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Llibres de disseny i arts decoratives
Descobreix la nostra col·lecció de llibres de disseny. Una àmplia i variada selecció de lectures per aprendre les tècniques professionals de pintura i dibuix. Converteix-te en un artista! Compra llibres de disseny online. En aquesta secció disposem d'una extensa selecció de llibres de disseny i arts decoratives. Lectures que et convidaran a aprendre a explicar històries i dibuixar, a crear objectes amb ceràmica, a escriure, a pintar a l'oli o amb aquarel·les, a fer maquetes, gravats, marqueteria, serigrafia o cal·ligrafia amb pinzell. Així mateix, hi trobaràs equips complets de dibuix, manuals de tècniques de dibuix i guies introductòries sobre tot tipus de materials, com ara esmalts ceràmics, llapis, pintures i tintes, entre altres.
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Da vida a seres fantásticos de todo el mundo con estos 57 tutoriales paso a paso, ideales tanto para artistas principiantes como expertos. En Dibujar seres míticos chibi, Naomi Lord, una ilustradora muy conocida en Instagram, comparte su afición por el dibujo de criaturas legendarias, ya caminen, vuelen, naden o acechen en las sombras, como un cerbero, una esfinge, una sirena o un vampiro. Ofrece lecciones artísticas acompañadas de consejos para dibujar y colorear que gustarán especialmente a los amantes de los esti los anime y chibi.
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Todo un curso de pintura con acuarela, 50 pinturas para realizar paso a paso. Si es novato y le intimida un gran papel en blanco para colorear con acuarela este libro es para Vd. La técnica se introduce poco a poco partiendo de colores simples hasta la más amplia gama de acuarelas.
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Guía básica de dibujo para artistas que desean mejorar su técnica en el área concreta de los paisajes.
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Tercer volumen de una magna obra en cuatro volúmenesy cerca de 2.000 páginas que ofrece por vez primera la catalogación de toda la obra escultórica del gran artista vasco Eduardo Chillida (1924-2002). En una cuidada edición y bajo la dirección científica de los propietarios y conservadores del Museo Chillida-Leku,la presente publicación es resultado de un riguroso ydilatado trabajo de documentación y análisis, y permite identificar todas las esculturas realizadas por Chillida entre los años 1983 y 1990. Cada pieza catalogada incluye información detallada sobre materiales,propietarios, exposiciones y bibliografía, y se acompaña de una o varias reproducciones fotográficas. Estevolumen cuenta además con un artículo introductoriode Renato Bocchi, prestigioso especialista internacional en la obra de Eduardo Chillida, así como con un apartado de apéndices en el que se incluye un registrode títulos y materiales y una bibliografía esencial.La exhaustividad y rigor del estudio contenido en la obra hace de esta un recurso de gran utilidad paracoleccionistas de la escultura de Chillida, tanto públicos como privados, así como para museos, galeristas, especialistas, profesores y estudiosos de la obra del escultor.
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La leyenda de Jean-Michel Basquiat (1960-1988) continúa intacta. Símbolo del Nueva York de la década de 1980, el artista inició su carrera a finales de la década de 1970 bajo el seudónimo SAMO llenando las paredes de la ciudad con pintadas que contenían mensajes mordaces y fragmentos de poemas. Formó parte de una escena underground en pleno auge formada por todo tipo de artistas, que se dedicaron a las artes plásticas, el gratifi, el hip-hop, el post-punk y el cine amateur. Basquiat, pintor con una potente voz personal, no tardó en triunfar en entornos más convencionales y expuso en galerías de todo el mundo.El estilo expresivo de Basquiat se basaba en figuras rudimentarias a las que añadía palabras y frases. Su obra inspiró a todo un elenco de celebridades del jazz, el boxeo y el baloncesto, con referencias esotéricas y a la vida callejera. Cuando se le preguntaba por el tema principal de su obra, Basquiat respondía “,realeza, heroísmo y las calles”,. En 1983 empezó a colaborar con la estrella más famosa del mundo del arte, Andy Warhol, y en 1985 fue portada de la revista The New York Times Magazine. Cuando Basquiat murió a los 27 años se había convertido ya en uno de los artistas más exitosos de su tiempo.Publicado originalmente en edición XXL, este acercamiento inédito al arte de Basquiat está disponible ahora en un volumen compacto y accesible para celebrar el 40 aniversario de TASCHEN. A través de reproducciones impecables de sus pinturas, dibujos y esbozos más destacados podrá admirar al detalle los complejos signos y crípticos garabatos del artista y profundizar en su mundo gracias a una introducción del editor Hans Werner Holzwarth y un ensayo sobre sus temáticas y evolución creativa firmado por la conservadora e historiadora de arte Eleanor Nairne. Organizados por años y profusamente ilustrados, los capítulos recorren la vida de Basquiat con citas del propio artista y reseñas que aportan al lector tanto una perspectiva personal como contexto histórico.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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Esta joya bibliográfica que presentamos en edición facsímil es fruto sobre todo de la voluntad y la intuición de un artista extraordinario que tuvo la ambición y la capacidad de convertir su arte para captar y plasmar la belleza de los paisajes y mon
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¿Cuál es el significado de los Reyes Magos y cómo los artistas lo expresaron en la Edad Media? ¿Sabes diferenciar un «Cristo en Majestad» de un Pantocrátor? ¿Por qué en la fachada de la catedral de Santiago de Compostela aparece una mujer sujetando una calavera? ¿Cuál es la razón de la presencia de temas impúdicos adornando los templos sagrados? «Una imagen vale más que mil palabras» es un dicho que adquiere mayor relevancia en el periodo medieval, cuando la inmensa mayoría de la población era iletrada. Desde la creación del universo hasta el juicio final, pasando por todos los pasajes y personajes relevantes de los textos sagrados, la iconografía románica sirvió para dar al pueblo llano una visión del mundo, ya que Dios era, de forma unánime, el alfa y el omega. Sin embargo, desde el punto de vista del ciudadano del siglo XXI, puede asombrar que este arte expusiera también una vertiente profana e impúdica, que escapaba de la estricta moral cristiana de la época, en la que tampoco se deben pasar por alto otras expresiones como las representaciones geométricas, vegetales y de bestias tanto reales como fantásticas. Carlos Taranilla nos muestra, a través de este libro ilustrado, un viaje histórico por catedrales, iglesias, monasterios y museos de diferentes puntos de España y del resto del continente europeo para acercar al público la iconografía románica con una mirada amplia y divulgativa, basándose constantemente en numerosos ejemplos que nos siguen fascinando hoy en día. «Este libro, respetable lector, está concebido como un manual o guía para introducirte en el conocimiento de la iconografía románica, para lo cual, estamos seguros, te resultará de mucha utilidad el esquema general que hemos confeccionado, algo que no encontrarás en otros libros, y que constituye una brújula imprescindible para adentrarse en este apasionante estilo artístico, que tuvo su desarrollo histórico durante la Plena Edad Media, pasado el año mil y el terror al fin del mundo, inferido de algunos mensajes bíblicos apocalípticos tomados en sentido literal».
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Artista pop, pintor de la vida moderna, paisajista, maestro del color, explorador de la imagen y de la percepción durante seis décadas, David Hockney es conocido por ser un artista que siempre encuentra nuevas formas para explorar el mundo y sus posibilidades de representación. No ha dejado de crear imágenes inolvidables: obras con líneas gráficas y texto integrado durante los Swinging Sixties en Londres, la famosa serie de piscinas, crónica del estilo de vida californiano en la década de 1970, así como penetrantes retratos y paisajes de gran formato y colores brillantes tras su regreso a su Yorkshire natal. Además de los dibujos en los que traslada lo que ve directamente al papel, hay collages multiperspectiva hechos con polaroids que abren el espacio a un sinfín de vistas de gran detalle, y dibujos realizados con iPad en los que captura la luz con un medio más moderno, testimonio todo ello del placer que Hockney siempre ha encontrado en la experimentación.Esta edición especial combina los dos volúmenes de la monografía David Hockney: A Bigger Book para celebrar el 40 aniversario de TASCHEN. La vida y el trabajo de Hockney se presentan de forma cronológica como un diálogo entre sus obras y distintas voces de cada época, junto con reseñas y las reflexiones del artista en un texto que se complementa con retratos fotográficos e imágenes de exposiciones. Juntos abren nuevas perspectivas, página tras página, que revelan cómo Hockney aborda su investigación artística, cómo se desarrolla su pintura y dónde encuentra inspiración para su trabajo multifacético.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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Las conexiones inspiradoras entre los grandes artistas del mundo.'Conocer a un artista' es una colección de ochenta y cuatro retratos ilustrados que muestran las numerosas conexiones que se han establecido entre los artistas más valorados del mundo. Ya sea a través de la enseñanza, como Paul Klee y Anni Albers, de la existencia de una musa en común, como las flores de Georgia O'Keeffe y Takashi Murakami, o de una estimulante relación amorosa, como la de Lee Krasner y Jackson Pollock, estas conexiones vinculan a varios pioneros del arte de un modo que resulta fascinante e inesperado.A través del relato de sus vidas y de sus logros creativos -cada uno de ellos extraordinario y a menudo innovador-, Susie Hodge nos presenta la tupida red de conexiones que han dado como fruto algunas de las mejores obras maestras del mundo del arte. Muchas de estas relaciones son muy conocidas, mientras que otras van más allá del límite del tiempo y el espacio.Ilustrado con un colorido tributo al estilo único de cada artista, 'Conocer a un artista' es un relato festivo y esclarecedor de algunos de los visionarios más atractivos del mundo del arte.
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La mayor dificultad de la pintura, indistintamente del procedimiento que se utilice (acuarela, acrílico u óleo), radica en la mezcla de los colores y su aplicación. La manipulación correcta del color sobre la paleta es un paso previo esencial para conseguir un dominio de los matices, amplitud cromática y una buena armonización sobre el soporte, requiere un conocimiento técnico de la fusión de los colores y horas de práctica hasta manejar la pintura de manera intuitiva e impulsiva.Este libro es una guía imprescindible para aprender a relacionar los colores de la paleta con los del modelo y resolver con éxito las distintas armonizaciones y gamas cromáticas que pueden plantearse.
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Aunque la obra de Vermeer se reduce a 35 pinturas, ha originado un éxito de ventas del New York Times, una película protagonizada por Scarlett Johansson y Colin Firth, récords de visitantes en museos de todo el mundo, desde Ámsterdam hasta Washington, y la creación de medidas especiales para controlar al público que acude al Mauritshuis de La Haya, lugar de peregrinación de miles de personas para observar la enigmática, inocente y encantadora Joven de la perla, también conocida como la ''Mona Lisa holandesa''. Sin embargo, en vida, Johannes Vermeer (1632-1675) apenas era conocido más allá de Delft, su ciudad natal, y su reducido círculo de mecenas. Al morir, su nombre quedó en el olvido, excepto para algunos coleccionistas y marchantes de arte neerlandeses. Fuera de Holanda, sus obras incluso se atribuyeron erróneamente a otros artistas. No fue hasta mediados del siglo XIX cuando Vermeer llamó la atención del mundo del arte internacional que, viendo con buenos ojos su precisión narrativa, la meticulosidad de los detalles de su textura y los planos de luz majestuosos, descubrió a un genio y nunca volvió a apartar la vista de él. Esta edición reúne el catálogo completo de la obra de Vermeer en un formato compacto. Con una calidad de reproducción excepcional, permite disfrutar al máximo de las escenas sosegadas y al mismo tiempo cautivadoras, tan apreciadas en galerías de toda Europa y Estados Unidos. A través de detalles precisos y de ensayos se traza la habilidad excepcional del artista no sólo para plasmar los usos y costumbres del Siglo de Oro neerlandés, sino también para sintetizar una historia en un solo gesto, una expresión o una simple mirada.
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Entre las pintoras italianas, Lavinia Fontana merecesiempre tener un lugar destacado. Aunque, tras su muerte, la admiración de sus contemporáneos se desvaneció y el recuerdo de su fama se difuminó, las obras desu singular y valiente actividad artística siguen brillando con toda justicia en la luminosa constelacióndel arte pictórico del siglo XVI.
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Un libro imprescindible para conocer la obra de Leonardo en todos sus aspectos: su técnica pictórica, sus investigaciones científicas y tecnológicas, su estudio dela anatomía, sus códices y cualquier sugerencia nacida de su genio. Todas las obras y pinturas vanacompañadas por fichas descriptivas y técnicas. Toman especial protagonismo los detalles, las obras más controvertidas, aquellas cuya aceptación por la crítica es reciente o las obras maestras que han alimentadoel debate internacional, como Ángel encarnado, Salvator Mundi y La bella princesa.Las leyendas explicativas sacan a relucir los aspectos más curiosos dela historia de cada pintura. Gracias a la colaboración directa con coleccionistas y museos, las reproducciones fotográficas de las pinturas y otras obras reflejan las últimas restauraciones.
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1937, Belo Horizonte, Brasil. Tras tres meses sin jornal, pequeñas huelgas estallan aquí y allá en las minas del patriarca Oswaldo Wallace, quien ha amasado su fortuna dirigiendo el negocio con mano de hierro. Para liquidar las insurgencias, Wallace recurrirá a los camisas verdes, organización paramilitar fascista que pugna por limpiar la nación de la hipotética amenaza roja. “¿No me diréis que os da reparo apalizar a un sucio comunista?”. Este ambiente marcará la vida de Severino y Ramires, hijos de Wallace, de manera antagónica: el uno, comprometido con la izquierda, ejercerá de periodista, el segundo mutará en ferviente partidario de la dictadura militar brasileña durante los Años de Plomo (“o chumbo” en portugués). En casa aguardan la esposa de Oswaldo, Maria-Augusta, y sus hijas Adélia, Úrsula y Berenice, víctimas a su vez de sus propias aspiraciones. Inspirada en su propia historia familiar, Matthias Lehmann relata el declive de la familia Wallace en una conmovedora saga mitad documental mitad fi cción, donde los destinos de los personajes se entrelazan con los devenires de la dictadura brasileña. Sesenta años de historia de un país tan impetuoso como convulso, narrados a través de la encrucijada del diseño gráfi co y la publicidad brasileños, el naturalismo de Zola y un trazo inspirado en autores como Robert Crumb, Flavio Colin o Art Spiegelman. Dibujante, ilustrador y pintor ocasional de raíces francobrasileñas, Matthias Lehmann nació en la región de París en 1978 y ya en la adolescencia empezó a foguearse en la historieta breve y el mundo de la autoedición. Ha colaborado de manera regular en revistas y periódicos como Fluide Glacial, Le Monde o Libération. Especialista en la técnica del linograbado, tiene en su haber cerca de diez álbumes entre los que destaca La favorita (2015), que mereció el reconocimiento de diversos festivales internacionales y forma parte del catálogo de Ediciones La Cúpula. Con Chumbo, monumental trabajo que ha ido desarrollando con la ayuda de residencias como la Maison des Auteurs de Angulema, la Villa Médicis de Roma y la Drawing Factory de París, se alza defi nitivamente como uno de los nombres fundamentales del tebeo actual.
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Michelangelo Merisi da Caravaggio, con su propuesta naturalista realzada por un claroscurismo de una gran fuerza expresiva, es in lugar a dudas el pintor que, rompiendo los esquemas manieristas, convierte su obra en la más original e influyente de su tiempo. Un gran libro en el que el lector encontrará la vida y la obra del gran creador.
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Un lápiz y un papel son todo lo que necesitas para hacer crónicas visuales de tus viajes, retratar motivos cotidianos, estructurar el espacio o incluso capturar cosas tan volátiles y aparentemente imposibles de retener como la luz o el caos. Todo esto y mucho más es lo que te enseña Georg Kleber a través de 46 ejemplos surgidos de su propia experiencia como artista. Cada uno de estos casos se convertirá en una pequeña píldora de conocimiento para familiarizarte con los conceptos y las técnicas básicas del dibujo a lápiz y la composición, además de aportar ideas verdaderamente inspiradoras para tus propios retos creativos.
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El prestigioso crítico y Premio Pulitzer Sebastian Smee compone en este libro una historia del arte contada a través de las vidas paralelas de ocho artistas. Matisse - PicassoManet - DegasPollock - de KooningFreud - Bacon Manet rasga un retrato de él y su mujer pintado por Degas. De Kooning pelea con Pollock y al poco de la muerte de este se junta con su amante, Ruth Kligman. Freud rompe con su mentor y amigo íntimo Bacon tras haberse inmiscuido sin querer en su relación con un amante violento... La rivalidad es uno de los grandes motores de la innovación artística, pero es también uno de sus misterios más profundos. Casi todo artista que se precie ha sido arrastrado a algún tipo de enfrentamiento con sus contemporáneos, y Smee explora el modo en que la amistad y la traición estimulan la creatividad e incluso la búsqueda de la voz propia. Reseñas:«Apasionante. Smee es seductor y brillante, y sus virtudes como crítico son evidentes en cada línea.»The New York Times «Cada uno de los retratos que hace Smee de estos artistas es una auténtica joya.»The Boston Globe «Una combinación perfecta de gusto artístico y entendimiento humano, y una prosa cristalina.»The New Yorker «Hermosamente escrito. Ambicioso, impactante y del todo absorbente.»Publishers Weekly
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La comida y el surrealismo son amantes perfectos: sexo y langostas, collage y canibalismo, el encuentro de un cisne y un cepillo de dientes en una pastelería. Las cenas opulentas que organizaban Salvador Dalí (1904-1989) y Gala (1894-1982), su mujer y musa, fueron legendarias. Afortunadamente para nosotros, Dalí publicó un libro de cocina en 1973, Les dîners de Gala, que desvela algunos de aquellos ingredientes sensuales, imaginativos y exóticos que confluían en tan célebres encuentros.Esta reedición abreviada agrupa 78 de sus recetas en 12 capítulos, ilustrados especialmente por Dalí y organizados en función de los distintos platos, así como una sección dedicada a los afrodisíacos. Las ilustraciones y las recetas se acompañan de las extravagantes reflexiones de Dalí cual asuntos tratados en las conversaciones durante las cenas: ''La mandíbula es nuestra mejor herramienta para aferrarnos al conocimiento filosófico''.Todas las valiosas recetas del libro pueden prepararse en casa, aunque en algunos casos se requiera buena mano en la cocina y una despensa bien surtida. Son platos de la vieja escuela, con especialidades de los mejores chefs franceses de restaurantes de París condecorados con estrellas Michelin. El buen gusto, por voluptuoso que sea, nunca pasa de moda. Y dando a conocer al gran público este libro excepcionalmente raro, TASCHEN aporta una obra de arte, un recetario práctico y una experiencia multisensorial a la cocina actual.
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Amantes del arte, escépticos y desconcertados: esta historia del arte moderno es para vosotros ¿Qué es el arte moderno? ¿Por qué se ama o se odia? ¿Y por qué es siempre tan exageradamente caro? Will Gompertz, director de Arte de la BBC, exdirector de la Tate Gallery de Londres y uno de los mayores expertos del mundo, ha escrito una deslumbrante guía que cambiará para siempre la manera en que miramos el arte contemporáneo. Desde los nenúfares de Monet hasta los girasoles de Van Gogh, pasando por las latas de sopa de Warhol y los tiburones en formol de Hirst, este libro nos descubre la historia que hay detrás de las obras, las personas que hay detrás de los artistas y la verdadera magia que esconde el arte moderno. Dirigido tanto a escépticos como a convencidos, ¿Qué estás mirando? resuelve todas las preguntas que siempre nos planteamos y nunca nos atrevimos a hacer. En un sorprendente recorrido por los últimos ciento cincuenta años del arte salpicado de reveladoras anécdotas, Gompertz nos explica en qué consiste la genialidad de Pollock o Cézanne, cómo un urinario cambió el curso de la historia o por qué nuestro sobrino de cinco años realmente no lo haría igual. Original, irreverente y muy accesible, este libro rompe con mitos y prejuicios y hará que nuestra próxima visita a un museo sea menos intimidante y mucho más apasionante.La crítica ha dicho:«Will Gompertz [...] un tipo singular. Rápido como la sangre. Y de algún modo un defensor de la claridad en un territorio de opacidades. Entra en faena desde un libro lúcido que tiene algo de síntesis mental de lo complejo. [...] una exploración que desacraliza con audacia e ironía tanto el cuello duro de la crítica de arte, a la vez que hace su propia crítica desde la orilla de la claridad.»Antonio Lucas, El Mundo«Es tan provocador, irreverente, irónico, divertido y políticamente incorrecto como muchos de los artistas de los que habla. Gompertz da un buen repaso (en todos los sentidos) al arte moderno y contemporáneo. Su visión del mundo del arte es inteligente, salpimentada con buenas dosis de humor.»Nati Pulido, ABC «Tanta contundencia en las opiniones proviene de Will Gompertz, director de arte de la BBC y considerado una autoridad mundial en el arte moderno y contemporáneo. [...] En realidad, el libro requiere algo más que un simple pestañeo. Se lee más bien como un completo y ameno manual de 472 páginas.»Ángeles García, El País «Para salvar la brecha que separa a muchos visitantes de los objetos que contemplan, Gompertz ha escrito precisamente ¿Qué estás mirando?, un ameno recorrido por la creación moderna para que la comprenda todo el mundo.»Javier Ors, La Razón«Will Gompertz es de esa estirpe de profesionales que, porque de verdad saben, no necesita demostrar nada. Aúna sencillez, falta de afectación y hondura, con lo que alimenta en quien le escucha la sensación de que en cada una de sus palabras hay un poso de sabiduría. [...] ¿Qué estás mirando?, un texto original, irreverente y muy accesible que, dirigido tanto a escépticos como a convencidos, resuelve una buena porción deesas preguntas que muchos se plantean y pocos se atreven a formular.»Hoyesarte.com (10,490 Traffic Rank en España, Alexa)
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Taller de acrílico abarca desde los materiales y las técnicas básicas hasta inspiradores proyectos paso a paso que le ayudarán a entrenar su visión artística y a desarrollar sus habilidades plásticas. Las sencillas explicaciones de los principios básicos de la pintura con acrílicos le animarán a abordar todo tipo de temas, desde simples estudios a paisajes y retratos, y las ilustraciones de «Evolución de la imagen» aportan una visión general de los proyectos en un solo vistazo. Las galerías de obras de arte contemporáneo le enseñan cómo se han acercado los artistas consagrados a distintos temas y técnicas. Taller de acrílico aporta un enfoque nuevo a la plástica, ayudándole a conseguir los mejores resultados.
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Vicent Andrés Estellés és un dels poetes fonamentals de la literatura catalana. La seua obra és una narració íntima i universal de la nostra història recent: la mort i la fam, l’horror de la guerra, la crua postguerra i la derrota col·lectiva. Però també la resistència, l’esperança, la lluita constant i la fràgil alegria. En aquest llibre únic, la primera biografia sobre Vicent Andrés Estellés, el músic i escriptor Pau Alabajos ens acosta al recorregut vital del poeta amb motiu de la celebració del centenari del seu naixement. Un viatge que parteix dels seus poemes clau per mostrar-nos la vessant més humana d’Estellés. El fill del forner de Burjassot. El periodista compromès acomiadat pel diari on treballava. El poeta que es conjura amb la causa dels explotats i la reconstrucció d’un país vençut. Que igual recitava en una associació de veïns que rebia els màxims guardons de les lletres catalanes. Que es convertí en emblema i matèria primera del moviment popular de la Nova Cançó. I que, mentre la nostra xarxa cultural de base el reconeixia arreu del país, era perseguit i amenaçat per la dreta franquista que encara avui l’intenta censurar. El poeta que va esdevenir la veu d’un poble.¿A qui va dirigit el llibre Vicent Andres Estelles?Vicent Andrés Estellés s'adreça a un públic ampli interessat en la vida i obra del poeta valencià Vicent Andrés Estellés, especialment en el context de la commemoració del centenari del seu naixement. El llibre resulta atractiu tant per a lectors familiaritzats amb la poesia d'Estellés com per a aquells que s'acosten a la seua figura per primera vegada. El seu enfocament didàctic i concis el fa accessible a un públic divers, incloent estudiants, investigadors i aficionats a la literatura i la història valenciana. L'obra es presenta com una eina útil per comprendre la dimensió humana del poeta, més enllà de la seua producció literària.Temes que tracta el llibre Vicent Andres EstellesEl llibre Vicent Andrés Estellés, a través d'un recorregut estructurat en capítols curts que parteixen de poemes clau de l'autor, explora diversos aspectes de la vida i obra del poeta. Es centra en la vessant humana d'Estellés, mostrant la seua trajectòria vital de forma didàctica i concisa. Alguns dels temes que s'aborden són:La vida personal d'Estellés: El llibre explora la vida del poeta des del seu origen humil com a fill de forner fins al seu reconeixement com a figura literària de primer ordre. Es mostra la seua faceta com a periodista compromès, la seua participació en la vida cultural valenciana i les dificultats que va afrontar sota el franquisme.La seua obra poètica: S'analitzen poemes clau d'Estellés, utilitzant-los com a punt de partida per comprendre la seua evolució creativa i les seues principals preocupacions temàtiques. L'obra no es limita a una simple descripció dels seus poemes, sinó que els utilitza com a eina per comprendre la personalitat i les vivències de l'autor.El seu context històric: El llibre situa la vida i obra d'Estellés en el seu context històric, mostrant el seu compromís social i polític, així com el seu paper en el moviment cultural valencià. Es destaca la seua importància com a veu del poble valencià i el seu enfrontament amb la censura franquista.La seua influència en la cultura valenciana: S'explora la influència d'Estellés en la cultura valenciana, incloent el seu impacte en la música i altres àmbits artístics. Es destaca el seu paper com a figura clau en la renovació de la poesia valenciana contemporània.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre Vicent Andres EstellesEncara no hi ha opinions o crítiques sobre VICENT ANDRÉS ESTELLÉS.
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* Un viaje a través de la historia mediante 80 obras de arte y sus gamas cromáticas cuidadosamente seleccionadas. * El color permite a los artistas narrar historias, expresar su individualidad, evocar una atmósfera y plasmar mensajes subliminales, y los artistas más grandes han cargado sus pigmentos con referencias sociales, políticas y religiosas. * Desde tierra a piedras semipreciosas e insectos machacados, se examinan los inesperados materiales utilizados para crear pigmentos y hasta qué extremos han llegado los artistas para conseguirlos. A través de 80 maravillosas obras de arte, desde pinturas rupestres a obras maestras contemporáneas, a lo largo de estas páginas podrá navegar por puntos de inflexión de mayor y de menor importancia, así como a contemplar obras conocidas y otras que no lo son tanto a través de una perspectiva nueva y vibrante. Para estas obras, el color no es solo una herramienta, sino también el secreto fundamental de su éxito.
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Feliu Elies fou un dels dibuixants més destacats de principis del segle XX a Catalunya. Les seves il·lustracions van aparèixer a les revistes més importants del país. Els acudits tracten aspectes polítics, socials i culturals de la Barcelona del seu temp
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En Pintura y Dibujos Botánicos para artistas, la artista botánica y líder de taller experimentada Karen Kluglein revela sus secretos para representar de manera precisa y cautivadora hojas, flores, bayas, ramas y otros elementos. Después de una serie de consejos sobre la observación de flores y plantas y una descripción general de los términos y conceptos botánicos más importantes, encontrará en dos capítulos que proporcionan pautas detalladas y ejemplos para dibujar y pintar botánicamente con diferentes medios. Dibujo botánico: dibuje libremente, mida y calque con precisión y trabaje a partir de fotografías con grafito, lápiz de color, bolígrafo y marcador plateado. Pintura botánica: mezcla de colores, lavados, trabajo en capas, elaboración de sombras, tonos y detalles con acuarelas, gouache y acrílicos.
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Guía práctica llena de inspiración para aprender a pintar paso a paso con acuarelas, mediante ejemplos prácticos que desarrollan las diferentes técnicas y queilustran sobre las grandes posibilidades de este medio de expresión artística. Para aprender a reproducirsobre el papel elegantes efectos y a crear ambientes.
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Nuevo volumen de la colección de catálogos razonados del Museo del Prado, tras El Greco, Pintura holandesa, Las miniaturas en el Museo del Prado y Luca Giordano. Este catálogo estudia las pinturas realizadas en los Países Bajos durante el siglo XV que custodia el Museo del Prado, incluyendo las de artistas activos en el XVI pero vinculados con el quehacer del siglo anterior. Se trata de un momento trascendente para la cultura artística occidental, que alumbra la obra de creadores revolucionarios, como Jan van Eyck, Rogier van der Weyden o el Maestro de Flémalle, la de los maestros que siguieron su estela, como Dirk Bouts, Hans Memling o Hugo van der Goes, y la de otros autores de menos fama pero de producción igualmente notable. La pintura flamenca temprana es célebre no solo por su delicadeza técnica e intensidad narrativa, sino por la dificultad que entraña interpretar los asuntos representados. Además, la ausencia de documentación cierta sobre sus creadores, de muchos de los cuales se ignora hasta su identidad, y la escasez de datos sobre las propias obras, hacen que su estudio sea uno de los más complejos pero también más atractivos de la historia del arte. Esta publicación actualiza el conocimiento de esas obras y sus autores en el Museo. Se catalogan creaciones individuales, trípticos completos o escenas fragmentarias de unos veinte artistas, de quienes se ofrece una sucinta biografía con sus obras seguras y clave para atribuir las que se examinan, sean estas autógrafas, de taller o de seguidores. A los datos y el análisis histórico y artístico de cada una se añade un exhaustivo estudio técnico, fundamental para precisar conclusiones, incluyendo la revisión de atribuciones tradicionales y la propuesta de la más certera autoría para pinturas que hasta hoy se tenían por anónimas. Su autor, José Juan Pérez Preciado, técnico del Museo en el Área de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte, ha llevado a cabo este trabajo en colaboración con el Gabinete Técnico y Laboratorio del Museo y con la asesoría científica de Lorne Campbell, reconocido experto en la pintura de los Países Bajos, que escribe la introducción sobre el temprano interés que esas bellas creaciones despertaron en España.
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Los cuatro ensayos recogidos en este libro proponen reflexionar sobre el arte de la Edad Media presente en museos e iglesias planteando un viaje de ida y vuelta entre el Museo del Prado y algunos de los miles de templos de ese período que salpican el paisaje español y europeo. Con el objetivo de ofrecer una lectura contextual de los distintos elementos que integran las llamadas «artes del altar», como frontales, tabernáculos y ciborios, se presta especial atención al retablo, cumbre del arte hispano medieval, rastreando para ello su desarrollo en los siglos xiv y xv y analizando su ubicación en el interior de las iglesias. Además de estudiar el entorno original de las piezas, se ponen en relación con otros ejemplos europeos y se encuadran así en un paisaje artístico más amplio.
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Yoai, la conocida artista de Instagram, ha vuelto para enseñarte no uno, sino dos populares estilos de dibujo japonés. Un recurso habitual en el anime y el manga es convertir a los personajes en su versión chibi como contrapunto cómico, especialmente cuando expresan emociones. En Dibuja anime y chibis, Yoai te enseña a crear sus característicos y simpáticos personajes de anime y sus versiones chibi, tanto las nociones básicas para dibujar el cuerpo, la pose y los rasgos faciales como técnicas para diseñar la ropa y el pelo.Con los 20 tutoriales de nivel básico, intermedio y avanzado, aprenderás a dibujar paso a paso del modo tradicional —utilizando lápiz y pluma y coloreando con rotuladores y lápices de colores— y digitalmente, con programas de dibujo estándar.E incluso podrás ir un paso más allá y combinar ambos medios. Gracias a los abundantes consejos y técnicas de dibujo, así como a la inspiradora galería y las páginas para colorear, pronto estarás llenando tus cuadernos, artículos de papelería e ilustraciones con tu propio universo de personajes anime y chibi.Dibuja anime y chibis: ¡el curso que estabas esperando!
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Las extremidades —las manos y los pies— presentan unas particularidades anatómicas que determinan muchos aspectos de su representación visual. En esta sexta entrega de sus lecciones de dibujo anatómico, Michel Lauricella utiliza su infalible fórmula pedagógica aplicándola a estas partes del cuerpo, con especial atención al sistema venoso, para facilitar la práctica deldibujo de memoria e incentivar el dibujo del natural. Cerca de 600 dibujos con multitud de detalles matizados, diversidad de posturas y puntos de vista, y representación de osamenta, musculatura y sistema venoso. Recorrido multidimensional por la anatomía, atendiendo especialmente a los movimientos de rotación y asimiento, las proporciones y las articulaciones para entender la composición general. Presentación del sistema venoso a través de una cartografía esquemática delas extremidades del cuerpo. Las venas, signo de un cuerpo vivaz y dinámico, ayudan a reflejar de forma extremadamente gráfica y expresiva las morfologías musculosas
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Mucho se ha indagado en las páginas de los códices de Leonardo, en los miles de diseños de máquinas que contienen. Sus misterios y secretos salen a la luz en este libro. Por primera vez el trabajo de dos dibujantes tan apasionados por el mundo virtual como por Leonardo ha hecho posible la reconstrucción tridimensional en programas de diseño en 3D de las invenciones a las que dedicó Da Vinci su esfuerzo y su genio.
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Siete ilustradorespor una sola causa. Este libro solidario es un homenaje artístico y poético a todas las mujeres que pasan por un cáncer de mama y a todas las personas que las acompañan en el camino hacia la sanación y, surge del compromiso de Solán de Cabras y su colaboración desde hace más de una década con la Asociación Española Contra el Cáncer a quién irán dirigidos los beneficios de la venta de esta publicación.
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El proyecto Image Cities de la fotógrafa ruso-americana Anastasia Samoylova es la propuesta ganadora de la primera edición del KBr Photo Award, puesto en marcha por Fundación MAPFRE en 2021.Consiste en un exhaustivo y concienzudo trabajo llevado a cabo en múltiples localizaciones que estudia la integración de la fotografía y de la imagen en el entorno urbano, un fenómeno cada vez más presente en la actualidad. El proyecto, que comenzó en Moscú y Nueva York en 2021, se ha podido completar en otras ciudades como -msterdam, París, Londres, Bruselas, Tokio, Madrid o Barcelona gracias a este premio.
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Edward Hopper (1882-1967) representa una historia de triunfo típicamente americana, si bien el éxito podría haberle sonreído antes. A los 40 años de edad, era un artista fracasado que no había conseguido vender ni un solo cuadro, hasta que, a punto de cumplir los 80, la revista Time lo sacó en portada. En la actualidad, transcurrido medio siglo desde su muerte, Hopper se considera un gigante de la expresión moderna, con un talento asombroso, inolvidable y absolutamente personal para captar ambientes y lugares. Gran parte de la obra de Hopper indaga en la experiencia de la ciudad moderna. Lienzo tras lienzo, retrata restaurantes, cafeterías, escaparates, farolas, gasolineras, estaciones de tren y habitaciones de hotel. Sus escenas se caracterizan por yuxtaposiciones de colores vivos y por una iluminación cruda y teatral, así como por figuras contorneadas con aspereza, que parecen integrarse en el entorno y, al mismo tiempo, ser ajenas a este. La ambientación en todo su repertorio urbano transmite desasosiego, alienación, soledad y tensión psicológica, mientras que sus escenas del entorno rural y litoral ofrecen un contrapunto de tranquilidad y optimismo. Este libro recoge las obras clave de Hopper con el fin de presentar a un artista clave no solo en la historia del arte estadounidense, sino en la psique de todo un país.
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Conocer el esqueleto humano no solo ayuda a comprender la mecánica del cuerpo, sino que permite trabajar los dibujos hasta la perfección en función de la osamenta bajo la piel. Después del primer volumen dedicado al écorché y un segundo volumen centrado en la esquematización, Michel Lauricella ofrece en Anatomía artística 3 todas las claves para dibujar el esqueleto humano. · Más de 500 dibujos de los huesos y las estructuras óseas de cabeza y cuello, torso, miembros superiores y miembros inferiores. · Descripción visual de salientes, aristas, crestas, surcos, torsiones y de los movimientos de rotación y flexión-extensión. · Desarrollo de la capacidad de observación y selección a través de una mirada precisa y muy dirigida sobre el cuerpo humano.
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Tres días en la montaña, tres días para conocer lo secretos de la naturaleza y, también, descubrirse a uno mismo. El viaje iniciático de Bruno y su enigmático tío. El narrador es un joven de diez años, que considera a Bruce como una especie de tío envuelto en misterios. Tras tres años de silencio, el hombre ha venido a cumplir la promesa que le hizo al niño: tres días en la montaña, tres días para descubrir el mundo de las montañas. Pero este viaje también será una oportunidad para descubrirse a uno mismo y, por qué no, aprender a trazar su propio camino.
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La asombrosa relación de obras de arte, descubrimientos y revoluciones científicas, teorías estéticas y filosóficas, libros, viajes, personajes y controversias convierten este ensayo en una de las historias culturales más originales e intuitivas publicadas en los últimos años. El itinerario propuesto por el autor se orienta al análisis e interpretación del significado artístico y los valores simbólicos de las ruinas, restos arquitectónicos que hacia la primera mitad del siglo XV adquieren, a ojos de sus contemporáneos, una nueva consideración, mudando de su carácter de cantera en desorden a la condición de vestigios venerables de otra hora del mundo, dignos de ser recreados en un sinnúmero de obras de arte. En este recorrido, que llega hasta el siglo XX y la devastación física y moral provocada por las grandes guerras mundiales, presenciamos también la aceleración y el cambio de mentalidades que se sucedieron en Occidente y la consiguiente evolución que sufrió el sentido y la finalidad de la representación de esos restos del pasado. Efectivamente, las ruinas no tuvieron el mismo significado ni sirvieron al mismo fin en Botticelli, Piranesi, Chateaubriand o Freud, y si en el Renacimiento ,que les dio nueva vida como símbolos de perfección y continuidad de la grandeza clásica, valieron como cimientos de una nueva ciencia, apegada a los datos objetivos y la verdad, como fue la moderna Historia cultivada por los humanistas, los siguientes siglos las cargaron sucesivamente de melancolías y soledades, megalomanías y brumas, destrucción y pesadillas. A caballo entre la indagación estética y literaria, entre el comentario histórico y filosófico, Manuel Gregorio González descubre aspectos cruciales de nuestra cultura explicados mediante la figuración de esas nobles ruinas que hoy, como toda la herencia de los tiempos pretéritos, parecen sumidas en una profunda crisis.
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