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El Prado inadvertido
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Descripció
Un recorrido por el Museo del Prado ?por sus imprescindibles y sus olvidados? de la mano de una Estrella de Diego. áá Paseos por el Museo del Prado. Por sus clásicos y sus olvidados. Por su historia, sus historias y sus recovecos. Siguiendo la estela del clásico Tres horas en el Museo del Prado de Eugenio d'Ors, Estrella de Diego nos propone un nuevo recorrido con una mirada del siglo XXI.Y así asoman por estas páginas imprescindibles como Las meninas de Velázquez leídas a la luz del Pierre Menard de Borges, o las obras de Goya, también cuadros históricos que hoy vemos con otros ojos e interpretamos con otra perspectiva, como Las hijas del Cid de Teófilo de la Puebla o Juana la Loca de Pradilla, o la escultura del Hermafrodito, y lienzos olvidados como los de Clara Peeters o el espléndido retrato de un león africano titulado El Cid de Rosa Bonheur, que durante demasiado tiempo estuvo guardado en los sótanos, acaso porque su autora era mujer y lesbiana, y si hoy hay que reivindicarla es sobre todo como una gran pintora a secas.El Prado inadvertido se mueve entre el ensayo y la memoria personal y es un homenaje a un museo que ha acompañado a la autora a lo largo de toda su vida. Un museo cargado de pasado y de futuro, un espacio vivo, que se va transformando a través de las miradas de las sucesivas épocas. Porque, como dice Estrella de Diego: «Los museos, como las palabras y las historias y las imágenes, van cambiando a cada paso, llenándose de narrativas diferentes y nuevas, las que exigen los cambios en el gusto, las que persiguen las transformaciones en el concepto de calidad, las que se construyen, aun sin saberlo, desde las leyes del extranjero: traer y llevar las preguntas. Es cuestión de sacar lo olvidado a la luz ?aunque lo olvidado sea diferente en cada momento histórico? y rescatar lo excluido teniendo clara una cosa: por mucho que tratemos de recuperar lo excluido, siempre quedará algo fuera, alguien fuera.»
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Ressenya d’expert llibreter
Xavi
Llibreter d'Abacus Sant Cugat
El Museo del Prado, a Madrid, és una de les grans pinacoteques, però a vegades hi ha obres que passen inadvertides o detalls que s’obvien. En aquest assaig l’autora ens ho mostra d’una manera rigorosa i apassionada que enganxarà els amants de l’art i ens donarà a conèixer aspectes que passen desapercebuts de les obres des d’una altra perspectiva.
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Un curso de descubrimiento y rescate de tu propia creatividad. La mayoría de nosotros anhelamos ser más creativos y muchos creemos que conseguir serlo es imposible porque en realidad no lo somos. Este planteamiento es erróneo y lo único que provoca es que nuestra creatividad se quede dormida en nuestro interior junto a nuestra verdadera esencia. A menudo nos negamos el placer de soñar, de conseguir lo que siempre hemos deseado, de rechazar nuestros impulsos naturales, nuestra propia personalidad. El camino del artista nos enseña a crear con mayor libertad a través de la utilización consciente de una serie de herramientas que nos ayudarán a terminar con el bloqueo creativo. Su efecto es similar al yoga y la práctica constante de la escritura diaria -páginas matutinas-, los encuentros con el artista, el juego y una exhaustiva introspección guiada harán que modifiquemos nuestra conciencia y nos abramos a un nuevo horizonte imaginativo. Gracias a las enseñanzas de la reconocida escritora y artista Julia Cameron iniciaremos un camino creativo y espiritual que nos hará remontarnos a nuestra verdadera naturaleza, y en doce lecciones magistrales seremos capaces de rehabilitar nuestra creatividad, de entregarnos a la imaginación y encontrar el sentido de nuestra existencia. Un recorrido revelador por nuestras inseguridades y nuestros miedos, pero también por nuestros recuerdos, nuestros objetivos y por lo mejor de nosotros mismos. Una obra necesaria para escritores, poetas, actores, pintores, músicos o para cualquier otro individuo creativo. «La creatividad no tiene ni fondo ni techo aunque haya partes de su crecimiento que sean lentas. El ingrediente que se precisa es la fe -entendida como confianza férrea en uno mismo-. Este libro te muestra el camino y la fe necesarios para liberar la creatividad de las personas. Tómalo como un ejercicio para abrirte a una nueva perspectiva y libera al artista que llevas dentro».Julia Cameron
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Un siglo después de su muerte, el artista vienés Gustav Klimt (1862-1918) aún continúa sorprendiendo con su erotismo desvergonzado, sus superficies deslumbrantes y su experimentación artística. En esta monografía reunimos todas las obras fundamentales de Klimt junto a anotaciones histórico-artísticas acreditadas y material de su archivo personal.Con lujosas ilustraciones, e incluyendo la nueva fotografía de la aclamada serie Stoclet Frieze, el libro repasa la trayectoria de Klimt y su papel destacado en el movimiento secesionista de 1897, su fiel representación del cuerpo femenino y su deslumbrante época dorada, en la que el pan de oro aportó textura y un tono brillante a obras tan célebres como El beso y Retrato de Adele Bloch Bauer I, también conocido como La dama de oro.
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La fisonomia de Barcelona és diversa, com també ho és la seva gent. Els esgrafiats -tècnica decorativa aplicada als revestiments murals des del segle xvii fins a l'actualitat- són una característica específicament barcelonina que embelleix les construccions urbanes i atorga una personalitat única a cada edifici. Barcelona esgrafiada ens convida a fer una passejada per descobrir la pell de l'arquitectura i gaudir d'aquest ric patrimoni d'orles, figures, motius florals, garlandes, sanefes i, fins i tot, anuncis publicitaris que, tatuat a les façanes, evoca la singularitat i l'elegància de tots els edificis de la ciutat. El llibre inclou codis QR per localitzar els edificis esgrafiats.
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Se dice que Hokusai pintó su primer cuadro a los seis años. Un año después de su muerte, con 89 años, se publicaron póstumamente sus dibujos para libros ilustrados. Esta edición recorre cada una de las fases creativas de la larga y prolífica carrera del artista: desde los retratos de actores con los que se inició hasta los 1300 diseños realizados en sus últimos años bajo el nombre de Manji.Este volumen, que reproduce 746 xilografías, pinturas, bocetos e ilustraciones de libros, muchos de ellos con gran detalle, es la publicación más completa sobre el que posiblemente sea el artista más famoso de Japón. El atractivo de Hokusai como figura representativa del periodo Edo de Japón perdura hasta el día de hoy: en marzo de 2023 se publicó una versión de su icónica xilografía La gran ola de Kanagawa, de su serie Treinta y seis vistas del monte Fuji, que se subastó por 2,76 millones de dólares.Esta monografía va mucho más allá de La gran ola y presenta obras de arte familiares y otras menos conocidas y rara vez reimpresas. Titulada The (almost) complete Hokusai, ofrece una variedad inigualable de temas y técnicas: desde una vista de la cascada Kirifuri hasta mapas de gran formato de los caminos del Tōkaidō y del Kisokaidō y de la península de Bōsō, desplegables de libros ilustrados, entre los que se cuentan originales estampas eróticas (shunga) y manuales de dibujo, como los quince volúmenes Hokusai manga, y varias representaciones de animales, como sus diversas series de xilografías sobre pájaros y flores y sus posteriores pinturas en pergaminos colgantes de patos en medio de un arroyo y un tigre en la nieve.Tras un extenso trabajo de documentación, esta edición presenta nuevas fotografías de obras de arte conservadas en más de 100 instituciones de todo el mundo. Estas incluyen museos y colecciones de Europa, Estados Unidos y Japón, como el santuario Hiei en Kisarazu, donde con motivo de esta edición se volvió a fotografiar un panel que representa la caza de un jabalí al pie del monte Fuji.Los textos de Andreas Marks sitúan las obras de Hokusai en su contexto histórico y exploran su influencia en artistas occidentales como Degas y Gauguin, a pesar de que nunca abandonó Japón. The (almost) complete Hokusai combina la investigación rigurosa sobre la autenticidad del arte de Hokusai con reproducciones extragrandes, incluidos cuatro desplegables, para ofrecer un carnaval visual del Japón del periodo Edo y una valiosa obra de referencia académica.
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Hoy en día, las obras de Vincent van Gogh (1853-1890) se encuentran entre las más conocidas y valoradas del mundo. En pinturas como Los girasoles, La noche estrellada y Autorretrato con la oreja vendada reconocemos a un artista con un talento único para la representación de las texturas y las emociones, la luz y el espacio.Durante su vida, Van Gogh tuvo que enfrentarse no sólo al desinterés de sus contemporáneos, sino también a los devastadores ataques de su enfermedad mental. Sus episodios de depresión y ansiedad le acabarían costando la vida cuando, en 1890, poco después de su 37 cumpleaños, se suicidó. Este exhaustivo estudio sobre Vincent van Gogh ofrece un catálogo completo de sus 871 pinturas acompañadas por textos que recorren la vida y la obra de una de las figuras más destacadas de la historia del arte.
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La arquitectura del siglo XX se distingue por su asombrosa diversidad. Del mismo modo que el choque delo puramente estético con lo comercial produjo una feliz simbiosis, las visiones puristas y otras más experimentales, la estéticas monumentales y otras más pintorescas se encontraron cara a cara. Desde los grandes arquitectos estrella hasta nombres internacionalesmenos conocidos, esta panorámica cronológica nos transporta hasta el corazón de las ideas, tendencias y cambios que han definido el siglo XX.De Frank Lloyd Wright y Antoni Gaudí a Frank O. Gehry y ShigeruBan, todo está aquí. Los 31 capítulos, organizados cronológicamente, lo sitúan todo en perspectiva, ilustrados por cientos de fotografías en gran formato, asícomo por una pléyade de dibujos y planos. El apéndicebiográfico abarca a todos los arquitectos más importantes del siglo y también a los nuevos talentos. Y las espectaculares ilustraciones incluyen algunas de las mejores imágenes de la arquitectura moderna.Para aquellos que admiran el espíritu y el diseño deedificios del siglo XX, este es un título de referencia. La colección abarca no sólo a los autores sino también a los grupos, los movimientos y los estilos quedefinieron una era en el arte de la construcción. ¡Una obra indispensable para los amantes de la arquitectura!
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Un pájaro monstruoso que devora a los pecadores, cuerpos desnudos contorsionándose en posturas tántricas, un par de orejas blandiendo la hoja de un cuchillo: con tan solo 20 pinturas y 9 dibujos a su nombre, el visionario holandés Hieronymus Bosch (aprox. 1450-1516) se ha asegurado su lugar como pilar en la historia del arte. A día de hoy, el pintor por excelencia del infierno y sus demonios continúa sorprendiendo y cautivando a expertos en pintura, artistas, diseñadores y músicos por igual. Esta monografía a gran escala, basada en la exitosa edición XXL para la que TASCHEN encargó nuevas y exclusivas fotografías de detalles y de las obras recientemente restauradas, presenta la obra completa del Bosco. Los textos de Stefan Fischer, historiador del arte y experto en su obra, analizan los numerosos elementos cautivadores que pueblan cada escena, desde los seres híbridos mitad hombre y mitad animal hasta el uso pictórico de refranes y modismos propio del artista. Este libro, que ofrece una exhaustiva panorámica de su inaprensible obra, revela por qué el Bosco y su pintura han sido inmensamente influyentes.
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Dana combina el hermoso arte de la acuarela y la relajante técnica de la observación natural. Y guía paso a paso a sus lectores para que puedan aprender y realizar sus propias obras de arte. El libro incluye 50 proyectos artísticos de temática natural, tales como una pluma, un zorro, una mariposa, una flor silvestre, una seta, un abejorro, un búho o una cabaña, junto a sus correspondientes ilustraciones de referencia. No obstante, cada uno de ellos presenta un nuevo reto para conocer a fondo la técnica y la teoría del color, de tal modo que cada uno pueda integrar el conocimiento aprendido en sus propias creaciones. El libro está impreso en papel de acuarela de gran calidad para facilitar la tarea tutorial y obtener los mejores resultados. Además, las páginas están perforadas con el objetivo de que al terminar la tarea se puedan colgar en la pared. Si bien los consejos del libro pretenden introducir a los que no conocen la técnica, también mejorarán las habilidades de los artistas consumados. Y es que la autora nos transmite en esta obra su entusiasmo para ver y sentir lo que nos rodea, lo que lo convierte en un libro valioso, incluso revelador, para cualquier persona interesada en la naturaleza, sin importar cuán rudimentarias sean sus conocimientos artísticos.
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Amantes del arte, escépticos y desconcertados: esta historia del arte moderno es para vosotros ¿Qué es el arte moderno? ¿Por qué se ama o se odia? ¿Y por qué es siempre tan exageradamente caro? Will Gompertz, director de Arte de la BBC, exdirector de la Tate Gallery de Londres y uno de los mayores expertos del mundo, ha escrito una deslumbrante guía que cambiará para siempre la manera en que miramos el arte contemporáneo. Desde los nenúfares de Monet hasta los girasoles de Van Gogh, pasando por las latas de sopa de Warhol y los tiburones en formol de Hirst, este libro nos descubre la historia que hay detrás de las obras, las personas que hay detrás de los artistas y la verdadera magia que esconde el arte moderno. Dirigido tanto a escépticos como a convencidos, ¿Qué estás mirando? resuelve todas las preguntas que siempre nos planteamos y nunca nos atrevimos a hacer. En un sorprendente recorrido por los últimos ciento cincuenta años del arte salpicado de reveladoras anécdotas, Gompertz nos explica en qué consiste la genialidad de Pollock o Cézanne, cómo un urinario cambió el curso de la historia o por qué nuestro sobrino de cinco años realmente no lo haría igual. Original, irreverente y muy accesible, este libro rompe con mitos y prejuicios y hará que nuestra próxima visita a un museo sea menos intimidante y mucho más apasionante.La crítica ha dicho:«Will Gompertz [...] un tipo singular. Rápido como la sangre. Y de algún modo un defensor de la claridad en un territorio de opacidades. Entra en faena desde un libro lúcido que tiene algo de síntesis mental de lo complejo. [...] una exploración que desacraliza con audacia e ironía tanto el cuello duro de la crítica de arte, a la vez que hace su propia crítica desde la orilla de la claridad.»Antonio Lucas, El Mundo«Es tan provocador, irreverente, irónico, divertido y políticamente incorrecto como muchos de los artistas de los que habla. Gompertz da un buen repaso (en todos los sentidos) al arte moderno y contemporáneo. Su visión del mundo del arte es inteligente, salpimentada con buenas dosis de humor.»Nati Pulido, ABC «Tanta contundencia en las opiniones proviene de Will Gompertz, director de arte de la BBC y considerado una autoridad mundial en el arte moderno y contemporáneo. [...] En realidad, el libro requiere algo más que un simple pestañeo. Se lee más bien como un completo y ameno manual de 472 páginas.»Ángeles García, El País «Para salvar la brecha que separa a muchos visitantes de los objetos que contemplan, Gompertz ha escrito precisamente ¿Qué estás mirando?, un ameno recorrido por la creación moderna para que la comprenda todo el mundo.»Javier Ors, La Razón«Will Gompertz es de esa estirpe de profesionales que, porque de verdad saben, no necesita demostrar nada. Aúna sencillez, falta de afectación y hondura, con lo que alimenta en quien le escucha la sensación de que en cada una de sus palabras hay un poso de sabiduría. [...] ¿Qué estás mirando?, un texto original, irreverente y muy accesible que, dirigido tanto a escépticos como a convencidos, resuelve una buena porción deesas preguntas que muchos se plantean y pocos se atreven a formular.»Hoyesarte.com (10,490 Traffic Rank en España, Alexa)
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Vicent Andrés Estellés és un dels poetes fonamentals de la literatura catalana. La seua obra és una narració íntima i universal de la nostra història recent: la mort i la fam, l'horror de la guerra, la crua postguerra i la derrota col·lectiva. Però també la resistència, l'esperança, la lluita constant i la fràgil alegria. En aquest llibre únic, la primera biografia sobre Vicent Andrés Estellés, el músic i escriptor Pau Alabajos ens acosta al recorregut vital del poeta amb motiu de la celebració del centenari del seu naixement.
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Comprender la morfología y la estructura del cuerpo humano es esencial para poder representarlo artísticamente. Este libro nos introduce de forma práctica y visual en la anatomía artística a través del écorché y otras técnicas de dibujo. Sus cerca de mil ilustraciones nos permiten captar la naturaleza del cuerpo humano en su vertiente más formal con el objetivo de que este aprendizaje se convierta en una potente fuente de creatividad. Más de mil dibujos anatómicos organizados en seis capítulos: cabeza y cuello, torso, hombros, extremidades superiores, extremidades inferiores y cuerpo entero. Principios básicos del dibujo anatómico: las claves de la composición, las proporciones y el encaje aplicadas a todos los niveles, desde el detalle anatómico hasta el cuerpo en movimiento. Morfología, tejidos y texturas: una incursión anatómica al interior del cuerpo humano desde la musculatura hasta la osamenta. Perspectivas y rincones inéditos: dibujos desde todos los ángulos posibles para aprehender una visión tridimensional del cuerpo humano rica y diversa.
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En 2016 el Museo Picasso de Barcelona adquirió el fondo fotográfico de Lucien Clergue relativo a Picasso: cerca de seiscientas fotografías en blanco y negro a las sales de plata, todas ellas copias de época. Este libro presenta, en forma de crónica, una selección de este conjunto: la narración en imágenes que Clergue hizo de Picasso a lo largo de numerosos encuentros que tuvieron lugar en el sur de Francia, donde ambos vivían.Picasso-Clergue es a su vez un álbum de familia y el diario de una amistad.Edición en francés.
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Detalls del producte
Tipus de producte:
Llibre
Pàgines/Fulls:
304
Any d'edició:
2022
Col·lecció:
Argumentos
Idioma:
Castellà
Tipus de tapa:
Tova
EAN:
9788433964922
Referència Abacus:
1400426.34
Editorial:
Anagrama
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Desde mediados de la década de 1940 el panorama de las artes visuales empieza a transformarse de manera radical: París y las viejas vanguardias pasarán a la historia para dejar paso a un nuevo periodo en el cual Estados Unidos y América Latina empiezan a adquirir un auge hasta el momento impensado. Se abre de este modo una nueva forma de acercarse al hecho artístico que, con nuevos actores y nuevos guiones, cambia por completo el panorama de las artes visuales y las formas de narrarlo. El libro se aproxima a esos nuevos relatos haciendo un especial énfasis en cuestiones esenciales para el cambio de paradigma que se opera en el arte a partir de la segunda mitad del siglo XX: desde la puesta en cuestión de asuntos básicos como la unicidad y la originalidad, la mayor visibilidad de las mujeres artistas o la importancia de la teoría en la producción y lectura de las obras, hasta los nuevos lugares de exhibición o la irrupción de otros países fuera del ámbito de poder tradicional.
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