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Llibres de disseny i arts decoratives
Descobreix la nostra col·lecció de llibres de disseny. Una àmplia i variada selecció de lectures per aprendre les tècniques professionals de pintura i dibuix. Converteix-te en un artista! Compra llibres de disseny online. En aquesta secció disposem d'una extensa selecció de llibres de disseny i arts decoratives. Lectures que et convidaran a aprendre a explicar històries i dibuixar, a crear objectes amb ceràmica, a escriure, a pintar a l'oli o amb aquarel·les, a fer maquetes, gravats, marqueteria, serigrafia o cal·ligrafia amb pinzell. Així mateix, hi trobaràs equips complets de dibuix, manuals de tècniques de dibuix i guies introductòries sobre tot tipus de materials, com ara esmalts ceràmics, llapis, pintures i tintes, entre altres.
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Esenciales arte. Pop art
Esta obra, organizada en torno a temas clave que atañen a todo el Pop Art, tales como la publicidad, la política, el hogar, los bienes de consumo, la historia del arte, el culto a la fama, la guerra y la carrera espacial, es una introducción esencial al m
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Conexiones
Siempre se dice que lo más importante de cualquier proyecto es la idea.Pero sin argumento, sin relato que la defienda, una idea se quedahuérfana. Las ideas hay que dotarlas de “ verdad” y laverdad surge de tus vivencias, experiencias vividas y compartidas, es loque define la singularidad de tu proyecto. Esto exige una implicación,ambición e ilusión importantes. En este nuevo libro el autor nos enseñacómo las conexiones entre los objetos cotidianos y las palabras producenimágenes y relatos que confluyen para definir su obra, su identidad
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De la observación al dibujo. Un recorrido didáctico para aprender a dibujar
Un recorrido didáctico para aprender a dibujar. Enuna época en la que los instrumentos de grabación ymodificación de imágenes son omnipresentes y condicionan nuestra mirada, son su extensión virtual y permiten registrar casi todos los acontecimientos, el autorse plantea qué función ha quedado para el dibujo y qué partido se puede sacar de él. En este libro, el maestro Giovanni Civardi: trata de forma exhaustiva los diferentes aspectos del dibujo, partiendo de la larga y directa experiencia profesionaldel autor, ofrece un rico material iconográfico que abarca varios géneros: la figura humana, el desnudo, el paisaje, el bodegón, el retrato, los animales, etc., acompaña de reflexiones y consideraciones las imágenes más elaboradas, al tiempo que incluye esquemas gráficos sencillos que ayudan a comprender los conceptos, y enseña cómo aprender a dibujar empieza siempre con la observación de la realidad para llegar a comprenderla e interpretarla según la forma expresiva de cada uno.
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Claudia Andújar
El Centro de Fotografía KBr Fundación MAPFRE, Barcelona inicia su programación expositiva de 2021 con la mayor exposición dedicada hasta la fecha a la obra y el activismo de Claudia Andujar, quien, durante más decinco décadas, ha dedicado su vida a fotografiar y proteger a los Yanomami, uno de los grupos indígenas más grandes y amenazados de Brasil. Tras cuatro años de investigación en el archivo de la fotógrafa, esta exposición, comisariada por Thyago Nogueira, se centraen su trabajo de este período, reuniendo alrededor de trescientas fotografías, una instalación audiovisual así como una serie de dibujos Yanomami. Además, seincluye una selección de sus primeras fotografías tomadas en Brasil durante los años 60 y 70. Con ello, laexposición explorará la extraordinaria contribuciónde Claudia Andujar al arte de la fotografía, así comosu importante papel como activista de los derechos humanos en la defensa de los Yanomami.
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Aquest és el primer llibre editat a Catalunya on s'ofereix un recull del treball de 12 primeres dones joieres que van treballar a Catalunya, des de 1960 fins al 1990.Aquest llibre no pretén mostrar una histoòria exhaustiva dels inicis de la joieria contempo- rània a Catalunya, sinó fer palès que, en les transformacions profundes experimentades pel món de la joieria a casa nostra durant la segona meitat del segle XX, hi varen prendre part decisiva una sèrie de dones, les primeres que es van obrir pas en un ofici fins aleshores vetat a elles.
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El Renacimiento
Desde que Vasari en la primera edición de sus ''Vite'' (1550) denominase Renacimiento al periodo artístico que comienza al despuntar el siglo XV en Florencia, y posteriormente en otras partes de Italia, el término ha sido sinónimo de ''buen arte''. Incluso en nuestros días, el Renacimiento permanece como un hito que se erige sobre otros momentos, estilos, alejados de sus principios. No obstante, con frecuencia se sigue el rígido planteamiento vasariano que no ve más allá del arte italiano. Sin duda fue excepcional, pero los Alpes no definen la frontera del Renacimiento. El arte de la época en los Países Bajos y en otros estados no es ni la continuación de lo medieval ni un mero sucedáneo de lo italiano. Este libro, abierto a diferentes interpretaciones más allá de la italocéntrica, resalta las principales obras, los grandes creadores, los comitentes y las teorías que sustentaron el arte de un periodo que hoy sigue siendo considerado excepcional, y que cuanto más se profundiza en su estudio parece engrandecerse.
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Break Protocols 2
¡El siguiente capítulo en la historia de Break Protocols ya esta disponible! La historia de Orion, Tyra, Kiur y los demás personajes que pueblan la ciudad de Keon se ven envueltos en una trama política mientras las cosas se ponen al rojo vivo entre bambalinas.
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Jawlensky
La exposición recorre el conjunto de la trayectoria de Jawlensky, desde sus orígenes en Rusia a sus distintos periodos en Suiza y Alemania donde, en contacto con artistas también presentes en la muestra (WassilyKandinsky, Gabrielle Münter, Marianne Werefkin), se convierte en uno de los más audaces forjadores de loscaminos de la autonomía de la pintura, esos que dirigen el arte del siglo XX hacia la abstracción. Su trabajo seriado, forjado en repeticiones y regresos casiobsesivos, como las Variaciones, muestran vínculos con el ámbito musical, modelo de lenguaje no figurativoclave para esta generación pionera. Mientras que las Cabezas abstractas y Cabezas místicas insertan a Jawlensky en el linaje de artistas modernos que indaganen formas alternativas de espiritualidad y trascendencia. Su interés por la imagen serial, de extraordinaria influencia en la segunda mitad del siglo XX, se radicaliza en sus Meditaciones, donde un único y enigmático rostro de ojos cerrados, tras el que se transparentan los rasgos del icono, parece llamar a la introspección. Esa tenacidad de Jawlensky en la plasmaciónde la cara humana nos devuelve un elemento clave en la actualidad: el de la contemplación del rostro ajenoprecisamente en un momento, como el actual, en que este se nos presenta velado.
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Forma y figura
Forma y figura: introducción al dibujo del cuerpo humano
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Antes y después de Antonio Palomino
Este libro pretende subrayar y analizar una cuestión que, aunque fundamental, casi siempre ha quedado implícita o conscientemente ocultada en la producción académica, ya sea en la publicación de libros o artículos, en la disposición de las colecciones permanentes de los museos nacionales o autonómicos, en las exposiciones temporales o en otros dispositivos discursivos relacionados con las manifestaciones artísticas: la relación íntima que hay entre la historiografía, en este caso específicamente arqueológica y artística, desde la Antigüedad hasta los estertores de la larga Edad Moderna, y los discursos en torno a la identidad nacional. Para poder vertebrar un asunto tan complejo, rico y, de hecho, tan oportuno en la coyuntura política actual, el volumen toma como referente la publicación del Museo pictórico y escala óptica (1715-1724) de Antonio Palomino, considerado como vórtice de la tradición historiográfica hispánica y jalón de la construcción de la identidad artística española a partir del cual se abordan, entre otros, asuntos como la llamada cultura ibérica, la relación de la identidad nacional con ciertos hallazgos arqueológicos convertidos en anacrónicos símbolos nacionales, la relevancia del Camino de Santiago en la consecución de esos discursos identitarios, la problemática en torno a los tejidos andalusíes y su empleo por monarcas cristianos, el asunto del «mudéjar», los conceptos de «dibujo español», «veta brava» o «estilo trentino», la españolización de artistas italianos o la acentuación de los rasgos hispánicos de artistas españoles que culminaron su formación y trabajaron en Italia, la identidad artística nacional a ojos de los extranjeros, el papel desempeñado por las mujeres artistas o la lectura de la tradición por parte de la Ilustración española, por no hablar de la problemática inclusión -o exclusión- de la producción artística española como parte fundamental del canon que ha ido configurando un nada inocente discurso historiográfico.
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Hispania visigoda
'La ciencia que el oído percibe, derrámala por la boca. Agranda aún más la sabiduría comprometiéndola con otros'' San Isidro de Sevilla La Hispania visigoda discurre entre el traslado de la monarquía visigoda de la Galia a la península ibérica, a inicios del siglo VI, y la conquista omeya, a comienzos del VIII. A menudo caracterizada como una época de barbarie y violencia, en la actualidad se nos presenta como una síntesis de la cultura germana y romana, y una de las últimas manifestaciones del mundo antiguo. Como herederos del Imperio, los visigodos continuaron algunas de sus dinámicas y encontraron en la tradición cultural y política tardorromanas el fundamento sobre el que construir su reino, como muestran Leovigildo, quien renovó la monarquía imitando la realeza imperial protobizantina, o Isidoro de Sevilla, autor de las famosas Etymologiae, que condensan el legado de la Antigüedad. Descubriremos las luces de un periodo histórico convulso y fascinante a través del análisis minucioso de grandes expertos, bajo la coordinación de David Nogales Rincón.
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El presente libro aborda la idea del pensar.Generalmente se considera que sabemos aquello que pensamos acerca de una idea determinada, pero quizá no sabemos aciencia cierta qué hacemos, cómo lo vamos haciendo ocómo hemos llegado a ello. Un interesante ejercicio psicológico, educativo, social, acerca de hacer, pensar y sentir. En definitiva, qué se piensa y qué se siente al ir pensando o al ir sintiendo.
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La paraula Renaixement transporta tothom a un període historicoartístic gairebé mític, vinculat als grans mestres de l’art occidental i ple de bellesa, però la seva expansió no es va desenvolupar de la mateixa manera ni al mateix ritme arreu d’Europa. A la Catalunya del segle XVI és sinònim de contrastos, entre la tradició gòtica i l’impuls de les noves idees humanístiques: esglésies, grans casals, retaules grandiosos, mobiliaris exquisits o decoracions fascinants. A través d’un itinerari, intens però no exhaustiu, proposem presentar-vos obres, artistes, objectes, viatgers, descobridors i introductors del nou llenguatge plàstic que es va anar imposant des de l’epicentre italià. En el relat de la nostra història cultural, l’art del segle XVI hi ocupa un espai propi, excepcional i ple de singularitats, massa sovint passades per alt.
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Las artes de altar en la Edad Media
Los cuatro ensayos recogidos en este libro proponen reflexionar sobre el arte de la Edad Media presente en museos e iglesias planteando un viaje de ida y vuelta entre el Museo del Prado y algunos de los miles de templos de ese período que salpican el paisaje español y europeo. Con el objetivo de ofrecer una lectura contextual de los distintos elementos que integran las llamadas «artes del altar», como frontales, tabernáculos y ciborios, se presta especial atención al retablo, cumbre del arte hispano medieval, rastreando para ello su desarrollo en los siglos xiv y xv y analizando su ubicación en el interior de las iglesias. Además de estudiar el entorno original de las piezas, se ponen en relación con otros ejemplos europeos y se encuadran así en un paisaje artístico más amplio.
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Las mujeres en la historia del arte
Las mujeres, protagonistas de la historia del arte Las artistas con talento siempre han tenido que luchar por abrirse paso en un mundo de hombres que las ha subestimado o ignorado. Las mujeres en la historia del arte nos guía en un viaje apasionante para descubrir las vidas, obras y legados de mujeres artistas excepcionales que en muchas ocasiones no han recibido el reconocimiento que merecen. Desde la monja ilustradora Ende, que dejó su huella en el siglo x, hasta Iaia de Cícico, autora del primer autorretrato documentado, pasando por la icónica Artemisia Gentileschi, ejemplo de resiliencia en el barroco, o Frida Kahlo y Maruja Mallo, símbolos de modernidad y valentía, María José Noain Maura recorre la historia del arte y describe magistralmente los tiempos y entornos que moldearon las carreras de las más extraordinarias creadoras. Las mujeres en la historia del arte es una invitación a redescubrir el talento femenino y ver la historia del arte de una forma nueva, más justa y más inclusiva.
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Dibujo e imagen impresa
Dibujo e imagen impresa ofrece al lector un texto sucinto y riguroso donde se muestra una panorámica del papel del dibujante en la ilustración impresa atendiendo a sus procesos y desarrollos técnicos. La gran abundancia de libros editados permite a los autores conformar un corpus donde nos encontramos con el manuscrito ilustrado, en los orígenes, para continuar con las ilustraciones de la literatura clásica, con la denominada ilustración infantil o, más tarde, con el cartel publicitario, en un recorrido que nos conducirá hasta el cómic, el álbum ilustrado o el ''concept art''. El dibujo es el motor intelectual de todos estos procesos, como medio de conocimiento, para mostrar y materializar narraciones, fijar las palabras y dar pie a la imaginación y creación de mundos posibles e imposibles en justa correspondencia con las evocaciones de la palabra escrita. Esta comunión de palabras e imágenes hace evidente una clara interdependencia, en ocasiones asimétrica en función de los requerimientos de elaborados lenguajes de comunicación que, desde tiempos inmemoriales, se hallan en continua evolución y sobre los que repercuten los propios condicionantes del medio impreso, de los públicos a quienes va dirigida la obra y los contextos de dónde nacen.
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Estrellas emergentes del street art
La escena mundial emergente del street art: su estilo y el mensaje de una generación unida por un sentido de la responsabilidad social y a la que le mueve la necesidad de proteger el medio ambiente y a las minorías. Veinte estrellas en ascenso cuyas obras imaginativas y técnicamente brillantes las llevan a la vanguardia del género. Entrevistas y análisis meticulosos que le familiarizarán con un ámbito artístico que se halla en un estado de desarrollo continuo e intenso. Estos artistas abordan su trabajo con alegría: son creadores que llenan de energía positiva y felicidad las paredes de las ciudades, y creen en el hecho indiscutible de que el arte puede cambiar el mundo. Entre los artistas destacados figuran el londinense Ben Slow, cuyas tintas negras y rostros profundamente expresivos adornan varios edificios de la capital del Reino Unido, el parisino Ardif, cuyas criaturas híbridas fusionan máquinas con la naturaleza, Inti, cuya obra ha proyectado el imaginario latinoamericano en todo el mundo, y el estadounidense Vince Ballentine, cuya técnica combina elementos de rap y hiphop.
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JR: Can art change the world?
La monografía más completa sobre el enigmático artista francés, actualizada para incluir obras completamente nuevas.Llena de fotografías impresionantes, esta extraordinaria monografía muestra una variedad de proyectos colaborativos de JR ejecutados en todo el mundo. Creado en estrecha colaboración con el artista, presenta capítulos sobre cada una de las principales obras de JR, desde Expo2Rue, que utiliza la calle como lienzo para lanzar su carrera como artista, hasta The Chronicles of Miami, que se inauguró en noviembre de 2023.También incluye sus colaboraciones con otros artistas e instituciones como el New York City Ballet, la directora de cine Agnès Varda y la revista Time.Un prólogo de la leyenda de Hollywood George Lucas, una novela gráfica encargada especialmente por el dibujante de cómics Joseph Remnant, un ensayo actualizado de Nato Thompson y un breve artículo de la directora de cine italiana Alice Rohrwacher se unen para contar la fascinante historia de JR.Una inspiración para quienes intentan crear arte socialmente comprometido y marcar la diferencia en comunidades marginadas. – Revista Smithsonian
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Cuando el mar no era azul
Una biografía del color más misterioso, evocador y singular de todo el espectro cromático.«El azul siempre ha sido mi color preferido». A partir de esta simple premisa, Daniel Entrialgo explora cómo este color pasó de ser una rareza ignorada a convertirse en la tonalidad favorita de la sociedad moderna (más de un 40 por ciento de la población lo elige como su favorito), y se sirve para ello del mundo del cine, la historia, la literatura o el arte. Y es que el azul, el color que conquista a Occidente, tiene una historia tan curiosa como inesperada: aunque hoy lo asociamos con elegancia y serenidad, no siempre fue así. Los antiguos griegos, por ejemplo, ni siquiera lo reconocían como un color propio.
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Andrés Planas, el artista en la frontera
Andrés Planas habita un extremo del mundo que linda con lo prohibido.Para divisar nuevos territorios hay que habitar en la frontera y asumir los peligros que conlleva el trato con lo desconocido. En el arte contemporáneo esta actitud de curiosidad exploratoria se hace imprescindible, y a menudo lo convierte en incomprensible, o cuando menos desabrido, para quien lo sigue como espectador pasivo. Andrés Planas habita un extremo del mundo que linda con lo prohibido. Es la frontera eterna que separa la vida de la muerte, el sexo de la digestión transgresora, el culto a la esperanza y al futuro de la descarnada blasfemia. Sumergirse en su vida y en su obra es lo que propone este libro a la manera de un pequeño manual de buceo. Quien acepte el reto que respire tres veces antes de zambullirse.
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Manolo Gil 1956-1957
El escultor Jorge Oteiza (1908-2003) y el pintor Manolo Gil (1925-1957) se conocieron en 1955 en el proyecto de la Universidad Laboral de Tarragona (1952-1957). A partir de ese encuentro nació una estrecha relación personal y un fructífero diálogo artístico e intelectual, solo interrumpido por la repentina muerte del pintor. Esta relación influyó de forma decisiva en ambos artistas, justo en un momento clave de sus respectivas trayectorias. Oteiza estaba inmerso en su Laboratorio Experimental, que marcó su paso a la abstracción geométrica. Por su parte, Manolo Gil atravesaba un período de gran intensidad creativa, tanto en sus elucubraciones teóricas como en sus exploraciones plásticas, mayoritariamente figurativas hasta ese momento. Esta publicación analiza los detalles de ese encuentro profesional, así como el extenso conjunto de más de 50 collages experimentales desarrollador por Gil, que profundiza en el análisis de la composición espacial a partir de la utilización de formas geométricas y que se elaboró en estrecha colaboración con Jorge Oteiza. La publicación reproduce también el poema visual inédito titulado Cambio y dedicado por Gil a Oteiza, además de incorporar un texto analítico realizado por Jon Echeverria Plazaola, investigador y Doctor en Humanidades por la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, en el que analiza el desarrollo de esta propuesta artística y su contexto cultural, así como diversos apéndices documentales que permiten acercarse al contexto de arte experimental de la segunda mitad del siglo XX.
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Personajes femeninos atractivos: Técnicas para dibujar manos expresivas
¡LLENA A TUS PERSONAJES DE VIDA CON ESTE MANUAL! En este volumen aprenderás cómo dibujar manos con una serie de trucos y consejos que te guiarán paso a paso. Conoce técnicas que te permitirán plasmar en las manos que dibujes una gran cantidad de expresiones y emociones tan distintas como la alegría, la ira, la tristeza, la felicidad, la preocupación, la sorpresa y muchas más. Llena a tus personajes de vida con este manual imprescindible que pondrá el broche de oro a tus personajes!
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TP Dalí: the empordà triangle
Salvador Dalí va convertir el paisatge empordanès en un símbol del surrealisme. L'obra del pintor català resulta inseparable de la seva geografia natal. La millor prova la tenim als espais del Teatre-Museu Dalí de Figueres, la casa de Portlligat i el castell de Púbol. Tres vèrtex del triangle en què va transcórrer bona part de la vida quotidiana del genial artista.
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Vida i obra de Picasso.
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Louis Stettner
Catálogo de la exposición que se celebrará en el Centro de Fotografía KBr. Fundación MAPFRE, Barcelona, del 3 de junio al 15 de septiembre de 2024Nacido en Brooklyn en 1922, Louis Stettner comenzó a hacer fotos siendo un adolescente en la década de 1930, y dedicó casi ochenta años de su vida a la fotografía. Tras prestar servicio en el Pacífico como fotógrafo para el ejército de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, se trasladó a París en 1947. A lo largo de su vida, alternó la residencia durante largos periodos en Francia y Estados Unidos antes de establecerse definitivamente en París desde 1990 hasta su muerte, en 2016.A caballo entre estas dos culturas, la obra de Stettner incorpora elementos de la fotografía callejera estadounidense y de la fotografía humanista francesa. Formado en la escuela neoyorquina de la Photo League, aprendió con Sid Grossman y fue un gran amigo de Weegee. En París, el joven fotógrafo conoció a Brassaï, que se convirtió en su mentor y le introdujo en la comunidad fotográfica parisina. Stettner fusionó la vertiente lírica francesa con la tradición neoyorquina de fotografía socialmente comprometida para crear su propia versión del humanismo.
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Revival Compendium Vol. 1
Durante un solo día, los muertos volvieron a la vida en el centro rural de Wisconsin. Ahora le toca a la agente Dana Cypress tratar con lo que ello conlleva: el escrutinio de la prensa, los fanáticos religiosos y la cuarentena impuesta por el gobierno. En un pueblo donde los vivos tienen que aprender a convivir con aquellos que suponían muertos, la agente Cypress deberá resolver un brutal asesinato. Y todos, vivos o muertos, son sospechosos. El gran éxito de Image Comics llega en una nueva edición de lujo, de la mano del superventas Tim Seeley (Grayson, El Ocultista) y el ganador de un Premio Eisner Mike Norton (Battlepug, The Answer), recogiendo los números 1 al 11 y la historia corta publicada en el FREE COMIC BOOK DAY.
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Midnight moment
El primer y único libro sobre la icónica serie Midnight Moment de Times Square, el programa de arte público digital más grande y de mayor duración del mundo.Presentado todas las noches ante millones de espectadores cada año, Midnight Moment muestra el trabajo de artistas contemporáneos en uno de los lienzos más emblemáticos del mundo: las vallas publicitarias electrónicas de Times Square en la ciudad de Nueva York. Una colaboración entre Times Square Arts y artistas, tanto establecidos como emergentes, es una exhibición coordinada de contenido de imágenes en movimiento de vanguardia y se ha ganado la distinción de ser el programa de arte público digital más grande y de mayor duración del mundo. Sincronizado en más de 90 pantallas publicitarias en el corazón de Times Square todas las noches de las 11:57 p.m. a 00:00 a.m., Midnight Moment ha acercado arte público innovador y accesible a visitantes locales y globales durante más de una década.Como celebración de esta monumental plataforma para el arte público, esta retrospectiva homónima conmemora diez años de los más de 130 artistas que han participado en el programa. La experiencia compleja e inmersiva del arte público en Times Square se captura brillantemente en este libro con reflexiones de algunos de los artistas más notables del programa, e información detrás de escena sobre cómo se coordina, ejecuta y conmemora.Los artistas destacados incluyen a Jeffrey Gibson, Shantell Martin, Christian Marclay, William Kentridge, Rashaad Newsome, Nick Cave, Pipilotti Rist, Laurie Anderson, Yoko Ono, Tracey Emin, Björk, JR, Isaac Julien, Ryan McGinley, Alfredo Jaar, Charles Atlas , Marco. Brambilla, Andy Warhol, Shahzia Sikander, Fischli & weiss, Alex Da Corte, Alex Prager, Sophie Calle, Chitra Ganesh, Peter Campus, Lucy Raven & 13BC, Allison Janae Hamilton, David Hockney, Studio DRIFT, Cory Arcangel y Joan Jonas.
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A primera vista, las acuarelas de animales a gran escala tan sumamente detalladas recuerdan a los grabados de los ilustradores del siglo XIX John James Audubon y Edward Lear. Una segunda mirada más de cerca, sin embargo, revela un complejo universo perturbadoramente antropomórfico, lleno de símbolos, bromas pícaras y alusiones a la cualidad ''operística'' de la historia natural tradicional.En este universo visual asombroso y siniestro a un tiempo, las bestias y los pájaros no son meros objetos estéticos sino más bien actores dinámicos en batallas alegóricas: un pavo aplastando a un pequeño loro con sus garras, una colección de monos causando estragos en una mesa formalmente dispuesta, o un búfalo rodeado por una manada de lobos blancos ensangrentados. Las imágenes, deslumbrantes acuarelas, impresionan tanto por su impecable realismo como por su complejo contenido.Disponible originalmente en edición limitada y firmada, este volumen actualizado de Pancha Tantra es el estudio más exhaustivo de la obra de Ford hasta la fecha, que incluye más de 20 nuevas obras del artista. Ofrece detalles deslumbrantes, una exploración en profundidad de su universo visual, una biografía completa y extractos de los textos que le sirvieron de inspiración: desde cuentos populares indios y las cartas de Benjamin Franklin a la Autobiografía de Benvenutto Cellini y la Ornithological Biography de John James Audubon.
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Reflejo de un compromiso
Siete ilustradorespor una sola causa. Este libro solidario es un homenaje artístico y poético a todas las mujeres que pasan por un cáncer de mama y a todas las personas que las acompañan en el camino hacia la sanación y, surge del compromiso de Solán de Cabras y su colaboración desde hace más de una década con la Asociación Española Contra el Cáncer a quién irán dirigidos los beneficios de la venta de esta publicación.
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Un jardín luminoso
Este libro presenta y estudia el legado artístico e intelectual de Laura Ramírez Palacio (Medellín, 1988 - Madrid, 2022). Los trece textos aquí reunidos —escritos por autores e investigadores de reconocida trayectoria que conocieron a la artista y han estudiado su producción con rigor— ofrecen una panorámica poliédrica de una obra que nace del dolor, de la memoria de la violencia y del examen implacable de las estructuras patriarcales que sostienen su repetición.
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El joven Sorolla
El presente libro explora el camino que condujo al joven pintor valenciano Joaquín Sorolla Bastida (1863–1923) a convertirse en el artista de mayor éxito nacional e internacional de la España de entresiglos. Se trata de un estudio que arroja luz y verdad sobre los inicios de su carrera: desde su educación en las Escuelas de Artesanos y la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, hasta su estancia en Roma y Asís como pensionado de la Diputación de Valencia.A su regreso de Italia, en 1889, el pintor sintió siempre una fascinación y una atracción irresistibles por el mar, y aprovecharía cualquier ocasión para volver a su tierra y dejarse empapar por su luz. Un año más tarde se instalaría definitivamente en Madrid, donde retrató a diversas personalidades y presentó obras de temática social en los certámenes nacionales, al tiempo que su fama comenzaba a crecer.Esta biografía de sus primeros años responde, en parte, al conocimiento y curiosidad por la vida inicial del pintor en el ambiente cultural de su época. Se trata de un estudio completo del joven artista que reúne obras inéditas hasta ahora para el gran público gracias a la generosidad de las colecciones particulares, las instituciones y del círculo más íntimo de Sorolla.
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Rostros característicos
En las escuelas de bellas artes, en las academias, así como en el proceso individual de estudio de cada pintor o escultor, el dibujo del rostro y de la figura humana se ha considerado siempre una base indispensable. El maestro Giovanni Civardi dedica un nuevo libro al dibujo de la cabeza y el rostro humanos. Esta vez con el recurso de la cuadrícula, el procedimiento más sencillo y antiguo, y el que más respeta la práctica del dibujo manual, para reproducir en distintas dimensiones una imagen plana (dibujo o fotografía).
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Cómo dibujar y pintar animales expresivos
En Cómo dibujar y pintar animales expresivos, Amarilys Henderson —artista, creadora de tutoriales en línea y autora de Cómo dibujar y pintar caras expresivas— presenta ideas prácticas y creativas para dibujar y pintar animales con técnicas y estilos muy variados, desde realista hasta tipo cómic. A medida que vaya conociendo su lado más creativo, verá que dibujar a pequeña escala es una manera sencilla de relajar la tensión y abrirse a experimentar y a aprender las técnicas y los planteamientos que Amarilys comparte en este libro.
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Aunque la obra de Vermeer se reduce a 35 pinturas, ha originado un éxito de ventas del New York Times, una película protagonizada por Scarlett Johansson y Colin Firth, récords de visitantes en museos de todo el mundo, desde Ámsterdam hasta Washington, y la creación de medidas especiales para controlar al público que acude al Mauritshuis de La Haya, lugar de peregrinación de miles de personas para observar la enigmática, inocente y encantadora Joven de la perla, también conocida como la ''Mona Lisa holandesa''. Sin embargo, en vida, Johannes Vermeer (1632-1675) apenas era conocido más allá de Delft, su ciudad natal, y su reducido círculo de mecenas. Al morir, su nombre quedó en el olvido, excepto para algunos coleccionistas y marchantes de arte neerlandeses. Fuera de Holanda, sus obras incluso se atribuyeron erróneamente a otros artistas. No fue hasta mediados del siglo XIX cuando Vermeer llamó la atención del mundo del arte internacional que, viendo con buenos ojos su precisión narrativa, la meticulosidad de los detalles de su textura y los planos de luz majestuosos, descubrió a un genio y nunca volvió a apartar la vista de él. Esta edición reúne el catálogo completo de la obra de Vermeer en un formato compacto. Con una calidad de reproducción excepcional, permite disfrutar al máximo de las escenas sosegadas y al mismo tiempo cautivadoras, tan apreciadas en galerías de toda Europa y Estados Unidos. A través de detalles precisos y de ensayos se traza la habilidad excepcional del artista no sólo para plasmar los usos y costumbres del Siglo de Oro neerlandés, sino también para sintetizar una historia en un solo gesto, una expresión o una simple mirada.
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Perspectiva y estructura
Guía para investigar en la perspectiva y la estructura de lo que se dibuja • La perspectiva atmosférica • La perspectiva lineal central • La perspectiva lineal oblicua • La perspectiva aérea • Estructura • Sombras • Reflejos Giovanni Guglielmo Civardi nació en Milán el 22 de julio de 1947. Licenciado en Economía, estudió posteriormente en la Facultad de Medicina y en la Scuola del Nudo de la Accademia di Brera, y se dedicó al retrato y a la escultura. Durante más de una década realizó ilustraciones para diarios, revistas y cubiertas de libros. Organizó muestras personales de escultura y amplió sus estudios anatómicos durante frecuentes estancias en Francia y en Dinamarca. Desde hace muchos años dirige cursos de anatomía y de dibujo de la figura humana, y ha condensado su experiencia didáctica en numerosos libros, reeditados con frecuencia. La mayoría de ellos han sido traducidos a varias lenguas (inglés, francés, español, ruso, alemán, japonés, etc.). De 2011 data el Cuaderno de Lourdes, el más reciente de sus apuntes de viaje. Actualmente vive y trabaja en Milán, Casteggio y Niza.
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Pintura barroca en Valencia (1600-1737)
Pintura barroca en Valencia (1600-1737) ilumina un escenario muy poco conocido de la historia del arte español. En paralelo al desarrollo de los focos artísticos de Madrid —capital de la Monarquía Hispánica— y Sevilla —núcleo comercial de su vasto territorio trasatlántico—, Valencia se revela como un centro de producción pictórica de primer orden durante el siglo XVIIy primeras décadas del XVIII. A través de sus lazoscomerciales y culturales con Italia, recibió la influencia directa de importantes creadores, como Sebastiano del Piombo, José de Ribera, Pietro da Cortona, Carlo Maratta o Corrado Giaquinto. La tradición vernácula, que pervivía a la sombra de grandes figuras como Juan de Juanes o Juan Sariñena, se enriqueció con esasinfluencias y creció pujante con los valores novedosos que le aportaron artistas foráneos sobresalientescomo Francisco Ribalta, Pedro Orrente y Antonio Palomino.
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