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Llibres d'art
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Naturaleza Y Belleza
“En el arte es feo lo que no tiene carácter, es decirlo que no revela ninguna verdad interior ni exterior. En el arte es feo lo que es falso, lo que es artificial, lo que pretende ser bonito o bello en lugar deser expresivo, lo que es trivial, lo que sonríe sin motivo, lo que se amanera sin razón, todo lo que carece de alma y de veracidad, todo lo que es sólo apariencia de belleza o de gracia, todo lo que miente.”
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La crítica de arte en la actualidad
La crítica del arte parece inseparable de los dictados del capitalismo y de la industria cultural. Todos los pretendidos o genuinos críticos de arte, que deberían buscar el debate y el fomento de la reflexión, se ven atados de pies y manos –a veces de manera más que voluntaria– a las exigencias del mercado si quieren mantener, e incluso promocionar, su estatus social y laboral. A la larga, no solo se desprestigia el arte y la propia crítica, sino que resulta imposible el fomento de la producción cultural y la formación o el disfrute del público. En esta coyuntura se presenta el dilema: ¿debería el crítico plegarse a las dinámicas económicas o convertirse en un kamikaze cultural condenado poco a poco al ostracismo?El presente libro hace accesible un ámbito endogámico y cerrado, acabando con mitos y auras mágicas con el objetivo de exponer el funcionamiento de la creación artística actual, así como las dinámicas del mercado. También muestra cómo se generan y destruyen tendencias o famas, y cuál debería ser la labor del crítico.
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Art i ciència, que per a molta gent poden semblar dues activitats ben separades, han tingut i tenen molts punts en comú. Al llarg de la història, artistes i científics s'han proporcionat mútuament eines¬ de treball, nous materials o motius d'inspiració. En aquesta obra, s'expliquen de manera amena i assequible temes com el descobriment de nous pigments gràcies a l'evolució de la química o les tècniques modernes que permeten conèixer molts detalls sobre obres pictòriques, estudiar estils i detectar fraus o datacions equivocades. A més a més, s'explora la visió del món que es desprèn de diverses obres a partir de la influència mútua entre l'art, d'una banda, i l'astronomia, la biologia, les matemàtiques o la física, de l'altra. L'artista en el laboratori, finalista del Premi Europeu de Divulgació Científica Estudi General 2006, posa en relació personatges com Newton, Boyle, Van Eyck, Turner, Chevreul, Seurat, Galileu, Einstein, Dalí, Gaudí, Leonardo, Mandelbrot, Vermeer, Leeuwenhoek, Duchamp, Pollock i molts altres.
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L'autor F. Xavier Martí, arquitecte apassionat de l'art, descriu l'evolució de la pintura des de Giotto fins a Rothko. Estructurada com a guia de viatge, analitza una obra de cada autor, els precedents, les influències rebudes, les repercussions posteriors i les característiques iconogràfiques i iconològiques, tot aprofitant per traslladar-nos al moment de la seva realització i conèixer l'entorn social de l'època. El llibre ens dona una visió dinàmica de l'evolució de la pintura durant els sis segles i mig que separen les obres d'en Giotto i d'en Rothko, analitza els factors més rellevants presents en el procés evolutiu de la pintura i palesa la relació directa existent entre la producció artística i els canvis que ha anat experimentant la societat en aquest mateix període, per deixar al descobert el fil conductor que uneix i explica de forma coherent les etapes successives. Giotto di Bondone · Masaccio · Piero della Francesca · Leonardo da Vinci · Raffaello Sanzio · Michelangelo Buonarroti · Agnolo Bronzino · Pieter Brueghel el Vell · Michelangelo Merisi da Caravaggio · Peter Paul Rubens · Rembrandt Van Rijn · Giambattista Tiepolo · Jacques-Louis David · Francisco de Goya y Lucientes · Caspar David Friedrich · F. V. Eugène Delacroix · J. M. William Turner · Jean-François Millet · Utagawa Hiroshige · Édouard Manet · Claude Monet · Paul Cézanne · Vincent Van Gogh · Henri Matisse · Pablo Ruiz Picasso · Georges Braque · Ernst Ludwig Kirchner · Vassili V. Kandinsky · Kazimir Malévich · Piet Mondrian · Marcel Duchamp · André Masson · Jackson Pollock · Mark Rothko
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Estética relacional
En este polémico y desafiante conjunto de ensayos, Bourriaud construye herramientas imprescindibles para comprender las claves del arte actual.Nicolas Bourriaud, el ex director del Palais de Tokyo parisino, define el sistema de ideas y el funcionamiento de un nuevo paradigma artístico destinado a interactuar en la esfera de las relaciones sociales.Las teorizaciones que recorren «Estética relacional» surgen del conocimiento profundo de la obra de los más importantes artistas internacionales de los años noventa, hoy en plena actividad, y de exponer los principios que estructuran sus pensamientos. El libro responde, entre otras, a la pregunta «¿de dónde viene esta obsesión por lo interactivo que atraviesa nuestra época?». Uno de los motivos que deslumbran al lector de «Estética relacional» es la eficacia de estos ensayos, el modo en que se vuelven herramientas imprescindibles para comprender las claves del arte actual.
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¿El arte a la deriva?
Un libro polémico sobre las derivas del arte contemporáneo, con un nuevo prólogo y nuevo capítulo de la autora Edición ampliada y actualizada ¿Ha perdido el arte su aura, su dimensión intelectual o, lo que es peor, su poder de comunicación, dicho en otras palabras, su principal razón de ser? En este libro polémico y escrito a contracorriente de la crítica más conformista, Marie-ClaireUberquoi reflexiona sobre la plástica de las últimas décadas, centrándose en los artistas que han llevado más lejos sus deseos de acoso y derribo de la noción tradicional del arte para plantearse nuevas vías de expresión. Muchos piensan que se ha tocado fondo y hablan de la impostura de la creación actual. Otros apuestan por un arte supuestamente renovador plasmado en trabajos que no tienen nada que ver con el goce estético. El rechazo del objeto artístico, la explotación publicitaria de obras falsamente provocadoras, la deriva hacia el activismo político y el fenómeno de la banalización del arte son algunas de las cuestiones analizadas en este ensayo que propone reivindicar «otro arte contemporáneo» ajeno a la cultura del espectáculo.La crítica ha dicho:«Un gran reportaje bien realizado sobre lo que ha sido el arte de esta generación».Eugenio Trías «Un libro muy inteligente, documentado y valiente».José Corredor Matheos
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Yo estoy en la imagen
El acto de mirar es siempre interpretativo: supone el establecimiento de una relación íntima que afecta tanto al observador como al objeto de su mirada. Pese al supuesto distanciamiento que suele exigirse al teórico del arte, Miguel Ángel Hernández lleva años aproximándose así a las imágenes para establecer con ellas un diálogo profundo en el continuum de arte y vida. El resultado son los textos aquí reunidos, a medio camino entre el ensayo, la autobiografía y la narrativa, en los que siguiendo la estela de Benjamin, Sontag y Barthes se exploran cuestiones como el valor de la memoria y su vínculo con el conocimiento, el duelo, la ética de la mirada, las relaciones entre tecnología y deseo, o la percepción subjetiva del tiempo. A través de una prosa atravesada de vivencias, iluminaciones y experimentación literaria, el ejercicio de contemplar imágenes se nos revela como una experiencia vital y transformadora.
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Léxico de arte
Un complejo léxico ilustrado de términos relacionados con el arte y la arquitectura, en una presentación manejable y práctica para estudiantes, profesores y aficionados a las artes visuales. Cada entrada incluye notas etimológicas, historia, dibujos y ejemplos de los términos descritos.
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L'exposició «Un altre fi. LA RESTA. Art i antifranquisme», celebrada a El Born CCM entre el novembre de 2022 i l'abril de 2023, posà l'èmfasi en la resistència cultural d'aquella societat tot reunint obres de dinou creadors contemporanis de diverses generacions que converteixen en matèria artística la memòria dels silenciats pel règim. L'art com a expressió del que no podem oblidar. L'art com a mecanisme per imaginar altres possibilitats. La publicació que teniu entre les mans és el resultat de la reflexió d'un conjunt d'autores i autors a l'entorn d'aquelles realitats que han quedat al marge de la història i sense les quals el relat històric no és complet. Són una al·lusió a les dissidències i a històries personals lligades a la fal·làcia de la transició, la pervivència de la repressió i la injustícia. La memòria històrica ens hauria de servir per suturar els nostres relats personals i col·lectius i per poder-los concretar políticament, més enllà de l'espectacle, i començar, així, a consolidar nous desenllaços.
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Viajes literarios
Para cultivar la comprensión del planeta y de nuestros semejantes, además de viajar, tenemos el recurso de la gran literatura. Hay un mundo que conocer y en el que perderse, y si nos dejamos guiar por la curiosidad, esta puede llevarnos a un viaje interior que nos cambie a mejor. El mundo es cada vez más pequeño: todos estamos más conectados y podemos explorar el planeta de formas que a nuestros antepasados ni se les habría pasado por la mente. Y, sin embargo, pueden verse divisiones por doquier. Cunde la desconfianza y las falsedades se propagan. Viajar puede ayudarnos a contrarrestar estas tendencias, al igual que lo puede hacer leer sobre las experiencias de otras personas en otras tierras y épocas.
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Delante de Las meninas
Una descomunal copia de Las meninas a tamaño real se instaló en el salón de un pequeño apartamento madrileño en la plaza de Tirso de Molina. Cada día y durante ocho años, Emilio Cendón, que estudió Bellas Artes pero decidió abandonar toda práctica artística, ha convivido con la infanta Margarita, con Diego Velázquez y con los reyes en el espejo para intentar entender por qué el pintor sevillano dedicó los últimos años de su vida a un cuadro que, aparentemente, no refleja más que una escena menor de la vida en palacio. A través del estudio de sus obras anteriores, del testimonio de la memoria de pinturas que Velázquez redactó explicando las obras de arte que atesoraba la corte española —como los caprichos de Tintoretto y Veronés— y del análisis de piezas de otros artistas, como Leonardo o Van Eyck, el autor recrea una investigación fascinante y obsesiva, casi policíaca, que consigue atar cabos y ofrecernos pistas para entrar en la mente de un genio de enorme influencia en el arte contemporáneo y lograr comprender, por fin, por qué y para quién pintó Las meninas. Este libro, personal y alejado de lo académico, es también una crónica de esos años en compañía de Las meninas, así como de los viajes para encontrar sus claves. Plagado de minuciosas reproducciones a lápiz hechas por el autor, este texto generará en el lector unas irrefrenables ganas de ir a El Escorial, a Milán, a Londres y, sobre todo, de volver a visitar el Museo del Prado para situarse delante de Las meninas… y que todo cambie.
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Mano de mujer
El hiragana es la escritura creada por las mujeres japonesas durante el período Heian para poder expresarse en su propia voz, cuando se les impidió aprender los kanji. Tras un breve repaso a la fascinante historia del antiguo Japón y el arte de la caligrafía, Mª Eugenia Manrique nos sumerge en el origen de esta escritura caligráfica libre y expresiva, entendida como iniciación al shodo «camino de la escritura», un arte que se describe como un medio para cultivar el ser interior, a través del cual se alcanza un estado meditativo de quietud mental y armonía. De manera detallada, el libro muestra las indicaciones necesarias para comenzar el aprendizaje del hiragana incluyendo los modelos de los 46 kana que lo conforman y finalizando con el antiguo poema iroha, reflejo del sentir de la impermanencia, en el cual se contienen sin repetición todas las sílabas del hiragana.
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Me quitaron de en medio
Estas páginas recogen las clases que Nicholas Ray impartió a sus alumnos entre 1971 y 1979. Clases de cine, de interpretación y de dirección de actores que transmiten una apuesta vital irrenunciable en busca de la autenticidad emocional y de la máxima libertad expresiva. El conjunto ofrece una valiosa colección de textos y de debates bajo los que palpita una filosofía de la vida y de la creación que entrelaza las propias experiencias autobiográficas del cineasta con las enseñanzas y las teorías de autores a los que admira (Stanislavski, Grotowski) para bucear en los rincones más íntimos y más incontrolables del alma humana. Reunidos y editados por Susan Ray, la mujer que compartió con el cineasta los últimos diez años de su vida y que estuvo implicada en el rodaje de sus últimas películas, estos textos se presentan aquí en una edición especial completamente inédita, pues se enriquece con la traducción y con un comentario paralelo en extenso a cargo de Manuel Martín Cuenca (director de películas como La mitad de Óscar, Caníbal, La hija o El amor de Andrea), cuya aportación contextualiza de forma didáctica las reflexiones del cineasta norteamericano, a la vez que potencia su actualidad y su vigencia.
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El luthier de Delft
El luthier de Delft es una obra que analiza la música (aunque también el arte y la ciencia) del siglo xvii, especialmente centrada en la cultura neerlandesa. El libro gira en torno a tres personajes centrales, el pintor Jan Vermeer, el filósofo Baruch Spinoza y el músico Jan Pietrszoon Sweelinck. A partir de ellos, el lector se encontrará con la construcción de instrumentos musicales, sus maderas y barnices, así como con el papel de la mujer en el arte y la música, la vida de los pintores y el mundo simbólico de sus obras y los estudios científicos destinados a la óptica y la difusión del telescopio. Un libro lleno de resonancias y armonías, sabiduría y sutileza.
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El tiburón de 12 millones de dólares
Un banquero multimillonario invierte 12 millones de dólares por el cadáver de un tiburón descomponiéndose dentro de una tinaja. Un lienzo lleno de gotas de colores se vende por 140 millones de dólares. Una chaqueta de cuero abandonada en una esquina se subasta por la suma de 690.000 dólares. Si el negocio del arte moderno es serio, ¿por qué parece una broma? En este recorrido ameno y fascinante por las casas de subastas, las galerías y el mundo de los coleccionistas, Don Thompson desvela los secretos económicos y las estrategias de marketing que impulsan al mercado a producir los precios astronómicos a los que se cotizan las obras de los grandes artistas, de Basquiat a Koons, Tàpies o Jasper Johns. Thompson nos acerca a la psicología y los intereses que mueven el mercado artístico para recordarnos que en el arte contemporáneo, como en tantos otros campos, la línea que separa la cultura y el negocio es difusa pero clara.
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El arte a contratiempo
Frente al tiempo lineal, acelerado y capitalizado del presente, en las últimas décadas un gran número de artistas ha tratado de explorar modalidades alternativas de experiencia temporal: interrupciones, demoras, alteraciones, saltos, discontinuidades, desincronizaciones... contratiempos que ponen en jaque un imperialismo cronológico cuyo origen puede buscarse en los albores de la modernidad y cuyos efectos llegan hasta nuestros días, multiplicados y expandidos. Partiendo del análisis de la obra de artistas como Rodney Graham, Tacita Dean, Fernando Bryce, Patrick Hamilton o Xu Bing, y de pensadores como Walter Benjamin, Georges Didi-Huberman, Mieke Bal o José Luis Brea, los ensayos de este libro modulan esa tesis a través de una serie de cuestiones fundamentales para entender el arte y la cultura visual de las últimas dos décadas: la potencia crítica de la obsolescencia y el retorno de la materialidad, el arte de historia y su cuestionamiento de la linealidad temporal, el anacronismo y la heterocronía, las estéticas migratorias, la complejidad del arte global, el fenómeno del bienalismo y la ética curatorial, las políticas del arte o la potencia del pensamiento visual. Cuestiones todas atravesadas por la convicción de que el arte piensa y nos hace pensar, y que, hoy más que nunca, se configura como un espacio único para ensayar formas críticas y diferentes de recordar el pasado, habitar el presente e imaginar el futuro.
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Historias del arte
Este diccionario traza las distintas, múltiples, caleidoscópicas y casi infinitas historias del arte, según un criterio que combina la razón artística con lapoética y la científica. El proyecto de este diccionario-exhibido como obra de arte en museos y galerías-involucra no sólo a la artista que lo firma, sino a seiscientos colaboradores que, vía correo electrónico,aportaron su trabajo y creatividad durante varios años.
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James Ensor - El pintor de las máscaras
El padre del surrealismo belgaAnticipándose a las vanguardias artísticas del siglo XX e inaugurando la gran tradición surrealista que recorre el arte belga, James Ensor (1860-1949) pronto empezó a crear un reino de máscaras, del que será rey, descubriendo un país, provincia a provincia, con sus sitios pintorescos y sus lugares terribles, con sus parajes tristes y sus rincones locos, habitados por seres quiméricos, extraordinarios, grotescos, macabros.
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El espejo mágico
Fábulas, recuerdos de lecturas, imágenes y anécdotas -algunas reales, otras desplazadas o inventadas-, los textos y las historias reunidos en esta obra tienen en común el tema del retrato y las curiosas correspondencias que se han dado a lo largo de la historia entre retratistas y retratados.
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« ,La pression sentie claire et prête, la main de Manet énonçait dans quel mystère la limpidité de la vue y descendait, pour ordonner, vivace, lavé, profond, aigu ou hanté de certain noir, le chef-dÆúuvre nouveau et français. ,»a.s ideas de este genial psicoterapeuta, que no fue un recolector neutral de datos, sino un buscador de soluciones. Erickson demostró que el poder cambiar está latente en el paciente, quien tiene que ser despertado, ayudándolo a reconocerse tal cual es. Propuso la utilización de anécdotas para establecer empat¡a con un paciente y con los procesos que están o no dentro de su conciencia inmediata. En lugar de producir ericksonianos ortodoxos, muchos terapeutas de diferentes orientaciones recibieron inspiración de él, quien estimuló avances que se ramificaron en múltiples direcciones. ,s. Como en las danzas de la muerte medievales nadie se salva en este epistolario de las pasiones humanas. Y, desde luego, el toque de gracia corresponde a una ardilla.
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Yo trabajo como un hortelano
Considero que mi taller es como un huerto. Por allí hay alcachofas. Por aquí, patatas. Trabajo como un hortelano. las cosas lleganlentamente. siguen su curso natural. Crecen, maduran. Hace falta injertar. Así maduran en mi espíritu. En 1958 el artista
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Arquitectura
William Morris es una de las figuras culturales y políticas más importantes de la Inglaterra de finales del siglo xix. Su labor se extendió por la poesía, la pintura, la novela, el grabado, la edición, la decoración y un largo etcétera de «facetas» a las que hay que sumar la de socialista y revolucionario durante las últimas décadas de su vida. Sin embargo, Morris siempre estuvo convencido de que a través de la arquitectura se podían conjugar todos estos aspectos parciales en una actividad artística que en verdad estuviera unida a la vida de las gentes y facilitara tanto las relaciones sociales como la expresión artística de la comunidad de la que salía. Sobre esta convicción, Morris desarrolló a lo largo de toda su vida una deslumbrante labor teórica acerca del papel social de la arquitectura, así como de la forma en que se crean, suceden y decaen los diferentes estilos, cuyas particularidades serían consecuencia del estado de las relaciones sociales, culturales y económicas concretas de cada sociedad en el tiempo. Aunque Morris nunca recopiló sus ensayos sobre el tema, esta preocupación por la arquitectura recorrió toda su obra y le inspiró algunos de sus textos más importantes. La presente antología recoge una amplia selección razonada de estos escritos, muchos de ellos inéditos en castellano hasta la fecha.
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El arte de la crueldad
En línea con la tradición de Susan Sontag y Elaine Scarry, Maggie Nelson se ha convertido en una de las principales críticas culturales con este ensayo sobre las representaciones de la crueldad y la violencia en el arte. Desde la poesía de Sylvia Plath ha
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Mirar
La mirada incisiva de John Berger inaugura nuevos modos de ver donde la mirada hacia el arte y hacia la vida se confunden combinando un exhaustivo análisis que tiende a ser 'objetivo', entre materialista y purovisualista. El ojo de la cámara y el ojo del artista nos hablan del significado oculto en la mirada cotidiana con la que contemplamos paisajes, animales o personas queridas. En los lienzos de Millet, Courbet, Turner, Magritte y Bacon, Berger evoca experiencias que confunden el propio misterio que rodea al arte con nuestras propias vidas, paseando entre categorías literarias, del relato al ensayo, sin casi reparar en ello.
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Descifrar el arte
Una innovadora propuesta al analizar obras de arte: una búsqueda visual que deconstruye 50 creaciones clave para descubrir los elementos que componen una obra maestra. Una introducción a la historia de la cultura visual que presenta nuevas tipologías artísticas y ofrece una visión renovada de los objetos conocidos. 50 obras que abarcan un extensísimo periodo, que va desde las primeras imágenes creadas por humanos que conocemos, que datan de hace unos 30 000 años, hasta una instalación en la frontera entre México y Estados Unidos realizada en 2017. Un libro que pretende disolver las barreras entre los distintos tipos de artefactos culturales, de forma que junto a la pintura y la escultura -que a menudo se consideran las formas artísticas tradicionales- se analizan dibujos, fotografías, grabados, ornamentos, máscaras, miniaturas y carteles. Como objetivo secundario, se establecen vínculos entre el arte «occidental» y el del resto del mundo. La historia del arte es un tema apasionante, repleto de reglas complejas y de palabras técnicas. Ni siquiera los más avezados diletantes están a salvo del eterno enigma que plantea la forma de pensar el arte. Este libro le ayudará a resolverlo.
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Leer a mano
Leer a manotrata de la percepción, algo que no atañe solo a la vista: las obras de arte y los edificios poseen cualidades táctiles, que influyen, hasta de forma inconsciente, en las sensaciones que nos producen. También es un «elogio de la lentitud» aplicado a las artes y a la arquitectura, una defensa del ritmo pausado que se precisa tanto para crear algo como para contemplarlo y comprenderlo. Las artes y los oficios conllevan experiencias que nos conforman como humanos. Sus frutos pinturas, esculturas, edificios, novelas, cómics, películas poseen valor por ser el resultado, necesariamente imperfecto y en gran parte imprevisible, de la lucha de determinados seres humanos en incruentos campos de batalla, sembrados de estímulos y de limitaciones. Crear y producir no son lo mismo. Crear es un acto en el que interviene toda la fuerza y volubilidad que late en cualquier vivencia, producir es replicar los resultados aparentes de la creación en lo que viene a ser un simulacro, donde prevalecen la previsibilidad y el sometimiento a la rentabilidad que impera en cualquier bien de mercado. Ante esta encrucijada, crear, incluso cuando uno busque ganarse la vida con ello, puede convertirse en un acto revolucionario, un gesto de resistencia ante la mercantilización que impregna en nuestros días cada una de las actividades humanas. Las artes y la arquitectura no pueden convertirse en el resultado de procesos ajenos al devenir vital de quienes las creamos, contemplamos, usamos y habitamos.
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Tabernáculo de las cosas mundanas
La pintura, del mismo modo que la literatura y el cine, fue otra de las artes que no escapó del implacable genio -creativo y crítico- de Pier Paolo Pasolini. Su inquietud pictórica, acaso una de sus facetas más desconocidas, afloró de forma intermitente a lo largo de su vida, pero siempre permaneció latente e influyó de forma determinante en su multifacética trayectoria. En los textos recogidos en el presente volumen, con su habitual mirada incisiva, lúcida y apasionada, el intelectual italiano se manifiesta sobre la pintura y los artistas de su tiempo -desde Andy Warhol hasta Renato Guttuso-, también sobre clásicos como Caravaggio... e incluso sobre sí mismo.
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Interpretación del patrimonio en museos y lugares culturales: principios y técnicas
«Estoy seguro de que en los siglos venideros la palabra interpretación cambiará de forma similar a su significado para cubrir un horizonte más amplio de pensamiento y para englobar nuevas necesidades y prácticas» (Freeman Tilden, 1957). Invocando la cita del maestro, este libro dedica especial atención a la definición de interpretación, su relación con la mediación o la animación y la necesidad de abrirla a la comunicación mediada, y revisa los principios y técnicas de la interpretación del patrimonio a la luz de la teoría de la comunicación humana, ilustrándolos con ejemplos tomados de la experiencia profesional y docente de los autores. Asimismo, busca propiciar el conocimiento mutuo de interpretación y museología (en sentido amplio) y ofrecer claves para la comunicación efectiva del patrimonio cultural. La obra está dirigida principalmente a personas vinculadas a la gestión y comunicación al público de museos y lugares culturales y, en relación con estos, al turismo, la animación, la recreación histórica, el voluntariado o la formación universitaria.
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Las máscaras de Cleopatra
Cómo la literatura y la pintura reinventaron este mito entre 1830 y 1930.Cleopatra VII, la última reina de Egipto, fue un per-sonaje histórico pero, a partir del Romanticismo, se convirtió también en un icono literario y de la cultu-ra popular. Este ensayo, escrito de forma documenta-da pero amena, recorre los textos y las obras plásticas que alimentaron una auténtica fiebre: Cleopatra como femme fatale, fruto de la misoginia y la mirada mascu-lina, pero también como símbolo de transgresión.Las máscaras de Cleopatra recupera y lee con mirada incisiva un conjunto de poemas, relatos y obras teatra-les de autores como Rubén Darío, Théophile Gaultier, Manuel Machado, Ramón Goy de Silva, Salvador Díaz Mirón, José María de Heredia, Victor Hugo, Enrique Gómez Carrillo o Rachilde. Además, establece un diá-logo con las pinturas que les sirvieron de inspiración: Moreau, Alma Tadema, Gérôme o Franz Von Stuck.
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La ligereza
¿Cuál es la distancia que separa una obra de arte valiosa de la que no lo es? ¿Acaso es una mera cuestión de gusto, de bagaje, de canon, de accesibilidad, de marketing? Juan Cárdenas aventura en este libro una teoría: «Todo gran arte trae consigo la marca de la ligereza». No es tan fácil distinguir lo ligero de lo pesado, pero hay algo que está claro: la fuente primordial de la ligereza es el placer. El arte da placer no porque imite a la vida, sino porque es capaz de traducir sus leyes secretas al lenguaje de las formas sensibles. Y la vida es ligera, fugaz, esquiva, grácil, vulnerable y resistente de un modo inexplicable. En su afán por desentrañar este concepto, el autor nos lleva de la mano por una serie de cuestiones esenciales para reflexionar sobre lo que hoy consideramos digno de admiración, ya sean las modas, lo militante, las inercias del mercado, la posibilidad de la utopía o el lado oscuro de uno de los mantras de la sensibilidad contemporánea: la búsqueda de la autenticidad. Un recorrido original que acaba por ser, además, una manera de esclarecer los mecanismos de su propia escritura. La precisión y la afabilidad de su prosa, la plasticidad de sus ideas y su deslumbrante capacidad para exponerlas de una forma tan sencilla como profunda hacen de La ligereza un ensayo estimulante y fértil, una grieta luminosa en el imperturbable territorio de lo mayoritario.
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Ahora me cuadra
UN VIAJE FASCINANTE Y DIVERTIDO POR EL APASIONADO MUNDO DEL ARTE Y LOS ARTISTAS La vida de la galardonada periodista Bianca Bosker, obsesionada con la obsesión, dio un giro inesperado cuando se introdujo en el mundo del arte y no pudo quitarle los ojos de encima. Intrigada por los artistas que hiperventilan en torno a sus colores favoritos y los fanáticos que exprimen sus tarjetas de crédito para enseñar trozos de metal que creen capaces de cambiar el mundo, Bosker se propuso entender por qué el arte es importante y de qué manera ella o cualquiera de nosotros podría sumergirse en él más profundamente. En Ahora me cuadra, la autora se adentra en el corazón del arte y de las personas que viven por y para él, es decir, los galeristas, los coleccionistas, los comisarios y, por supuesto, los propios artistas, en especial aquellos que tienen que hacer malabares para mantener sus atelieres mientras luchan por mostrar sus obras al mundo. En su particular aventura, Bosker se las arregla para asistir a fiestas de alto nivel llenas de coleccionistas multimillonarios, permite que un artista casi desnudo se siente sobre su cara en una performance y se queda mirando una sola escultura durante horas y horas mientras trabaja como guardia de seguridad en un museo, todo para descubrir no solo el funcionamiento interno de la maquinaria de canonización del arte, sino también un modo de vida más abierto. Esta obra toca temas tan variados como las pinturas rupestres, Instagram, la ciencia de la visión y la importancia de la belleza, y analiza el papel del arte en nuestra cultura, nuestra economía y nuestros corazones al ritmo de una exploración trepidante que cambiará para siempre nuestra forma de mirar.
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Un estudio único de 350 obras de arte de artistas LGBTQ+ de todo el mundo, muchos de ellos poco reconocidos y olvidados, de los últimos 50 años.Aunque los disturbios de Stonewall sean ahora la abreviatura del inicio del movimiento por los derechos de los homosexuales, gran parte del arte y la cultura han sido ''queer'' desde el principio de los tiempos. En About Face, el historiador del arte y comisario Jonathan D. Katz explora este concepto de frente, comisariando un tapiz de obras que conectan hilos históricos y revelan cómo el género y la identidad sexual han sido entretejidos por artistas contemporáneos y posteriores a Stonewall.Con más de 350 obras de más de 40 artistas LGBTQ+ de distintas nacionalidades y generaciones, y textos originales de artistas y académicos, About Face es tan sorprendente como importante.Jonathan David Katz, PhD, es Profesor Asociado de Práctica en Historia del Arte y Estudios de Género, Sexualidad y Mujer en la Universidad de Pensilvania. En 2019, Katz comisarió About Face: Stonewall, Revolt and New Queer Art en la galería Wrightwood 659 de Chicago.Con textos de Julian Carter, Anthony Cianciolo, Amelia Jones, Ava L.H. Kim, Joshua Chambers-Letson, Christopher Reed, Jacolby Satterwhite y Dagmawi Woubshet.
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Marotta. Planeta precioso
Blume
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La moda en el franquismo
La moda durante el franquismo, periodo aciago marcado por la represión, la escasez y el atraso, coincidió, tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, con el surgimiento de una nueva sociedad. La cultura pop modificó gustos y actitudes, bajo el liderazgo estadounidense. La alta costura dio paso a la ropa lista para llevar y a los grandes almacenes. La España de la mantilla y las camisas viejas quedó atrás: la minifalda, los vaqueros y el bikini hicieron su aparición. Novedades que también encarnaron las rebeldes chicas topolino, con sus zapatos de coja y su llamativo estilo. E incluso muchachas menos extravagantes, más acordes a la Sección Femenina de Falange, que, peinadas con el recogido arriba España, soñaban con casarse con un velo de tul ilusión. Este libro habla de los sueños y las realidades que modelaron y reflejaron las modas en la sociedad española a lo largo de casi cuatro décadas. De Mariquita Pérez, muñeca fascista pero moderna, que acompañó y marcó el vestir de las niñas hasta que tomaban las galas de muje. De las creaciones de diseñadores españoles como Ana de Pombo, Flora Villarreal o Balenciaga. También de la Guardia Civil y las incautaciones de tejidos del mercado negro, donde las medias eran tan preciadas como los cigarrillos y las drogas. Del Sindicato Nacional del Textil, de los salones de belleza, los desfiles de modelos y de la tienda Loewe en el Castellana Hilton, donde compraba Ava Gardner.
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Itàlia ha esdevingut, des de fa segles, la segona llar de la Mare de Déu de Montserrat. I no sols pel gran nombre de localitats on és present, sinó també, per tots aquells llocs que se l'han fet pròpia. En aquest llibre s'estudien al detall totes les referències montserratines de les terres italianes, documentades amb moltes fotografies.
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Generación 2025
Publicación que recoge el resultado de la convocatoria Generaciones de Fundación Montemadrid. En su 25ª edición, vuelve a ofrecer una plataforma dedicada al arte actual en la que mostrar, a través de la exposición en La Casa Encendida, el trabajo de creadores emergentes y a difundir sus propuestas artísticas entre la crítica especializada y el público general.Los artistas seleccionados este año son: Álvaro Chior (A Coruña, 1992), Noela Covelo Velasco (Pontevedra, 1994), Tana Garrido Ruiz (Tarragona, 1989), Marina González Guerreiro (Pontevedra, 1992), Isabel Merchante (Madrid, 1999), Mar Reykjavik (Valencia, 1995), Elián Stolarsky (Uruguay, 1990) y Javier Velázquez Cabrero (Madrid, 1990) y. Con textos de Ericka Flórez y Bruno Leitão.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.