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Llibres d'art
A Abacus disposem d'una gran selecció de llibres d'art per a despertar els dots creatius i artístics tant de nens com d'adults. Compra llibres d’art online. En la secció llibres d'art, trobaràs una àmplia col·lecció de bibliografia sobre una gran varietat de temes, com per exemple: l'origen i la història de l'art, el simbolisme, curiositats sobre els colors pantone, els principis bàsics del color i l'harmonització cromàtica o la museografia, entre altres disciplines artístiques. A més a més, disposem de llibres sobre llenguatge visual, estampació japonesa, per a fomentar la creativitat o per aprendre a dibuixar retrats, entre molts altres. Descobreix-los tots a Abacus!
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El fin del arte
El fin del arte. Identidad, militancia y sentido es un ensayo fragmentario y experimental, construido a base de textos tan creativos como subversivos detonados a partir de experiencias personales de la autora y que son vinculados con diferentes sucesos de actualidad relacionados con el arte, el mercado y la cultura visual, con la intención de revelar las actuales dependencias de los discursos socio-políticos hegemónicos en las prácticas artísticas contemporáneas. El libro analiza cómo la agenda política ha invadido el ámbito artístico diluyendo su autonomía y su potencial para la disidencia. La tesis principal es que el arte, atrapado en las guerras culturales, ha cedido a consignas ideológicas y militancias olvidando su naturaleza experimental e inútil, su sometimiento a la propaganda lo ha vaciado de sentido. Por eso el título juega con la ambigüedad de “fin”, tanto su finalidad como su posible agotamiento. Aunque el arte no puede morir, su desconexión con la realidad lo ha vuelto irrelevante. En el prólogo, Juan Soto Ivars afirma que la traición intelectual,“directamente ligada con la honestidad”, es lo que mejor define a la autora, por lo que no se puede esperar recorrer este libro sin sobresaltos. Y es que Abellán transita entre la narrativa, la exposición y el ensayo argumentativo sin perder su particular estilo, que oscila entre la ironía y la provocación, con el único propósito de reivindicar el pensamiento libre.
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Tattoo you
Con casi 700 imágenes, Tattoo you: A New Generation of artists muestra 75 estrellas en ascenso que están redefiniendo la industria. El primer libro de este tipo, Tatuaje, presenta artistas seleccionados por un panel global de expertos, incluidos algunos de los nombres más importantes del tatuaje, como Grace Neutral, Claudia De Sabe, Matt McCormick, Tamara Santibañez, Lal Hardy, Marisa Kakoulas, Matt Lodder. , Tann Koga (Ink the Diaspora) y Jay Freestyle. Cada artista va acompañado de una selección de imágenes que ilustran su trabajo, junto con un perfil en profundidad que profundiza en sus influencias, su proceso creativo y cómo están transformando el mundo del tatuaje. Desde tatuajes minimalistas, blackwork y neotradicionales hasta prácticas culturales e indígenas, Tattoo you abarca todos los estilos y técnicas, ofreciendo una mirada interna a cómo trabajan los artistas de todo el mundo hoy en día, al mismo tiempo que brinda vislumbres del futuro del tatuaje como una forma de arte innovadora, accesible y revolucionaria.
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Atlas Menor 1: Disidencia sexual
Mirar a la cartografía desde las disidencias sexuales posibilita un proceso de resignificación que habla en otros términos, trata otros territorios y rompe con los ideales hegemónicos de lo cartográfico. Busca encontrar un potencial que permita cuestionar, remover e imaginar otras vivencias posibles, dar cuenta de lo subjetivo y activar herramientas que denotan una voluntad política. El trabajo de Kyle Lasky, nucbeade y Lucas Larochelle forman esta primera aproximación cartográfica acompañados de un texto de Yera Moreno. Son mapas que están construidos con argamasa de memoria colectiva, experiencias personales, deseos entrelazados y relatos ficcionados. Hacen referencia a las diferentes formas de vivir y habitar el espacio a través de testimonios, fotografías u otros registros que cuentan historias, historias que hablan desde la memoria, la intimidad y la ficción, desde lugares de resistencia y de vulnerabilidad.
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Flor Hispania
Articulado sobre cinco conversaciones entre David Bestué y personas vinculadas a Madrid desde muy diversos ámbitos —los arquitectos María Langarita y Víctor Navarro, el arqueólogo Alfredo González-Ruibal, el periodista Borja Casani, el cineasta y escritor Luis López Carrasco y la poeta Olvido García Valdés—, este trabajo complementa la exposición FLOR HISPANIA, comisariada por Bestué y enmarcada dentro del programa del Museo Centro de Arte Dos de Mayo que invita a artistas a realizar lecturas personales en torno a la colección del museo.Tanto en el planteamiento curatorial como en las piezas de su propia autoría, David Bestué descompone y reinterpreta símbolos, iconos y elementos históricos de Madrid, buscando nuevas formas de reflexión y diálogo con la tradición y las narrativas visuales. El conjunto convierte FLOR HISPANIA en un espacio de interrelación que revela las múltiples facetas, tensiones y riquezas del contexto urbano y cultural madrileño, y sus constantes contradicciones y transformaciones. El catálogo incluye, además de una selección de obras, objetos e imágenes, una entrevista de los editores a Bestué.Madrid es centro geográfico, político, económico y simbólico de España. Hay quien piensa que esa cualidad vincula la ciudad a la pureza de unos valores, de una tradición, y hay quien, sin embargo, cree que su posición la obliga a ejercer de motor de cambio del país. Estas visiones contrapuestas tienen un correlato físico entre los que entienden Madrid como algo estable, invariable, y los que, por el contrario, la conciben como una trama de fuerzas en conflicto.David Bestué
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Picasso. Obras maestras
Mucho más deprisa de lo que imaginamos, Picasso dominó su época con su genio polifacético y el revuelo que generó. A su muerte todos los periódicos hablaron a coro del «siglo de Picasso». Lejos tanto de la demonización actual como de la hagiografía de antaño, Stéphane Guégan arroja una luz contrastada sobre el hombre, su vida, sus compromisos políticos y su inmensa obra. Aunque es imposible decirlo todo, era importante identificar sus puntos fuertes y débiles, aislar una continuidad estética. Stéphane Guégan lo hace de manera brillante en este libro ilustrado con más de cien obras maestras y numerosos documentos, que se lee como una novela y puede admirarse como un suntuoso libro de arte.
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El nacimiento de la Historia del Arte en España
Durante el siglo XVIII se empezó a forjar un nuevo y creciente interés sobre las bellas artes que estimuló su conocimiento y estudio. En toda Europa se crearon instituciones como las academias y los museos, que pretendieron cuidar el desarrollo de las artes y salvaguardar sus más distinguidas creaciones, un legado patrimonial que conformó irremisiblemente la identidad cultural de los distintos países del continente. El estudio de su pasado, su desarrollo y su historia, se convirtió, poco a poco, en una nueva disciplina humanística. Este libro estudia este proceso tal y como se produjo en España, desde los estudios eruditos del siglo XVIII hasta su llegada a la universidad a comienzos del XX. A él han contribuido, con sus novedosas investigaciones, una serie de distinguidos especialistas que debatieron recientemente sobre esta temática en el Museo Nacional del Prado. Joaquín Álvarez Barrientos, Luis Arciniega, Beatriz Blasco Esquivias, Adrián Fernández Almoguera, David García López, Javier González Santos, Hilary Macartney, Concepción Lomba Serrano, Jonatan Jair López Muñoz, Jesús Pedro Lorente Lorente, Jorge Maier Allende, Carlos Sambricio, Carmen de Tena.
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El MACBA publica Panàfrica. Art i imaginaris polítics per a la construcció d’un planeta negre, un recull de texos de diversos autors que aborden el panafricanisme des de diverses perspectives amb la voluntat de crear un imaginari sociopolític i cultural vinculat no només a la raça sinó també a la solidaritat. L’objectiu és desvelar el caràcter plural del projecte panafricà que és també una part ineludible -tot i ser tangencial- de la història i l’imaginari sociopolític de la ciutat de Barcelona i de la història d’Espanya.El llibre inclou textos històrics, textos contemporanis i nous assajos que reivindiquen el panafricanisme per entendre part de la nostra història.La publicació consta de dues edicions separades en català i castellà.
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Rosa Bonheur, pintora (1822-1899)
Pintora francesa muy celebrada en su época, especializada en pintura de animalesNacida en Burdeos pero crecida en París, Rosa Bonheur tuvo desde niña predilección por el lápiz y el pincel. Siendo adolescente, pasaba horas y horas en el Louvre, copiando a los grandes maestros. Pronto también descubrió su pasión por los animales.Rosa Bonheur acabará convirtiéndose en la más destacada pintora de animales de la pintura francesa de todos los tiempos, y su éxito será tal que cuanto cuadro completaba era de inmediato adquirido por coleccionistas, sobre todo, de Inglaterra y de los Estados Unidos.Pintora pionera, Rosa Bonheur fue también mujer adelantada por la independencia y libertad con que vivió su vida, con plena autosuficiencia económica y siempre junto a Nathalie, su compañera.
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“Le paysage n’existe pas,” aurait dit Modigliani lors d’une discussion à Paris avec Diego Rivera que reporte Ramón Gómez de la Serna. Et pourtant...“Le paysage n’existe pas,” aurait dit Modigliani lors d’une discussion à Paris avec Diego Rivera que reporte Ramón Gómez de la Serna. Et pourtant, Modigliani fut élève à Livourne de Guglielmo Micheli, peintre de paysage dans la tradition des Macchiaoli italiens. Et pourtant avec Modigliani, de par ses nombreux portraits, c’est aussi l’Italie, le Midi et surtout Paris qui parlent.
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Lo que sobra
Un texto para reivindicar una literatura que levante las banderas de las viejas vanguardias y una crítica sagaz a la industria editorial. Un ensayo donde nada sobra.Durante el siglo XX las vanguardias estéticas y políticas soñaron con traer al centro a lo que sobra: restos, desechos, mingitorios, pero también el proletariado, los marginados. En la actualidad, bajo el régimen de acumulación neoliberal, ya nada de eso ocurre: lo que sobra está librado a su suerte. Solo. No tiene ni siquiera nombre. En la estela de Literatura de izquierda y Fantasma de la vanguardia, Damián Tabarovsky, transita en Lo que sobra de la literatura a la filosofía contemporánea, de la teoría estética al ensayo de crítica cultural, para pensar los riesgos del vanguardismo académico, la posibilidad de estar viviendo una guerra civil solapada, la necesidad de una justicia radical y las posibilidades de la literatura y el arte en este escenario.
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VINDICACIÓN DEL ARTE EN LA ERA DEL ARTIF
Un brillante y meditado alegato contra el estado actual del arte, sometido a las tramposas leyes del mercado, la banalización de lacultura del espectáculo, y la perniciosa influencia del progreso tecnológico. Este joven escritor y premiado director
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Musas, mecenas y amantes
¿Qué tienen en común estas seis mujeres, aparte de haber vivido en un mundo y una época extraordinarios? Todas ellas fueron musas ala manera clásica, inspiradoras de artistas y escritores, pero fueron también las primeras musas de la modernidad debido a
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Nuevo Baztán
Durante la Guerra de Sucesión española, el humanista,empresario y tesorero real Juan de Goyeneche (1656-1735) y el arquitecto José Benito de Churriguera (1665-1725) levantaron la ciudad industrial de Nuevo Baztán, cerca de Madrid. Impulsada por el espíritu reformista de los novatores , como el propio Goyeneche, einspirada en el modelo económico que desarrolló en Francia Jean Baptiste Colbert, ministro de finanzas deLuis XIV, la Grande Fabrique de Nuevo Baztán supusola introducción en España de un moderno sistema de producción de objetos suntuarios (textiles, vidrios, licores, papel, etc.) destinados no sólo a satisfacerla demanda de la corte sino también a la exportacióny comercio internacional, anticipándose a las RealesFábricas españolas y constituyendo una experiencia pionera en Europa por su dimensión territorial y su impacto demográfico y económico en la comarca, al tiempoque añadía una nueva ciudad al mapa de España. El triunfo de la Ilustración marcó el fin de esta utopía yel cese de toda actividad industrial, convirtiéndoseNuevo Baztán en un pueblo agrícola y residencial, que todavía sorprende por el rigor de su trazado y la belleza y monumentalidad de sus edificios principales,testigos elocuentes de esta portentosa iniciativa, cuyo alcance sólo podemos entender conociendo a sus artífices, Goyeneche y Churriguera, las distintas fábricas y sus productos, la vida cotidiana del Lugar, sucuidada arquitectura y su impecable forma urbana.
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John Ruskin
'En Ruskin, la paradoja, el capricho, el gusto personal y exclusivo se hace convincente, se eleva y se hace hasta inspiración celeste a fuerza de dominar el procedimiento demostrativo, con sedicencias y seducciones.''''Ruskin no es nunca un teórico, cuenta con pisar el paisaje que alaba, con entrar en él, lo ve todovivo, asequible, tibio, móvil y por eso en las cosasmás petrificadas encuentra la brisa que fuera con ellas, la luz que las anima y las adentra.ö
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Los Mitos En El Museo Del Prado
En colaboración con el Museo Nacional del Prado, estelibro estudia las obras de contenido mitológico másimportantes de nuestra universal pinacoteca. La descripción de cada obra se acompaña de una imagen de la misma, a todo color, de una calidad inigualable. Las imágenes han sido tomadas por los fotógrafos del Prado. Las partes en las que se divide el libro (entre lasque sobresalen, por destacar algunas, Las fábulas deVelázquez y su entorno o La torre de la Parada) vienen precedidas por claras introducciones al conjunto en cuestión. Todas ellas incluyen bellos grabados, cuidadosamente seleccionados por los autores. Como complemento, el lector podrá aproximarse a los textos antiguos que sirvieron de inspiración para la realizaciónde estas obras.
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Las máscaras de Aby Warburg
El viaje de Aby Warburg a Nuevo México es un hito enla biografía del historiador alemán siendo muchos losestudios que lo han analizado en relación a su pensamiento y a su legado intelectual. Sin embargo, son escasísimos los trabajos que han mostrado una actitud crítica hacia el mismo y el encuentro que Warburg tuvocon los indios pueblo. Los estudios de David Freedberg que aquí se presentan, inéditos en castellano, plantean el viaje de Warburg a Nuevo México como nunca antes se había hecho. Si la historiografía del arte había alabado el acercamiento de Warburg a la antropología, los textos de Freedberg, empleando una expresiónde Walter Benjamin, pasan la historia de este viajea contrapelo, para ver en ese movimiento lo que los relatos sobre el mismo han silenciado.
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El don
Ensayo Sexto Piso
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La imagen digital
En la televisión, en la cabina de los jets, en las salas de cine, en los quirófanos, los estudios de arquitectura y los laboratorios de física, las imágenes digitales son omnipresentes. Han revolucionado las formas de representación del mundo y la mirada que ponemos sobre las cosas y nuestro entorno. Transforman las artes plásticas, el cine... Este libro nos enfrenta a cuestiones sobre el modo de fabricación de las imágenes digitales y sus campos de aplicación. Su lectura no requiere de conocimientos en informática y su ambición es la de otorgar las claves necesarias para ayudar a comprender la nueva cultura visual, y permitir una reflexión estética y epistemológica.
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Publicar inaugura una línia editorial del departament d’Educació del MACBA sorgida del dia a dia de les pràctiques educatives en relació amb l’art contemporani i els museus. Aquest primer número del Quadern d’educació obre un temps per pensar en el que s’ha viscut, distribuir els aprenentatges i interpretar l’edició com una pràctica artística i pedagògica. D’aquesta manera, fanzins, adhesius, mapes conceptuals, llibres-àlbum i etiquetes emergeixen en forma de gestos que ens fan reflexionar sobre com, per què i per a qui es fa pública la dimensió educativa. Per què cal publicar? Com ens podem fer públics? Què s’ha publicat fins ara? Un conjunt d’assajos proposa possibles respostes a aquestes preguntes. Aida Sánchez de Serdio Martín rastreja l’educació en museus mitjançant una genealogia de pensament i referències, Macarena García i Belén Soto exploren canals concrets per al «publicar». La primera, amb un text que indaga sobre un artefacte singular, el llibre-àlbum desafiador i, la segona, obre el significat del «publicar» en el context d’internet i les xarxes socials, Lluc Mayol i Alba Oller fan un recorregut per l’experiència de Massa Salvatge amb processos editorials entesos com a treballs educatius o a la inversa, processos educatius que també són editorials, i Camila González Simon centra la mirada sobre els fanzins com a mitjà que construeix comunitat a través de la creació i la pedagogia. Finalment, un conjunt d’imatges amb notes al peu, que utilitzen com a pretext diferents activitats del departament d’Educació del MACBA, s’intercalen en el quadern com una eina de treball per pensar aquestes mateixes preguntes.
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El sacro Imperio Romano Español
Un libro de geopolítica cultural y de historioterapia «Occidente ha olvidado el alma hispana que lo vio nacer. Ya es hora de que reencuentre sus raíces y con él todos aquellos que vivimos divididos y de espaldas a los demás y a la verdad. Este libro contribuye decididamente a esa tarea». Marcelo Gullo, profesor argentino. «El Sacro Imperio Romano Hispano, que describe con acierto Alberto G. Ibáñez, nos incluye a todos: indígenas del norte al sur, españoles, criollos, negros mestizos y mulatos. Es un homenaje merecido a la primera operación civilizatoria multicultural de la Historia». Alfonso Borrrego, biznieto del último caudillo apache Gerónimo. «Ibáñez es un intelectual de gran talla: su lectura es urgente e importante. En el Sacro Imperio Romano Hispánico (SIRH), nos hace palpar la grandeza de nuestro legado y abre vías hacia un futuro pleno». Carlos Leáñez, profesor venezolano. «El autor, tras sus exitosos ensayos anteriores, no defrauda con un nuevo estudio serio, innovador y, sobre todo, fascinante. Con este libro el modelo hispano recupera su trayectoria y avanza una vez más hacia el Plus Ultra»
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Después del fin del arte
Recuperamos no de los libros más significativos del filósofo y crítico de arte Arthur C. Danto, una crítica radical de la naturaleza del arte de nuestro tiempo.Hace más de dos décadas, Arthur C. Danto anunció que la llegada del fin del arte se había dado en los años sesenta, y fue precisamente tras esa declaración cuando se situó a la vanguardia en la crítica radical de la naturaleza del arte en nuestro tiempo. Esta obra presenta la primera reformulación a gran escala de esta original percepción y muestra cómo, tras el eclipse del expresionismo abstracto, el arte se ha desviado irrevocablemente del curso narrativo que Vasari definió para él en el Renacimiento.
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Surrealismo, El
Cuando irrumpió sobre sus fundadores como una ola cargada de sueños, el surrealismo se anunció como el más cabal, concluyente y absoluto de los movimientos. Hizo suyo cuanto tocaba.
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HISTORIA Y ARTE DE LA MIRADA
El director de cine, crí tico y escritor irlandé s Mark Cousins ha creado un libro magní fico y un artefacto de granvalor artí stico que repasa la historia de la mirada humana a lo largo de los siglos. Desde las civilizaciones antigua
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Les arts i les escriptures de la Barcelona més innovadora de la fi del segle xx no es poden explicar sense les revistes Àrtics (1985-1990) i Cave Canis (1995-2000). Amb textos de Vicenç Altaió, Manuel Guerrero i Oriol Pibernat, i obres de Brossa, Tàpies, Llopis, Colomer, Perejaume, Duran, Benito, Borrell, Llena, Amat, Evru, Serrahima, Esclusa i tants altres del llegat de Joaquim Pibernat a la Fundació Palau.
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Cuadros de Madrid
“Sus locos y sus bufones tienen menos de deformes que de profundamente humanos, a tal grado el sufrimiento y la desgracia no parecen ser, en verdad, para Velázquez, más que motivo supletorio para esquivar lo contingente y profundizar en uno mismo, traspasándose hasta la misma esencia.”René Schwob (1895-1946), escritor y crítico de arte francés de origen judío convertido al catolicismo reúne aquí sus impresiones sobre Madrid, especialmente sobre los cuadros que ahí pudo ver de los grandes maestros de la pintura española: Velázquez, El Greco y Goya.
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La novela de artista: La novela como medio en las artes visuales
¿Por qué escriben novelas los artistas? ¿Qué efecto tiene la novela de artista en las artes visuales? ¿Cómo se debería experimentar una novela de este tipo? En la actualidad, existe una proliferación de artistas visuales que crean novelas como parte de proyectos artísticos más amplios, favoreciendo un tipo de arte basado en el proceso y la subjetividad, introduciendo nociones como la ficción, la narración y la imaginación. En este sentido, es posible hablar de un nuevo medio en las artes visuales. La novela de artista: La novela como medio en las artes visuales es una obra en dos volúmenes: Un nuevo medio, ensayo de enfoque teórico, y La fantasía de la novela, proyecto de investigación en forma de novela. Un nuevo medio tiene como objetivo esclarecer las cuestiones planteadas por la aparición de un nuevo medio artístico, con un enfoque teórico a través de una serie de casos de estudio que examinan críticamente las diferentes formas en que los artistas contemporáneos han empleado la novela de artista. La intención no es establecer una definición categórica de la novela de artista, sino más bien situar este fenómeno dentro del campo de las artes visuales, con la esperanza de iniciar un muy necesario debate sobre una práctica que, durante mucho tiempo, ha sido ignorada por las principales corrientes críticas del discurso artístico. Un ensayo acompañado de entrevistas con Benjamin Seror, Cally Spooner, Mai-Thu Perret, Goldin+Senneby, Francis McKee, Vivian Ziherl, Natasha Soobramanien, Clive Phillpot, Alex Cecchetti, Lukasz Gorczyca y Jan Jasinski. La fantasía de la novela es un proyecto de investigación en forma de novela que examina el proceso de creación de una novela de artista, la cual se desarrolló a través de cinco performances episódicas y una exposición. El protagonista se encuentra en la posición de un detective que intenta comprender las condiciones bajo las cuales un artista decide escribir, y cómo eso es posible dentro de un entorno artístico. Sus descubrimientos aparecen en forma de pistas que conectan las diferentes capas de la investigación. La fantasía de la novela cuenta la historia de cada una de las seis entregas y cómo fueron producto de un esfuerzo colectivo. El proceso creativo de la novela de artista se vio afectado por las condiciones bajo las cuales fue producida, incluidas las relaciones intersubjetivas usualmente invisibles para el público. Este libro narra la trayectoria desde la fantasía del artista (cómo el artista imaginó inicialmente que su novela existiría en el mundo) hasta la realidad de la obra (cómo se lee y recibe realmente). La narrativa se vuelve cada vez más compleja capítulo tras capítulo, conectando imágenes, referencias e ideas recurrentes que reflejan la rica composición del proyecto general.
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Idea
El libro, en diálogo con Cassirer, se aproxima a los asuntos de lo bello y el arte en los diálogos de Platón y llega en un momento esencial para la construcción de los cimientos de la Historia del arte que empieza a consolidarse de la mano de Riegl, Wölfflin y Warburg (este último decisivo para Panofsky), quienesentre mediados de los 80 y finales de los 90 del 1800elaboran los principios fundacionales de la disciplina tal y como se la conoce.Aunque lo más interesante del autor, cuyo vastísimo conocimiento que despliega frente al apabullado lector contemporáneo queaspira a empaparse de la cultura prodigiosa de la cual hace gala, es una forma de trabajo desjerarquizadaque parece aplicarse de igual manera a todas las obras sin tener en cuenta la ''calidad'' de las mismas. Esa mirada desjerarquizada plantea una idea muy contemporánea, próxima a los ''estudios visuales'': a cadaépoca le corresponde un sistema de representación visual que facilita la lectura de cualquier imagen que surge dentro del mismo. Es esa particularidad de su pensamiento la que preludia una mirada actual que vuelve a situar a Panofsky en el centro de una indudable discusión moderna.
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Museos galerias y rarezas
Este estudio, completamente novedoso en el ámbito dela investigación, ahonda en la visión del arte ilustrado y en la necesidad de proporcionar al viajero y curioso un sinfín de datos y lugares que pudieran serreconocidos por sus colecciones y bellezas artísticas. Así, la Dra. Alicia Vallina señala cómo la riquezade este tratado es, en sí misma, asombrosa, pues recoge las principales colecciones de bienes culturales de todo el mundo, junto con el nombre de algunos de los más ilustres coleccionistas de la historia de Europa.
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Encuentros creativos
El arte es considerado habitualmente como una actividad solitaria. Pero los artistas visuales, escritores y músicos a menudo encuentran su energía a través de un entorno colectivo. Compartir ideas alrededor de una mesa siempre ha dado lugar a intercambios fructíferos entre artistas de todo tipo. En estélibro, Mary Ann Caws explora una rica variedad délugares de reunión, pasados y presentes, que han sido propicios para la liberación y el sustento necesario délas energías creativas. Encuentros creativos habla de estos lugares en Europa y Estados Unidos, desde paisajes urbanos hasta refugios en islas, desde casas privadas hasta cafés públicos y colonias de artistas. Los ejemplos incluyen la casa de Florence Griswold en Old Lyme, Connecticut, lugar de reunión déla antigua colonia de arte de Lyme, el Café Louvre de Praga, lugar de reunión de Kafka y Einstein, el café modernista de Picasso en Barcelona, Els Quatre Gats, Charleston Farmehouse, lugar de reunión de Virginia Woolf y Vanessa y Duncan Bél, y los cafés de Saint-Germain¡-des-Prés y Montparnasse: los lugares de reunión de Apollinaire, Sartre y Patti Smith.
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La Dama Duende. El Hombre Que Rompía Los Estilos
El autor nos ofrece un recorrido por múltiples obrasde Bataille, haciendo especial hincapié en la revistaDocuments. Su posición con respecto al arte, nos dice, será siempre dialéctica, inextricablemente contradictoria, de modo que le exigirá invariablemente al arte dar forma a una experiencia que sea, a la vez, ejercicio de crueldad o sacrificio y fruto de una inquietud cercana a la inocencia de la infancia
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Arte, botín de guerra
Para el franquismo, la República era la enemiga del patrimonio y de la religión, cuyo poder estaba controlado por los ''rojos'', y en su territorio dominabala barbarie, el caos, la iconoclasia y el robo de los bienes patrimoniales. Sin embargo, esta acusación,que mantendría con insistencia machacona durante todasu existencia, escondió durante décadas la labor desalvaguarda republicana de las obras de arte y su destino en la inmediata posguerra.El autor de este libro(reconocido experto en el estudio del devenir del patrimonio durante la guerra y la posguerra en España ydirector de varios congresos internacionales sobre el tema, el último celebrado en el Museo del Prado en2019) llevaba años planteándose cuál había sido el destino durante el primer franquismo de las miles de obras salvadas y almacenadas por la República durante la guerra. Tras la concesión de dos proyectos de I + Ddedicados a este ámbito y después de cinco años de investigación, vierte aquí los sorprendentes resultados.Parte del estudio de las políticas republicana y franquista durante la guerra para centrarse en el destino que los gestores franquistas les depararon a estasobras en la inmediata posguerra. El núcleo esencialdel libro analiza la gestión franquista de aproximadamente 17.000 obras almacenadas por la República, quefueron devueltas en muchos casos a sus propietarios,aunque una gran cantidad fueron desviadas hacia otrosdestinatarios, que sin embargo reconocían en muchoscasos como suyas. Supone una novedad investigadora inédita el estudio de las entregas en depósito de milesde estas piezas a museos, a organismos, a la Iglesiae incluso a particulares, lo que produjo el expolio,la diáspora y la desaparición de numerosas obras. Enmuchos sentidos, este expolio franquista tiene paralelismos indudables con el realizado por los nazis enlos mismos años. Es el arte como botín de guerra.
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Tomoko Yoneda
Tras recibir importantes exposiciones individualesen Japón y Corea, Fundación MAPFRE presentará la primera exposición en Europa con la obra de Tomoko Yoneda.Tomoko Yoneda realiza obras complejas con referencias a la historia contemporánea y al conflictohumano. Busca hechos pasados con un enfoque casi antropológico, hechos que no presenció y utiliza la fotografía para traerlos al presente. Sus imágenes de paisajes e interiores pueden parecer a primera vista lugares hermosos sin ningún significado. Sin embargo, después de leer las leyendas, estas fotografías se vuelven algo más complejas y preocupantes: son sitios de catástrofes humanas. Yoneda ha optado por representarlugares asociados con la guerra y, en particular, sitios vinculados con la Primera y Segunda Guerra Mundial, la Segunda Guerra Sino-Japonesa y la Guerra Fría.Nacida en Akashi en la prefectura de Hyogo, Japón en 1965, Tomoko Yoneda estudió fotografía en la Universidad de Illinois en Chicago (1989) y más tarde en el Royal College of Art de Londres (1991). Actualmente vive en Londres y Helsinki.
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Fiestas de la Mercè de Barcelona
Las Fiestas de la Mercè son memoria, tradición, identidad y espectáculo. Desde que en 1871 se proclamara oficialmente a la Virgen de la Merced como patrona de la ciudad, cada 24 de septiembre —y en los días que la rodean— Barcelona se transforma en un mosaico de cultura popular, música, fuego, danza y emoción compartida. En este libro, el historiador César Alcalá nos invita a recorrer la historia y la evolución de una de las celebraciones más emblemáticas de la capital catalana. Desde sus orígenes religiosos hasta su actual dimensión cívica y festiva, Las fiestas de la Mercè traza un recorrido ameno y documentado que nos permite entender por qué esta festividad sigue siendo hoy un espejo de lo que Barcelona es —y quiere ser. Un homenaje a las raíces y a la alegría de una ciudad que, al ritmo de castells, gegants, sardanas y correfocs, se celebra a sí misma cada septiembre.
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Semana Santa de Huelva
Este libro te invita a recorrer la historia de una tradición que, desde sus humildes inicios en el siglo XVI, ha evolucionado hasta convertirse en un emblema de la identidad onubense. Descubre cómo la Hermandad de la Esperanza ha tejido la fe y la cultura en sus icónicas procesiones, y cómo artistas locales como el escultor León Ortega han dejado una huella imborrable en la estética y espíritu de esta celebración única. Con relatos conmovedores y momentos clave, este libro abre una ventana a los personajes y eventos que le han dado forma. A través de historias personales y evocadoras, Vieira Roldán captura la esencia de las procesiones que llenan de color y emoción las calles de Huelva, donde cada paso de los nazarenos y cada suspiro de incienso revelan la devoción que tarde a tarde inunda la ciudad. Más que un recorrido histórico, este libro invita a reflexionar sobre el profundo impacto de la Semana Santa en la comunidad: cómo une familias, revitaliza el sentimiento de pertenencia y mantiene viva una tradición que enfrenta los retos del tiempo.
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Un sereno en el cementiri de l'art
Un sereno en el cementiri de l'art és el primer llibre d'assaig que publica Poncianes. La proposta del seu autor s'apropa a la teoria de l'art de la literatura amb un llenguatge filosòfic, críptic i alhora reflexiu. El volum dóna veu al diàleg de Vicenç amb els qui foren algunes de les figures determinants de la revolució artística del segle XX. Des del Noucentisme fins al postestructuralisme, es fa parada a les primeres i a les segones avantguardes, es recorre i es veu com es produí el pas del testimoni entre uns i altres. Després de Dau al Set prenen la visió Zush, Jaar i Galdón. Hi trobem els grans de la plàstica, Dalí, Miró, Calder, entre d'altres, acompanyats dels mestres de la revolta poètica de la paraula, Eugeni d'Ors, J.V. Foix i Joan Brossa. Les entrevistes a Antoni Tàpies, Arnau Puig, Pere Portabella, Alber Ràfols-Casamada, Alfredo Jaar, Hannah Collins, Jordi Colomer i Jaume Josa tanquen el volum.
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Parcial apasionada política
En este libro se muestra que el fundamento de la actitud crítica en filosofía -tanto en el criticismo kantiano, como en la crítica marxista, así como la llamada ''teoría crítica de la Escuela de Frankfurt''- procede en realidad de la crítica artística y literaria,y no al revés. Por ello también, este libro se afanaen buscarle un fundamento de legitimidad a la crítica, así como en establecer su alcance y sus límites.
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