendizaje musical en tu rutina diaria. A través de explicaciones claras, ejemplos musicales y ejercicios prácticos cuidadosamente diseñados, aprenderás paso a paso los fundamentos esenciales de la lectura musical: la clave de sol, las escalas, los intervalos y los ritmos. Gracias a su enfoque dinámico y accesible, irás ganando confianza y soltura casi sin darte cuenta. Muy pronto, las partituras dejarán de ser un misterio y se convertirán en un lenguaje familiar que podrás leer, comprender y disfrutar. Tanto si empiezas desde cero como si quieres reforzar tus conocimientos, este libro será tu compañero ideal para abrir las puertas del mundo de la música, dedicándole el mismo tiempo que tardas en beberte un zumo.
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Desde el final de la Segunda Guerra Mundial hasta mediados de la década de 1960, sucedieron cosas fascinantes en la arquitectura estadounidense. Los talentos emergentes se centraban en proyectos innovadores que combinaban un diseño moderno con materiales de bajo coste. La expresión más destacada de esta tendencia fue el famoso programa Case Study House, que proponía modelos de vivienda para el mundo moderno con el patrocinio de la principal revista estadounidense de la época, Arts & Architecture.En 2008, TASCHEN publicó en edición limitada el facsímil completo de la ambiciosa e innovadora Arts & Architecture. Esta nueva edición, dirigida y producida por Benedikt Taschen, reúne lo más destacado de la revista entre 1955 y 1959 con el foco puesto en la arquitectura estadounidense de mediados de siglo y los modernistas californianos como Pierre Koenig, Craig Ellwood y Richard Neutra.Un homenaje a una publicación comprometida política, social y culturalmente que es también un testimonio de una de las épocas más singulares e influyentes de la historia de la arquitectura en Estados Unidos.
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Lo intangible en la arquitectura
A partir de la materia sólida, compacta y absolutamente opaca comenzó a revelarse el espacio inmaterial, intangible y transparente.«[…] las obras de Arquitectura, tanto las del pasado como las del presente, no son redundantes, no gritan para llamar la atención, ni vienen al mundo a crear o seguir modas. Ellas, sin la presunción de ser indestructibles, aspiran a perdurar en el tiempo, porque fueron construidas no sólo para acoger a los hombres, sino también para acoger la memoria de su pasado y hacerlo tangiblemente presente en su conciencia. Obras que envejecen cuanto más maravillan: no sólo en el corazón de los arquitectos, sino también en el de toda persona sensible al milagro de las piedras. Estas han permanecido quietas durante siglos donde las hábiles manos de los antiguos canteros y albañiles sabían cortarlas a la perfección, fijándolas firmemente entre sí. De esa fijeza inmóvil surgió el espacio en el que el fervor de la vida, el movimiento incesante de los cuerpos, el fluir de los acontecimientos, la existencia humana con todo lo que hay en ella de predecible e impredecible aún hoy encuentra la manera de manifestarse. A partir de esa materia sólida, compacta y absolutamente opaca comenzó a revelarse el espacio inmaterial, intangible y transparente dentro del cual sólo al ser humano se le da la posibilidad de vivir».«¿Cómo es posible entonces no tener fe en la Arquitectura? ¿No seguir asombrados por el prodigio silencioso que hace nacer lo intangible a partir de lo tangible y que desde la perfecta inmovilidad crea las condiciones más adecuadas para dar cabida al perenne movimiento en el que está involucrada la vida de los hombres?».
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Las risas del arte
La dimensión humorística del arte es un territorio enigmático y sorprendente, repleto de interesantes paradojas: la risa es efímera pero convive con la eternidad de la obra, puede ser un signo de alegría, pero también de sufrimiento, y encuentra su espacio incluso en los museos más solemnes, donde el humor parece estar proscrito. Carlos Reyero rastrea la viva presencia de la risa en el arte occidental -especialmente en la pintura- desde el Renacimiento hasta principios del siglo XX, invitándonos a descubrir un fascinante juego de complicidades que une a artistas y espectadores a través del tiempo. El autor muestra cómo la risa puede ser tanto un mecanismo de crítica social y desafío al poder como un reflejo de tensiones culturales y subjetividades cambiantes. A partir de un sinfín de ejemplos artísticos, aborda temas como la sátira política, la parodia, el carnaval y la inversión de roles, lo pretencioso y lo cursi o el humor escatológico y sexual, destacando siempre el papel del contexto y la mirada del público. Este libro es una sugestiva contribución a la comprensión no solo de la risa artística sino también de lo cómico en general. Y es, además, una reivindicación convincente del humor como eje fundamental de la historia del arte, capaz de revelar contradicciones y complejidades de la experiencia humana.
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De la idea al arquetipo
Este libro recoge una serie de reflexiones que dan soporte teórico a una propuesta de aprendizaje del proyecto de arquitectura.Este libro recoge una serie de reflexiones que dan soporte teórico a una propuesta de aprendizaje del proyecto de arquitectura, basada en la asunción visual de la arquitectura moderna como modo de identificar sus valores y sus criterios, su consistencia formal y su sentido histórico. Propongo plantear el aprendizaje del proyecto como una (re)construcción de materiales de la arquitectura, guiada por criterios extraídos de las propias obras sobre las que se actúa. Tomar conciencia de la noción de material de arquitectura permite vislumbrar el auténtico cometido ordenador del proyecto, ayuda a recuperar un proceso formador en el que la autenticidad de la estructura, es decir, la originalidad de la forma, en sentido estricto, es el criterio determinante de la concepción.No es un planteamiento extravagante orientado a una minoría de arquitectos «nacidos para la gloria»: se trata, por el contrario, de aprovechar la experiencia y el sentido común para lograr un aprendizaje real, evitando tanto el estilismo abstracto como el conceptualismo insensible. Supone, en definitiva, la asunción de la historia como ámbito específico del progreso estético y técnico de la arquitectura, alejado de cualquier determinismo del mercado, aunque atento a las oscilaciones del gusto. En definitiva, De la idea al arquetipo supone la incorporación de la noción de arquetipo como embrión formal de edificios, previo a cualquier convención social o funcional, que basa su condición de universalidad en la estabilidad y potencia de las relaciones que lo vertebran. Un sistema didáctico alternativo al que, más por inercia que por convicción, se viene aplicando en la mayoría de escuelas de arquitectura.
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Revive las fantásticas aventuras de Rick y Morty, en esta ocasión, a través de sus figuras Funko Dorbz. Se trata de la adorable figura del perro más listo del universo Rick y Morty, el entrañable Snowball. ¡Si eres fan de Rick y Morty no puede faltarte en tu colección!
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Los viajes del arte
Un compendio de la reflexión de Rancière sobre las distintas facetas de la creación humana.El momento en que el arte se identificó como una esfera autónoma de experiencia y se instaló en museos y salas de conciertos fue también el momento en que surgió la necesidad de que saliera de sí mismo, de que se convirtiera en algo distinto del arte.La música ha pretendido ser algo más que el arte del músico: el lenguaje de la mente o el drama del futuro. La arquitectura quiso construir no sólo edificios, sino un mundo nuevo, y para ello buscó surcar los cielos. Los artistas revolucionarios decidieron crear no sólo cuadros, sino las formas de una nueva vida. Y las performances e instalaciones del arte contemporáneo se sitúan en la indecisa frontera entre el interior y el exterior, entre el arte y la política.Al seguir algunos de estos viajes, Jacques Rancière muestra también cómo los viejos maestros, Kant y Hegel, nos ayudan a comprender sus desvíos.
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El cuerpo nazi. El cuerpo contenido
Ochenta años después del fin del nazismo, las imágenes que construyeron su imaginario siguen ayudándonos a entender cómo el poder moldea los cuerpos y las identidades. El nacionalsocialismo convirtió el cuerpo en un elemento central de su proyecto político y social. Durante aquel periodo, la imagen —y muy especialmente el cine— actuó como un instrumento decisivo para moldear identidades individuales y colectivas. En el encuentro entre estética y poder surge la noción de «cuerpo contenido» como clave interpretativa de la simbología nacionalsocialista: un cuerpo disciplinado y ajustado a los principios del régimen.La visión del cuerpo promovida por el nacionalsocialismo alcanzó su expresión más influyente en la obra cinematográfica de Leni Riefenstahl, en particular en sus películas El triunfo de la voluntad y Olimpiada. Sus innovaciones formales y narrativas contribuyeron a consolidar un «realismo idealista» que no solo dio soporte al imaginario nazi, sino que ha seguido proyectándose, de manera sutil pero persistente, en la estética contemporánea.«El cine de Leni Riefenstahl no solo documentó un régimen: creó una estética del cuerpo que contribuyó a convertir la ideología en espectáculo». (Nayra Sanz)
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El pintor Luis Castellanos (1915-1946)
Luis Castellanos (Madrid, 1915-1946) fue un pintor español involucrado en varios movimientos de vanguardia de las décadas de 1930 y 1940. Formó parte del grupo de Arte Constructivo del uruguayo Joaquín Torres García y, posteriormente, del colectivo impulsado por el pintor Benjamín Palencia y el escultor Alberto Sánchez conocido como Escuela de Vallecas.Con una formación personal y artística muy cercana a los presupuestos de la Institución Libre de Enseñanza, Castellanos transitó en su juventud por las expresiones de las distintas vanguardias europeas de principios del siglo XX, acercándose a las figuras del “arte nuevo” que acabarían delineando el devenir de la pintura en España.No obstante una vida pronto truncada por la tuberculosis, Castellanos acumuló una obra importante que se conserva hoy en día en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, así como en otros museos e instituciones públicas y privadas.
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Paisaje con perro rojo
Cuando un rico mecenas le pide al aventurero Hélias Dall que le traiga la escandalosa obra maestra de Courbet El origen del mundo, piensa inmediatamente en su amigo Paul Gauguin. En el pueblo de Pont-Aven, invadido por los artistas, Hélias encontrará a un Gauguin en plena revolución estética. La aventura de este misterioso cuadro irá urdiéndose en torno a este apasionante personaje.
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Tao te ching
«El Camino que puede describirse con claridad no es el Camino Inmutable. El nombre que puede pronunciarse en voz alta no es el Nombre Inmutable. Con la boca cerrada, dejando las cosas sin definir, te encuentras al principio del universo. Establece definiciones, y entonces eres la medida de toda creación».El Tao Te Ching es uno de los libros más influyentes de la historia de la humanidad. Este texto, del cual hay diversas versiones, es una recopilación de 81 pasajes escritos por el sabio Lao-Tzu/Laozi, aunque algunos historiadores dudan de su autoría. El título se podría traducir por «el Canon del Sendero y la Virtud» o, sencillamente, como «el Libro del Camino». El taoísmo es un antiguo sistema de filosofía y ética muy importante en Asia oriental, pero cuya influencia se extiende por todo el mundo y es evidente, aún hoy, en el arte, la literatura y la filosofía. Este sistema sirve para vivir en armonía con los ciclos de cambio y para tomar conciencia de nuestro lugar en la red de la vida. Las enseñanzas de los capítulos o secciones en que se divide el libro se ejemplifican en esta novela gráfica con situaciones cotidianas a las que se podrían aplicar, de forma que el lector puede ver representados los aprendizajes de Lao Tzu en una realidad que le es conocida.
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Domina tu cámara. Réflex o Mirrorless.
Si es la primera vez que manejas una cámara o llevas tiempo disparando y aún no te has atrevido con el modo manual, si quieres conseguir fotografías espectaculares... ¡Éste es el libro con el que podrás descubrir todos los secretos de tu cámara!El fotógrafo profesional Jaime de Diego te enseñará desde cero todo lo que necesitas para adentrarte en el mundo de la fotografía digital de manera práctica, clara y amena. No te perderás en ninguna explicación o concepto porque el autor te irá llevando foto a foto.Además, gracias a su formato de bolsillo, “Domina tu cámara réflex o mirrorless” podrá acompañarte allá donde vayas.Con este libro, comprobarás cómo la fotografía se convierte en un juego de niños, en poco tiempo harás de tu cámara una compañera inseparable. Disfrutarás fotografiando cualquier escena, experimentando y progresando en el maravilloso mundo de la fotografía digital.
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Un poderoso retrato de una comunidad en desaparición en Alejandría, Egipto, contado desde dentro.Combina fotografía, cartas personales y archivos para explorar la memoria y la pérdida.Esta publicación es el resultado del III Premi Mediterrani Albert Camus Incipiens, organizado por los Trobades & Premis Mediterranis Albert Camus de Menorca.Iniciado en 2016, el proyecto sigue -a través de la fotografía, archivos comunitarios, cartas manuscritas y testimonios- a los habitantes de Al-Max, un histórico barrio pesquero de Alejandría, Egipto, hoy amenazado por el desplazamiento. Mientras el desarrollo urbano borra su vida cotidiana y sus tradiciones, Mohamed Mahdy construye la obra junto a los propios residentes: las familias comparten archivos, escriben cartas de despedida antes de dejar sus hogares y participan en cómo se representan. El proyecto reflexiona sobre cómo la memoria, la identidad y el sentido de pertenencia perduran incluso cuando un lugar desaparece físicamente. El Premi Mediterrani Albert Camus Incipiens da voz a autores emergentes que encarnan la visión de Camus de ''dar voz a los que no la tienen''. En su tercera edición, el jurado -Mónica Allende, Carla Fibla y Tanya Habjouqa- seleccionó Here, the Doors Don't Know Me por el profundo compromiso de Mahdy con la comunidad, su narrativa visual innovadora y su sensibilidad al retratar historias compartidas.
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Delirios pragmáticos. Simulacros no solicitados
Este ensayo propone una visión de la arquitectura como motor cultural, capaz de anticipar y construir futuros. Sergio de Miguel ubica la disciplina en el cruce entre utopía y pragmatismo, mostrando cómo especulación y materialidad se pueden complementar. El simulacro, tratado como experimento metodológico, se vincula con una imaginación crítica que desafía lo establecido y proyecta nuevas posibilidades. A través de referentes como Hollein, Koolhaas y Bouman, la reflexión transita de los manifiestos a los laboratorios contemporáneos de anticipación, explorando cómo los imaginarios pueden concretarse en acciones ante los desafíos del presente.
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Aspiro al gran laberinto y otros pasajes
Experiencias: vivir, inventar, escribir. Para Hélio Oiticica no eran tres palabras sino manifestaciones de un mismo gesto, de una realidad única. Y así fue desde el principio, cuando comenzó con el Grupo Frente y participó en la Exposición Nacional de Arte Concreta de 1957, hasta el final de su vida, cuando no dejaba de llenar sus cuadernos con proyectos ni de transformar el espacio urbano con sus obras y su cuerpo en lo que llamó delirios ambulatorios. Fue esa obsesión con la escritura la que llevó a sus amigos Luciano Figueiredo, Lygia Pape y Waly Salomão a realizar una antología con sus textos, a la que dieron el hermoso título de Aspiro al gran laberinto. Carla Lombardo lo tradujo, le agregó otros de sus textos decisivos (otros pasajes) e incluyó ensayos críticos. Decir que Carla los tradujo es, de todos modos, decir poco, porque lo que el lector tiene entre manos es una notable recreación en castellano de sus asombrosos hallazgos verbales. No sólo con sus objetos Hélio transforma el espacio y nuestra relación con las cosas, con sus escritos, con los portmanteau que tanto le gustaban, con esos juegos de palabras que abren un mundo, nos arroja al laberinto como una apuesta de vida. Hélio Oiticica: vivir, inventar, escribir.
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Dibujos de Juan Conchillos Falcó (1641-1711). Catálogo razonado
Juan Conchillos Falcó (1641-1711) fue uno de los pintores más destacados de la escuela valenciana del Barroco. Al no haber gozado de una amplia proyección historiográfica, en la actualidad es una figura bastante desconocida para el público en general, pero uno de los objetivos de esta obra -junto al estudio y catalogación de su producción gráfica- es poner de manifiesto el importante papel que desempeñó en el proceso de renovación de la tradición pictórica valenciana a finales del siglo XVII. Esto fue posible gracias a una productiva estancia en Madrid, durante la cual frecuentó algunas academias allí establecidas y conoció las obras de grandes pintores del círculo cortesano. Según recordaba su amigo el pintor y tratadista Antonio Palomino (1655-1726), Conchillos regresó a su ciudad natal muy ejercitado en el arte de la pintura y del dibujo.
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Galería de arte. Frida Kahlo
* Una monografía cuidada sobre Frida Kahlo que ofrece una visión amplia de su vida y obra, no solo desde el punto de vista pictórico, sino también biográfico, contextual y simbólico. * Más de cincuenta de sus obras más emblemáticas y seis pinturas reproducidas en desplegables de gran formato para apreciar detalles, textura, colorido y composición. * Frida Kahlo, icono del arte mexicano, creó su propia leyenda y la plasmó tanto en el lienzo como en su vida cotidiana. «Nunca pinté mis sueños, solo pinté mi propia realidad», afirmó. El rostro de Frida, que pintó a lo largo de toda su corta vida, es uno de los más famosos de la historia del arte. Gravemente herida tras un terrible accidente, y consumida por su apasionada devoción por Diego Rivera, la artista trascendió su sufrimiento a través de la pintura. Con la fuerza de su pincel se enfrentó a sus tormentos para imponerse como mujer y pintora libre. En su estudio de la Casa Azul se liberó del yugo de las vanguardias europeas y de todos los códigos morales y artísticos, y creó una obra impregnada de su historia personal, sus ideales políticos y las tradiciones ancestrales mexicanas. Oscuridad y alegría, amor y violencia, sensualidad e impulso de muerte: su pintura se lee como un oxímoron que lo dice todo sobre la magnética personalidad de esta artista revolucionaria, una de las figuras más fascinantes y poderosas de la historia del arte del siglo xx.
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Te querré para siempre
La anatomía del fenómeno del k-pop, con su fulgurante cara visible pero también, y sobre todo, la parte más oscura, desconocida y a veces trágica. Un interesantísimo ensayo sobre la opresión de la sociedad, la importancia de los orígenes culturales y el lado oscuro de la industria musical coreana escrito con gran espontaneidad al mezclar episodios de la vida de la autora junto con sucesos reales vividos por los miembros de los grupos K-Pop. La obra presenta así un punto de vista que acerca al lector a los escondrijos de la gran revolución musical de nuestro siglo en un arriesgado e inteligente conjunto de ensayos reflexivos sobre las luces y sombras de la industria musical coreana, en una constante comparación con la vida de la autora a través de las experiencias reales de las grandes estrellas del K-Pop, desde H.O.T hasta BTS. La obra cuenta con una dedicatoria, un epígrafe, un prólogo especial dedicado y doce capítulos entremezclados con apartados especiales no enumerados. Cada capítulo está, a su vez, dividido en fragmentos dedicados a la vida personal de la autora y fragmentos en los que se narra las experiencias de los cantantes.
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Explore fifty extraordinary architect-designed homes that capture the spirit of summer.Summer Houses extends an exclusive invitation to the world's most stunning residential retreats. From mountain-top cabins and private island escapes to seaside sanctuaries and luxury beach bungalows, these remarkable homes celebrate mindful design, elemental materials, and the beauty of living in nature.Spanning 240 pages, this gorgeous global survey showcases work by the biggest names in contemporary architecture. Beautiful, large-scale interior and exterior photographs bring each project to life, revealing how open-air spaces, natural materials, and connections to the surrounding landscape can help evoke the feeling of summer year-round.With a design that reflects the essence of summer - light, water, lush foliage, and vibrant color - Summer Houses celebrates long days, outdoor living, and the carefree pleasures of our sunniest season.Featured architects include: Manuel Aires Mateus, Studio Arthur Casas, Tom Dixon, Steven Harris Architects, Adrian James Architects, Olson Kundig, LEVER Architecture, Studio mk27, NADAAA, Norm Architects, Atelier du Pont, Rees Roberts & Partners, Studio Saxe, Fran Silvestre Arquitectos, Walker Warner Architects, and Antonio Zaninovic.Featured destinations include: Australia, Argentina, the Bahamas, Brazil, Canada, Chile, Colombia, Costa Rica, Denmark, El Salvador, Estonia, France, Germany, Greece, Hungary, India, Italy, Mexico, the Netherlands, Nigeria, Norway, the Philippines, Portugal, Spain, Sweden, the United Arab Emirates, the UK, and the US.
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La Semana Santa en la literatura
La Semana Santa siempre ha sido un gran relato que Sevilla se cuenta cada año, como quien abre un libro que nunca termina del todo. Y, la verdad, pocas veces hemos mirado con calma cómo la literatura ha dado forma a ese relato, cómo lo ha sostenido y, además, lo ha reinventado siglo tras siglo. En La Semana Santa literaria, Eugenio J. Vega Geán nos guía por versos, crónicas, romances, novelas y pregones que han ido dibujando la fiesta mayor en la memoria cultural de la ciudad. Hay momentos en que casi vemos pasar una cofradía antigua entre líneas, otros en los que escuchamos el eco de quienes escribieron para salvar del olvido lo que vivieron. Este libro abre puertas a autores que imaginaron la Pasión, a viajeros fascinados, a románticos, modernos y voces contemporáneas que siguen narrando lo que Sevilla siente. Si quieres comprender la Semana Santa desde dentro —desde su emoción más íntima y desde la tradición que la sostiene—, este libro es una llave luminosa. Una invitación a mirar, a leer… y a dejar que la palabra también haga estación de penitencia.
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Manual del gestor de teatros
Este libro está concebido con la finalidad de servir de ayuda y orientación a quienes trabajan —o pretenden hacerlo en algún momento— en la gestión de un teatro, ya sea éste grande o pequeño, o, de un modo más amplio, de cualquier centro cultural o espacio destinado a las artes escénicas. Gonzalo Halty, desde su larga y exitosa experiencia en este campo, ofrece al lector un arsenal de herramientas que pueden adaptarse a diversos contextos y facilitar considerablemente la labor del gestor, siempre proclive a incidencias que no se dan en otros ámbitos y que requieren de una respuesta eficaz y profesionalizada. El resultado es un libro único, que combina de manera admirable los contenidos prácticos, lo útil, con el entusiasmo que conlleva la dedicación al teatro, un arte que hunde sus raíces en los albores de nuestra especie y que explora lo más recóndito y veraz de la naturaleza humana.
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The ultimate gift for gardeners and art-lovers, featuring 300 of the most beautiful and pioneering botanical images ever.Now available in a chic compact format, this visually stunning survey from Phaidon’s Explorer series celebrates the extraordinary beauty and diversity of plants. It combines photographs and cutting-edge micrograph scans with paintings, drawings, and prints, to bring this universally popular and captivating subject vividly to life. Carefully selected by an international panel of experts and arranged in a uniquely structured sequence to highlight thought-provoking contrasts and similarities, this stunning compilation of botanically themed images includes iconic work by celebrated artists, photographers, scientists, and botanical illustrators, as well as rare and previously unpublished images. Winner of the Council on Botanical and Horticultural Libraries 2025 Award of Excellence in Series, this is the perfect gift for every plant lover and gardener.
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Tàpies y yo. Una exégesis recíproca
Tàpies y yo: una exégesis recíproca es el resultado de la primera edición del Premio Internacional de Ensayo Gesto de ayer, pensamiento de hoy, impulsado en el marco de la colaboración entre el Museu Tàpies y la Cátedra Antoni Tàpies de Arte y Pensamiento Contemporáneos de la Universitat Pompeu Fabra.La antropóloga Rita Laura Segato, autora del ensayo, utiliza la experiencia acumulada en la su larga trayectoria como investigadora para proponer una aproximación inédita al legado del artista Antoni Tàpies.
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El legado olvidado de Gaudí
¿Sabías que un príncipe egipcio se instaló con su harén en La Pedrera? ¿O que Gaudí diseñó un sillón para la reina María Cristina, proyectó un edificio monumental para Tánger y construyó un refugio para ingenieros de minas que aún resiste en los Pirineos? Aunque es mundialmente venerado por su obra cumbre, la inacabada Sagrada Familia, lo que conocemos de Antoni Gaudí representa solo una fracción de su verdadero universo creativo. Su vasta y prolífica imaginación rebasó con creces el alcance de sus obras más populares. Este fascinante ensayo ilustrado rescata sus proyectos desconocidos más fabulosos y curiosas anécdotas relacionadas con su vida y obra. En sus páginas descubrirás diseños que jamás trascendieron el papel, monumentos que fueron destruidos y tesoros arquitectónicos olvidados que aún siguen en pie, testigos tangibles de un talento eterno que sigue desafiando al tiempo. Gaudí fue un genio que sublimó la arquitectura dotando a sus obras de alma propia. Este libro muestra su inagotable inventiva a través de proyectos ajenos al gran público: desde iglesias monumentales a estandartes, embarcaderos, piezas de delicado mobiliario y hasta un obelisco dedicado a su amigo, el obispo Josep Torras y Bages. Adéntrate en su inmenso imaginario y sigue el rastro de los dibujos, maquetas y audaces decisiones técnicas que dieron forma a algunas de sus creaciones ignotas más extraordinarias. Un viaje narrativo y visual imprescindible, de la mano del escritor y arquitecto Jorge Ibáñez, para redescubrir al artista más allá del mito. «Gaudí fue el arquitecto total, un visionario que desbordó los límites del modernismo. Este libro rescata las piezas olvidadas que completan la figura del gran maestro»
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Taxi Driver. El libro del 50 aniversario
En el 50 aniversario del film Taxi Driver, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: su gestación, el director, los actores y sus personajes, el estilo formal, la banda sonora... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Casa Fuster
Casa Fuster no es tan solo una joya arquitectónica del modernismo, sino que constituye el eje alrededor del cual se construye la historia de un conjunto de familias mallorquinas, descendientes de conversos, que, desde finales del siglo XIX y comienzos del XX, se desplazan a Cataluña, a la búsqueda de nuevos horizontes de convivencia, al tiempo que de familias catalanas que se integran en Mallorca a lo largo de la misma época. Tal historia nos invita a reflexionar sobre las diferencias sociales en la Mallorca de finales del XIX, y la lucha por tender puentes, desde la tan necesaria ''cultura del encuentro''. Como ha señalado Rosa Planas en su prólogo, «el lector recibe la impronta de lugares, momentos acciones, personas... es decir el material de la historia, a través de los ojos de un hombre de experiencia, de vida, de conocimiento, que ha sabido vivir a caballo entre varios mundos. No se trata de un canto de cisne, sino de un baile pacífico en un escenario separado por el mar. Mallorca y Cataluña, feliz encuentro en la identidad del recuerdo».
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Hai moitos anos, as nosas avoas, bisavoas e tataravoas cantaban fermosas cancións mentres traballaban e celebraban festas. Para que esas melodías non se perdesen, unha señora de Suíza chamada Dorothé Schubarth, que quedou marabillada coa música e as paisaxes de Galicia, decidiu recollelas nun libro moi especial: o Cancioneiro Popular Galego. Para escribilo, contou coa axuda do lingüista galego Antón Santamarina.
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Fósiles gráficos
Fósiles gráficos es un álbum y una cofradía de imágenes y de palabras que orbitan alrededor del oxímoron del que se alimenta la noción de dibujo natural.Fósil significa extraído del interior de la tierra. Lápiz significa piedra. Fósiles gráficos es una serie de dibujos a lápiz: dibujos en piedra, con piedra, de piedra. Son construcciones gráficas trazadas con abstracciones sintácticas que llamamos líneas y palabras (antigrafías). Si los fósiles gráficos se miran con detenimiento, y con ternura, en ellos se descubre tanto lo remoto como el porvenir. De la observación analítica de sus episodios formales se deriva la posibilidad de interpretar los accidentes de sus formas como sucesos gráficos: como una serie de líneas y manchas que descifran intersecciones, bordes, texturas, excrecencias, hundimientos, policromías, conjuntos de sombras, familias de superficies iluminadas y de fracturas entre las que es posible distinguir, sobresaliendo de un fondo quebradizo en el que prevalecen las rectas, una estructura ordenada de curvas, de hundimientos y resaltes que remiten a la botánica. Fósiles gráficos pone de manifiesto la coexistencia de lo mineral y lo vegetal, la evidencia de los nexos carnales entre lo inorgánico y lo orgánico.Fósiles gráficos es un álbum y una cofradía de imágenes y de palabras que orbitan alrededor del oxímoron del que se alimenta la noción de dibujo natural: de aerolitos que danzan en torno a la idea absurda de que la naturaleza puede expresarse mediante series de signos que ella misma construye geológicamente, con la lentitud de los milenios y con la presión ejercida por toneladas de materiales que están en perpetuo movimiento. Es una fosilfanía fundada en la certeza de que un fósil puede ser leído como un paleodibujo anónimo, trazado inconscientemente por una naturaleza creativa que carece de intencionalidad artística. Esta hipótesis gráfica parte de la contemplación de los fósiles retratados por Jorge Yeregui en las extensiones de la Gran Corta de Fabero, veintidós de los cuales se apilan en este libro dídimo en el que la fotografía y la prosa se entrelazan y, en ocasiones, mantienen relaciones concupiscentes.
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Del barro al poema
¿Qué ocurre cuando decides dejar de agradar para empezar a sentir? Este es un libro valiente, íntimo y poderoso. La artista Sandra Delaporte abre sus diarios, muestra sus heridas y comparte sus poemas para contarnos -sin filtros- cómo se vive cuando el miedo, la dependencia emocional, la exigencia o el vacío ocupan demasiado espacio. Del barro al poema no es únicamente un testimonio o relato de dolor. Tiene algo de alquimia y transformación. Una voz que encuentra en la escritura un refugio, una amiga, un hogar. Con una mezcla única de lucidez, humor, vulnerabilidad y belleza, Sandra escribe para sí misma... y en ese gesto, acaba escribiendo para todos. Porque todos, en algún momento, hemos necesitado sentirnos menos solos. Se trata de un libro concebido como un itinerario de pequeñas conquistas, pero no es un libro de autoayuda. Este libro es para quien busca respuestas, para quien está cansado de huir, para quien quiere aprender a amar(se) sin dejarse atrás. Un acto de amor radical. Un viaje honesto, ferozmente humano y profundamente poético por las heridas que más duelen y las palabras que más sanan. No hay fórmulas ni promesas, pero sí algo mucho más valioso: una verdad contada con amor y palabras que curan. Del caos nace el verso. Del barro, el poema
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Yo sostenido
El impactante y conmovedor testimonio de Víctor Elías: todo lo que pasó mientras veías Los SerranoA Víctor Elías casi todo el mundo lo recuerda como el hermano mediano de Los Serrano. Pero también ha sido y es otras tantas cosas. Sobre todo, músico y un excelente director musical. En un ejercicio de sinceridad extrema, Yo sostenido recoge el relato de infancia y adolescencia de su protagonista, que creció atrapado en la paradoja de vivir con unos padres con adicciones mientras su vida pública y profesional despegaba. De la mano de su amigo, el dramaturgo Pablo Díaz Morilla, Víctor Elías muestra su condición de juguete roto -hoy recompuesto gracias a las terapias y a los vínculos auténticos- y cómo vivir es ir arrastrando el peso de una existencia de dos caras. Porque hay vidas que tienen un orden lógico y otras, como la suya, son más desordenadas y caóticas. Unas páginas que atrapan por su honestidad y en las que no hay lugar para el rencor, sino para el perdón y el agradecimiento por las oportunidades. Una historia veloz, rotunda y cercana sobre una vida tan auténtica como singular
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Kusama. Obsesiones, amores y arte
La vida extraordinaria del ícono internacional Yayoi Kusama, magistralmente interpretada e ilustrada por Elisa Macellari. La autora narra la salida de una joven y valiente Yayoi del Japón rural, su inmersión en la vibrante escena artística de Nueva York en la década de los años sesenta y su regreso a casa hasta su consagración internacional. Kusama es una precursora de los movimientos del arte pop, el minimalismo y el arte feminista. «La hermosa propuesta de Macellari está, por supuesto, plagada de estampados moteados y destellos de color rojo. Una biografía en forma de novela gráfica para celebrar el ejemplo de Yayoi Kusama tanto en lo artístico como en su propia vida. Un homenaje de una belleza a la altura de la historia de la mujer que se abrió camino un mundo de arte colapsado de hombres blancos en la segunda mitad del siglo pasado». Alba Correa, VOGUE ESPAÑA «Kusama: obsesiones, amores y arte es una novela gráfica ambiciosa y de una factura bellísima e impecable para acercar a los y las adolescentes (y a cualquier persona entre los 13 y los 100 años) la figura de una artista única y rompedora, marcada por una infancia que explica en gran medida su obra y, también, su siempre frágil salud mental.» Adrían Cordellat, EL PAÍS «Escritora, poeta, diseñadora de moda, pintora, escultora, «sacerdotisa del amor y del pacifismo» y, por encima de todo, artista inimitable. Un icono viviente del arte conceptual que sondeó con originalidad y valentía distintas parcelas en el campo de la creatividad y la experimentación, siempre introduciendo consignas ligadas al feminismo, minimalismo, surrealismo, arte pop y expresionismo abstracto.» CANAL LECTOR «Recorremos los momentos clave de su vida, desde su nacimiento en un Japón de costumbres medievales pasando por su apoteosis neoyorquina en los años 60 hasta su redescubrimiento actual. Y lo hacemos sin perder de vista la influencia de sus relaciones con otros artistas (O'Kefee, Warhol). Entonces su condición mental aflora y permite atisbar detalles de su personalidad obsesiva para entrever el efecto terapéutico que tiene el acto artístico como alternativa para enfrentarse a los miedos.» Héctor Olarte, EL CULTURAL
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Dinotopía. Viaje a Chandara
Tras muchos años de búsqueda, el artista James Gurney descubrió en una librería de segunda mano el diario inédito del explorador del siglo XIX Arthur Denison. Los anteriores relatos de viaje de Denison, publicados como Dinotopía: Una tierra aparte del tiempo y Dinotopía: El mundo subterráneo, presentaban una isla perdida donde los dinosaurios y los humanos convivían en pacífica interdependencia.En esta ocasión, el profesor Denison y su compañero saurio, Bix, emprenden un peligroso viaje al imperio prohibido de Chandara. Cuando la invitación personal del emperador se pierde, se ven obligados a cruzar la frontera disfrazados y sin un céntimo. A lo largo del camino, Denison documenta con exquisito detalle las criaturas, los personajes y la arquitectura que encuentra: un pueblo compuesto por tres barcos apoyados en un extremo, un braquiosaurio de quince metros de altura equipado para combatir incendios, el modo en que un alosaurio cuida a sus crías, jóvenes pilotos que compiten en combates aéreos sobre pterosaurios gigantes, y mucho más.La tierra de Dinotopía se evoca mediante una narración breve pero vívida y una seductora variedad de imágenes, que incluyen mapas, vistas en corte y diagramas mecánicos. En este mundo, las vidas de los humanos se entrelazan con las de los dinosaurios y los mamíferos antiguos, especies reales representadas según las últimas investigaciones científicas. Por momentos caprichoso, dramático y filosófico, el diario irradia una visión optimista de la vida y una nueva luz sobre las maravillas ignoradas de nuestro propio mundo.
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Apreciaciones
Sabemos por su relato ''El niño en la casa'' (1878) que Walter Pater (1839-1894) llevó una vida retirada, más contemplativa que activa, pero de una ''contemplación apasionada''. Con la misma pasión diáfana por el arte que Ruskin, compuso sus influyentes estudios sobre el Renacimiento. Pensaba que el hombre moderno no debía estar atado a época alguna y, ecléctico por naturaleza, entendió mejor la piedad que la fe. No creyó en el fruto de la experiencia estética, pues opinaba que la experiencia misma era un fin. Existe un equilibrio en todas sus páginas, afín a la belleza y a la ascesis, y su estilo transmite un cansancio encantador. Para Oscar Wilde, fue ''el mejor maestro de la prosa inglesa'' de su tiempo. La serie de ensayos que Pater reunió bajo el título de ''Apreciaciones'' (1889), que abarca desde los reyes ingleses de Shakespeare hasta los poetas románticos, puede leerse como una consumación de su ideal de amplitud y serenidad de la visión. En ella encontramos un discurrir textual tan erudito como elegante, fruto de una comprensión profunda de las diferencias entre las sucesivas épocas históricas del arte occidental, que nos invita a extraer lo mejor de cada una de ellas.
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