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Llibres de disseny i arts decoratives
Descobreix la nostra col·lecció de llibres de disseny. Una àmplia i variada selecció de lectures per aprendre les tècniques professionals de pintura i dibuix. Converteix-te en un artista! Compra llibres de disseny online. En aquesta secció disposem d'una extensa selecció de llibres de disseny i arts decoratives. Lectures que et convidaran a aprendre a explicar històries i dibuixar, a crear objectes amb ceràmica, a escriure, a pintar a l'oli o amb aquarel·les, a fer maquetes, gravats, marqueteria, serigrafia o cal·ligrafia amb pinzell. Així mateix, hi trobaràs equips complets de dibuix, manuals de tècniques de dibuix i guies introductòries sobre tot tipus de materials, com ara esmalts ceràmics, llapis, pintures i tintes, entre altres.
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Dibujo de la figura humana es un manualde enseñanza artística y una referencia obligada para todos los dibujantes e ilustradores: incluye lecciones de anatomía, planos, iluminación, dibujo de modelos, figuras en movimiento y vestuario, entre otros elementos que ofrecen al lector un conocimiento luminoso sobre la ciencia de ilustrar. El texto aborda también trucos y soluciones del oficio e incluye bocetos explicativos y ejemplos de algunos de los mejores trabajos del autor. Publicado originalmente en 1943, este libro ha sabido resistir el pasodel tiempo y continúa siendo un referente esencial para artistas especializados en el dibujo del cuerpo humano. Ya nadie pone en duda que es un auténtico clásico en los estudios del dibujo. La edición original se ha convertido en pieza de colección, atesorada por artistas y profesionales de todo el mundo. Lapresente edición española ha sido largamente ambicionada, reclamada por los amantes del arte del dibujo entoda Hispanoamérica.
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GUÍA DEL ARTE URBANO DE MADRID Una historia de Madrid a través de su arte urbano y su grafiti Este libro es un recorrido por las calles y barrios de Madrid, pero también un viaje a través de la historia del arte urbano y el grafiti. Una historia en la que Madrid ha jugado un papel singular desde los ochenta hasta hoy y que cuenta con unos antecedentes que se remontan a finales del siglo XIX. Un relato cuajado de enfoques y anécdotas que dan acceso a los secretos del arte en la calle, que obligan a replantear mitos sobre su pasado y trazan constantes vínculos con la historia y el mapa de Madrid. En estas páginas descubrirás los personajes, momentos y lugares que han marcado el rumbo del arte callejero de la ciudad. Artistas míticos como Muelle, Suso33, SpY o Eltono, barrios clásicos como Lavapiés o Malasaña, y espacios emblemáticos como La Tabacalera o Noviciado 9. El autor de esta guía no es un observador cualquiera, Javier Abarca es un influyente pionero del grafiti español que durante cuatro décadas ha compartido conversaciones y aventuras con grandes figuras del arte callejero madrileño. Actualmente es un investigador especializado de fama internacional.
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Una novela gráfica de Diego Olmos sobre el icónico personaje.Hutter, empleado de una agencia inmobiliaria de Wisborg, es enviado a Transilvania para negociar la venta de varias propiedades del castillo del conde Orlok. Pronto descubrirá, horrorizado, que Orlok es un ser diabólico, un vampiro sediento de sangre que sembrará una terrible pesadilla de muerte y peste negra por toda Europa, destruyendo, no sólo la vida de Hutter, sino también la de su amada esposa y su pequeña ciudad, Wisborg.
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Tercer volumen de una magna obra en cuatro volúmenesy cerca de 2.000 páginas que ofrece por vez primera la catalogación de toda la obra escultórica del gran artista vasco Eduardo Chillida (1924-2002). En una cuidada edición y bajo la dirección científica de los propietarios y conservadores del Museo Chillida-Leku,la presente publicación es resultado de un riguroso ydilatado trabajo de documentación y análisis, y permite identificar todas las esculturas realizadas por Chillida entre los años 1983 y 1990. Cada pieza catalogada incluye información detallada sobre materiales,propietarios, exposiciones y bibliografía, y se acompaña de una o varias reproducciones fotográficas. Estevolumen cuenta además con un artículo introductoriode Renato Bocchi, prestigioso especialista internacional en la obra de Eduardo Chillida, así como con un apartado de apéndices en el que se incluye un registrode títulos y materiales y una bibliografía esencial.La exhaustividad y rigor del estudio contenido en la obra hace de esta un recurso de gran utilidad paracoleccionistas de la escultura de Chillida, tanto públicos como privados, así como para museos, galeristas, especialistas, profesores y estudiosos de la obra del escultor.
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LA ESPERADA HISTORIA DE LOS AÑOS PERDIDOS DEL VIKINGO VENIDO DE LAS ESTRELLAS Thorgal ha perdido la memoria y, bajo el nombre de Shaigan el Despiadado, se dedica a saquear los siete mares en compañía de Kriss de Valnor. Pero su vida parece cambiar el día que un hechicero promete devolverle sus recuerdos a cambio de Fiskhkryggr, la legendaria espada del rey Halvdan el Negro. El guionista Yann y el dibujante Surzhenko se remontana los años perdidos de Thorgal para contar la historia de una tensa búsqueda erizada de traiciones, peligros y amenazas sobrenaturales.
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La mayor dificultad de la pintura, indistintamente del procedimiento que se utilice (acuarela, acrílico u óleo), radica en la mezcla de los colores y su aplicación. La manipulación correcta del color sobre la paleta es un paso previo esencial para conseguir un dominio de los matices, amplitud cromática y una buena armonización sobre el soporte, requiere un conocimiento técnico de la fusión de los colores y horas de práctica hasta manejar la pintura de manera intuitiva e impulsiva.Este libro es una guía imprescindible para aprender a relacionar los colores de la paleta con los del modelo y resolver con éxito las distintas armonizaciones y gamas cromáticas que pueden plantearse.
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'Lo que no queremos, aquello que simboliza la frustración, el bloqueo, lo incómodo. Aquello que en el fondo sabemos que es necesario para avanzar en lo que buscamos. [...] Un desecho útil para quien piense y sienta antes de actuar.'' En esta nueva edición, Guridi revisita el proceso creativo y ahonda en el papel del error con nuevas reflexiones y narraciones visuales. A caballo entre un manual de creatividad y un cuaderno de artista, el libro que tienes entre las manos es una invitación a pasear por los entresijos de la creación y las dobleces de la subjetividad para entender el arte en base a la autenticidad y la conexión.
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Las obras maestras de un destino dramático: Lirios, Girasoles y Noche estrellada, Campo de trigo de Arlés y Amberes, Autorretratos con sombrero gris, con sombrero de paja, con la oreja vendada. Ilustraciones y numerosos fragmentos de sus cartas nos descubren la «conciencia» de Vincent van Gogh. Una interesante colección con un cómodo formato que aborda un gran número de temas, desde arqueología y arte pasando por cultura, historia y literatura hasta ciencia y religión, con un punto de vista ameno. La narración se acompaña de ilustraciones y cuadros sinópticos con rigurosos datos históricos. Una documentada colección para todos aquellos que buscan una introducción exhaustiva al tema que se expone.
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Nueva edición actualizada de la apasionante historia del mítico cuadro Guernica de Pablo Picasso, convertido en un icono del siglo XX gracias a su fuerza simbólica y a su contenido antibelicista. La historia es conocida. El 26 de abril de 1937, docenas de aviones alemanes de la Legión Cóndor bombardearon durante tres horas la ciudad de Gernika, lo que causó su destrucción y centenares de muertos. Este trágico suceso inspiró a Pablo Picasso, uno de los artistas más comprometidos de su tiempo, para acometer la tarea de pintar un cuadro que llegaría a ser síntesis del horror y de la violencia de la cultura occidental moderna y referencia del mundo progresista durante décadas. Guernica se convirtió con el paso del tiempo en uno de los cuadros más famosos de la historia de la pintura, un lienzo profundamente español y universal que durante las largas décadas franquistas se exhibió en Nueva York pero que, tras la llegada de la democracia, y por expreso deseo del pintor, regresó a España, donde se puede contemplar en el Museo Reina Sofía de Madrid desde octubre de 1981. Este libro -que incluye un extenso prólogo que actualiza el análisis del cuadro- es un apasionante recorrido por la gestación de una obra de arte. Con un estilo ameno, Gijs van Hensbergen recrea el clima y las dificultades del proceso creativo hasta conseguir una auténtica «biografía de un icono del siglo XX». Paul Preston ha dicho...«Esta historia de un cuadro -cómo se pintó, su significado y su destino final- es un logro extraordinario y aporta una visión sorprendentemente original. El autor recrea con pasión y elegancia la historia de Picasso y su denuncia de la guerra a través de la vida del artista, del exilio republicano, de la España de Franco, del París en guerra y de la Nueva York burguesa para iluminar la travesía de esta obra desde el mismo bombardeo de Gernika hasta su llegada a Madrid en 1981».
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Prospect New Orleans, que ahora celebra su sexta edición, es la innovadora trienal de arte contemporáneo que atrae a miles de personas a la ciudad de Nueva Orleans, Luisiana, durante un período de 4 meses. Prospect.6, que abarca más de veinte lugares en toda la ciudad desde el 2 de noviembre de 2024 hasta el 2 de febrero de 2025, ofrece un importante punto de partida para examinar el cambio climático, los legados del colonialismo y las definiciones de pertenencia y hogar a través del arte. Esta publicación adjunta presenta más de cuarenta obras recientemente encargadas para la trienal, con énfasis en instalaciones a gran escala en espacios institucionales, no convencionales y públicos. El libro también incluye tres ensayos originales, una conversación con un artista y contribuciones de escritores de ficción y poetas.La amplia exposición está fuertemente influenciada por más de cincuenta artistas vivos y por aquellos que residen en o provienen de regiones de todo el mundo conectadas con Luisiana, incluidos Hannah Chalew, Christian Việt Ðinh, Abdi Farah, L. Kasimu Harris, Blas Isasi, Joan Jonas, Brian Jungen, Tuấn Andrew Nguyễn y Amanda Williams.
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CreArt es una cautivadora serie de láminas para colorear, pensada para brindar una experiencia artística liberadora y envolvente.Sus cuadernos invitan a explorar y dar vida a 10 obras maestras del talentoso pintor Guillermo Lorca. Más que simples ilustraciones para colorear, cada una permite apreciar la riqueza cultural y la narrativa visual detrás de la obra.
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Julia Cameron vuelve con nuevas y revolucionarias herramientas para conectar con tu creatividad: un curso extra de seis semanas para todo aquel que haya leído El camino del artista. En el gran bestseller internacional que ha desbloqueado la creatividad de grandes artistas internacionales durante décadas, El camino del artista, Julia Cameron compartió con sus millones de lectores las tres principales herramientas necesarias para despertar la creatividad. Ahora, en su nuevo y revolucionario libro, Vivir el camino del artista, Cameron revela al fin la cuarta y esencial herramienta de El camino del artista en la que confía a diario para encontrar inspiración creativa: encontrar tu propia voz. Este libro es un curso de seis semanas en el que encontrarás las herramientas para desarrollar tu trabajo creativo y llevarlo al siguiente nivel: cómo conectar con el poder intuitivo dentro de ti y confiar en las respuestas que recibas. Esta nueva y emocionante guía te ayudará a encontrar mayor felicidad, productividad e inspiración creativa. ¡El camino del artista ha ayudado a desbloquearse creativamente a grandes artistas como Scorsese, Alicia Keys, Doechii, Natalia Lafourcade o Elizabeth Gilbert!
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Dibujo anatómico para principiantes y profesionales Dibujo de la anatomía de la A a la Z, desde los primeros pasos, las figuras básicas y el trazo hasta las poses dinámicas y los personajes más interesantes. Con todos los fundamentos, consejos, trucos y ejercicios del profesional para empezar sobre seguro. Un excelente manual de consulta que incluye un repertorio de poses y conocimientos anatómicos sobre todas las partes del cuerpo. Este libro está dirigido a todas las personas a las que les gusta dibujar. Si estás empezando tu viaje creativo o si ya eres ilustrador profesional, este libro es perfecto para ti. Te ayudará a desarrollar tu imaginación y a plasmar tus ideas sobre el papel. Está dividido en bloques de teoría y ejercicios para que te sea más sencillo disfrutar de su contenido.
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Edición en inglés.El volumen y el color han marchado unidos a lo largo de milenios. Gracias a la policromía la escultura ganó en verosimilitud y vivacidad, convirtiéndose en un eficaz instrumento de persuasión desde los momentos más tempranos de la historia. La escultura devocional, en la que lo divino cobraba una forma tangible y corpórea, aumentaba su eficacia comunicativa cuando se fusionaba con el color, entendido este no como un mero adorno sino como parte imprescindible de la pieza, al otorgarle una apariencia más cercana y real. Escultores y pintores trabajaron al unísono para crear unas obras en las que ambas labores se fundían con perfección. Al mismo tiempo, la escultura pintada se convirtió en un arma doctrinal cuya intensidad se incrementaba al sacar todo el partido a sus valores escénicos, ya fuera al formar parte de una procesión o al ser representada en un lienzo.Este catálogo y la exposición a la que acompaña ilustran la incansable búsqueda de realismo en el arte español del Renacimiento y el Barroco en todo aquello que afectaba a la envoltura de la figura, y muestran a partir de un centenar de obras, pinturas, estampas y esculturas la integración natural de la pintura en la escultura y su triunfo en el mundo hispánico, destacando el valor de lo tridimensional en la transmisión del mensaje sagrado.
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Pablo Picasso fue publicado por primera vez en español en 1946. Su núcleo originario, sin embargo, hay que buscarlo en la edición francesa de 1930, en la que Ors y Picasso trabajaron en estrecha colaboración, el primero preparando un texto que había de ser la realización efectiva, en el Picasso de esta época, de sus ideales estéticos? Ors quiso estudiar, en especial, lo que de clásico, italiano y anti impresionista había en sus cuadros?, el segundo, seleccionando y preparando las ilustraciones que habían de alumbrar las palabras del escritor. La obra que hoy presentamos, y en la que reunimos significativamente el texto de la edición española con 37 ilustraciones de la edición francesa, más que un análisis crítico de la obra picassiana, es el testimonio de la culminación de una amistad y, a la vez, un estudio imprescindible para todo aquel que pretenda acercarse al pensamiento artístico de dos de las figuras más representativas del siglo XX.
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Siete ilustradorespor una sola causa. Este libro solidario es un homenaje artístico y poético a todas las mujeres que pasan por un cáncer de mama y a todas las personas que las acompañan en el camino hacia la sanación y, surge del compromiso de Solán de Cabras y su colaboración desde hace más de una década con la Asociación Española Contra el Cáncer a quién irán dirigidos los beneficios de la venta de esta publicación.
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Por su gracia, su belleza y su aire de misterio, los gatos han sido venerados por artistas de todos por los tiempos. Estas fascinantes criaturas han sido musas de grandes pintores como Andy Warhol, Leonardo Da Vinci o David Hockney, y protagonistas de formidables historias, como los cuentos que Mark Twain contaba a sus hijas a la hora de dormir o la fascinación que sentía Edwar Lear por su gatito Foss.Entre ilustraciones, pinturas, anécdota y frases, este libro no es solo una compilación de las obras de motivos felinos más formidables, es también una oda al carisma y el carácter de estos seres asombrosos y nuestra relación con ellos.
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* Una presentación amplia y accesible del universo pictórico de Gustav Klimt: un recorrido por sus grandes frescos monumentales, sus retratos femeninos sensuales y enigmáticos, así como sus escenas mitológicas, jardines oníricos y paisajes. * Casi sesenta de las obras más célebres acompañadas por un texto didáctico que explica cómo Klimt, figura clave del art nouveau y cofundador de la Secesión de Viena, buscó una obra que combinara pintura, arquitectura y música, rompiendo con las convenciones de su época. * A través de su estilo decorativo y simbólico distintivo, presenta los temas recurrentes en su obra: la belleza femenina, el erotismo, la vida y la muerte. Gustav Klimt debe la fama mundial de que goza hoy a un abrazo eterno: El beso, icono de su período dorado y símbolo del poder decorativo e innovador de toda su obra. Además, abre el camino a nuevas formas de expresión pictórica. La suya es una revolución estilística auténtica y la articula en torno a sus temas predilectos, que envuelve en una profusión de motivos vegetales y animales, arabescos, espirales, texturas, materiales preciosos, pan de oro y lacerías de líneas curvas y ondulantes.
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Vayamos al grano. Gutiérrez (1927-1934) fue una de las revistas de humor más importantes de su tiempo, tanto por su calidad gráfica como por el ingenio de sus colaboradores, entre los cuales los llamados «humoristas del 27»: Enrique Jardiel Poncela, Edgar Neville o Miguel Mihura. Entre estos colaboradores clave también estuvo el propio director de la publicación, Ricardo García, K-Hito (1890-1984), gran dibujante de línea sintética y estilizada, presente en multitud de títulos de prensa de la época. K-Hito había empezado su exitosa carrera en Valencia. Quizá esa circunstancia animara a los de Gutiérrez a organizar una caravana desde Madrid –sede del semanario– para visitar las Fallas. A ese viaje se sumó Juan Gutiérrez, el jefe del Negociado de Incobrables, personaje de K-Hito y emblema de la revista que, corporeizado en forma de muñeco, fue paseado por banquetes y verbenas. En alguna de ellas debió de conocer a su novia, Visenteta Taroncher y Sabater, se casaron y tuvieron un Pepet. A través de un nutrido apartado gráfico y los textos de Salvador Albiñana, René Parra, Francesc-A. Martínez Gallego, Carlos Pérez y Vicente Ferrer, este libro pretende recuperar para los lectores una cabecera imprescindible, la revista Gutiérrez, a su creador, el poliédrico K-Hito, y la memoria de unos viajes falleros que, al grito de «¡Viva el arroz!», supusieron una experiencia pionera en la promoción del turismo valenciano.
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Una verdadera bíblia del dibujo anatómico pensada para facilitar y enriquecer la práctica del dibujo al natural y la obervación. Con el fin de complementar la exitosa colección «Anatomía artística», en la presente antología Michel Lauricella reúne y amplía el contenido de tres de sus volúmenes clave: el esqueleto, articulaciones y funciones musculares, y grasas y pliegues de la piel. Aborda así las formas del cuerpo humano de forma completa, con atención a los sistemas óseo, articular, muscular y adiposo, e incluye más de 200 dibujos inéditos del autor acompañados de las respectivas consideraciones. Michel Lauricella, formado en la École Nationale Supérieure des Beaux-arts de París, es profesor de dibujo anatómico en L'Institut Supérieur des Arts Appliqués (Lisaa) y en el taller Fabrica114, en París. Lleva más de veinte años impartiendo clases de morfología humana a través del dibujo en diferentes centros de Francia. Es autor de diversos manuales de dibujo entre los que destacan los de la serie «Anatomía artística», publicados por esta editorial.
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Manual de referencia para artistas y diseñadores, esta nueva edición de este clásico sobre combinación cromática revisa todas las bases de la teoría del color y se actualiza con nuevos colores, paletas y herramientas que te permitirán ganar seguridad en tus elecciones cromáticas. Contenidos principales: El círculo cromático Cómo usar el color La carta de colores El proceso Aspectos del color Combinaciones cromáticas ¿Cuál es tu color? Efectos especiales para colores Estados de ánimo y color Psicología del color Tendencias cromáticas Tabla de conversión de cuatricromía Muestras de color
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Nacido en Milán en 1931, Alessandro Mendini creó una obra vívida, excéntrica y transgresora que se ubica en un universo estético propio. Estuvo en el corazón del movimiento de diseño radical de Italia en las décadas de 1960 y 1970 y, más tarde, del posmodernismo, defendiendo un enfoque sensible e intelectual del diseño, editó la revista Domus a principios de los años 1980, y colaboró con marcas que van desde Alessi, Swarovski y Hermès hasta Supreme. Junto con sus contemporáneos Ettore Sottsass y Gaetano Pesce, Mendini ayudó a redefinir el concepto de diseño y arquitectura italianos.Presenta una gran cantidad de documentos e imágenes inéditos. Escrito por el crítico Stefano Casciani, quien trabajó con Mendini durante muchos años, el libro ofrece un relato personal único ilustrado por fotografías, material efímero y muchos de los bocetos idiosincrásicos y divertidos de Mendini.Presentado en un paquete dinámico inspirado en la estética distintiva de Mendini, el libro es un objeto de diseño por derecho propio, con una cubierta de tela rosa que presenta una de las portadas de revistas icónicas de Mendini en el frente, un boceto de su famosa silla Proost en la parte posterior y abridores de capítulos laminados troquelados con bordes ondulados.
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The first comprehensive monograph on one of today’s most innovative and successful painters – made in close collaboration with the artistDefined by bold brushstrokes, a dynamic use of color and imaginative compositions, the paintings of Dana Schutz are panoramic expanses that offer visions of humanity in all its complex facets. Her deeply subjective approach, untethered from realism, translates into images that seem to exist in a place that transcends time while celebrating the intrinsic qualities of her medium of choice with freedom and intelligence. As the artist herself stated, ‘I’m interested in painting as an affective place where the hierarchies of the world can be rearranged within the space of a painting.’ This first comprehensive monograph on her work was created in close collaboration with the artist and features a number of never-before-seen paintings and drawings.
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Catálogo de la exposición que se celebrará en la Sala Recoletos, Fundación MAPFRE, Madrid, del 23 de septiembre de 2022 al 8 de enero de 2023.La muestra Picasso-González ofrece una nueva aproximación en torno a la colaboración artística entre ambos artistas y estudia el tema teniendo en cuenta el amplio contexto en el que se produce la escultura metálica de los años 20 así como los trabajos individuales del propio González en este campo antes de su colaboración con Picasso. Por otra parte, la muestra plantea que las afinidades artísticas e inquietudes comunes de ambos no se limitan a este periodo concreto, sino que comienzan en la Barcelona modernista de principios de siglo XX y continúan en París hasta el fallecimiento de González en 1942.
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Asociado a la eclosión de los Nuevos Expresionismos en los años ochenta, Miquel Barceló (Felanitx, Mallorca, 1957) ha sido después uno de los artistas españoles con más proyección internacional. Su obra, en último término singular, abierta a la experimentación constante, y ya lejos del contexto de sus inicios, se ha expuesto luego en grandes museos de todo el mundo, de Montreal a Tokio, de Ciudad de México a Londres, de Sâo Paulo a París, y de Buenos Aires a Venecia, haciéndolo siempre con un gran reconocimiento, tanto por parte de la crítica especializada como del público. El poeta y escritor Enrique Juncosa (Palma, 1961), amigo de juventud del artista y gran conocedor de su obra, es, por su parte, un destacado comisario de arte con una trayectoria también internacional. Ambos han colaborado a menudo juntos, durante un periodo de tres décadas, en exposiciones y libros. Escritos sobre Miquel Barceló recoge una muy completa selección de los ensayos escritos por Juncosa sobre el artista, publicados desde 1994 hasta hoy, y revisados ahora con motivo de su nueva edición. Los ensayos hablan de pinturas, dibujos, cerámicas, libros ilustrados y grandes proyectos públicos, además de aspectos temáticos específicos, como retratos y autorretratos, o el uso del color blanco. Juncosa, que ha tenido la oportunidad de conocer todos los estudios del artista y ver gran número de sus exposiciones a lo largo de todos estos años, escribe con gran claridad, explorando los temas y la iconografía dominante en la obra de Barceló, y facilitando al hacerlo numerosas claves para su interpretación y disfrute.
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Un recorrido por el Museo del Prado ?por sus imprescindibles y sus olvidados? de la mano de una Estrella de Diego. áá Paseos por el Museo del Prado. Por sus clásicos y sus olvidados. Por su historia, sus historias y sus recovecos. Siguiendo la estela del clásico Tres horas en el Museo del Prado de Eugenio d'Ors, Estrella de Diego nos propone un nuevo recorrido con una mirada del siglo XXI.Y así asoman por estas páginas imprescindibles como Las meninas de Velázquez leídas a la luz del Pierre Menard de Borges, o las obras de Goya, también cuadros históricos que hoy vemos con otros ojos e interpretamos con otra perspectiva, como Las hijas del Cid de Teófilo de la Puebla o Juana la Loca de Pradilla, o la escultura del Hermafrodito, y lienzos olvidados como los de Clara Peeters o el espléndido retrato de un león africano titulado El Cid de Rosa Bonheur, que durante demasiado tiempo estuvo guardado en los sótanos, acaso porque su autora era mujer y lesbiana, y si hoy hay que reivindicarla es sobre todo como una gran pintora a secas.El Prado inadvertido se mueve entre el ensayo y la memoria personal y es un homenaje a un museo que ha acompañado a la autora a lo largo de toda su vida. Un museo cargado de pasado y de futuro, un espacio vivo, que se va transformando a través de las miradas de las sucesivas épocas. Porque, como dice Estrella de Diego: «Los museos, como las palabras y las historias y las imágenes, van cambiando a cada paso, llenándose de narrativas diferentes y nuevas, las que exigen los cambios en el gusto, las que persiguen las transformaciones en el concepto de calidad, las que se construyen, aun sin saberlo, desde las leyes del extranjero: traer y llevar las preguntas. Es cuestión de sacar lo olvidado a la luz ?aunque lo olvidado sea diferente en cada momento histórico? y rescatar lo excluido teniendo clara una cosa: por mucho que tratemos de recuperar lo excluido, siempre quedará algo fuera, alguien fuera.»
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Todos estamos en deuda con Jean Baptiste Marc Bourgery (1797-1849). Su Atlas de Anatomía, no solo supuso un acontecimiento de enormes repercusiones en la historia de la medicina, sino que a día de hoy sigue siendo uno de los tratados anatómicos más com
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Zaha Hadid fue una arquitecta revolucionaria. Durante muchos años, pese a ganarse el reconocimiento de la crítica, apenas construyó nada. Algunos llegaron a decir quesus audaces diseños futuristas no se podían construir.Durante la última etapa
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DOMINA EL ARTE DEL MANGA CON ESTA GUÍA DE DIBUJO PASO A PASO Y A TODO COLOR ¿Te gusta el manga y quieres aprender a dibujarlo? Tanto si nunca has dibujado como si ya tienes nociones, esta es la guía ideal para aprender todos los secretos del manga. Con más de 50 ejercicios paso a paso, descubre cómo dibujar elementos básicos, como los ojos y las manos, hasta llegar a las formas del cuerpo, las posturas y las perspectivas. A continuación, explora cómo dibujar una gran variedad de asombrosos personajes manga, como héroes y villanos, zombis, vampiros, cíborgs, espíritus de las nieves o robots. Con CONSEJOS y TRUCOS de mangakas profesionales, este es el libro perfecto para que cualquiera pueda crear dibujos de manga impactantes.
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La primera monografía completa sobre el pintor figurativo contemporáneo, publicada como complemento de la primera exposición individual del artista en los Estados Unidos.Spinneret se inspira en el órgano homónimo productor de seda que las arañas utilizan para tejer sus redes. Las pinturas figurativas de Anthony Cudahy reconstruyen con ternura escenas enigmáticas de objetos específicos y entornos equívocos a partir de referencias entrelazadas extraídas de archivos queer, historia del arte, cine, poesía, amigos y autobiografía.Coincidiendo con la exposición individual de Cudahy en el Museo de Arte Americano Ogunquit, esta monografía abarca la última media década de su carrera, incluyendo trabajos completamente nuevos, y revela su rica práctica artística.Organizado por cinco temas artísticos (alegorías, figuras, espacios, deslizamientos y fragmentos), Spinneret captura el tira y afloja continuo, conceptual y materialmente, a lo largo de la práctica del artista.
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Según muchos historiadores del arte, la aventura del arte moderno surgió en la década de 1870 en París, cuando un grupo de artistas, los impresionistas, empezaron a pintar con pinceladas rápidas e imprecisas. En vez de ampulosas escenas heroicas, retra
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Si quiere aprender a dibujar flores pero no sabe ni por donde empezar, ¡este es su libro! Flores en 10 pasos le ayudará a transformar sencillas formas geométricas en bonitas flores en solo diez pasos.
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Técnicas y trucos novedosos y fáciles para pintar a la acuarela Obra de gran ayuda y fuente de inspiración para captar la belleza de los paisajes nevados. Terry Harrison, un maestro en pintar de la manera más fácil, comparte en este libro un tesoro de
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Gustav Klimt (Viena, 1862-1918) fue uno de los fundadores del grupo de artistas conocidos como los secesionistas de Viena. Figura controvertida, defendía, porun lado, la tradición y, por otro, una representacióncon frecuencia radical de la mujer. Conocido en todoel mundo por su estilo luminoso y evocador, sus pinturas y murales continúan fascinando y cautivando.
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La leyenda de Jean-Michel Basquiat (1960-1988) continúa intacta. Símbolo del Nueva York de la década de 1980, el artista inició su carrera a finales de la década de 1970 bajo el seudónimo SAMO llenando las paredes de la ciudad con pintadas que contenían mensajes mordaces y fragmentos de poemas. Formó parte de una escena underground en pleno auge formada por todo tipo de artistas, que se dedicaron a las artes plásticas, el gratifi, el hip-hop, el post-punk y el cine amateur. Basquiat, pintor con una potente voz personal, no tardó en triunfar en entornos más convencionales y expuso en galerías de todo el mundo.El estilo expresivo de Basquiat se basaba en figuras rudimentarias a las que añadía palabras y frases. Su obra inspiró a todo un elenco de celebridades del jazz, el boxeo y el baloncesto, con referencias esotéricas y a la vida callejera. Cuando se le preguntaba por el tema principal de su obra, Basquiat respondía “,realeza, heroísmo y las calles”,. En 1983 empezó a colaborar con la estrella más famosa del mundo del arte, Andy Warhol, y en 1985 fue portada de la revista The New York Times Magazine. Cuando Basquiat murió a los 27 años se había convertido ya en uno de los artistas más exitosos de su tiempo.Publicado originalmente en edición XXL, este acercamiento inédito al arte de Basquiat está disponible ahora en un volumen compacto y accesible para celebrar el 40 aniversario de TASCHEN. A través de reproducciones impecables de sus pinturas, dibujos y esbozos más destacados podrá admirar al detalle los complejos signos y crípticos garabatos del artista y profundizar en su mundo gracias a una introducción del editor Hans Werner Holzwarth y un ensayo sobre sus temáticas y evolución creativa firmado por la conservadora e historiadora de arte Eleanor Nairne. Organizados por años y profusamente ilustrados, los capítulos recorren la vida de Basquiat con citas del propio artista y reseñas que aportan al lector tanto una perspectiva personal como contexto histórico.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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A lo largo de la Historia, las reliquias han generado diversos mecanismos de extracción, asimilación y transmisión de discursos visuales y de cultura material. Los «fragmentos» determinaron la creación de «envolturas» (relicarios-objeto y salas-relicario), pero también espejos (otras imágenes) y respuestas (emulación de la santidad). Tuvieron asimismo un potencial extraordinario para sacralizar espacios, reconfigurarlos y, en combinación con sus envoltorios artísticos y materiales, definir y construir nuevos lugares de recepción, nuevas capas de sacralidad a menudo yuxtapuestas y difícilmente separables.Desde el punto de vista de la historiografía artística, el presente libro busca ofrecer una metodología de estudio en torno al análisis de la cultura visual de la Monarquía Hispánica a lo largo de la Edad Moderna y los inicios del mundo contemporáneo. En sus distintos capítulos no sólo se tratan asuntos de índole artística, sino también social, cultural y política, lo que ayuda a entender mucho mejor la relevancia que tuvieron, así como la importancia del relicario como espacio vertebrador de un mensaje que, en bastantes casos, supera el mero ámbito religioso del culto al santo correspondiente.
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