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Llibres de disseny i arts decoratives
Descobreix la nostra col·lecció de llibres de disseny. Una àmplia i variada selecció de lectures per aprendre les tècniques professionals de pintura i dibuix. Converteix-te en un artista! Compra llibres de disseny online. En aquesta secció disposem d'una extensa selecció de llibres de disseny i arts decoratives. Lectures que et convidaran a aprendre a explicar històries i dibuixar, a crear objectes amb ceràmica, a escriure, a pintar a l'oli o amb aquarel·les, a fer maquetes, gravats, marqueteria, serigrafia o cal·ligrafia amb pinzell. Així mateix, hi trobaràs equips complets de dibuix, manuals de tècniques de dibuix i guies introductòries sobre tot tipus de materials, com ara esmalts ceràmics, llapis, pintures i tintes, entre altres.
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Tus amigos favoritos del fenómeno viral del Tiktok te esperan en las páginas de este hermoso libro. Prepara tus lápices de colores favoritos. Relájate y colorea las divertidas y simpáticas imágenes de cada escena.
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El impacto de la obra de Goya y en particular de los Caprichos (1799) en el arte francés del siglo XIX fue inmenso, duradero y polifacético. Mientras que en España se asociaba a Goya con su producción como pintor de corte, en Francia se le conocía como el autor de los Caprichos, interpretados por los románticos como una sátira de los últimos años del siglo XVIII español. Sin embargo, esta visión pasaba por alto el hecho de que la verdadera modernidad de la obra de Goya radica en su universalidad: como un espejo en el que se refleja la esencia de la humanidad, libre de patriotismo. Lo mismo cabe afirmar también de los monstruos y las brujas, que no son más que reflejos deformados del ser humano. Podría decirse que fue una influencia mutua: Goya contribuyó a modelar el arte romántico francés ''y, de paso, los comienzos del arte moderno'' y los románticos a su vez modelaron su imagen crítica. Este estudio pone en tela de juicio la interpretación establecida del artista aragonés que ha dominado hasta hace poco la bibliografía partiendo de unos estereotipos románticos que, en muchos casos, se han perpetuado hasta la actualidad.
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Clase completa para aprender a dibujar personas llenas de personalidad y vitalidad, empleando distintas técnicas y materiales de dibujo.
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¡440 páginas de la obra de Crumb! Este volumen abarca los años 1982 a 1989, un periodo en el que el artista estaba cómodamente instalado en la California rural criando a su pequeña hija Sophie, que aparece a lo largo de todo el tomo. Pero Crumb seguía siendo Crumb, y como declaró en un dibujo, sobre un árbol representado con esmero: «A medida que envejezco me vuelvo más retorcido, enrevesado, depravado, cínico, amargado, egocéntrico, hastiado, degenerado, despiadado, avaricioso, engreído, rutinario, prolijo, despistado, prejuicioso, cerrado de mente, misántropo, nervioso...».Para corroborar este autoanálisis flagelatorio, sus páginas están llenas de sus perversiones características (en entornos campestres), mordaces comentarios sociales, autorretratos crueles, cubismo experimental... y hermosos paisajes silvestres. Su dominio de la pluma Rapidograph alcanza su cenit aquí, cumplidos ya los 40, solo lamentamos que no haya incluido su profética historieta sobre Donald Trump de 1989.
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En Cómo dibujar y pintar caras expresivas, la artista y popular profesora en línea Amarilys Henderson comparte su original y sencilla técnica para crear personas y retratos, guiándonos paso a paso por todo el proceso. No se deje intimidar por el desafio de dibujar y pintar caras. Mejores sus habilidades con este fantástico libro.
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¡Da rienda suelta al artista felino que llevas dentro!¿Te apasionan los gatos? Pues prepárate para perfeccionar tus habilidades de dibujo con Aprende a dibujar tiernos gatitos, un libro repleto de lecciones divertidas y fáciles de seguir impartidas por Vera Kay, la excelente artista conocida como @veekachoo en las redes sociales.Tanto si eres principiante como un artista en ciernes, aprenderás a dibujar gatos en todas las poses más achuchables que te puedas imaginar: sentados y holgazaneando, acurrucados mientras se echan una siesta y muestran sus barriguitas, e incluso celebrando su fiesta de cumpleaños. Tendrás todo lo que necesitas para empezar a realizar tus creaciones, desde explicaciones detalladas para dibujar digitalmente o en papel hasta información de los diferentes niveles de pelaje de los gatos y de los colores de cada raza, como los siameses y los bengalíes, además de consejos para reproducir sus peculiares personalidades.En cada capítulo dispondrás de muchas oportunidades para experimentar y de una página para colorear, así que muy pronto habrás llenado de adorables peluditos tu propio cuaderno de dibujo. Saca tus lápices, tus rotuladores o la tableta, y diviértete dibujando preciosos gatitos.
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Hay historias que no se borran, aunque las tapen.Al conocer el caso de un joven desaparecido de su ciudad, el protagonista de esta historia empieza a ver lo que otros prefieren ignorar. Una novela gráfica sobre el olvido como hechizo, la memoria como conjuro y las transformaciones invisibles que nos convierten si no estamos atentos en cómplices de lo que callamos.
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En la China clásica el arte se ha expresado a través de la tinta, el papel y el pincel, y la poesía, la caligrafía y la pintura formaron una unión inseparable llamada las «tres perfecciones».En este libro, la autora hace un recorrido por las diferentes dinastías Imperiales presentando a las mujeres pintoras chinas más importantes cuyas obras han sido seleccionadas por su riqueza y variedad para ser analizadas y contempladas. La vida de estas artistas estuvo íntimamente vinculada a sus orígenes sociales y a tradiciones como el confucionismo que limitaron en gran medida su espacio de actuación. En la soledad de sus hogares o rodeadas de numerosos admiradores, indiferentes a la fama o resueltas a encontrarla, todas llegaron a la madurez técnica y supieron captar el verdadero espíritu de la naturaleza que representaron con una belleza ilimitada y un delicioso estilo poético.Las Grandes Damas de la Pintura China, llegarán al corazón de todos los seres sensibles sin obstáculos y cuando contemplen sus obras, comprenderán inmediatamente los misterios que ante ustedes se revelarán, y su huella será tan fuerte como el trueno que logra romper el arte de pintar en silencio.
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Le nouveau guide de la collection du Museu Picasso de Barcelone a été conçu dans le but d'accompagner le visiteur dans la découverte de la nouvelle présentation de la collection dans les salles du musée, en proposant une lecture à la fois complète, rigoureuse et accessible de l'ensemble des uvres qui composent la collection permanente. Conçu comme un outil de vulgarisation permettant d'approfondir la relation entre Picasso et Barcelone ainsi que l'évolution de son parcours.
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Aquest catàleg, realitzat en col·laboració amb la National PortraitGallery de Londres, aplegagairebé dues-centes peces que ens aproximen de manera exhaustiva a lapassió de Picasso pelretrat.La figura humana, i en concret el retrat, van ser essencials en l’obrade l’artista, des de l’època deformació fins al final de la seva vida. La perspicàcia per captar lespeculiaritats i els trets decaràcter dels personatges que representava ―bé fossin els membres del’entorn familiar, elsamics o les dones amb què es va relacionar―, i l’habilitat per reproduirexpressions facials,postures i gestos, es van manifestar ja en les caricatures que dibuixavade nen.De la mà dels entenedors i documentats textos de la comissària ElizabethCowling, anemdescobrint com d’importants eren per a Picasso els seus models, comintentava adaptar undeterminat estil a la comprensió de la seva personalitat i com maldavaper plasmar-ne una ideael més completa possible.
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El volumen Ruth Asawa: Retrospectiva recoge la obra de esta icónica artista norteamericana de raíces japonesas, con motivo de la ambiciosa exposición que le dedica el Museo Guggenheim Bilbao. Asawafue una de las artistas más prolíficas y con más talento de entre las que surgieron en EE. UU. en la posguerra, dueña de un lenguaje exquisito y de una práctica artística muy variada e innovadora. El libro recoge sus conocidas esculturas de alambre, así como sus obras inspiradas en la naturaleza, además de fundidos de arcilla y bronce, papiroflexias, pinturas, dibujos y grabados realizados entre 1947 y 2006. Su obra trasciende las distinciones entre abstracción y representación, figura y fondo, y espacio positivo y negativo, y nos invita a contemplar cómo elementos muy heterogéneos se relacionan entre sí en sus fascinantes obras. Publicado con motivo de la exposición en el Museo Guggenheim de Bilbao, de marzo a septiembre 2026
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Pese a que nunca salió de su tierra natal en los Países Bajos, Rembrandt van Rijn (1606-1669) cambió el curso del arte occidental con su extensísimo repertorio de pinturas, dibujos y grabados. Su prolífica obra abarca escenas religiosas, históricas y seculares, así como una de las más extraordinarias series de retratos y autorretratos de la historia.La textura, la luz y un agudo poder de observación son las características que identifican al maestro. Como repentinas y asombrosas apariciones en una oscura calle, los personajes brillan en fondos oscuros y profundos, fruto de una reproducción física y psicológica sumamente fiel y detallada. Ya sean figuras bíblicas o mitológicas, poderosos mecenas o conciudadanos, a todos ellos les confiere no sólo meticulosos rasgos faciales sino también la fuerza intrigante de los pensamientos y los sentimientos, de forma que incluso las narraciones de tiempos antiguos como el pasaje bíblico de David y Batseba alcanzan un nuevo nivel de drama humano. Rembrandt también fue el autor de una crónica de su propio rostro, desde su juventud hasta el año de su fallecimiento, compuesta por la serie más extensa de autorretratos jamás creada. Su ascenso coincidió con la eclosión de la Edad de Oro neerlandesa, época de prosperidad en los Países Bajos. Contó con el estímulo de ricos mecenas, pero, ante todo, lo impulsaba una profunda fascinación por las personas. En este libro repasamos algunas de las pinturas, grabados y dibujos clave de Rembrandt para presentar sus técnicas, inspiraciones y logros excepcionales. Desde el estilo barroco de El festín de Baltasar hasta la fama mundial de La ronda de noche, descubrimos un mundo de tonos ricos y profundos, un talento magistral para el dibujo y una extraordinaria sensibilidad por la condición humana.
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Un impresionante recorrido por las obras y los artistas más destacados del arte figurativo del siglo XX. Un ensayo de altura intelectual y sensibilidad extraordinarias.Una obra destinada a convertirse en un clásico, donde el crítico de arte José María Herrera reflexiona sobre una modalidad artística que a pesar de su capital importancia en el siglo XX se ha visto tradicionalmente ensombrecida por la casi impuesta hegemonía de las vanguardias artísticas. Este ''museo sin tienda de regalos a la salida'', analiza las obras señeras de dicha modalidad y muestra además su conexión con las experiencias vitales de sus creadores y con la circunstancia histórica que les toco vivir, algo que suelen ver con malos ojos quienes reniegan de la pintura narrativa como de una práctica agotada de la historia del arte. Una obra generosamente ilustrada con obras de Otto Diz, Max Ernst, Lucien Freud, Balthus, Paula Rego, Edward Hooper.
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Una obra imprescindible para comprender mejor quiénes somos a través de las huellas artísticas que dejaron nuestros antepasados hace más de 30.000 años.¿Qué movió a los primeros artistas a adentrarse en la oscuridad para plasmar bisontes, caballos y misteriosas figuras? ¿Qué significado tenían estas obras para sus creadores? Gregory Curtis nos guía en un apasionante viaje a los orígenes del arte y la creatividad humana, a través de las entrañas de las cuevas prehistóricas más importantes de Francia y España, para desentrañar los misterios que encierran sus paredes pintadas hace más de 30.000 años. Siguiendo la huella de algunos de los arqueólogos, historiadores del arte y especialistas que han dedicado sus vidas a interpretar los enigmáticos testimonios de nuestros ancestros, el autor combina magistralmente en este ensayo la aventura de la exploración subterránea, el rigor científico y la reflexión sobre el nacimiento del arte y la consciencia humana.
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Mucho antes de su interés por la música, el arte fue la pasión más duradera de Daniel Johnston y siguió desarrollándola a lo largo de su carrera, a pesar de su continua lucha con la depresión maníaca.El libro rastrea la trayectoria del autor desde sus inicios en la escena de Austin a mediados de los ochenta —donde combinaba actuaciones musicales con un trabajo en McDonald’s— hasta su aparición en MTV.Este volumen presenta una colección sin precedentes de sus dibujos, abarcando cuatro décadas de producción e incluyendo muchas piezas raras y nunca antes vistas. Con el apoyo de su familia y patrimonio, este es el primer proyecto integral publicado desde su fallecimiento, e incluye recuerdos de su hermano y artistas como Jeff Tweedy, Jim Jarmusch, Lana Del Rey o Karen O.Además, su publicación contribuye al proyecto Hi, How Are You Project, dedicado a la concienciación sobre la salud mental.
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¿Qué representan los cinco sentidos en la iconografía barroca? ¿Por qué las alegorías y emblemas fueron tan utilizados en la pintura y escultura de este periodo? ¿Qué papel jugó la Contrarreforma en el desarrollo de la iconografía religiosa? ¿Cómo influyó la Iconología de Cesare Ripa en la representación simbólica del Barroco? ¿Qué significados ocultos pueden encontrarse en la pintura de artistas como Rubens, Caravaggio o Velázquez? El Barroco, con su exuberancia visual y su afán de persuasión, erigió un lenguaje simbólico en el que cada imagen, cada gesto y cada atributo poseían un significado preciso. Desde la espiritualidad exaltada de la imaginería religiosa hasta la sutil carga ideológica de los retratos cortesanos, este período se convirtió en una de las cumbres de la representación artística. Carlos Taranilla nos guía en un recorrido fascinante por la iconografía barroca, desentrañando sus códigos y revelando el complejo sistema de símbolos que rige sus composiciones. A través de la pintura, la escultura y las artes decorativas, esta obra ofrece un estudio detallado de las alegorías, los emblemas y las escenas bíblicas, profanas y mitológicas que poblaron los retablos, las bóvedas y los lienzos de la época. Un volumen imprescindible para historiadores del arte, artistas, estudiantes y todos aquellos interesados en comprender los significados ocultos de un arte que transformó la manera de comunicar mensajes a través de la imagen.
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Esta colección realiza un recorrido exhaustivo y totalmente ilustrado a través de los grandes creadores de todos los tiempos y los testimonios artísticos que han dejado las principales culturas, en un papel de gran calidad y un formato manejable. Este volumen está dedicado a Miró.
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Un libro imprescindible para conocer la obra de Leonardo en todos sus aspectos: su técnica pictórica, sus investigaciones científicas y tecnológicas, su estudio dela anatomía, sus códices y cualquier sugerencia nacida de su genio. Todas las obras y pinturas vanacompañadas por fichas descriptivas y técnicas. Toman especial protagonismo los detalles, las obras más controvertidas, aquellas cuya aceptación por la crítica es reciente o las obras maestras que han alimentadoel debate internacional, como Ángel encarnado, Salvator Mundi y La bella princesa.Las leyendas explicativas sacan a relucir los aspectos más curiosos dela historia de cada pintura. Gracias a la colaboración directa con coleccionistas y museos, las reproducciones fotográficas de las pinturas y otras obras reflejan las últimas restauraciones.
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Vida i obra de Picasso.
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Un innovador estudio sobre Goya y la función crítica de la obra de arte.En este libro se aborda la relación entre el enorme, extraordinario y a veces desconcertante corpus de Goya y las cuestiones interconectadas de la Modernidad, la Ilustración y la crítica. En contra de las opiniones convencionales, que se basan principalmente en las imágenes más oscuras del genial pintor para establecer su relevancia para la modernidad, Cascardi sostiene que la totalidad de su obra está comprometida con una crítica exhaustiva de los mundos social e histórico modernos, de los que, sin embargo, sigue siendo parte integrante.En sus capítulos se aborda el aparente abismo que separa los Desastres de la guerra y las llamadas Pinturas negras de las escenas de la vida burguesa o de los retratos de aristócratas, militares e intelectuales. Muestra cómo estas aparentes contradicciones nos ofrecen una puerta de entrada a la práctica crítica de Goya frente a una modernidad europea asociada a los valores de la Ilustración dominantes en Francia, Inglaterra y Alemania.Al demostrar su compromiso con tal proyecto, Cascardi ofrece una alternativa a las lecturas establecidas de su obra, que generalmente reconocen la crítica social evidente en obras como los Caprichos, pero que tienen poco que decir sobre las que no abordan abiertamente temas sociales o políticos. Un libro que nos muestra a un Goya comprometido en todo momento con una respuesta crítica a —y no sólo una representación de— los diferentes factores que a menudo se invocan para explicar su obra, entre otros la historia, la política, la cultura popular, la religión y la propia historia del arte.
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Hay quien piensa que son arte o que son una manera de mandar un mensaje, y también hay quien piensa que son directamente basura. Sea como sea lo que usted opine de ellos, los grafitis nacen bajo el estoicismo con el que sus autores aceptan tanto el anonimato, como el hecho de que su obra puede desaparecer al minuto de haberla realizado. Son el Mono no aware?????), ese sentimiento que produce la fugaz naturaleza de las cosas, o de que estas son bellas precisamente por su impermanencia.Este libro está compuesto por historias inspiradas en cincuenta grafitis de diferentes ciudades del mundo que narran —mediante esa impronta de finitud— cómo todo ser humano es irrepetible y efímero a la vez.I Premio Internacional ''Cuadernos del Laberinto'' de Pensamiento.Some people think graffiti is art, some that it is a means to send a message, and there are also those who simply think graffiti is junk. But whatever you think, graffiti is created by its authors in a spirit of stoicism, accepting their anonymity and the fact that their work could disappear the minute it is finished. Graffiti is the Mono no aware?????), the feeling that expresses the fleeting nature of things, that these creations are beautiful precisely because of their impermanence.This book is composed of stories inspired by fifty graffiti from different cities around the world that tell —through their hallmark of finitude— how we are all unique and ephemeral at the same time.
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Las recetas de la cocina casera de la familia Dominguín, de larga trayectoria en el mundo de la moda, el arte y la cocina.Tres mujeres de una misma familia. Lucía Dominguín y sus hijas Jara y Palito nos invitan a adentrarnos en su luminoso mundo a través de recetas y recuerdos familiares con los que nos inspiran a ser más creativos en la cocina, en el arte y en la vida. Con un estilo alegre y desinhibido, las autoras rinden tributo a la cocina tradicional de su familia y a las dos matriarcas de la tribu, la abuela Rita y la abuela Azul, Lucía Bosé. El libro se compone como las cuatro estaciones, cuatro etapas con recetas para todos los paladares acompañadas de anécdotas e historias familiares, y combina diversas formas de expresión artística para mostrar su visión de la cocina, su herencia familiar y, fundamentalmente, la vida. Una invitación a su cocina y a su vida familiar, la de tres mujeres, con tres visiones y una misma pasión. Cada receta es un pedacito de ellas, con recuerdos, episodios de unas vidas apasionantes y mucho amor. Pero no te preocupes, no necesitas ser un chef experto para disfrutar de estos deliciosos platos, solo necesitas dejarte llevar por la locura y la magia que envuelve este libro. Ponte el delantal, enciende los fogones y cocina con ellas. Y disfruta. Bienvenidos a Casa Dominguín.
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Vayamos al grano. Gutiérrez (1927-1934) fue una de las revistas de humor más importantes de su tiempo, tanto por su calidad gráfica como por el ingenio de sus colaboradores, entre los cuales los llamados «humoristas del 27»: Enrique Jardiel Poncela, Edgar Neville o Miguel Mihura. Entre estos colaboradores clave también estuvo el propio director de la publicación, Ricardo García, K-Hito (1890-1984), gran dibujante de línea sintética y estilizada, presente en multitud de títulos de prensa de la época. K-Hito había empezado su exitosa carrera en Valencia. Quizá esa circunstancia animara a los de Gutiérrez a organizar una caravana desde Madrid –sede del semanario– para visitar las Fallas. A ese viaje se sumó Juan Gutiérrez, el jefe del Negociado de Incobrables, personaje de K-Hito y emblema de la revista que, corporeizado en forma de muñeco, fue paseado por banquetes y verbenas. En alguna de ellas debió de conocer a su novia, Visenteta Taroncher y Sabater, se casaron y tuvieron un Pepet. A través de un nutrido apartado gráfico y los textos de Salvador Albiñana, René Parra, Francesc-A. Martínez Gallego, Carlos Pérez y Vicente Ferrer, este libro pretende recuperar para los lectores una cabecera imprescindible, la revista Gutiérrez, a su creador, el poliédrico K-Hito, y la memoria de unos viajes falleros que, al grito de «¡Viva el arroz!», supusieron una experiencia pionera en la promoción del turismo valenciano.
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El estudio más completo de la obra del célebre artista holandés Michael Raedecker, que abarca 30 años de carrera.Michael Raedecker, el aclamado artista holandés, registra los recuerdos que encierran espacios y objetos en sus enigmáticas y oníricas pinturas. Casas suburbanas, casas en los árboles, habitaciones vacías y sillas desocupadas flotan en un inquietante aislamiento. Los tonos apagados se penetran con hilo y aguja, donde el artista cose a mano las formas en una materialidad texturizada.Desde el principio de su carrera como pintor, Raedecker ha incorporado el bordado a sus obras como contrapunto visual a su aplicación de pintura deslavada. Este estudio de su obra, diseñado por la aclamada diseñadora gráfica holandesa Irma Boom, es el más completo publicado hasta la fecha, con ensayos de un grupo único y diverso de críticos, comisarios, artistas y académicos.
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Desde Homero, los escritores griegos y latinos han descrito lo que veían en las esculturas y pinturas de su época, dando origen a un género literario de alta calidad e imprescindible para reconstruir el diezmado arte grecorromano, que apenas ha sido capaz
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Un libro de diseño de interiores lleno de vida e inspiración que celebra el poder transformador del color en el hogar. Con una amplia variedad de espacios, este libro explora cómo el uso audaz y creativo del color puede aportar energía, calidez y personalidad a cualquier estancia. Desde paletas de colores vivos y alegres hasta tonos sofisticados y ricos, COLOR INTERIOR muestra hogares en los que el color es el protagonista, realzando tanto el diseño como el ambiente de cada espacio. Con habitaciones bellamente fotografiadas, el libro ofrece a los lectores ideas e inspiración sobre cómo incorporar el color en sus propios interiores, ya sea a través de paredes llamativas, muebles o piezas decorativas. También destaca cómo las diferentes combinaciones de colores pueden evocar diversas emociones y atmósferas, ayudando a los propietarios a crear espacios que reflejenverdaderamente su estilo. Tanto si desea alegrar una habitación como transformar por completo la estética de su hogar, este precioso volumen es una guía esencial para crear espacios vitales dinámicos y coloridos.
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Esta guía es obra del grupo de trabajo Museus i Gènere, que tiene como objetivo transmitir una socialización de los géneros que elimine los aspectos negativos y las jerarquías de los modelos vigentes y abra camino al pleno desarrollo de una sociedad igualitaria, democrática y justa en el mundo del patrimonio y de los museos. Así, la guía ofrece algunas pistas de reflexión y algunas propuestas de actuación para aplicar la perspectiva feminista en el trabajo diario en el museo.
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Más allá de centrarse en la personalidad y obra de cada artista, esta historia busca captar la esencia y relevancia del arte contemporáneo partiendo de tres elementos de análisis: los desarrollos tecnológicos dela época (la evolución en la cultura material desde lo mecánico a lo electrónico), el ámbito de saberes delos que se nutre y con el que dialoga el arte (su propio acervo y las ideas de cada periodo) y, por último, las oscilaciones en el lenguaje artístico (entre estilos más abstractos o figurativos). Ofrece así treslongitudes de ondas (largas, medias y cortas) para interpretar y comprender el arte contemporáneo desde su nacimiento hasta los fenómenos más actuales.
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This publication showcases the immersive installation El espacio vientre (The Womb Space).The installation reflects on the origins of territory and how territory is lived and felt.The materials used in its creation — earth, clay, and straw — generate a multisensory encounter that engages sight, smell, hearing, and touch, evoking a transcendent, almost mystical state.It is a monumental work by Colombian artist Delcy Morelos, commissioned by the Museo Universitario Arte Contemporáneo in Mexico City. The objects, materials, spaces, bodies, and social relationships with which Morelos works act as both catalysts for these experiences and as vehicles through which viewers can imagine new physical and metaphysical realities. In this sense, Delcy Morelos's work can be understood as a space of encounter that allows for meeting the other without hierarchies, dissolving the traditional division between subject and object.
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A través de una selección del artista, la obra se despliega en su contexto expositivo, generando un diálogos entre las propias pinturas y con el lector/espectador. Su antitipografía, las palmeras, los paisajes monocromáticos o las figuras desenfocadas son algunos de los elementos constitutivos del lenguaje visual de Cordero. A través de ellos, subvierte la función comunicativa y nos coloca al límite de lo ininteligible. Cuestionando la saturación informativa y tecnológica, su obra produce un cambio en la temporalidad perceptiva del espectador, a quien fuerza a detenerse, a prestar atención, a interrogarse. Los textos de Barry Schwabsky, Christian Viveros-Fauné, Deyan Sudjic, Dan Cameron y Chiara Ianeselli y la entrevista de Cy Schnabel nos invitan a entrar en el mundo ralentizado de Raúl Cordero.
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El mundo de Crossroads sigue expandiéndose en en este capitulo protagonizado por la poderosa pirata Min, descubre sus fortalezas y debilidades continuando con la historia de estos enigmáticos personajes de la mano de Marcel Massegú.
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«No puede sorprender que, para una peripecia vital tan tormentosa y desgraciada como la de Caravaggio, los historiógrafos del siglo XVII más novelesco y del más romántico siglo XIX se las ingeniasen para transformar cada paso, desde sus inicios, para usarlo con fines a un retrato que resultase de lo más popular (lo que para ellos sonaba a “plebeyo”), es decir, apto para explicar la desprejuiciada y, se decía, “indecorosa” naturaleza del artista. Fue así como Caravaggio, ya desde niño, en Lombardía, se transmutó en el hijo de un albañil, en mezclador de argamasa y preparador de colas para los encaladores milaneses. Para el resto de su vida, sobre todo durante los años de Roma, Nápoles y Malta, no había ciertamente necesidad de cargar las tintas, cosa que sin embargo no se dejó de hacer y hasta su muerte, por razones de correspondencia simbólica, complaciéndose en adelantar en un año la fecha real de ésta.» Así empieza el ensayo de Roberto Longhi sobre la figura de Caravaggio, tan moderna como enigmática. Sirviéndose de su singular capacidad para imitar voces, Longhi se cuela en la vida del pintor como si hubiese sido su contemporáneo, un amigo íntimo incluso. Repasa sus encargos, explora sus obras maestras, trazando astutas e inesperadas correspondencias entre ellas y la vida del artista. Caravaggio trabaja a un ritmo vertiginoso, con una rapidez y facilidad pasmosas, desde la adolescencia hasta el desorden de sus últimos días romanos, y pasará buena parte de su vida como artista nómada y fugitivo de la justicia. Setenta años después de su publicación, el ensayo de Longhi sigue considerándose una contribución esencial a la bibliografía sobre el pintor, por ser el primero en brindar una visión de contexto de su obra y posiblemente por ser, hasta la fecha, el crítico que ofrece una mirada más limpia, una lectura más sobria e incontaminada, de la trayectoria y la producción del gran maestro.
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Un recorrido exhaustivo y magníficamente ilustrado a través de la historia y la obra del fantástico artista barcelonés. Un volumen de gran calidad tanto en su documentación, como en su presentación y en la estupenda selección de las obras ilustradas.
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Basada en la edición original de 1863, esta presentación de los aguafuertes de Goya denuncia las consecuencias de la guerra a través de una imaginería sombría, espeluznante y sin concesiones.Las 80 obras estarán presentadas con una calidad de impresión exquisita sobre un papel que se asemeja mucho a la textura de los grabados originales, en un formato y escala similares.Otras ediciones de esta serie de grabados o bien han reproducido cada imagen en hojas sueltas o bien en formato libro, con textos. En esta edición el lector podrá visualizar uno a uno cada grabado en cada página.
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'Vital and Veiled: Valerie Brathwaite and José Gabriel Fernández' es una monografía doble que recoge una selección de las series más emblemáticas de ambos artistas.En el caso de Brathwaite, sus esculturas de piedras, flores y «cuerpos blandos» forman una constelación estética que pone en primer plano su reflexión sobre la sensualidad en la naturaleza. Su obra está impregnada de un vitalismo que se refleja en su elección de formas y materiales, contribuyendo de forma provocadora a los debates contemporáneos sobre los nuevos materialismos, desde su perspectiva de mujer negra caribeña.Por su lado, Fernández explora, desde los años noventa, las representaciones de la masculinidad y del homoerotismo velado en la tauromaquia. Su obra une una refinada sofisticación estética con referencias veladas a la sexualidad, contribuyendo a expandir las narrativas del arte queer.
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