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Llibres de disseny i arts decoratives
Descobreix la nostra col·lecció de llibres de disseny. Una àmplia i variada selecció de lectures per aprendre les tècniques professionals de pintura i dibuix. Converteix-te en un artista! Compra llibres de disseny online. En aquesta secció disposem d'una extensa selecció de llibres de disseny i arts decoratives. Lectures que et convidaran a aprendre a explicar històries i dibuixar, a crear objectes amb ceràmica, a escriure, a pintar a l'oli o amb aquarel·les, a fer maquetes, gravats, marqueteria, serigrafia o cal·ligrafia amb pinzell. Així mateix, hi trobaràs equips complets de dibuix, manuals de tècniques de dibuix i guies introductòries sobre tot tipus de materials, com ara esmalts ceràmics, llapis, pintures i tintes, entre altres.
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Siguiendo el mismo espíritu de las obras anteriores, en esta nueva entrega nos adentramos en el enfoque morfológico de las telas y los pliegues de la ropa. A través de la simplificación de los distintos tipos de posturas y figuras, aprenderemos cómo se crean los pliegues y bajo qué concurso de fuerzas, lo que nos permitirá ser más precisos en el dibujo y conferir movimiento y carácter a nuestros personajes.Michel Lauricella nos adentra en la morfología de las vestimentas a través de un variado compendio de personajes y prendas. Cerca de 400 dibujos detallados de distintos tipos de figuras y posturas dibujables. Un amplio recorrido por la variedad de prendas de vestir y complementos, desde sombreros, gorros, bufandas y fulares hasta sudaderas, saris, faldas y vaqueros. Un enfoque eminentemente morfológico que nos permite acceder a una lógica elemental memorizable y fácilmente aplicable en nuestras creaciones.
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En Pintura al aire libre para artistas, la premiada artista y prestigiosa profesora de pintura Aimee Erickson le da las claves para aprender a capturar una gran variedad de efectos de iluminación y le ayuda a perfeccionar sus técnicas de pintura al aire libre con ejercicios prácticos. El libro se divide en los siguientes apartados: Materiales y equipo. Obtenga una visión general de todo lo que tiene a su disposición para no poner límites a su creatividad. Composición y valor. Explore los efectos de la proporción, el color, el valor, las líneas, los contornos, la forma y la textura. Color. Analice cómo los conocimientos y la intención, la paleta de colores y lo que ve (su perspectiva) se turnan para llevar las riendas del juego cromático, inventarse reglas y encontrar soluciones. Efectos de iluminación. Aprenda cómo las condiciones ambientales (cuánta luz hay y si esta es tenue, difusa, dorada, intensa, pálida o mortecina) influyen en todo lo que vemos y en nuestra forma de pintarlo. Diseño e idea visual. Descubra estrategias para desarrollar una idea visual, desde crear una serie de estudios hasta trabajar con la cámara de fotos o improvisar.
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Durante la segunda mitad del siglo XIX, en los verdes campos de los alrededores de Aix-en-Provence, Paul Cézanne (1839-1906) se consagró a la representación de paisajes y naturalezas muertas que se convertirían luego en obras clave del arte moderno. Con pinceladas compactas e intensas y un audaz acercamiento al espacio y la luz, Cézanne intermedió entre el impresionismo y los movimientos fundamentales de principios del siglo XX y se convirtió, en palabras de Matisse y Picasso, en «el padre de todos nosotros». Esta nueva aproximación a su trabajo selecciona las obras clave que permiten entender el desarrollo, las innovaciones y la influencia crucial que Cézanne ha tenido en el arte moderno. Desde composiciones de frutas y peras hasta escenas de bañistas, recorremos su experimentación con el color, la perspectiva y la textura para evocar «una armonía paralela a la naturaleza», así como el propio proceso de ver y representar.Por el camino, nos detenemos en su famosa serie de pinturas Los jugadores de cartas, con su combinación de capas de colores cálidos y fríos para construir forma y superficie, y en el rigor geométrico de sus paisajes de los alrededores de Aix-en-Provence, tan brillantes en su captura de la luz del sur de Francia como atrevidos por su concepción radical de las dimensiones y la profundidad.
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Uno de los grandes artistas de la historia, que desafió las convenciones y abrió nuevas posibilidades para la pintura. Representó aspectos de la vida cotidiana que la mayoría de las personas no percibían por estar limitadas en su perspectiva. En su obra de madurez, utilizó el color y la línea de formas inesperadas para revelar visiones dinámicas del mundo. Aunque anhelaba la aprobación de la moderna metrópolis, París no fue ni el paisaje ni el sujeto de sus experimentos y hallazgos pictóricos. «Podría pintar durante cien años, mil años, sin parar, y seguiría sintiendo que no sé nada». así es... Esta colección presenta la historia del arte de forma visual y atractiva. Cada volumen contiene, además de textos muy amenos escritos por expertos en historia del arte, ilustraciones hechas expresamente para esta colección por algunos de los mejores ilustradores del mundo. Históricamente precisos y fruto de una investigación meticulosa, las ilustraciones dan vida a la historia de cada artista y explican el contexto de su obra y sus influencias. Los amantes del arte encontrarán en esta colección una introducción vívida y accesible a la vida y la obra de los artistas. Autores Jorella Andrews es profesora del departamento de Culturas Visuales en Goldsmiths (Universidad de Londres). Formada como artista y más adelante como teórica de arte, está interesada en las relaciones entre la filosofía, la percepción y la práctica artística. Es autora de Showing Off! A Philosophy of Image y editora de la serie Visual Culture As. Patrick Vale es un ilustrador reconocido en todo el mundo, sobre todo por su trabajo centrado en las ciudades y en la arquitectura. Vive y trabaja en Londres.
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Este catálogo recoge sesenta grandes obras de Monet y otras de Delacroix, Boudin, Jongkind, Renoir y Rodin, sus maestros y colegas. Concebido por el Musée Marmottan Monet, sus autoras hacen hincapié en las sucesivas etapas del pintor, desde sus inicios en las costas normandas hasta su última obra, los Nenúfares, pintados en su propiedad de Giverny, pasando por sus viajes a Holanda, Noruega y Londres.
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Un recorrido apasionante por los símbolos, creencias y misterios que explican la presencia del erotismo en el arte románico.Una aparente contradicción de la iconografía románica, vista con la mentalidad actual, reside en la abundante presencia en espacios sagrados de imágenes de marcado contenido erótico e incluso procaz. Sin embargo, conocer las auténticas razones de estos motivos gráficos desmonta la supuesta incongruencia, sobre todo si se analiza el ancestral uso de elementos sexuales en las culturas anteriores.Tal es el propósito de este libro, La lujuria en la iconografía románica, en el que un profundo conocedor de la materia como Jesús Herrero Marcos recoge los hitos de esa tradición para descubrirnos el verdadero significado que se oculta tras los relieves de nuestros templos medievales.
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En 1870, el enfado de Cézanne (1839-1906) ante los sucesivos rechazos del Salon parisino a su trabajo acabó en advertencia: «Reirá mejor quien ría el último». Tomó dos guías seguros, Hércules y Moisés. Y buscó sin desaliento dotar a su arte de una base ética y conseguir «la lógica de las sensaciones organizadas». Arte, ciencia, literatura y filosofía recorren cada momento de su paciente trabajo. Para descifrar su objetivo: «la verdad en pintura». Y para ello diseñó un triple programa: escrúpulos ante las ideas, sinceridad ante uno mismo, sumisión ante el objeto. De modo que en la mente de Cézanne se registró una biblioteca imaginaria en tres volúmenes. El primero contenía la creencia de que tenía un proyecto, un camino, y que bastaba con seguirlo sin desfallecer. El segundo era un ensayo sobre el mundo moderno en el que se declaraba que éste era un lugar desgarrador pero que, sin trascenderlo, todo trabajo era inútil. El tercero revelaba que la realidad de su nacimiento y su formación lo colocaba en ventaja sobre los artistas y escritores parisinos de su tiempo, para imponerles un ritmo que superaba todo entendimiento. Charles Bigot escribió: «Cézanne puede desafiar a sus compañeros, ninguno lo igualará. Él golpeó primero los límites de la intransigencia». Liliane Brion-Guerry se sorprendió ante los descubrimientos del pintor de Aix: «Un logro tan raro y que parece evidente no se adquiere más que al precio de mucha ciencia, renuncia y humildad». Y concluye: «Cézanne ha desmontado literalmente el espacio. Lo sustituyó por un campo de tensiones, estallidos, rupturas, reencuentros, modulaciones». El aforismo del pintor nos pone en guardia: «El arte es una religión. Su finalidad es la elevación del pensamiento». Humildad, admitió Cézanne al decir: «El cerebro del artista es como una placa sensible con una receptividad. Un largo trabajo, la meditación, el estudio, la han preparado. Una meditación constante sobre los procedimientos de los maestros más el medio en el que nos movemos ... el sol ... el azar de los rayos ... ¿quién pintará jamás eso? ... Somos simplemente un poco de calor solar almacenado ... un poco de fósforo que arde en las meninges del mundo». Un modo de actuar y sentir que tiene elocuentes resultados. Y consecuencias. Las conocemos.
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Aquest llibre que va sobre Claude Monet, un dels pintors impressionistes més importants, ens ajuda a entendre i a conèixer l'artista i la seva obra així com: els seus interessos, els seus coetanis, els seus amics i com no la seva casa i el seu jardí aGiverny. Cada capítol és un relat independent perla qual cosala seva lectura no fa falta que sigui ordenada.
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El arte de Feefal es la primera obra publicada de la artista sueca Linnea Kikuchi, conocida como Feefal. Déjate sorprender, encantar e intrigar por su trabajo, sus creaciones surrealistas pero absolutamente creíbles, su extraordinario mundo de personajes divertidos en escenarios llenos de curiosas cualidades macabras y oníricas. En esta obra nos guía a través de piezas clásicas, obras nunca antes vistas y tutoriales donde nos revela pensamientos personales sobre su proceso creativo junto con las técnicas que utiliza para dar vida a estas ideas. En este libro, Feefal comparte las primeras influencias y puntos de vista que la pusieron en el camino para convertirse en la artista que es hoy. También se toma tiempo para detallar su atracción por lo oculto, solo uno de los temas de otro mundo que aparecen en su trabajo.
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Dibujar puede ser tan sencillo como coger un lápiz y un papel. Pero existen infinidad de trucos y técnicas que pueden multiplicar exponencialmente el potencial creativo. El collage digital, las capas combinadas, los acabados contrastados, las líneas superpuestas, los juegos con la escala, el papel recortado... Helen Birch ha recopilado en este libro más de 80 técnicas de dibujo exponiéndolas a través de brillantes ilustraciones de algunos de los artistas más importantes del momento. Un magnífico compendio gráfico que funciona no solo como guía práctica para comprender y jugar con los fundamentos del dibujo ùlínea, color, tonalidad, etc.ù sino también como desafiante estímulo para descubrir sus posibilidades retóricas y comunicativas.
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Las extremidades —las manos y los pies— presentan unas particularidades anatómicas que determinan muchos aspectos de su representación visual. En esta sexta entrega de sus lecciones de dibujo anatómico, Michel Lauricella utiliza su infalible fórmula pedagógica aplicándola a estas partes del cuerpo, con especial atención al sistema venoso, para facilitar la práctica deldibujo de memoria e incentivar el dibujo del natural. Cerca de 600 dibujos con multitud de detalles matizados, diversidad de posturas y puntos de vista, y representación de osamenta, musculatura y sistema venoso. Recorrido multidimensional por la anatomía, atendiendo especialmente a los movimientos de rotación y asimiento, las proporciones y las articulaciones para entender la composición general. Presentación del sistema venoso a través de una cartografía esquemática delas extremidades del cuerpo. Las venas, signo de un cuerpo vivaz y dinámico, ayudan a reflejar de forma extremadamente gráfica y expresiva las morfologías musculosas
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La monografía definitiva sobre uno de los artistas más venerados de nuestro tiempo.Ellsworth Kelly será recordado para siempre como uno de los artistas más distintivos e influyentes de nuestro tiempo. Este libro, el último creado en estrecha colaboración con el artista, mapea su prolífica y diversa obra desde la década de 1940 hasta sus proyectos finales antes de su muerte a finales de 2015. Con una portada recientemente diseñada, esta edición de tapa dura lleva el volumen aclamado por la crítica de Tricia Paik a un nivel superior. nueva audiencia de lectores.
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«Hagi escrit sobre el que hagi escrit, Pla ens ha ensenyat a mirar el nostre país i la seva gent, a mirar-nos a nosaltres mateixos i, des d'aquí, a mirar el món, i per això ens agrada», escriu Teresa Amat, que en aquest llibre aborda un aspecte essencial que genera un gran interès tant de la mirada com de la ploma de Josep Pla: l'art i els artistes, especialment l'art i els artistes catalans. Pla va escriure sobre Gaudí, sobre Dalí, sobre Rusiñol, sobre Maillol, sobre Picasso, sobre Gargallo, sobre Miró i sobre tants d'altres. Però l'estudi sobre la relació de Josep Pla amb l'art i amb els artistes encara s'havia de fer. A El Plaer de l'art trobareu aplegats tot de textos de l'escriptor sobre el seu concepte d'art i sobre els artistes que va conèixer.
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Artista, científi co y pensador, Leonardo (1452-1519) es el personaje más fascinante del Renacimiento. En el recorrido por su obra se muestra al Leonardo pintor, sin olvidar al inventor y al teórico del arte, aspectos que conforman su relevante personalidad. Una gran obra para disfrutar del arte y de la Historia.
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En 1860 la Arundel Society de Londres publicó, bajo el título The Frescoes of Giotto, la serie de grabados realizados a partir de las obras que el artista florentino pintara en la capilla de la Arena de Padua sobre el año 1305. El libro, que ofrecemos hoy por primera vez en español, incluía una larga reflexión en forma de introducción sobre la relación del arte de Giotto con otras creaciones anteriores y posteriores, además de comentarios a cada una de las láminas, realizados por John Ruskin, socio fundador de la Sociedad y uno de los intelectuales más prestigiosos e influyentes de finales del siglo XIX y principios del XX. Como historiador y crítico de arte, fueron seguramente sus viajes a Italia y el conocimiento de los viejos maestros (Giotto, Cimbaue, Fra Angelico, Tintoretto), junto a la lectura profunda de Dante, los referentes estéticos que marcaron los años en los que escribió estas fascinantes glosas a los frescos inmortales de Padua, que, más allá del mero relato histórico, consiguen poner de manifiesto la extraordinaria osadía de las composiciones, fijándose en detalles aparentemente menores que sin embargo abren nuestra percepción a cuestiones ocultas, mucho más significativas que el mero relato secuencial. Porque (como precisa con lucidez Andreu Jaume en el prólogo que abre esta edición) se trata de «preguntarse qué es lo que nos ha traído hasta aquí y por qué, qué es lo que separa al hombre representado por Giotto del hombre representado en el arte de nuestro tiempo, cómo funciona la imaginación en uno y otro extremo e intentar entender cuál es nuestro signo. Es ahí donde Ruskin vuelve a ser nuestro contemporáneo».
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En Cómo dibujar y pintar animales expresivos, Amarilys Henderson —artista, creadora de tutoriales en línea y autora de Cómo dibujar y pintar caras expresivas— presenta ideas prácticas y creativas para dibujar y pintar animales con técnicas y estilos muy variados, desde realista hasta tipo cómic. A medida que vaya conociendo su lado más creativo, verá que dibujar a pequeña escala es una manera sencilla de relajar la tensión y abrirse a experimentar y a aprender las técnicas y los planteamientos que Amarilys comparte en este libro.
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CON + de 600 BOCETOS DE DIFERENTES PERSONAJES MÍTICOSY FANTÁSTICOS 100 Fantasy Figures es una referenciavisual indispensable para artistas en formación, ilustradores, artistas de animación para fantasía, juegos y realidad virtual, y cualquier otra persona que quiera aprender a dibujar mejor la fantasía. Aprenda a:o dibujar figuras de alambre o dibujar Aprenda a: odibujar figuras de alambre o dibujar formas corporales a partir de planos o agregar detalles distintivos.
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La galardonada artista Harriet de Winton le muestra cómo crear obras de arte de acuarela contemporáneas para atesorar y compartir. A través de más de 30 proyectos paso a paso, descubra cómo pintar flores y follajes individuales, así como hermosas composiciones botánicas. Usa tus nuevas habilidades para hacer arte para tu pared, tarjetas únicas, invitaciones, o simplemente pinta por placer.
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Curso de dibujo a través del paisaje''El mejor consejo que os puedo dar es muy sencillo: dibujad, dibujad, dibujad.'' (Pablo Rubén López Sanz)Grado en Bellas Artes y referente de la acuarela ''plein air'' a nivel internacional, Pablo Rubén López es miembro de las tres asociaciones de acuarela más importantes de Estados Unidos. Sus más de 400 galardones artísticos nacionales e internacionales lo acreditan como un referente nacional e internacional en esta técnica pictórica. Tras más de veinte años impartiendo clases de dibujo y pintura, Pablo Rubén afirma: ''Lograr que la mano reproduzca lo que nuestros ojos ven requiere mucha práctica y conocimientos técnicos para evitar errores''. En este libro, el autor aborda el dibujo desde la temática del paisaje, si bien muchos de los conocimientos descritos son aplicables a otro tipo de temas, como pueden ser retratos, figuras o bodegones. Pablo Rubén analiza todos los elementos, formas, normas y distintas variaciones que se puedan encontrar en los paisajes, proporciona pautas, consejos prácticos e indicaciones técnicas que nos facilitarán realizar nuestros dibujos, identificar los errores y ser capaces de establecer un orden siguiendo las reglas geométricas de la perspectiva en el caso de dibujos lineales. El lector podrá comprobar a lo largo de los capítulos que se puede aprender a plantear, encajar, medir, proporcionar y, en definitiva, a dibujar gran cantidad de elementos y ubicarlos en un paisaje concreto. Todas las ilustraciones del autor están realizadas a mano, sin utilizar plantillas, métodos de proyección o procesamiento digital de imágenes, por lo que muchos de los dibujos contienen imperfecciones o imprecisiones, fruto del dibujo a mano alzada, para obtener un resultado natural.
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Caligrafía clásica para principiantes presenta las técnicas básicas para dominar la escritura de dos tipos clásicos de caligrafía: la copperplate y la spenceriana. Aprenda las nociones y trazos básicos y escriba las minúsculas y las mayúsculas de estos tipos de caligrafía clásica. Refuerce sus conocimientos básicos utilizando la escritura en una gran variedad de sencillos proyectos sobre papel, madera, vidrio, tela y otras superficies, y siga los inspiradores consejos sobre cómo añadir bonitos detalles que les darán un toque moderno.
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Tras la confusión voluntariamente practicada por los prerrafaelitas de lo antiguo con lo actual, del estilo refinado con el estilo popular, de lo excepcional con lo cotidiano, estaba la invitación a no considerar irreconciliables las categorías de lo mode
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Eddie Armer, experto en dibujo del natural, presenta una completa guía para aprender a representar manos y pies. Acompaña al lector en cada etapa, desde la selección del material de dibujo y de los modelos ideales hasta la representación de la proporción y la perspectiva. Eddie ofrece orientación para dibujar con precisión manos en determinados gestos o sujetando objetos, y pies descalzos o con diferentes tipos de zapatos. También explica la importancia de la perspectiva a la hora de dibujar adornos, sea un brazalete o arte corporal.
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En Free Play, Stephen Nachmanovitch propone una meditación magistral sobre cómo la improvisación se puede aplicar no solo al arte sino también a la vida y sobre cómo, al hacerlo, desbloquearemos nuestra creatividad.«¿Cómo se aprende a improvisar? ¿O, en todo caso, cómo se aprende cualquier arte? ¿O cualquier cosa? Es una contradicción, un oxímoron. Ve y dile a alguien: ''¡Sé espontáneo!''. O trata de que alguien te lo diga. Nos sometemos a maestros de música, de baile o de talleres literarios que pueden criticar o sugerir, pero lo que realmente nos piden es que ''seamos espontáneos'', que ''seamos creativos''. Y eso, por supuesto, es más fácil decirlo que hacerlo. ¿Cómo se aprende a improvisar? La única respuesta es otra pregunta: ¿Qué nos lo impide? La creación espontánea surge de lo más profundo de nuestro ser. Lo que tenemos que expresar ya está en nosotros, somos nosotros, de manera que la creatividad no es una cuestión de encontrar el material, sino de desbloquear los obstáculos para que fluya naturalmente.» -Stephen Nachmanovitch Si bien la espontaneidad y la inspiración pueden quedar bloqueadas, descarrilarse o ser eclipsadas por factores inevitables de la vida, Stephen Nachmanovitch apuesta por una fluidez de la energía creativa sin obstáculos, es decir, por el goce de hacer arte en todas sus variantes vitales. Basándose en ejemplos de las artes, las ciencias y las tradiciones espirituales de la humanidad, Free Play nos revela por qué creamos y lo que aprendemos cuando lo hacemos. Lleno de citas inusuales, anécdotas divertidas y metáforas originales, el autor nos guía para esclarecer cómo podemos liberar la inspiración de nuestro interior- y a la vez liberarnos a nosotros mismos- para hablar, cantar, escribir, pintar, bailar o jugar con nuestra verdadera voz. Sabia, generosa y atemporal, Free Play es una obra de referencia para personas de cualquier campo a la que podemos acudir una y otra vez en casos de necesidad creativa.
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“No es sólo que en los cuadros de Zuloaga, como en los de Velázquez, el hombre lo sea todo, es que el paisaje mismo es una prolongación del hombre. Aquellos austeros paisajes, aquellos campos y aquellos lugares ypueblos, son humanos. Y no hechos por el hombre, noobra de las manos del hombre, sino concebidos, vistos, soñados por el hombre.”
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La colección de vidas de santos que conocemos por el nombre de «La leyenda dorada» es en su mayor parte obra del dominico italiano Santiago de la Vorágine (h. 1228-1298), que llegó a ser obispo de Génova. Lectura de intención edificante, florilegio, utilizadísimo repertorio iconográfico, calendario, pero también centón de etimologías, fábulas milagrosas, curiosidades históricas y anécdotas pías cercanas al chisme, constituye una de las más claras expresiones de una literatura cristiana que, situándose muy lejos del discurso teológico e incorporando narraciones, conectaba con el alma popular mediante la sabia fusión de historia y leyenda. Hoy, sin embargo, como apunta Alberto Manguel, «estas santas vidas casi no pueden ser leídas sino de manera literaria, con connotaciones humorísticas o fantásticas muy lejanas de la intención de su autor y la visión de sus primeros lectores». Alianza Editorial dispone en su colección Alianza Forma de la versión completa de la obra: «La leyenda dorada» (AF 29 y AF 30).
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¿Quieres adentrarte en la técnica pictórica más espontánea y sorprendente, ganar confifi anza en ella y encontrar la mejor inspiración para desarrollar tu propio estilo? ¡Esta es tu guía! Un curso práctico en 30días para lanzarte de una vez por todas al maravilloso mundo de la acuarela. · 30 PROYECTOS DE MÁS FÁCILA MÁS DIFÍCIL Ponerte a pintar una flor o un tucán antes de saber usar el pincel no es la mejor forma de iniciarte en la acuarela. Lo ideal es empezar por algosencillo e ir añadiendo complejidad a medida que avanzas. Y esto es precisamente lo que hace Jenna Rainey: te propone un proyecto distinto para cada día, partiendo del trabajo con las formas y los efectos más básicos hasta llegar a pintar bellos y complejos paisajes, auténticas explosiones de color. · TRES SENCILLOSPASOS Cada proyecto está planteado en tres sencillospasos: dibujar las formas y siluetas, elegir la gamade colores y, fnalmente, pintar en acuarela. La autora es tan clara y didáctica que lo difícil te parecerá fácil y, gracias a sus detalladas explicaciones e ilustraciones, ¡aprenderás sin darte cuenta! · TÉCNICAY ESTILO PROPIO Obtendrás los conocimientos básicossobre el trabajo con acuarela -herramientas y materiales, teoría del color, uso del pincel.- y al mismo tiempo explorarás tu propia creatividad hasta llegar aterritorios estilísticos y fantasiosos que probablemente desconocías.
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Sevilla tiene una luz especial. Y se refleja con la cal y centellea en el albero, marca sombras muy definidas, genera contraluces y produce una arquitectura muy característica. Porque aquí en el sur, la luz es unmaterial más de la arquitectura. Por eso surgen lospatios, las calles estrechas, las plazuelas escondidas, las celosías, las persianas de esparto o los zaguanes.'' Así es Sevilla en palabras de Blanca Espigaresy así nos la presentan las acuarelas de Alicia Aradilla. Un viaje a través de la luz y la sombra por lascalles y los rincones de una ciudad milenaria.Nuestraacuarela de viaje recorre Sevilla al paso, caminando, sin mapas, sin planos y sin móviles, invitando al lector a adentrarse en un universo de sensaciones en tanto que descubre los secretos de una ciudad que fusiona como pocas estilos y culturas muy diversas: la Sevilla tartesa, la fenicia, la romana, la visigoda, lamusulmana, la cristiana, la judía...Las páginas de nuestra acuarela de viaje nos adentran en Sevilla a través de su río Guadalquivir y nos invitan a perdernospor el Arenal, el entorno de la Catedral y el Ayuntamiento
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La cara es la parte más expresiva del cuerpo humano y por eso,
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Tras el éxito de Dibujar, Helen Birch nos sorprende con una nueva guía dedicada, esta vez, a la infinidad de trucos y técnicas que esconde la acuarela. Y lo hace con la misma y exitosa fórmula de su libro anterior: recopilando más de 80 recursos plásticos, realizados con acuarelas y técnicas mixtas como gouache, tintas y pinturas acrílicas, y explicándolos a través de los magníficos ejemplos de algunos de los artistas más reconocidos de la ilustración contemporánea. Este pequeño manual, accesible e innovador, no solo nos revelará la gran cantidad de estilos y procedimientos que tenemos a nuestro alcance sino que nos retará a explorar el infinito potencial creativo de una de las técnicas más lúdicas y fascinantes que existen.
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Tras dos importantes exposiciones en 2022 en la Galería Álvaro Alcázar de Madrid con Proyecto para una isla y en la Galería Pelaires de Palma de Mallorca con De sal y ceniza, el artista de la mano del comisario y crítico de arte Iván de la Nuez desarrollan este proyecto editorial en el que se recogen las últimas series de la obra de Nadal. Guillem Nadal consigue que sus cuadros adquieran consistencia de escultura y su pintura tome el aspecto de la materia prima, piezas mixtas que hablan de islas, cráneos y naufragios creando un sistema de señales, un arte de la supervivencia en el que hace uso de los utensilios que le presta la naturaleza. Piezas que están entre el límite del naufragio o del fracaso, de llevarse a cabo o no, pero que a su vez tienen su propia identidad.
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La forma de abecedario se adecua perfectamente a la poesía de Picasso, quien desde siempre sintió aficiónpor las letras y las palabras. Este abecedario no solo reúne los temas recurrentes en los escritos, sino también a los diversos protagonistas de la poesía de Picasso: poetas, escritores, editores, etc. Nos permite acceder al corazón del universo picassiano.
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¿Cuál es la verdadera identidad que se escondetras el cuadro más famoso del mundo? Existen al menos cinco referencias históricas reales que certifican la existencia de un retrato femenino de manos de Leonardo da Vinci. Un encargo que, al parecer,nunca entregó. Sin embargo, a la hora de identificara la modelo de la Gioconda, las palabras de Agostino Vespucci, Antonio de Beatis, Giorgio Vasari, Cassiano dal Pozzo y el Anónimo Gaddiano no coinciden. ¿A qué retrato se refieren cada uno de ellos?¿Al cuadro que exhibe el Museo del Louvre en París yque mundialmente se reconoce como Lisa Gherardini, la esposa de Francesco del Giocondo, o por el contrario al retrato que hoy en día cuelga en las paredes delmadrileño Museo del Prado? ¿Son compatibles ambos retratos? ¿Coinciden esas imágenes con el resto del imaginario de la Gioconda, tales como La MonaLisa de Isleworth o La Monna Vanna? ¿Es Leonardo el creador de cada una de estas representaciones femeninas? ¿Cuáles son los enigmas que esconde la Gioconda y cómo se gestó su ascenso meteóricoa la fama? A través de estas páginas examinaremos la situación global del rol femenino en el Renacimiento, descubriremos a mujeres brillantes que la historia eclipsó, pondremos en valor el papel de la mujer en la evolución del retrato en la Historia del Artey analizaremos todas las teorías que eruditos, historiadores y expertos en arte han elaborado en torno ala representación femenina en la obra Leonardo da Vinci con el propósito de encontrar la verdadera identidad del retrato más conocido de la historia de la humanidad: la Gioconda. Lo que la crítica ha dicho de Leonardo da Vinci -cara a cara-:«Un profundo estudio histórico y artístico en buscadel verdadero rostro de Da Vinci.»David Zurdo, Qué Leer «Christian Gálvez tiene algo de hombredel Renacimiento. Su curiosidad innata, el respeto alos clásicos y su capacidad de trabajo le han granjeado no solo una legión de seguidores, sino la consideración de los mayores especialistas de la historia y el arte de ese tiempo.»Alberto Frutos de Dávalos,Revista Historia «Cuando un outsider llama a las puertas de la comunidad científica y estasse abren, será por algo. Una de las mejores mezclas de rigor y pasión que he leído.»Jorge Alcalde, QUO
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Amic de Joan Brossa, Antoni Tàpies o Joan Miró. Membre del mític grup Dau al Set. Home gràfic per excel·lència. Impressor, gravador i tipògraf excepcional... I malgrat tot això, la seva trajectòria i vida han estat invisibles. Amb la publicació d’aquest llibre descobrirem la figura d’Enric Tormo i Freixes (Barcelona, 1919-2016). Un impressor inquiet i trencador en alguns moments, conservador i acadèmic en d’altres. És el moment, doncs, d’apropar-nos a l’univers creatiu de Tormo i conèixer-ne la biografia, que també ens permetrà saber moltes coses més d’artistes rellevants de l’art català del darrer segle.
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Vuelve la cita anual del KBr Fundación MAPFRE con la creación emergente y las nuevas generaciones de fotógrafos que inician su trayectoria profesional tras haberse formado en Barcelona. La muestra de este año recogerá los proyectos de Nanouch Congost (Girona, 1999), Guillermo Fernández (Granada, 1991), Jordi Miquel Riera (Girona, 1977) y Sílvia Parés (Vic, 1997), seleccionados entre los alumnos de las escuelas Grisart, Idep Barcelona, IEFC y Elisava, Facultad de Diseño e Ingeniería de Barcelona. El jurado del visionado y proceso de selección de esta edición estuvo compuesto por Horacio Fernández, Carles Guerra, Joana Hurtado y Arianna Rinaldo.La exposición presenta estos cuatro proyectos que se fijan en aspectos que van desde el entorno más cercano, territorial e íntimo, hasta investigaciones sobre la manipulación del tiempo y sus desdoblamientos o la relación entre el sonido y la imagen.
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In the year of the centenary of the death of Lluís Domènech i Montaner, Triangle Books has brought together in one book the best spe- cialists on Domènech in general and on its buildings in particular to understand the multifaceted personality and interpret the work of a major architect in the history of European Art. The book begins with introductory articles that present the architect in the context of the European Art Nouveau and explain his different facets: civic, political, academic... and continues with the monographs of his buildings, from the Editorial Montaner i Simon (1979-1881) to the Casa Fuster (1908-1911) or the Palau de la Música or the Hospital de Sant Pau, both World Heritage Sites.
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La exposición «Magiciens de la Terre» en el Centre Georges Pompidou en 1989, descubrió una profunda falla en el mundo del arte contemporáneo, limitado hasta entonces, con escasas matizaciones o excepciones, a las fronteras de Europa y América del Norte. Veinticinco años después, la mirada occidental ha dejado de ser imperante, tal como se puso de manifiesto en el remake de «Magiciens de la Terre» que tuvo lugar en el mismo lugar, en julio de 2014, y que elevó la exposición de 1989 a la categoría de «muestra de culto». En dicho remake, fue edificante repensar a través de documentos, epistolarios, publicaciones, filmes y fotografías la aventura conceptual de Magiciens de la Terre, pero sobre todo fueron estimulantes los debates llevados a cabo en la Bibliothèque Kandinsky del propio Pompidou sobre la genealogía de la exposición, su recepción crítica y los desplazamientos teóricos que implicó. Los años que median entre «Magiciens de la Terre» de 1989 y su recreación documental en 2014 constituyen el territorio temporal que escanea y cuestiona este libro, un territorio de flujos cambiantes y categorías mezcladas dominado por la capacidad creativa de la interacción y del diálogo, pero también por una economía en crisis que pone en entredicho el desarrollo basado en el crecimiento o por una política de sociedades pospolíticas que generan tanto utopías de no-fronteras como radicales procesos de carácter religioso y territorial.
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