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Llibres de disseny i arts decoratives
Descobreix la nostra col·lecció de llibres de disseny. Una àmplia i variada selecció de lectures per aprendre les tècniques professionals de pintura i dibuix. Converteix-te en un artista! Compra llibres de disseny online. En aquesta secció disposem d'una extensa selecció de llibres de disseny i arts decoratives. Lectures que et convidaran a aprendre a explicar històries i dibuixar, a crear objectes amb ceràmica, a escriure, a pintar a l'oli o amb aquarel·les, a fer maquetes, gravats, marqueteria, serigrafia o cal·ligrafia amb pinzell. Així mateix, hi trobaràs equips complets de dibuix, manuals de tècniques de dibuix i guies introductòries sobre tot tipus de materials, com ara esmalts ceràmics, llapis, pintures i tintes, entre altres.
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Con sus hombres con bombín flotando en el cielo o la pintura de una pipa sobre la leyenda «Esto no es una pipa», René Magritte (1898-1967) creó una caja de resonancia de objetos e imágenes, nombres y cosas, realidad y representación. Como otras obras surrealistas, las pinturas de Magritte combinan una técnica mimética precisa con configuraciones alienantes inusitadas que desafían las leyes de la escala, la lógica y la ciencia. Un peine del tamaño de un armario, rocas que flotan en el cielo, nubes que atraviesan una puerta abierta: el resultado es un mundo directo pero desorientador, a menudo ingenioso y desconcertante, el cual nos impulsa invariablemente a intentar ver más allá de lo visible y discernir «lo que se oculta tras lo que vemos». Este libro introductorio explora el amplio repertorio de humor visual, paradoja y sorpresa de Magritte, que aún hoy nos impulsa a examinar repetidas veces no solo la pintura, sino nuestra condición de individuos y el mundo que nos rodea.
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En este práctico manual, Anja Keller (Letterleuchten) te enseña a crear bellos motivos florales utilizando la técnica de la acuarela suelta. Aprende a pintar fácilmente pequeñas flores decorativas, rosas, peonias u hojas diversas y a diseñar asombrosas composiciones con ellas a través de simples pinceladas e instrucciones paso a paso.Seas principiante o avanzado, este libro es una introducción perfecta a la acuarela y a la composición de color, además de una oportunidad para descubrir tus habilidades artísticas a través de ilustraciones llenas de viveza y color.
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Un libro imprescindible para conocer la obra de Leonardo en todos sus aspectos: su técnica pictórica, sus investigaciones científicas y tecnológicas, su estudio dela anatomía, sus códices y cualquier sugerencia nacida de su genio. Todas las obras y pinturas vanacompañadas por fichas descriptivas y técnicas. Toman especial protagonismo los detalles, las obras más controvertidas, aquellas cuya aceptación por la crítica es reciente o las obras maestras que han alimentadoel debate internacional, como Ángel encarnado, Salvator Mundi y La bella princesa.Las leyendas explicativas sacan a relucir los aspectos más curiosos dela historia de cada pintura. Gracias a la colaboración directa con coleccionistas y museos, las reproducciones fotográficas de las pinturas y otras obras reflejan las últimas restauraciones.
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Este kit, formado por dos manuales de instrucciones y un juego de materiales para principiantes, constituye una completa guía sobre el arte del dibujo con pasteles. Explore una amplia variedad de técnicas, especialmente diseñadas para ayudarle a mejorar la suya y crear sus propias obras. Con el Kit completo de pastel podrá, gracias a los exhaustivos consejos prácticos sobre los materiales y la creación de composiciones, más una colorida selección de proyectos, mezclar colores y realizar estupendas obras de arte en cuestión de semanas.El kit de materiales para principiantes contiene:-12 pasteles de colores-5 lápices de pastel-1 lápiz de dibujo-1 difumino-1 borradorEl libro Técnicas proporciona los fundamentos para desarrollar habilidades básicas de dibujo. Aquí encontrará todo lo que necesita para comenzar, desde la preparación del tema de dibujo y el dominio de diferentes técnicas hasta la creación de composiciones dinámicas.El libro Proyectos consta de proyectos bien explicados y con instrucciones paso a paso. Abarca todos los temas de dibujo más comunes, como los paisajes, los bodegones, los retratos y la arquitectura. Desde los bocetos preparatorios hasta los dibujos finales, irá ganando confianza paulatinamente hasta desarrollar su propio estilo.
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La mayor dificultad de la pintura, indistintamente del procedimiento que se utilice (acuarela, acrílico u óleo), radica en la mezcla de los colores y su aplicación. La manipulación correcta del color sobre la paleta es un paso previo esencial para conseguir un dominio de los matices, amplitud cromática y una buena armonización sobre el soporte, requiere un conocimiento técnico de la fusión de los colores y horas de práctica hasta manejar la pintura de manera intuitiva e impulsiva.Este libro es una guía imprescindible para aprender a relacionar los colores de la paleta con los del modelo y resolver con éxito las distintas armonizaciones y gamas cromáticas que pueden plantearse.
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¡EL MANUAL IDÓNEO PARA TODOS AQUELLOS ARTISTAS QUE AMAN EL MANGA! Conviértete en todo un experto del dibujo manga con esta nueva colección de títulos que presentamos. Aprende de la mano de auténticos profesionales las mejores técnicas y consejos infalibles que te ayudarán a asentar en muy poco tiempo unas bases de dibujo sólidas que audarán a adentrarte en el mundo profesional o ayudarte a crear tus propios personajes manga.
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* La guía esencial para coleccionistas, admiradores de Banksy y entusiastas del street art. * Indaga en el significado de las obras icónicas de Banksy con información concisa sobre cada impresión. * Documenta todas las combinaciones de colores conocidas, pruebas de artista y de imprenta, lo que la convierte en una referencia indispensable para los coleccionistas apasionados. Muestra detalles esenciales de un vistazo: ejemplares de cada tirada, dimensiones, tipos de papel, fechas de lanzamiento y ediciones especiales. Esta introducción experta proporciona un valioso contexto histórico-artístico para la obra de este singular artista.
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El arte de colorear tu momento cozy. Cuaderno Cozy te invita a sumergirte en un mundo ilustrado donde cada página es un rincón de paz. Desde tazas humeantes hasta mantas esponjosas, desde tardes de lluvia hasta librerías cálidas, este libro de 120 páginas está repleto de escenas que inspiran ternura, descanso y placer visual. Sin texto, sin reglas: solo tú, tus colores y tu momento de calma. Ya sea para regalar, decorar o simplemente disfrutar, este cuaderno se convertirá en tu nuevo refugio creativo.
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Entre las pintoras italianas, Lavinia Fontana merecesiempre tener un lugar destacado. Aunque, tras su muerte, la admiración de sus contemporáneos se desvaneció y el recuerdo de su fama se difuminó, las obras desu singular y valiente actividad artística siguen brillando con toda justicia en la luminosa constelacióndel arte pictórico del siglo XVI.
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Pese a que nunca salió de su tierra natal en los Países Bajos, Rembrandt van Rijn (1606-1669) cambió el curso del arte occidental con su extensísimo repertorio de pinturas, dibujos y grabados. Su prolífica obra abarca escenas religiosas, históricas y seculares, así como una de las más extraordinarias series de retratos y autorretratos de la historia.La textura, la luz y un agudo poder de observación son las características que identifican al maestro. Como repentinas y asombrosas apariciones en una oscura calle, los personajes brillan en fondos oscuros y profundos, fruto de una reproducción física y psicológica sumamente fiel y detallada. Ya sean figuras bíblicas o mitológicas, poderosos mecenas o conciudadanos, a todos ellos les confiere no sólo meticulosos rasgos faciales sino también la fuerza intrigante de los pensamientos y los sentimientos, de forma que incluso las narraciones de tiempos antiguos como el pasaje bíblico de David y Batseba alcanzan un nuevo nivel de drama humano. Rembrandt también fue el autor de una crónica de su propio rostro, desde su juventud hasta el año de su fallecimiento, compuesta por la serie más extensa de autorretratos jamás creada. Su ascenso coincidió con la eclosión de la Edad de Oro neerlandesa, época de prosperidad en los Países Bajos. Contó con el estímulo de ricos mecenas, pero, ante todo, lo impulsaba una profunda fascinación por las personas. En este libro repasamos algunas de las pinturas, grabados y dibujos clave de Rembrandt para presentar sus técnicas, inspiraciones y logros excepcionales. Desde el estilo barroco de El festín de Baltasar hasta la fama mundial de La ronda de noche, descubrimos un mundo de tonos ricos y profundos, un talento magistral para el dibujo y una extraordinaria sensibilidad por la condición humana.
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En Free Play, Stephen Nachmanovitch propone una meditación magistral sobre cómo la improvisación se puede aplicar no solo al arte sino también a la vida y sobre cómo, al hacerlo, desbloquearemos nuestra creatividad.«¿Cómo se aprende a improvisar? ¿O, en todo caso, cómo se aprende cualquier arte? ¿O cualquier cosa? Es una contradicción, un oxímoron. Ve y dile a alguien: ''¡Sé espontáneo!''. O trata de que alguien te lo diga. Nos sometemos a maestros de música, de baile o de talleres literarios que pueden criticar o sugerir, pero lo que realmente nos piden es que ''seamos espontáneos'', que ''seamos creativos''. Y eso, por supuesto, es más fácil decirlo que hacerlo. ¿Cómo se aprende a improvisar? La única respuesta es otra pregunta: ¿Qué nos lo impide? La creación espontánea surge de lo más profundo de nuestro ser. Lo que tenemos que expresar ya está en nosotros, somos nosotros, de manera que la creatividad no es una cuestión de encontrar el material, sino de desbloquear los obstáculos para que fluya naturalmente.» -Stephen Nachmanovitch Si bien la espontaneidad y la inspiración pueden quedar bloqueadas, descarrilarse o ser eclipsadas por factores inevitables de la vida, Stephen Nachmanovitch apuesta por una fluidez de la energía creativa sin obstáculos, es decir, por el goce de hacer arte en todas sus variantes vitales. Basándose en ejemplos de las artes, las ciencias y las tradiciones espirituales de la humanidad, Free Play nos revela por qué creamos y lo que aprendemos cuando lo hacemos. Lleno de citas inusuales, anécdotas divertidas y metáforas originales, el autor nos guía para esclarecer cómo podemos liberar la inspiración de nuestro interior- y a la vez liberarnos a nosotros mismos- para hablar, cantar, escribir, pintar, bailar o jugar con nuestra verdadera voz. Sabia, generosa y atemporal, Free Play es una obra de referencia para personas de cualquier campo a la que podemos acudir una y otra vez en casos de necesidad creativa.
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La tradició popular de fer catifes de flors per engalanar els carrers per Corpus ve de lluny. Aquest llibre fa un repàs de la història d'aquesta tradició, de l'evolució de la tècnica de fer catifes i de les associacions que apleguen els catifaires, i posa èmfasi en els valors d'aquest treball artístic, artesanal i col·lectiu. Alhora, presenta la Federació Catalana d'Entitats Catifaires i la candidatura a la UNESCO d'aquest art efímer amb arrels profundes a Catalunya, que ha aconseguit créixer en valors, en creativitat, en qualitat i en espectacularitat. Quan va començar aquesta festa? Per què està relacionada amb el Corpus? Se celebra a tot Catalunya? I en altres països? Per què vol ser Patrimoni Cultural Immaterial de la UNESCO? Il·lustrat amb fotografies curioses, boniques i evocadores, el llibre dona resposta a aquestes preguntes i mostra la bellesa de les creacions florals, així com la dedicació, la creativitat i l'entusiasme dels catifaires catalans.
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Hoy en día, las obras de Vincent van Gogh (1853-1890) se encuentran entre las más conocidas y valoradas del mundo. En pinturas como Los girasoles, La noche estrellada y Autorretrato con la oreja vendada reconocemos a un artista con un talento único para la representación de las texturas y las emociones, la luz y el espacio.Durante su vida, Van Gogh tuvo que enfrentarse no sólo al desinterés de sus contemporáneos, sino también a los devastadores ataques de su enfermedad mental. Sus episodios de depresión y ansiedad le acabarían costando la vida cuando, en 1890, poco después de su 37 cumpleaños, se suicidó. Este exhaustivo estudio sobre Vincent van Gogh ofrece un catálogo completo de sus 871 pinturas acompañadas por textos que recorren la vida y la obra de una de las figuras más destacadas de la historia del arte.
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Un libro que recoge lo más significativo de la obra de TVBoy, el artista urbano que además de reconciliar artísticamente a rivales políticos y futbolísticos, con sus obras denuncia la contaminación o la situación de los refugiados, o defiende los derechos de lacomunidad LGTB. Más allá de un libro de arte,es un retrato de personajes contemporáneos, desde una mirada muy especial, y que conecta muy bien con elpúblico joven. En estas páginas, el autor hace una reflexión irónica sobre cómo ha cambiado el culto a los iconos. De las figuras religiosas de antes alos músicos, los influencers o los futbolistas de hoy. También reflexiona sobre el valor del arteurbano, que siendo efímero puede llegar a millones depersonas gracias a las redes sociales, y que se convierte en el arte más democrático, pues convierte a las calles, a los muros, en galerías de arte accesiblesa todo el mundo.
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¿Cuál es el significado de los Reyes Magos y cómo los artistas lo expresaron en la Edad Media? ¿Sabes diferenciar un «Cristo en Majestad» de un Pantocrátor? ¿Por qué en la fachada de la catedral de Santiago de Compostela aparece una mujer sujetando una calavera? ¿Cuál es la razón de la presencia de temas impúdicos adornando los templos sagrados? «Una imagen vale más que mil palabras» es un dicho que adquiere mayor relevancia en el periodo medieval, cuando la inmensa mayoría de la población era iletrada. Desde la creación del universo hasta el juicio final, pasando por todos los pasajes y personajes relevantes de los textos sagrados, la iconografía románica sirvió para dar al pueblo llano una visión del mundo, ya que Dios era, de forma unánime, el alfa y el omega. Sin embargo, desde el punto de vista del ciudadano del siglo XXI, puede asombrar que este arte expusiera también una vertiente profana e impúdica, que escapaba de la estricta moral cristiana de la época, en la que tampoco se deben pasar por alto otras expresiones como las representaciones geométricas, vegetales y de bestias tanto reales como fantásticas. Carlos Taranilla nos muestra, a través de este libro ilustrado, un viaje histórico por catedrales, iglesias, monasterios y museos de diferentes puntos de España y del resto del continente europeo para acercar al público la iconografía románica con una mirada amplia y divulgativa, basándose constantemente en numerosos ejemplos que nos siguen fascinando hoy en día. «Este libro, respetable lector, está concebido como un manual o guía para introducirte en el conocimiento de la iconografía románica, para lo cual, estamos seguros, te resultará de mucha utilidad el esquema general que hemos confeccionado, algo que no encontrarás en otros libros, y que constituye una brújula imprescindible para adentrarse en este apasionante estilo artístico, que tuvo su desarrollo histórico durante la Plena Edad Media, pasado el año mil y el terror al fin del mundo, inferido de algunos mensajes bíblicos apocalípticos tomados en sentido literal».
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Artista pop, pintor de la vida moderna, paisajista, maestro del color, explorador de la imagen y de la percepción durante seis décadas, David Hockney es conocido por ser un artista que siempre encuentra nuevas formas para explorar el mundo y sus posibilidades de representación. No ha dejado de crear imágenes inolvidables: obras con líneas gráficas y texto integrado durante los Swinging Sixties en Londres, la famosa serie de piscinas, crónica del estilo de vida californiano en la década de 1970, así como penetrantes retratos y paisajes de gran formato y colores brillantes tras su regreso a su Yorkshire natal. Además de los dibujos en los que traslada lo que ve directamente al papel, hay collages multiperspectiva hechos con polaroids que abren el espacio a un sinfín de vistas de gran detalle, y dibujos realizados con iPad en los que captura la luz con un medio más moderno, testimonio todo ello del placer que Hockney siempre ha encontrado en la experimentación.Esta edición especial combina los dos volúmenes de la monografía David Hockney: A Bigger Book para celebrar el 40 aniversario de TASCHEN. La vida y el trabajo de Hockney se presentan de forma cronológica como un diálogo entre sus obras y distintas voces de cada época, junto con reseñas y las reflexiones del artista en un texto que se complementa con retratos fotográficos e imágenes de exposiciones. Juntos abren nuevas perspectivas, página tras página, que revelan cómo Hockney aborda su investigación artística, cómo se desarrolla su pintura y dónde encuentra inspiración para su trabajo multifacético.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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1937, Belo Horizonte, Brasil. Tras tres meses sin jornal, pequeñas huelgas estallan aquí y allá en las minas del patriarca Oswaldo Wallace, quien ha amasado su fortuna dirigiendo el negocio con mano de hierro. Para liquidar las insurgencias, Wallace recurrirá a los camisas verdes, organización paramilitar fascista que pugna por limpiar la nación de la hipotética amenaza roja. “¿No me diréis que os da reparo apalizar a un sucio comunista?”. Este ambiente marcará la vida de Severino y Ramires, hijos de Wallace, de manera antagónica: el uno, comprometido con la izquierda, ejercerá de periodista, el segundo mutará en ferviente partidario de la dictadura militar brasileña durante los Años de Plomo (“o chumbo” en portugués). En casa aguardan la esposa de Oswaldo, Maria-Augusta, y sus hijas Adélia, Úrsula y Berenice, víctimas a su vez de sus propias aspiraciones. Inspirada en su propia historia familiar, Matthias Lehmann relata el declive de la familia Wallace en una conmovedora saga mitad documental mitad fi cción, donde los destinos de los personajes se entrelazan con los devenires de la dictadura brasileña. Sesenta años de historia de un país tan impetuoso como convulso, narrados a través de la encrucijada del diseño gráfi co y la publicidad brasileños, el naturalismo de Zola y un trazo inspirado en autores como Robert Crumb, Flavio Colin o Art Spiegelman. Dibujante, ilustrador y pintor ocasional de raíces francobrasileñas, Matthias Lehmann nació en la región de París en 1978 y ya en la adolescencia empezó a foguearse en la historieta breve y el mundo de la autoedición. Ha colaborado de manera regular en revistas y periódicos como Fluide Glacial, Le Monde o Libération. Especialista en la técnica del linograbado, tiene en su haber cerca de diez álbumes entre los que destaca La favorita (2015), que mereció el reconocimiento de diversos festivales internacionales y forma parte del catálogo de Ediciones La Cúpula. Con Chumbo, monumental trabajo que ha ido desarrollando con la ayuda de residencias como la Maison des Auteurs de Angulema, la Villa Médicis de Roma y la Drawing Factory de París, se alza defi nitivamente como uno de los nombres fundamentales del tebeo actual.
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Michelangelo Merisi da Caravaggio, con su propuesta naturalista realzada por un claroscurismo de una gran fuerza expresiva, es in lugar a dudas el pintor que, rompiendo los esquemas manieristas, convierte su obra en la más original e influyente de su tiempo. Un gran libro en el que el lector encontrará la vida y la obra del gran creador.
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Colorea un mundo donde el amor y la magia se encuentran.El complemento perfecto para tus sagas literarias favoritas, este libro para colorear, lleno de dragones que escupen fuego, guerreros armados con dagas y mágicas criaturas encantadoras, hará realidad todas tus fantasías románticas. Con más de sesenta ilustraciones originales, seis talentosas artistas con una pasión por la fantasía te invitan a un mundo donde los amantes se convierten en enemigos, los enemigos en amantes, ¡y los lectores quedan atrapados! Solo entra, colorea y da vida a tu propia historia.
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Miriam Margarita Basilio Gaztambide (nacida en 1967 en San Juan, Puerto Rico) es una historiadora del arteestadounidense y profesora asociada de estudios de museos e historia del arte en la Universidad de NuevaYork. Los intereses intelectuales de Basilio incluyenel arte latinoamericano, el arte político y otros temas de política, arte e identidad.
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El dibujo con rotulador de punta fina es un género en sí mismo, con un increíble potencial expresivo que los ilustradores contemporáneos han sabido explorar con sorprendentes resultados. Este libro, que sigue la fórmula de los celebrados títulos Dibujar, Acuarela y Dibujo del natural, nos enseña cerca de 90 recursos y efectos del dibujo con punta fina, como el sombreado o el juego con texturas, a partir de la obra de algunos de los artistas más reconocidos del momento. Ordenado en cuatro modalidades -línea, plumeado, punteado y técnicas mixtas-, no solo te servirá como catálogo práctico de técnicas, obras y estilos, sino que se convertirá en guía imprescindible y desafiante estímulo para tu creatividad.
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El prestigioso crítico y Premio Pulitzer Sebastian Smee compone en este libro una historia del arte contada a través de las vidas paralelas de ocho artistas. Matisse - PicassoManet - DegasPollock - de KooningFreud - Bacon Manet rasga un retrato de él y su mujer pintado por Degas. De Kooning pelea con Pollock y al poco de la muerte de este se junta con su amante, Ruth Kligman. Freud rompe con su mentor y amigo íntimo Bacon tras haberse inmiscuido sin querer en su relación con un amante violento... La rivalidad es uno de los grandes motores de la innovación artística, pero es también uno de sus misterios más profundos. Casi todo artista que se precie ha sido arrastrado a algún tipo de enfrentamiento con sus contemporáneos, y Smee explora el modo en que la amistad y la traición estimulan la creatividad e incluso la búsqueda de la voz propia. Reseñas:«Apasionante. Smee es seductor y brillante, y sus virtudes como crítico son evidentes en cada línea.»The New York Times «Cada uno de los retratos que hace Smee de estos artistas es una auténtica joya.»The Boston Globe «Una combinación perfecta de gusto artístico y entendimiento humano, y una prosa cristalina.»The New Yorker «Hermosamente escrito. Ambicioso, impactante y del todo absorbente.»Publishers Weekly
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Las conexiones inspiradoras entre los grandes artistas del mundo.'Conocer a un artista' es una colección de ochenta y cuatro retratos ilustrados que muestran las numerosas conexiones que se han establecido entre los artistas más valorados del mundo. Ya sea a través de la enseñanza, como Paul Klee y Anni Albers, de la existencia de una musa en común, como las flores de Georgia O'Keeffe y Takashi Murakami, o de una estimulante relación amorosa, como la de Lee Krasner y Jackson Pollock, estas conexiones vinculan a varios pioneros del arte de un modo que resulta fascinante e inesperado.A través del relato de sus vidas y de sus logros creativos -cada uno de ellos extraordinario y a menudo innovador-, Susie Hodge nos presenta la tupida red de conexiones que han dado como fruto algunas de las mejores obras maestras del mundo del arte. Muchas de estas relaciones son muy conocidas, mientras que otras van más allá del límite del tiempo y el espacio.Ilustrado con un colorido tributo al estilo único de cada artista, 'Conocer a un artista' es un relato festivo y esclarecedor de algunos de los visionarios más atractivos del mundo del arte.
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La comida y el surrealismo son amantes perfectos: sexo y langostas, collage y canibalismo, el encuentro de un cisne y un cepillo de dientes en una pastelería. Las cenas opulentas que organizaban Salvador Dalí (1904-1989) y Gala (1894-1982), su mujer y musa, fueron legendarias. Afortunadamente para nosotros, Dalí publicó un libro de cocina en 1973, Les dîners de Gala, que desvela algunos de aquellos ingredientes sensuales, imaginativos y exóticos que confluían en tan célebres encuentros.Esta reedición abreviada agrupa 78 de sus recetas en 12 capítulos, ilustrados especialmente por Dalí y organizados en función de los distintos platos, así como una sección dedicada a los afrodisíacos. Las ilustraciones y las recetas se acompañan de las extravagantes reflexiones de Dalí cual asuntos tratados en las conversaciones durante las cenas: ''La mandíbula es nuestra mejor herramienta para aferrarnos al conocimiento filosófico''.Todas las valiosas recetas del libro pueden prepararse en casa, aunque en algunos casos se requiera buena mano en la cocina y una despensa bien surtida. Son platos de la vieja escuela, con especialidades de los mejores chefs franceses de restaurantes de París condecorados con estrellas Michelin. El buen gusto, por voluptuoso que sea, nunca pasa de moda. Y dando a conocer al gran público este libro excepcionalmente raro, TASCHEN aporta una obra de arte, un recetario práctico y una experiencia multisensorial a la cocina actual.
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Amantes del arte, escépticos y desconcertados: esta historia del arte moderno es para vosotros ¿Qué es el arte moderno? ¿Por qué se ama o se odia? ¿Y por qué es siempre tan exageradamente caro? Will Gompertz, director de Arte de la BBC, exdirector de la Tate Gallery de Londres y uno de los mayores expertos del mundo, ha escrito una deslumbrante guía que cambiará para siempre la manera en que miramos el arte contemporáneo. Desde los nenúfares de Monet hasta los girasoles de Van Gogh, pasando por las latas de sopa de Warhol y los tiburones en formol de Hirst, este libro nos descubre la historia que hay detrás de las obras, las personas que hay detrás de los artistas y la verdadera magia que esconde el arte moderno. Dirigido tanto a escépticos como a convencidos, ¿Qué estás mirando? resuelve todas las preguntas que siempre nos planteamos y nunca nos atrevimos a hacer. En un sorprendente recorrido por los últimos ciento cincuenta años del arte salpicado de reveladoras anécdotas, Gompertz nos explica en qué consiste la genialidad de Pollock o Cézanne, cómo un urinario cambió el curso de la historia o por qué nuestro sobrino de cinco años realmente no lo haría igual. Original, irreverente y muy accesible, este libro rompe con mitos y prejuicios y hará que nuestra próxima visita a un museo sea menos intimidante y mucho más apasionante.La crítica ha dicho:«Will Gompertz [...] un tipo singular. Rápido como la sangre. Y de algún modo un defensor de la claridad en un territorio de opacidades. Entra en faena desde un libro lúcido que tiene algo de síntesis mental de lo complejo. [...] una exploración que desacraliza con audacia e ironía tanto el cuello duro de la crítica de arte, a la vez que hace su propia crítica desde la orilla de la claridad.»Antonio Lucas, El Mundo«Es tan provocador, irreverente, irónico, divertido y políticamente incorrecto como muchos de los artistas de los que habla. Gompertz da un buen repaso (en todos los sentidos) al arte moderno y contemporáneo. Su visión del mundo del arte es inteligente, salpimentada con buenas dosis de humor.»Nati Pulido, ABC «Tanta contundencia en las opiniones proviene de Will Gompertz, director de arte de la BBC y considerado una autoridad mundial en el arte moderno y contemporáneo. [...] En realidad, el libro requiere algo más que un simple pestañeo. Se lee más bien como un completo y ameno manual de 472 páginas.»Ángeles García, El País «Para salvar la brecha que separa a muchos visitantes de los objetos que contemplan, Gompertz ha escrito precisamente ¿Qué estás mirando?, un ameno recorrido por la creación moderna para que la comprenda todo el mundo.»Javier Ors, La Razón«Will Gompertz es de esa estirpe de profesionales que, porque de verdad saben, no necesita demostrar nada. Aúna sencillez, falta de afectación y hondura, con lo que alimenta en quien le escucha la sensación de que en cada una de sus palabras hay un poso de sabiduría. [...] ¿Qué estás mirando?, un texto original, irreverente y muy accesible que, dirigido tanto a escépticos como a convencidos, resuelve una buena porción deesas preguntas que muchos se plantean y pocos se atreven a formular.»Hoyesarte.com (10,490 Traffic Rank en España, Alexa)
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Vicent Andrés Estellés és un dels poetes fonamentals de la literatura catalana. La seua obra és una narració íntima i universal de la nostra història recent: la mort i la fam, l’horror de la guerra, la crua postguerra i la derrota col·lectiva. Però també la resistència, l’esperança, la lluita constant i la fràgil alegria. En aquest llibre únic, la primera biografia sobre Vicent Andrés Estellés, el músic i escriptor Pau Alabajos ens acosta al recorregut vital del poeta amb motiu de la celebració del centenari del seu naixement. Un viatge que parteix dels seus poemes clau per mostrar-nos la vessant més humana d’Estellés. El fill del forner de Burjassot. El periodista compromès acomiadat pel diari on treballava. El poeta que es conjura amb la causa dels explotats i la reconstrucció d’un país vençut. Que igual recitava en una associació de veïns que rebia els màxims guardons de les lletres catalanes. Que es convertí en emblema i matèria primera del moviment popular de la Nova Cançó. I que, mentre la nostra xarxa cultural de base el reconeixia arreu del país, era perseguit i amenaçat per la dreta franquista que encara avui l’intenta censurar. El poeta que va esdevenir la veu d’un poble.¿A qui va dirigit el llibre Vicent Andres Estelles?Vicent Andrés Estellés s'adreça a un públic ampli interessat en la vida i obra del poeta valencià Vicent Andrés Estellés, especialment en el context de la commemoració del centenari del seu naixement. El llibre resulta atractiu tant per a lectors familiaritzats amb la poesia d'Estellés com per a aquells que s'acosten a la seua figura per primera vegada. El seu enfocament didàctic i concis el fa accessible a un públic divers, incloent estudiants, investigadors i aficionats a la literatura i la història valenciana. L'obra es presenta com una eina útil per comprendre la dimensió humana del poeta, més enllà de la seua producció literària.Temes que tracta el llibre Vicent Andres EstellesEl llibre Vicent Andrés Estellés, a través d'un recorregut estructurat en capítols curts que parteixen de poemes clau de l'autor, explora diversos aspectes de la vida i obra del poeta. Es centra en la vessant humana d'Estellés, mostrant la seua trajectòria vital de forma didàctica i concisa. Alguns dels temes que s'aborden són:La vida personal d'Estellés: El llibre explora la vida del poeta des del seu origen humil com a fill de forner fins al seu reconeixement com a figura literària de primer ordre. Es mostra la seua faceta com a periodista compromès, la seua participació en la vida cultural valenciana i les dificultats que va afrontar sota el franquisme.La seua obra poètica: S'analitzen poemes clau d'Estellés, utilitzant-los com a punt de partida per comprendre la seua evolució creativa i les seues principals preocupacions temàtiques. L'obra no es limita a una simple descripció dels seus poemes, sinó que els utilitza com a eina per comprendre la personalitat i les vivències de l'autor.El seu context històric: El llibre situa la vida i obra d'Estellés en el seu context històric, mostrant el seu compromís social i polític, així com el seu paper en el moviment cultural valencià. Es destaca la seua importància com a veu del poble valencià i el seu enfrontament amb la censura franquista.La seua influència en la cultura valenciana: S'explora la influència d'Estellés en la cultura valenciana, incloent el seu impacte en la música i altres àmbits artístics. Es destaca el seu paper com a figura clau en la renovació de la poesia valenciana contemporània.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre Vicent Andres EstellesEncara no hi ha opinions o crítiques sobre VICENT ANDRÉS ESTELLÉS.
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* Un viaje a través de la historia mediante 80 obras de arte y sus gamas cromáticas cuidadosamente seleccionadas. * El color permite a los artistas narrar historias, expresar su individualidad, evocar una atmósfera y plasmar mensajes subliminales, y los artistas más grandes han cargado sus pigmentos con referencias sociales, políticas y religiosas. * Desde tierra a piedras semipreciosas e insectos machacados, se examinan los inesperados materiales utilizados para crear pigmentos y hasta qué extremos han llegado los artistas para conseguirlos. A través de 80 maravillosas obras de arte, desde pinturas rupestres a obras maestras contemporáneas, a lo largo de estas páginas podrá navegar por puntos de inflexión de mayor y de menor importancia, así como a contemplar obras conocidas y otras que no lo son tanto a través de una perspectiva nueva y vibrante. Para estas obras, el color no es solo una herramienta, sino también el secreto fundamental de su éxito.
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Feliu Elies fou un dels dibuixants més destacats de principis del segle XX a Catalunya. Les seves il·lustracions van aparèixer a les revistes més importants del país. Els acudits tracten aspectes polítics, socials i culturals de la Barcelona del seu temp
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Las extremidades —las manos y los pies— presentan unas particularidades anatómicas que determinan muchos aspectos de su representación visual. En esta sexta entrega de sus lecciones de dibujo anatómico, Michel Lauricella utiliza su infalible fórmula pedagógica aplicándola a estas partes del cuerpo, con especial atención al sistema venoso, para facilitar la práctica deldibujo de memoria e incentivar el dibujo del natural. Cerca de 600 dibujos con multitud de detalles matizados, diversidad de posturas y puntos de vista, y representación de osamenta, musculatura y sistema venoso. Recorrido multidimensional por la anatomía, atendiendo especialmente a los movimientos de rotación y asimiento, las proporciones y las articulaciones para entender la composición general. Presentación del sistema venoso a través de una cartografía esquemática delas extremidades del cuerpo. Las venas, signo de un cuerpo vivaz y dinámico, ayudan a reflejar de forma extremadamente gráfica y expresiva las morfologías musculosas
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En Pintura y Dibujos Botánicos para artistas, la artista botánica y líder de taller experimentada Karen Kluglein revela sus secretos para representar de manera precisa y cautivadora hojas, flores, bayas, ramas y otros elementos. Después de una serie de consejos sobre la observación de flores y plantas y una descripción general de los términos y conceptos botánicos más importantes, encontrará en dos capítulos que proporcionan pautas detalladas y ejemplos para dibujar y pintar botánicamente con diferentes medios. Dibujo botánico: dibuje libremente, mida y calque con precisión y trabaje a partir de fotografías con grafito, lápiz de color, bolígrafo y marcador plateado. Pintura botánica: mezcla de colores, lavados, trabajo en capas, elaboración de sombras, tonos y detalles con acuarelas, gouache y acrílicos.
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Guía práctica llena de inspiración para aprender a pintar paso a paso con acuarelas, mediante ejemplos prácticos que desarrollan las diferentes técnicas y queilustran sobre las grandes posibilidades de este medio de expresión artística. Para aprender a reproducirsobre el papel elegantes efectos y a crear ambientes.
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Nuevo volumen de la colección de catálogos razonados del Museo del Prado, tras El Greco, Pintura holandesa, Las miniaturas en el Museo del Prado y Luca Giordano. Este catálogo estudia las pinturas realizadas en los Países Bajos durante el siglo XV que custodia el Museo del Prado, incluyendo las de artistas activos en el XVI pero vinculados con el quehacer del siglo anterior. Se trata de un momento trascendente para la cultura artística occidental, que alumbra la obra de creadores revolucionarios, como Jan van Eyck, Rogier van der Weyden o el Maestro de Flémalle, la de los maestros que siguieron su estela, como Dirk Bouts, Hans Memling o Hugo van der Goes, y la de otros autores de menos fama pero de producción igualmente notable. La pintura flamenca temprana es célebre no solo por su delicadeza técnica e intensidad narrativa, sino por la dificultad que entraña interpretar los asuntos representados. Además, la ausencia de documentación cierta sobre sus creadores, de muchos de los cuales se ignora hasta su identidad, y la escasez de datos sobre las propias obras, hacen que su estudio sea uno de los más complejos pero también más atractivos de la historia del arte. Esta publicación actualiza el conocimiento de esas obras y sus autores en el Museo. Se catalogan creaciones individuales, trípticos completos o escenas fragmentarias de unos veinte artistas, de quienes se ofrece una sucinta biografía con sus obras seguras y clave para atribuir las que se examinan, sean estas autógrafas, de taller o de seguidores. A los datos y el análisis histórico y artístico de cada una se añade un exhaustivo estudio técnico, fundamental para precisar conclusiones, incluyendo la revisión de atribuciones tradicionales y la propuesta de la más certera autoría para pinturas que hasta hoy se tenían por anónimas. Su autor, José Juan Pérez Preciado, técnico del Museo en el Área de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte, ha llevado a cabo este trabajo en colaboración con el Gabinete Técnico y Laboratorio del Museo y con la asesoría científica de Lorne Campbell, reconocido experto en la pintura de los Países Bajos, que escribe la introducción sobre el temprano interés que esas bellas creaciones despertaron en España.
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Los cuatro ensayos recogidos en este libro proponen reflexionar sobre el arte de la Edad Media presente en museos e iglesias planteando un viaje de ida y vuelta entre el Museo del Prado y algunos de los miles de templos de ese período que salpican el paisaje español y europeo. Con el objetivo de ofrecer una lectura contextual de los distintos elementos que integran las llamadas «artes del altar», como frontales, tabernáculos y ciborios, se presta especial atención al retablo, cumbre del arte hispano medieval, rastreando para ello su desarrollo en los siglos xiv y xv y analizando su ubicación en el interior de las iglesias. Además de estudiar el entorno original de las piezas, se ponen en relación con otros ejemplos europeos y se encuadran así en un paisaje artístico más amplio.
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El segundo libro de la serie bestseller La paleta perfecta, volumen 2, Lauren Wager hace un nuevo acercamiento a las combinaciones de colores con paletas de colores completamente nuevas, organizadas por estaciones del año. En La paleta perfecta vol.2 la diseñadora y autora bestseller Lauren Wager, explora las múltiples posibilidades de las aplicaciones del color por estaciones, dirigiendo al lector hacia una presentación inspiracional de imágenes evocadoras y combinaciones de colores. La presentación de la paleta de colores es dinámica y fresca, y permite al lector apreciar el juego que ocurre cuando los colores se combinan en primer plano y en segundo plano o cuando se encuentran próximos o lejos los unos de los otros. Se trata de un enfoque diferente a las paletas de color del volumen 1, pero sigue manteniendo las referencias a los valores RGB y CMYK para los que quieran adaptar los colores para web o para impresión. Este volumen –a la vez una guía práctica y una herramienta creativa de inspiración para diseñadores, ilustradores, arquitectos, artesanos, además de aficionados a la decoración interior y la moda y las manualidades, sean o no profesionales– proporciona ejemplos de aplicación de colores en los ámbitos del arte contemporáneo, de la moda, la decoración de interiores, la fotografía y el diseño gráfico. Se trata de una colección de combinaciones de colores sorprendentes, con estilo y con éxito asegurado.
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Siete ilustradorespor una sola causa. Este libro solidario es un homenaje artístico y poético a todas las mujeres que pasan por un cáncer de mama y a todas las personas que las acompañan en el camino hacia la sanación y, surge del compromiso de Solán de Cabras y su colaboración desde hace más de una década con la Asociación Española Contra el Cáncer a quién irán dirigidos los beneficios de la venta de esta publicación.
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El proyecto Image Cities de la fotógrafa ruso-americana Anastasia Samoylova es la propuesta ganadora de la primera edición del KBr Photo Award, puesto en marcha por Fundación MAPFRE en 2021.Consiste en un exhaustivo y concienzudo trabajo llevado a cabo en múltiples localizaciones que estudia la integración de la fotografía y de la imagen en el entorno urbano, un fenómeno cada vez más presente en la actualidad. El proyecto, que comenzó en Moscú y Nueva York en 2021, se ha podido completar en otras ciudades como -msterdam, París, Londres, Bruselas, Tokio, Madrid o Barcelona gracias a este premio.
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