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Llibres de disseny i arts decoratives
Descobreix la nostra col·lecció de llibres de disseny. Una àmplia i variada selecció de lectures per aprendre les tècniques professionals de pintura i dibuix. Converteix-te en un artista! Compra llibres de disseny online. En aquesta secció disposem d'una extensa selecció de llibres de disseny i arts decoratives. Lectures que et convidaran a aprendre a explicar històries i dibuixar, a crear objectes amb ceràmica, a escriure, a pintar a l'oli o amb aquarel·les, a fer maquetes, gravats, marqueteria, serigrafia o cal·ligrafia amb pinzell. Així mateix, hi trobaràs equips complets de dibuix, manuals de tècniques de dibuix i guies introductòries sobre tot tipus de materials, com ara esmalts ceràmics, llapis, pintures i tintes, entre altres.
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Este catálogo ilustra la exposición URBES, realizada en el MEAM de Barcelona, que explora cómo los artistas actuales representan la realidad de su entorno urbano, estableciendo un diálogo entre la construcción y la destrucción, entre el individuo y la colectividad. Las obras nos invitan a reflexionar sobre los cambios constantes de la vida urbana, impulsados por el progreso y por los constantes desafíos ambientales, políticos y culturales. Esta muestra, fusiona lo artístico y lo existencial. Una misma ciudad es tantas ciudades como ciudadanos tiene, pues cada uno la siente y percibe de un modo único. Las proyecciones subjetivas de los artistas cobran vida sobre el lienzo y nos transportan a las múltiples facetas de la vida urbana. Los espacios están connotados, nos explican historias. Calles, plazas y edificios son los escenarios en los que se desarrollan nuestras vidas.
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El primer y único libro sobre la icónica serie Midnight Moment de Times Square, el programa de arte público digital más grande y de mayor duración del mundo.Presentado todas las noches ante millones de espectadores cada año, Midnight Moment muestra el trabajo de artistas contemporáneos en uno de los lienzos más emblemáticos del mundo: las vallas publicitarias electrónicas de Times Square en la ciudad de Nueva York. Una colaboración entre Times Square Arts y artistas, tanto establecidos como emergentes, es una exhibición coordinada de contenido de imágenes en movimiento de vanguardia y se ha ganado la distinción de ser el programa de arte público digital más grande y de mayor duración del mundo. Sincronizado en más de 90 pantallas publicitarias en el corazón de Times Square todas las noches de las 11:57 p.m. a 00:00 a.m., Midnight Moment ha acercado arte público innovador y accesible a visitantes locales y globales durante más de una década.Como celebración de esta monumental plataforma para el arte público, esta retrospectiva homónima conmemora diez años de los más de 130 artistas que han participado en el programa. La experiencia compleja e inmersiva del arte público en Times Square se captura brillantemente en este libro con reflexiones de algunos de los artistas más notables del programa, e información detrás de escena sobre cómo se coordina, ejecuta y conmemora.Los artistas destacados incluyen a Jeffrey Gibson, Shantell Martin, Christian Marclay, William Kentridge, Rashaad Newsome, Nick Cave, Pipilotti Rist, Laurie Anderson, Yoko Ono, Tracey Emin, Björk, JR, Isaac Julien, Ryan McGinley, Alfredo Jaar, Charles Atlas , Marco. Brambilla, Andy Warhol, Shahzia Sikander, Fischli & weiss, Alex Da Corte, Alex Prager, Sophie Calle, Chitra Ganesh, Peter Campus, Lucy Raven & 13BC, Allison Janae Hamilton, David Hockney, Studio DRIFT, Cory Arcangel y Joan Jonas.
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Catálogo razonado de la renovada colección permanente del Museo Picasso Málaga, con los fondos del propio museo y de la Fundación Almine y Bernard Ruiz Picasso.Este libro es un exhaustivo recorrido por los diversos periodos creativos de Picasso, desde sus juveniles retratos familiares, realizados en Galicia, hasta las icónicas cabezas de toro conformadas a partir del sillín de una bicicleta o las esculturas surgidas de ensamblar distintos materiales. A lo largo de más de 200 obras que incluyen pintura, grabado, escultura o collage, el genio creativo de Picasso queda una vez más de manifiesto en este volumen, a la vez que los detallados textos de Michael Fitzgerald y Ross Finocchio, entre otros autores, dejan patente por qué el malagueño sigue siendo uno de los artistas más sobresaliente de todos los tiempos.
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UN LIBRO PARA COLOREAR Y DESCUBRIR LOS DETALLES MÁS EMBLEMÁTICOS DE LA SAGRADA FAMILIA, LA OBRA MAESTRA DEL ARQUITECTO MODERNISTA. La Sagrada Familia es un templo excepcional, tanto por lo que respecta a su origen y a su fundación como porlo relativo a sus propósitos. Fruto de la obra del genial arquitecto Antoni Gaudí, fue un proyecto impulsado por y para el pueblo, y ya son cinco generaciones las que han ido viendo la evolución del templo en Barcelona. Actualmente, con más de 140 años desde la colocación de la primera piedra, la Basílica sigue en construcción. Con este libro tienes la oportunidad de pintar y descubrir la obra de Gaudí. Explorar la Sagrada Familia es una experiencia única en la que te sumerges en la genialidad de este arquitecto, rodeado de formas y colores que despiertan la imaginación. Ahora te invitamos a recrear este icónico lugar y darle vida en este libro. Y te desafiamos a descubrir dónde se esconde la rana en cada una de sus páginas.
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Nada hay más universal que el amor, y nada como él ha logrado inspirar las mayores obras artísticas y literarias de la humanidad. En la Edad Moderna, era tal su importancia social y cultural que llegaron a existir tratados sobre el amor que triunfaron en
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Se trata de una recopilación, la primera de su género, de textos y documentos, algunos de ellos poco conocidos, que subrayan la impronta «humanista» del Renacimiento: el relieve que se da a la actividad del hombre, a sus posibilidades, a su acción terr
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La mayoría de los manuales de dibujo nos enseñan cómo dibujar o pintar lo que vemos: bodegones, paisajes, retratos... ¿Qué sucede, en cambio, cuando queremos crear una imagen realista de algo que solo existe en nuestra imaginación? Este libro muestra los métodos más eficaces utilizados por los artistas, desde el Renacimiento hasta nuestros días. Convirtamos nuestras ensoñaciones en reales obra de arte. «Realismo imaginativo de Gurney es una mina de oro para artistas que quieren crear imágenes evocadoras, impactantes, que deleiten al espectador con ricos elementos visuales de otro mundo». -Erik Tiemens, artista conceptual, La guerra de las galaxias: Episodio II y III. «Gurney ha recopilado distintos métodos de enseñanza y prácticas de pintura sacados tanto de su propia experiencia como de la historia del arte, en particular de finales del siglo XIX, y ha puesto estos valiosos conocimientos a nuestro alcance». -Dennis Nolan, profesor de ilustración, Hartford Art School. «Realismo imaginativo es una obra de referencia indispensable y perfecta que ayudará a los creadores visuales de cualquier disciplina a dar vida a sus propios reinos de la imaginación». Frank M. Constantino, ASAI, SI, JARA, cofundador de la American Society of Architectural Illustrators. «Este libro, a la vez enciclopédico y lleno de anécdotas, debería estar en la mesilla de todo pintor narrativo. Es una guía exhaustiva sobre la disciplina de la pintura y la narración visual, además del entretenido testimonio visual de la vida de un artista comprometido con su profesión, una vida vivida plena y apasionada. Se lo recomiendo a todos mis estudiantes de todo corazón». Charles S. Pyle, director, ilustrador, Academy of Art University, San Francisco.
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A lo largo de la historia del arte, los períodos de transición se hancaracterizado siempre por un notable incremento en la producción teóricade los artistas, cuyos argumentos se convertían así en una de lasfuentes más seguras para explicar el porqué de esas crisis, sus orígenesy su proceso de desarrollo. La ruptura con los sistemas derepresentación tradicionales que en torno a 1900 emprende la vanguardiaartística constituye, por la brusquedad y radicalidad con que se llevó acabo, un magnífico ejemplo: manifiestos, cartas, declaraciones,panfletos, tratados y testimonios de todo tipo pretender dar cuenta delas razones que animaban a sus ejecutores, y esgrimen los argumentos conque las distintas facciones de la vanguardía histórica se opusieronentre sí o establecieron alianzas frente a enemigos comunes. Explicar ycombatir son los dos objetivos principales que la vanguardia persigue ensus escritos. escritos que día a día nos van descubriendo aspectos malconocidos o prácticamente ignorados de la historia del arte moderno,pues esos mismos escritos son también día a día rescatados del olvido enque estaban. No hace apenas diez o quince años, el número de manifiestosy textos programáticos de la primera vanguardia, recogido y difundidopor las antologías al uso, era todavía muy restringido. hoy, por elcontrario, las reediciones de libros y revistas que habían llegado a serauténticas rarezas bibliográficas, así como la historiografía artísticamás reciente, han puesto ya a nuestro alcance un volumen casidesmesurado de documentos, donde resulta fácil perderse.
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Pablo Rubens (1577-1640). De él salieron cuadros enteramente suyos (los más valorados por el propio pintor y por sus contemporáneos) y otros que son el resultado de diversos grados de participación de los miembros de su taller en el proceso creativo.En el libro se explica la mecánica de la colaboración del maestro con sus ayudantes y se analizan las diferencias que permiten distinguir los cuadros originales de Rubens de los de taller.A cargo de Alejandro Vergara, jefe de Conservación del Área de Pintura flamenca y escuelas del Norte. El libro incluye una conversación entre el pintor Jacobo Alcalde Gibert y Alejandro Vergara sobre la forma de pintar de Rubens y su colaboración con los ayudantes.
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En la lengua sagrada de los ñáñigos, Nkame Mafimba significa elogio, conversación en lo profundo. La obra de Belkys Ayón, recogida de manera integral en este catálogo razonado, dialoga con la tradición oral afrocubana, con especial énfasis en los imaginarios míticos de la sociedad secreta abakuá y la figura femenina de Sikán o Sikanekue, cuyo sacrificio fundacional aparece en numerosos grabados. La diversidad de sus referentes simbólicos se ve reflejada en su exploración técnica. Su obra está enmarcada en el collagraph, donde priman la sustitución de soportes metálicos y el uso de materiales accesibles como arena, telas o periódicos. Su novedoso matiz cromático compuesto de grises, negros y blancos, unido al trazo sintético de sus figuras, desplazan el foco del ámbito de lo figurativo hacia la tensión plástica y la atmósfera enigmática de sus escenas. En ellas, el cuerpo aparece desnudo de artificio y cargado de simbolismo, como espacio liminal por el cual transitan los rituales que Belkys recupera y resignifica en su trabajo. Esta segunda edición ampliada incluye las matrices y nuevos hallazgos como bocetos y cerámicas, además de un QR con la traducción alemana de los textos y otro con los textos de la primera edición.
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Marina Abramovic es una artista de fama mundial que utiliza su cuerpo para actuar de maneras inesperadas e inusuales que hacen pensar al público.Una vez se sentó espalda con espalda con su pareja y tuvieron el pelo atado durante más de 17 horas. En otra ocasión, los visitantes del museo la ven frotar 1.500 huesos de vaca durante seis horas al día. Este innovador libro cuenta una historia inspiradora sobre la artista pionera del performance que también es la primera artista femenina en realizar una importante exposición individual en la Royal Academy of Arts de Londres.Esta celebración especial para jóvenes lectores de una de las artistas contemporáneas más importantes de nuestro tiempo presenta llamativas ilustraciones en blanco y negro y rojo impresas en Pantones, junto con una reproducción de la obra de la artista y una breve biografía en la parte posterior del libro.En este volumen innovador, Marina Abramovic y su trabajo de vanguardia cobran vida como nunca antes para los lectores jóvenes.
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''Las creaciones cortesanas del gótico internacional transitan por múltiples opciones estéticas, en ocasiones opuestas. Se trata de un arte fecundo, exuberante, desmedido, un medio de expresión de la sofisticación cortesana, en el que a menudo lo real se torna fantástico, un escenario privilegiado para la exaltación heráldica y caballeresca y el naturalismo simbólico, pero también para las propuestas del nuevo realismo y las experiencias tridimensionales.''De «El arte de corte en el otoño de la Edad Media», de Joan Molina FiguerasEn torno a 1400, las cortes europeas alumbraron algunas de las más brillantes manifestaciones del arte medieval. A partir de ese momento y durante todo el siglo XV,artistas activos en toda Europa hicieron gala de un acentuado gusto por la elegancia formal y por la extravagante moda de la época. El resultado fueron creaciones fascinantes que aún hoy nos sorprenden por su sofisticación visual, fruto de una particular combinación de elementos realistas y decorativos. La sublimación plástica de los valores de la aristocracia tardomedieval, y en especial de los códigos caballerescos, fue el objetivo principal de la mayoría de las obras. En este volumen, diecinueve especialistas nos acercan un universo estético extraordinario, fundamento en gran medida del imaginario construido en torno al arte medieval.
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El presente volumen se enfrenta con la no fácil tarea de analizar el arte más cercano en el tiempo con el fin de integrar la creación plástica actual en la dinámica de la historia. La autora parte del simbólico 1968, momento que supone el fin del dogma formalista y en el que el posminimalismo se precipita en una intensa desmaterialización de la obra de arte. A partir de ese punto aborda la llamada posmodernidad, desde la posmodernidad citacionista y cálida derivada del «pensamiento débil» a la reivindicadora de un «yo» apolítico y hedonista, hasta la posmodernidad que en su democratización pluralizante mantiene un fuerte compromiso con lo étnico, el feminismo, la diversidad sexual y el «otro» cultural, pasando por la posmodernidad simulacionista, apropiacionista e inexpresionista que, amparada en la «muerte metafórica del autor», alienta la crítica de la representación y la vuelta a los sistemas de reproducción. El resultado de este análisis es una historia del arte último del siglo XX en la que se descubren las conexiones entre el arte y el discurso teórico, se estudia el pensamiento que genera los distintos movimientos, y se analizan los principales artistas y las obras que configuran el perfil creativo de nuestra época.
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Rembrandt es el gran pintor holandés del siglo XVII (1606-1669). Su influencia en los artistas de su momento fue excepcional. Las ilustraciones de este libro ponen a disposición de los lectores su obra, tanto pintura como grabado y dibujo, acompañada de un análisis ameno e interesante tanto de su vida como de su obra.
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Las mujeres, protagonistas de la historia del arte Las artistas con talento siempre han tenido que luchar por abrirse paso en un mundo de hombres que las ha subestimado o ignorado. Las mujeres en la historia del arte nos guía en un viaje apasionante para descubrir las vidas, obras y legados de mujeres artistas excepcionales que en muchas ocasiones no han recibido el reconocimiento que merecen. Desde la monja ilustradora Ende, que dejó su huella en el siglo x, hasta Iaia de Cícico, autora del primer autorretrato documentado, pasando por la icónica Artemisia Gentileschi, ejemplo de resiliencia en el barroco, o Frida Kahlo y Maruja Mallo, símbolos de modernidad y valentía, María José Noain Maura recorre la historia del arte y describe magistralmente los tiempos y entornos que moldearon las carreras de las más extraordinarias creadoras. Las mujeres en la historia del arte es una invitación a redescubrir el talento femenino y ver la historia del arte de una forma nueva, más justa y más inclusiva.
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Más allá de centrarse en la personalidad y obra de cada artista, esta historia busca captar la esencia y relevancia del arte contemporáneo partiendo de tres elementos de análisis: los desarrollos tecnológicos dela época (la evolución en la cultura material desde lo mecánico a lo electrónico), el ámbito de saberes delos que se nutre y con el que dialoga el arte (su propio acervo y las ideas de cada periodo) y, por último, las oscilaciones en el lenguaje artístico (entre estilos más abstractos o figurativos). Ofrece así treslongitudes de ondas (largas, medias y cortas) para interpretar y comprender el arte contemporáneo desde su nacimiento hasta los fenómenos más actuales.
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Este volumen de cuentos supuso un antes y un después en la narrativa deConcha Alós, se convirtió en un reto de superación estética paraella,deudor del proceso de renovación formal iniciado por LuisMartín-Santosen Tiempo de silencio, de la narrativa de Kafka, y también, por quéno,del emergente realismo mágico. Concha Alós podría haber sido miembrodepleno derecho de la denominada generación del medio siglo, acompañandoaautoras como Carmen Laforet, Ana María Matute o Carmen Martín Gaite,pero tejió su camino al margen de generaciones, corrientes, de ilustresexiliados en una Barcelona cosmopolita que no era la suya. Marcó sustiempos y eligió, sin influencia de modas ni cánones, cuándo habíallegado el momento de hacer hablar a sus protagonistas, de dar paso a lafantasía, eje central de Rey de gatos.En estos relatos, con una fuerte carga psicoanalítica y una prosaenvolvente, casi psicodélica, conviven «fantasmas y diablos ocultos dela subconsciencia», y se proporciona una perspectiva nueva e inquietantede la realidad de la mujer, vista desde dentro, no desde fuera. Graciasa la experimentación, el mensaje se potencia. Se recrudece la críticaalpatriarcado, el erotismo se multiplica, se contrasta el pasado con unfuturo que no llega. Alós logra que dialoguen las dos personalidadespresentes en sus protagonistas, la «bestia» y la sumisa. Deseaba quecada mujer pudiera ver más allá de su pequeña isla y decidir, por sísola, si se aventuraba a salir de ella.El olvido de esta autora en el mundo editorial español es flagrante,másaún si tenemos en cuenta que autoras que en la actualidad gozanmerecidamente del favor del público y la crítica como MarianaEnríquez oAngela Carter, se mueven en similares coordenadas estilísticas ytemáticas que la propia Concha Alós, quien sufrió el desdén de lacrítica y la purga de la censura, pues se atrevió a dar voz a quienespor entonces estaban silenciados.
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Asegúrese de que el utensilio de escritura que utilice no sea demasiado grueso puede hacer una prueba en la página enfrentada, antes de empezar. Todos los puntos llevanun código de color que le ayudará a conocer su posición en todo momento. Empiece siem
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La escritura encierra una especie de magia que nostransporta a momentos cruciales de la historia, la creatividad y la vida cotidiana, y nos vincula íntimamente con sus protagonistas. Durante casi medio siglo,el escritor y editor brasileño Pedro Corrêa do Lagoha reunido miles de cartas, manuscritos, composiciones musicales, fotografías con anotaciones y dibujos, entre otros, en una de las colecciones de documentos escritos a mano más completas de nuestro tiempo.Desde un pergamino de 1153 con la rúbrica de cuatropapas medievales hasta la firma de Stephen Hawking en2006, compuesta por una impresión de la huella de supulgar, los elementos que aquí se recogen abarcan casi 900 años de historia, y nos acercan a escritores,artistas, compositores, figuras políticas, intérpretes, exploradores, científicos, filósofos y revolucionarios cuyas acciones y creaciones los convirtieron enleyendas.En lugar de centrarse en un solo temao una única época, Corrêa do Lago tomó la ambiciosadecisión de buscar documentos autógrafos importantespertenecientes a ocho grandes áreas: arte, historia,literatura, ciencia, música, filosofía, exploración yentretenimiento. Los 140 extraordinarios documentosseleccionados para este libro, exhibidos por primeravez en una importante exposición en la Morgan Libraryand Museum de Nueva York, incluyen cartas de Lucrecia Borgia, Vincent van Gogh y Emily Dickinson, bocetoscon anotaciones de Miguel Ángel, Jean Cocteau y Charlie Chaplin, y manuscritos de Giacomo Puccini, JorgeLuis Borges y Marcel Proust.La escritura a mano es uno de los medios más viscerales con los que dejamos huella de nuestra existencia. En un momento en que gran parte de nuestra comunicación se ha vuelto completamente inmaterial, esta colección llama la atención sobre la capacidad de los textos manuscritos pararevelar la energía, el poder, la vulnerabilidad y laimaginación de la humanidad a través del tiempo.
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Mark Rothko (1903-1970) fue un gran defensor de la total libertad de expresión del artista y rehuyó las clasificaciones y cualquier intento de interpretación de sus cuadros. Aunque se le considera una figura clave del expresionismo abstracto, formado e
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Icono del Nueva York de la década de 1980, Jean-Michel Basquiat (1960-1988) se hizo inicialmente un nombre firmando grafitis con el nombre de ''SAMO'', antes de establecer su estudio y alcanzar rápidamente la fama con tan sólo 20 años. Aunque su carrera apenas duró una década, sigue considerándose una figura de culto del arte comprometido socialmente y un pionero en la mediación entre el grafiti y el arte de galería.En su obra, Basquiat hizo uso de fuentes y medios diversos para crear un vocabulario artístico original y urgente, que supuso, además, una crítica mordaz contra las estructuras de poder y el racismo. En su práctica fusionó la abstracción y la figuración, la poesía y la pintura, mientras que sus influencias englobaban desde el arte griego, romano y africano hasta la poesía francesa, los ritmos del jazz y la obra de artistas contemporáneos como Andy Warhol y Cy Twombly. Los resultados son mezclas vívidas y viscerales de palabras, emblemas africanos, figuras de dibujos animados y manchas de colores vivos, entre multitud de otros detalles.Este libro presenta la carrera breve pero prolífica de Basquiat, su estilo único y su profunda implicación con temas tan relevantes como la integración y la segregación, la pobreza y la riqueza.Sobre la serieCada libro de la Basic Art Series de TASCHEN incluye:un detallado sumario cronológico de la vida y obra del artista en el que se aborda su importancia histórica y cultural,una concisa biografía,aproximadamente 100 ilustraciones en color con comentarios explicativos.
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Un siglo después de su muerte, el artista vienés Gustav Klimt (1862-1918) continúa sorprendiendo con su desvergonzado erotismo, sus superficies deslumbrantes y su experimentación artística. En esta impecable y rigurosa monografía reunimos las obras fun
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Picasso dijo de Dalí que era un motor fueraborda que nunca deja de funcionar. El propio Dalí se creía a sí mismo un genio, conderecho a llevar a la práctica cuantas locuras le venían a la cabeza. Pintor, escultor, escritor, cineasta, Salvador Dalí (
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No conocemos los nombres de los artistas del antiguo Egipto, pero el valor de las obras de estos maestros anónimos es comparable al de las piezas más destacadas de épocas posteriores, como las esculturas de Miguel Ángel o las pinturas de Leonardo. Este libro presenta algunas de las piezas más importantes desde el Imperio Antiguo, en el tercer milenio antes de Cristo, hasta el Periodo Tardío. El volumen recopila esculturas, relieves, sarcófagos, murales, máscaras y ornamentos. La mayoría de las piezas se conservan en el Museo Egipcio de El Cairo, aunque otras ocupan lugares preeminentes, como piezas del patrimonio mundial, en museos como el Louvre de París, el British Museum de Londres, el Museo Egipcio de Berlín o el Metropolitan de Nueva York.Algunas de las obras incluidas son: La estatua sedente del rey Zóser El relieve en madera de Hesire sentado a la mesa La estatua de un escriba hecha con diversos materiales El ajuar funerario de Aschait La esfinge de Sesostris III La estatua robada de Cherihotep Los relieves del templo de Karnak El sarcófago de la reina Hatshepsut Los murales de Tebas La figura sedente de la reina Sejmet La estatua de la reina Tiy La cabeza de Akenatón (Amenofis IV) El busto de la reina Nefertiti La máscara dorada de Tutankhamón El Ramsés II de Abú Simbel Horus representado como un halcón de granito El relieve con artilugios quirúrgicos grabados sobre la piedra del templo de Edfu
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La popularidad imperecedera de Gustav Klimt (1862-1918) atestigua no solo el particular atractivo de su exuberante pintura, sinotambién de los temas universales con los que trabajó: el amor, la belleza femenina, el paso del tiempo y la muerte.K
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Esta obra constituye una guía definitiva para conocerel amplio y variado surtido de herramientas existentes en el ámbito del dibujo y la pintura, así como susdiversas aplicaciones. Reúne los materiales y las técnicas más tradicionales, pero también la mayoría delos productos y procedimientos modernos, interesantesy significativos que han aparecido en los últimos años.
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Este libro es una invitación a intentarlo (de nuevo)a traves de pasos sencillos, comprensibles y comprobados, que ofrecen resultados patentes desde el principio.
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Jardines de la colina de la Alhambra contiene 187 imágenes y varios dibujos del conjunto paisajístico del monumento granadino. Cada una de las fotografías son pausadas, reflexionadas y sólo disparadas por Manso cuando siente que es el momento adecuado.Este catálogo transporta al lector a un entorno diferente a las referencias clásicas de la Alhambra. El objetivo de Manso retrata cada rincón con una intensa meditación, fijándose en la influencia de los jardines y la naturaleza en la construcción y grandiosidad del conjunto monumental.
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![Jordi Colomer. Façana foto festa futur fideus [català]](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dw6eda647f/images/large/1531941.16.jpg?sh=240 "Jordi Colomer. Façana foto festa futur fideus [català]")
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Eclecticisme, acumulació, superposició, relació, celebració… aquestes són algunes de les paraules que serveixen per descriure la publicació de Jordi Colomer (Barcelona, 1962). Jordi Colomer. Façana Foto Festa Futur Fideus fa un recorregut per l’univers artístic i vital de l’artista mitjançant una seixantena d’obres que van des de finals dels anys vuitanta fins a l’actualitat i que es materialitzen en forma d’escultures, collages, fotografies, instal·lacions, vídeo i accions en viu.El llibre inclou una selecció de textos d’Elvira Dyangani Ose, Martí Peran, Benedetta Casini, Ignasi Duarte, Carolina Olivares i Núria Gómez Gabriel, que ajuden a posar el focus en diversos aspectes de la seva pràctica, així com una àmplia documentació gràfica de la seva obra. La intenció final és aconseguir dinamitar l’ordre cronològic de la narrativa i establir una contaminació de relats que ajuden a entendre el seu univers.La publicació consta de tres edicions separades en castellà, català i anglès.
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En este libro se recorre la trayectoria de Choi Ok Yeung, prolífico artista coreano, quien interpreta el paisaje de forma espiritual para traspasar los límites del arte convencional y de los espacios artísticos tradicionales. Para Choi, el paisaje es su taller en el que reinterpreta la naturaleza para, finalmente, volver a ella.Un ciclo regenerativo permanente que expande los límites y difumina los bordes del arte más ortodoxo. Las series que contiene este libro abarcan escultura, pintura, dibujo, obra pública y Land Art, todas atravesadas de intensidad y espiritualidad.• Un libro especialmente atractivo para amantes del arte oriental contemporáneo.• Con textos del crítico de arte Christian Viveros-Fauné.
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Una esperada y gran monografía publicada con motivo de la exposición en el Museo Guggenhiem de Bilbao. Lynette Yiadom-Boakye retoma la tradición del retrato de la pintura occidental pero también, su obra se inserta en la creación contemporánea ya que adopta una dimensión política y se convierte en un referente de la estética afro y queer. Este libro reúne unas 70 obras que invitan a adentrarse en las historias visuales imaginadas por la artista, retratos ficticios cuyos protagonistas se representan en momentos de intimidad y que cobran una vida de apariencia totalmente verosímil. Incluye textos de la propia Yiadom-Boakye, del escritor y cineasta Kodwo Eshun y de la conservadora del Museo Lekha Hileman Waitoller.
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El artista japonés Shimabuku (Kobe, 1969), reconocido internacionalmente por su obra, afectiva y sugerente, realizada en diversos medios como la escultura, el cine y la fotografía, posee un estilo lleno de sentimiento poético y humor, inspirando a públicos diversos a través de lo metafórico. Desde principios de la década de 1990, Shimabuku ha viajado por diversos lugares de Japón y del mundo creando obras y performances que reflexionan sobre la vida cotidiana y las culturas de las personas con las que se encuentra, así como sobre las nuevas formas de comunicación entre nosotros y con los seres no humanos.
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Publicado con motivo de la exposición El marqués de Santillana. Imágenes y letras, celebrada en el Museo Nacional del Prado entre el 4 de octubre de 2022 y el 8 de enero de 2023 en colaboración con la Biblioteca Nacional de España. Pocas personalidades del siglo XV castellano resultan tan atractivas y poliédricas como Íñigo López de Mendoza, el marqués de Santillana (1398-1458). Noble culto y poderoso, se distinguió tanto por el cultivo de las letras –fue un destacado poeta e historiador de la literatura y reunió una excepcional biblioteca– como por su activa labor de promoción artística, objeto monográfico de la exposición presentada en el Museo del Prado. Aunque es probable que nunca viajase fuera de la Península Ibérica, las obras que encargó desde su palacio de Guadalajara señalan que nos hallamos ante un personaje curioso y cosmopolita, perfecto conocedor de las innovadoras propuestas visuales que desde hacía muy poco se habían gestado en Flandes e Italia. En la Baja Edad Media los libros de lujo, además de satisfacer una pasión bibliófila egoísta y solitaria, también fueron considerados objetos sociales que otorgaban fama y prestigio a los nobles que compartían esta afición. Consciente de estos valores, el marqués de Santillana recurrió a agentes y redes de intercambio que le permitieron conseguir espléndidos manuscritos iluminados y, de este modo, emular y competir con otros distinguidos bibliófilos coetáneos, como Alfonso el Magnánimo, Íñigo Dávalos o Nuño de Guzmán. La presentación de algunos manuscritos que pertenecieron a estos tres personajes no solo sirve para ilustrar la existencia de un gusto compartido por el libro de estética humanista sino también, teniendo en cuenta que todos ellos se establecieron en Italia, para ratificar el liderazgo cultural y artístico del marqués de Santillana entre la nobleza castellana. El presente catálogo de pinturas y manuscritos procedentes de su biblioteca pretende avanzar en el conocimiento de uno de los pioneros en la introducción de las novedades pictóricas flamencas e italianas en Castilla.
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A través de estas páginas Sorolla se nos desvela a través de la materialidad de objetos que le acompañaron en vida. Su colección de enseres despierta varios relatos, anécdotas e historias fragmentadas. Una amena biografía del artista a través de pequeñas narraciones contadas a través de los bienes con los que Sorolla rodeó su existencia.
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Una monografia sobre una de les figures més excepcionals de la pintura catalana del segle XIX i la seva relació amb la ciutat on va néixer, Reus. El llibre se centra principalment en l'etapa de formació i els primers èxits de Marià Fortuny Marsal (Reus, 1838 - Roma, 1874), el pintor més reconegut de l'art vuitcentista català, així com en la relació que va mantenir en aquest període amb la seva ciutat natal, aspectes molt poc tractats per la historiografia sobre aquest artista. El llibre dona a conèixer un gran nombre de notícies inèdites sobre les seves primeres exposicions i fa una revisió exhaustiva de la relació de l'artista amb la seva ciutat d'origen, que resulta fonamental per resseguir la trajectòria de Fortuny i la construcció de la seva imatge llegendària.
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A pesar del éxito del que disfrutó en vida y que ha llegado intacto hasta nuestro días, Claude Lorrain (Claudio de Lorena) no fue un genio. Fue más bien un trabajador modesto que se empleó con dedicación a pintar el esplendor de la naturaleza, consiguiendo reflejarlo con los mejores efectos atmosféricos y luminosos en sus cuadros, en los cuales el paisaje va a ser el gran protagonista. Por imposición de los comitentes, casi todos los cuadros pintados por Laude Lorrain representan algún tema pastoril, histórico o heroico, pero aquellos clientes no estuvieron interesados por las figuras que aparecen en esas obras sino por los amaneceres y las puestas de sol que tiñen de un color dorado y homogéneo idílicas campiñas y ensenadas, ya que en el segundo tercio del siglo SVII en Roma se estaba desarrollando un gusto por la contemplación de imágenes bellas, sin que en las pinturas fuera necesaria la aparición de alambicados discursos morales. La belleza ideal que desprende su obra no responde a un canon métrico, como lo puede hacer una escultura de Policleto, sino que emana de la serenidad y la perfección de una naturaleza esplendorosa que se muestra bajo la suave luz de un sol que ilumina un mundo acogedor y placentero.
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