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Llibres de disseny i arts decoratives
Descobreix la nostra col·lecció de llibres de disseny. Una àmplia i variada selecció de lectures per aprendre les tècniques professionals de pintura i dibuix. Converteix-te en un artista! Compra llibres de disseny online. En aquesta secció disposem d'una extensa selecció de llibres de disseny i arts decoratives. Lectures que et convidaran a aprendre a explicar històries i dibuixar, a crear objectes amb ceràmica, a escriure, a pintar a l'oli o amb aquarel·les, a fer maquetes, gravats, marqueteria, serigrafia o cal·ligrafia amb pinzell. Així mateix, hi trobaràs equips complets de dibuix, manuals de tècniques de dibuix i guies introductòries sobre tot tipus de materials, com ara esmalts ceràmics, llapis, pintures i tintes, entre altres.
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Guía para comprender y representar la forma del cuerpo humano: • Los procedimientos de dibujo • Las formas externas • Las proporciones • El componente óseo • El componente articular • El componente muscular Para uso de estudiantes de escuelas de arte y de artistas.
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Suivant une voie moyenne entre recueil et synthèse, le livre propose une vue d’ensemble de recherches basées sur un considérable travail d’heuristique sans cesse élargi, dont l’avant-propos évoque la genèse, lesétapes et les limites. L’ouvrage s’efforce de présenter avec cohérence une matière largement remaniée faite d’études de cas, d’analyses nuancées de dynamiquesdiverses, de bilans partiels, d’ouvertures et de pistes de recherche pour une période allant du VIe aux premières décennies du XVIe siècle.Sous le titre «Vénération des images et miracles dans le haut Moyen Âge:Rome, l’Italie et les pays transalpins», la premièrepartie fusionne deux travaux datant des débuts de larecherche avec bon nombre de modifications et de mises à jour. La deuxième rassemble, avec moins d’interventions, diverses études significatives concernant descrucifix et d’autres images du Christ. La troisième,la plus longue et la plus restructurée, porte sur laconsécration des images, sur les rapports et l’importance respective des représentations des saints autres que la Vierge et de leurs reliques ainsi que sur lerecours de plus en plus marqué aux effigies de la Mère de Dieu.À l’initiative des éditeurs scientifiquesde la série ouverte par ce livre, celui-ci est pourvud’un ample dossier iconographique réalisé par Fuensanta Murcia Nicolás, postdoctorante à l’Université deMurcia.
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Un libro sobre finales que llegan, sin avisar, que nos parten en dos mitades, que se arrastran durante años y que nunca se acaban porque confunden orgullo con recuerdo. Y entonces cogemos trenes, reservamos habitaciones de hotel en pueblos olvidados, vivimos enganchados a pantallas esperando que alguien decida hablarnos para informarnos del siguiente movimiento, el que nos acercará conscientemente a un final que hace años que buscamos. Pero ese final no llega. Y de repente un día nos despertamos y sentimos el vacío: en la pantalla aparece THE END y decidimos empezar otra historia. Una en la que nunca tengamos que fingir que no nos conocemos.
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Con penetrante lucidez y una aguda capacidad de observación y exégesis, Strand viaja al origen del hipnótico misterio que late en las telas del pintor. Pocos pintores hay en la historia del arte del siglo tan icónicos, reconocibles y comentados como Edward Hopper. Su obra refleja la extrañeza de nuestro entorno cotidiano y urbano. A pesar de que sus pinturas constituyen ya un tópico visual, hay en su callada belleza mucho silencio que pugna por ser verbalizado. Y ahí es donde Mark Strand ensaya sus variaciones en torno a la obra del maestro norteamericano. Strand, uno de los grandes poetas de nuestro tiempo, nos invita a mirar con él esas escenas desoladas, esos relatos esbozados, esos interiores despojados de nuestra humanidad. Sus comentarios -organizados en torno a una amplia selección de pinturas- se convierten en verdaderas traducciones del universo plástico de Hopper. Si bien no estamos ante un libro de poemas, es indudable que el trabajo de Strand debe mucho a la poesía y a la forma de mirar que nutre el ejercicio poético. Y a esa labor se le añade en esta edición -ilustrada con las pinturas que originan los textos- la espléndida traducción de Juan Antonio Montiel, capaz de preservar en castellano la minuciosa riqueza de matices y acentos del original inglés.Críticas:«De las muchas obras escritas sobre Hopper ninguna es más serena y misteriosamente cercana que el brillante librito de Mark Strand.»John Updike
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La vida extraordinaria del ícono internacional Yayoi Kusama, magistralmente interpretada e ilustrada por Elisa Macellari. La autora narra la salida de una joven y valiente Yayoi del Japón rural, su inmersión en la vibrante escena artística de Nueva York en la década de los años sesenta y su regreso a casa hasta su consagración internacional. Kusama es una precursora de los movimientos del arte pop, el minimalismo y el arte feminista. «La hermosa propuesta de Macellari está, por supuesto, plagada de estampados moteados y destellos de color rojo. Una biografía en forma de novela gráfica para celebrar el ejemplo de Yayoi Kusama tanto en lo artístico como en su propia vida. Un homenaje de una belleza a la altura de la historia de la mujer que se abrió camino un mundo de arte colapsado de hombres blancos en la segunda mitad del siglo pasado». Alba Correa, VOGUE ESPAÑA «Kusama: obsesiones, amores y arte es una novela gráfica ambiciosa y de una factura bellísima e impecable para acercar a los y las adolescentes (y a cualquier persona entre los 13 y los 100 años) la figura de una artista única y rompedora, marcada por una infancia que explica en gran medida su obra y, también, su siempre frágil salud mental.» Adrían Cordellat, EL PAÍS «Escritora, poeta, diseñadora de moda, pintora, escultora, «sacerdotisa del amor y del pacifismo» y, por encima de todo, artista inimitable. Un icono viviente del arte conceptual que sondeó con originalidad y valentía distintas parcelas en el campo de la creatividad y la experimentación, siempre introduciendo consignas ligadas al feminismo, minimalismo, surrealismo, arte pop y expresionismo abstracto.» CANAL LECTOR «Recorremos los momentos clave de su vida, desde su nacimiento en un Japón de costumbres medievales pasando por su apoteosis neoyorquina en los años 60 hasta su redescubrimiento actual. Y lo hacemos sin perder de vista la influencia de sus relaciones con otros artistas (O'Kefee, Warhol). Entonces su condición mental aflora y permite atisbar detalles de su personalidad obsesiva para entrever el efecto terapéutico que tiene el acto artístico como alternativa para enfrentarse a los miedos.» Héctor Olarte, EL CULTURAL
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Simpáticos e irresistibles, los pequeños Kawaiis de este libro están deseando que te unas a ellos para jugar y resolver pruebas, laberintos, búsquedas y sudokus. También están deseando que colorees su mundo como más te guste. ¡Abre las páginas y sigue a los gatitos, los gatitos unicornio y todos sus dulces amigos para descubrir cuánta diversión adorable puedes tener!
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Aunque existen numerosas publicaciones sobre arte del Antiguo Egipto, la inmensa mayoría de ellas siguen el mismo patrón: un recorrido por las principales manifestaciones plásticas egipcias desde la época predinástica hasta el Período copto cristiano. A excepción de Hienrinch Schäfer (Principles of Egyptian Art), los egiptólogos que han escrito sobre la materia han confeccionado libros de historia sobre la producción figurativa del Antiguo Egipto, llegando a entender esta obra de arte a partir del momento político en el que se produce. Sin embargo, ésta es una disciplina que requiere también una lectura desde dentro de la propia obra, que ayude a entender e identificar las leyes que determinaron aquellas manifestaciones. La intención de este libro es dar a conocer todo aquello que dio lugar a la decoración mural y a la escultura que conocemos del antiguo Egipto, la ideología, la finalidad de esas manifestaciones plásticas, las personas que las ejecutaron, sus condiciones de trabajo...
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'Independientemente de la etapa de su carrera en quese encuentren, los artistas deben mirar al futuro deseosos de aprender y ser mejores cada día', afirma eneste libro Marcos Mateu-Mestre, también autor del superventas 'Tinta', publicado por Anaya Multimedia. En'Técnicas de dibujo', cuarto volumen de una instructiva y prestigiosa serie, este narrador visual explicacon reflexivos y sutiles detalles cuatro caminos para dibujar: con el bolígrafo, el lápiz de grafito, elmodo digital y la escala de grises, así como los respectivos beneficios y desafíos de cada uno, además desugerir técnicas específicas de edición digital aplicables a todos los medios. Junto a las importantes enseñanzas técnicas -desde cómo representar la luz reflejada en el cabello de un personaje hasta cómo agregarlluvia para dramatizar una escena-, se halla la impresionante obra creativa de Mateu-Mestre, que por sí misma constituye una fuente de educación y motivación,capaz de descubrirnos cuántas historias se pueden contar con apenas un bolígrafo, un lápiz, o una tabletadigital. Excelente libro para narradores visuales, artistas gráfi
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La leyenda de Jean-Michel Basquiat (1960-1988) continúa intacta. Símbolo del Nueva York de la década de 1980, el artista inició su carrera a finales de la década de 1970 bajo el seudónimo SAMO llenando las paredes de la ciudad con pintadas que contenían mensajes mordaces y fragmentos de poemas. Formó parte de una escena underground en pleno auge formada por todo tipo de artistas, que se dedicaron a las artes plásticas, el gratifi, el hip-hop, el post-punk y el cine amateur. Basquiat, pintor con una potente voz personal, no tardó en triunfar en entornos más convencionales y expuso en galerías de todo el mundo.El estilo expresivo de Basquiat se basaba en figuras rudimentarias a las que añadía palabras y frases. Su obra inspiró a todo un elenco de celebridades del jazz, el boxeo y el baloncesto, con referencias esotéricas y a la vida callejera. Cuando se le preguntaba por el tema principal de su obra, Basquiat respondía “,realeza, heroísmo y las calles”,. En 1983 empezó a colaborar con la estrella más famosa del mundo del arte, Andy Warhol, y en 1985 fue portada de la revista The New York Times Magazine. Cuando Basquiat murió a los 27 años se había convertido ya en uno de los artistas más exitosos de su tiempo.Publicado originalmente en edición XXL, este acercamiento inédito al arte de Basquiat está disponible ahora en un volumen compacto y accesible para celebrar el 40 aniversario de TASCHEN. A través de reproducciones impecables de sus pinturas, dibujos y esbozos más destacados podrá admirar al detalle los complejos signos y crípticos garabatos del artista y profundizar en su mundo gracias a una introducción del editor Hans Werner Holzwarth y un ensayo sobre sus temáticas y evolución creativa firmado por la conservadora e historiadora de arte Eleanor Nairne. Organizados por años y profusamente ilustrados, los capítulos recorren la vida de Basquiat con citas del propio artista y reseñas que aportan al lector tanto una perspectiva personal como contexto histórico.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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La exposición recorre el conjunto de la trayectoria de Jawlensky, desde sus orígenes en Rusia a sus distintos periodos en Suiza y Alemania donde, en contacto con artistas también presentes en la muestra (WassilyKandinsky, Gabrielle Münter, Marianne Werefkin), se convierte en uno de los más audaces forjadores de loscaminos de la autonomía de la pintura, esos que dirigen el arte del siglo XX hacia la abstracción. Su trabajo seriado, forjado en repeticiones y regresos casiobsesivos, como las Variaciones, muestran vínculos con el ámbito musical, modelo de lenguaje no figurativoclave para esta generación pionera. Mientras que las Cabezas abstractas y Cabezas místicas insertan a Jawlensky en el linaje de artistas modernos que indaganen formas alternativas de espiritualidad y trascendencia. Su interés por la imagen serial, de extraordinaria influencia en la segunda mitad del siglo XX, se radicaliza en sus Meditaciones, donde un único y enigmático rostro de ojos cerrados, tras el que se transparentan los rasgos del icono, parece llamar a la introspección. Esa tenacidad de Jawlensky en la plasmaciónde la cara humana nos devuelve un elemento clave en la actualidad: el de la contemplación del rostro ajenoprecisamente en un momento, como el actual, en que este se nos presenta velado.
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A lo largo de una fructífera vida consagrada al arte, Joaquín Sorolla forjó un estilo propio, lleno de luz, color, incluso sabor. Pero en su vasta obra también abordó estilos con los que habitualmente no se le identifica, como el costumbrismo, el modernismo o la pintura social, e incluso realizó una importante obra en tonalidades oscuras. Triunfó en Roma, París o Nueva York y recorrió España para pintar sus rincones y sus gentes. A los cien años de su muerte, su obra sigue muy vigente. Con el ritmo de una novela de intriga y el estilo de un narrador con voz propia, Sorolla en 30 claves muestra el perfil humano y revindica la riqueza artística de este singular pintor. El libro se ilustra con una selección de las obras de Sorolla, así como con obras de precursores, coetáneos o admiradores del artista, y otras imágenes variadas (desde los lugares en que vivió hasta objetos de la época) que en su conjunto contextualizan y ofrecen una cuidada edición.
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The first comprehensive monograph on one of today’s most innovative and successful painters – made in close collaboration with the artistDefined by bold brushstrokes, a dynamic use of color and imaginative compositions, the paintings of Dana Schutz are panoramic expanses that offer visions of humanity in all its complex facets. Her deeply subjective approach, untethered from realism, translates into images that seem to exist in a place that transcends time while celebrating the intrinsic qualities of her medium of choice with freedom and intelligence. As the artist herself stated, ‘I’m interested in painting as an affective place where the hierarchies of the world can be rearranged within the space of a painting.’ This first comprehensive monograph on her work was created in close collaboration with the artist and features a number of never-before-seen paintings and drawings.
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Una mirada nunca antes vista a los sorprendentes paralelos temáticos entre KAWS y Andy Warhol, dos de los artistas más emblemáticos de nuestro tiempo.Como artistas célebres que se basan en la cultura popular, KAWS y Andy Warhol son conocidos por crear arte accesible más allá de los límites del mundo del arte tradicional. Si bien a primera vista, las obras de ambos artistas a menudo parecen festivas y alegres, comparten una serie de oscuros hilos comunes debajo de la superficie: la tragedia como espectáculo y las meditaciones sobre la muerte y el morir. Cuando se yuxtaponen estos dos audaces trabajos, esa conexión se vuelve explícita y poderosa.Este libro destaca la intersección artística de KAWS y Warhol, presentando sus interpretaciones de la muerte y el desastre, la publicidad, la nostalgia, la abstracción, las calaveras y el autorretrato.La publicación coincide con una importante exposición en el Museo Andy Warhol que viajará internacionalmente y que presenta algunas de las obras más destacadas y análogas de dos de los artistas más populares de todos los tiempos.
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Con motivo del centenario del nacimiento de Eduardo Chillida, el volumen Universo Maeght, impulsado por el Museo Chillida Leku, propone un encuentro entre el escultor vasco y algunos de los artistas con los que trabajó el histórico marchante Aimé Maeght junto a su esposa, Marguerite. Entre ellos, Alexander Calder, Alberto Giacometti, Pablo Palazuelo, Georges Braque, Julio González, Jean Arp, Barbara Hepworth, Antoni Tàpies, Joan Miró o Marc Chagall. El marchante y mecenas Aimé Maeght, uno de los actores más influyentes en el mundo del arte del siglo XX, supo rodearse de un universo de grandes artistas que se convirtieron en amigos
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Cómo plasmas la atmósfera de un cuadro concentrándose en el tipo y dirección de la luz: desde escenas intensamente iluminadas hasta edificios al anochecer. El estudio de la forma y el tono, y el planteamiento de la composición, explicados por medio de la realización paso a paso de tres obras.
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Fernando Botero es un artista con estilo propio. Durante más de seis décadas, la técnica del boterismo colombiano ha fascinado a coleccionistas, instituciones y espacios públicos de todo el mundo por su visión exagerada, rolliza y singular del cuerpo humano. A través de sus corpulentas creaciones, Botero se ha convertido en uno de los artistas más reconocidos de Latinoamérica, y sus obras se han expuesto en algunos de los lugares más emblemáticos de todo el mundo, como la Park Avenue de Nueva York y los Campos Elíseos de París. Esta edición de la serie Basic Art de TASCHEN ofrece una introducción esencial a esta destacada figura del arte contemporáneo. El libro, que recorre la obra de Botero desde sus primeras caricaturas de animales hasta las últimas esculturas en bronce a gran escala, analiza las diversas influencias del artista, de Paolo Uccello al expresionismo abstracto, y rinde homenaje al ingenio, la ironía, la perspicacia y la agudeza crítica que se ocultan tras las proporciones absurdas de sus composiciones.
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De su encuentro con Lajos Boros surgió el impulso para una didáctica del arte basada en los ''recursos pictóricos'', materia sobre la que escribió el libro ''Pintura y dibujo de 1º a 8º curso escolar''. Imparte cursos de perfeccionamiento dirigidos a profesores y padres, aconseja a maestros e iniciativas educativas ysociales en Europa, India, China, Centroamérica y Sudamérica. A partir de estos encuentros e investigaciones, desarrolló un nuevo impulso para el Diseño de Formas.
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En esta nueva entrega de Anatomía artística, el profesor de dibujo anatómico Michel Lauricella nos invita a abordar el arte del retrato.Con su habitual enfoque sintético, este nuevo volumen nos adentra en el estudio de cabeza y cuello a partir de la observación de las proporciones, las formas sintéticas, las referencias óseas, la musculatura y los pliegues de la piel, además de brindarnos algunos consejos para dibujar pelo, barba y vello.Más de 300 dibujos y esquemas originales, complementados con una selección de rostros de los otros volúmenes de la colección. Una completa representación de las distintas morfologías, mestizajes y etapas vitales que nos permitirán abrazar la compleja realidad del retrato y ser capaces de plasmar la singularidad de cada persona.
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Asociado a la eclosión de los Nuevos Expresionismos en los años ochenta, Miquel Barceló (Felanitx, Mallorca, 1957) ha sido después uno de los artistas españoles con más proyección internacional. Su obra, en último término singular, abierta a la experimentación constante, y ya lejos del contexto de sus inicios, se ha expuesto luego en grandes museos de todo el mundo, de Montreal a Tokio, de Ciudad de México a Londres, de Sâo Paulo a París, y de Buenos Aires a Venecia, haciéndolo siempre con un gran reconocimiento, tanto por parte de la crítica especializada como del público. El poeta y escritor Enrique Juncosa (Palma, 1961), amigo de juventud del artista y gran conocedor de su obra, es, por su parte, un destacado comisario de arte con una trayectoria también internacional. Ambos han colaborado a menudo juntos, durante un periodo de tres décadas, en exposiciones y libros. Escritos sobre Miquel Barceló recoge una muy completa selección de los ensayos escritos por Juncosa sobre el artista, publicados desde 1994 hasta hoy, y revisados ahora con motivo de su nueva edición. Los ensayos hablan de pinturas, dibujos, cerámicas, libros ilustrados y grandes proyectos públicos, además de aspectos temáticos específicos, como retratos y autorretratos, o el uso del color blanco. Juncosa, que ha tenido la oportunidad de conocer todos los estudios del artista y ver gran número de sus exposiciones a lo largo de todos estos años, escribe con gran claridad, explorando los temas y la iconografía dominante en la obra de Barceló, y facilitando al hacerlo numerosas claves para su interpretación y disfrute.
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En 2016 el Museo Picasso de Barcelona adquirió el fondo fotográfico de Lucien Clergue relativo a Picasso: cerca de seiscientas fotografías en blanco y negro a las sales de plata, todas ellas copias de época. Este libro presenta, en forma de crónica, una selección de este conjunto: la narración en imágenes que Clergue hizo de Picasso a lo largo de numerosos encuentros que tuvieron lugar en el sur de Francia, donde ambos vivían.Picasso-Clergue es a su vez un álbum de familia y el diario de una amistad.Edición en francés.
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Aprende a dominar el mejor lenguaje para conectar contigo mismo: el dibujo.Cómo dibujar un cocodrilo es el libro perfecto para descubrir que el arte del dibujo se puede practicar a lo largo de toda la vida. En el fondo, nadie nace sabiendo dibujar, pero solo los que se dedican a ello conocen esta verdad. Con este práctico método, David Peña Toribio (alias Puño) nos devuelve la ilusión por una de las primeras formas de expresión que aprendemos cuando somos pequeños (como escribir, tocar un instrumento o hablar), pero que, por diversas razones, en seguida olvidamos. A lo largo de estas páginas, no solo nos pondremos manos a la obra con lápiz y papel, sino que también vamos a adquirir las herramientas necesarias para pensar, observar y crear. Aunando teoría y ejercicios muy entretenidos, este libro será útil para lectores de todas las edades. Eso sí, con un objetivo en común: dejar los prejuicios sobre nuestras capacidades creativas atrás y disfrutar de nuestras ideas sobre el papel.
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La exposición Tina Modotti(Údine, 16 de agosto de 1896-Ciudad de México, 5 de enero de 1942) recupera la figura de esta artista a la que se ha venido conociendo paulatinamente desde la década de 1970. Además de hacer hincapié en su relación con España, la muestra realiza por vez primera una reconstrucción sin fisuras de la figura de Modotti, tanto en su faceta de artista/fotógrafa como en la de revolucionaria /militante antifascista. Gracias al extenso trabajo de investigación de la comisaria de la muestra, Isabel Tejeda, y debido a la escasa producción de la fotógrafa, la exposición que hoy presenta Fundación MAPFRE reúne alrededor de 240 fotografías a lo largo de un recorrido cronológico que se divide en cuatro secciones. Se exponen en su mayoría copias de época y una extensa muestra de material documental. Además, se presentan obras de fotógrafos de su entorno cercano como Edward Weston, así como una de las películas que Modotti protagonizó en Hollywood.El catálogo de la exposición recoge las fotografías y material documental expuestos, además de los ensayos de la comisaria Isabel Tejeda y diversos autores, Jorge Ribalta, Rosa Casanova, David Caliz, Laura Branciforte, Claudio Natoli, Eva M. Vives.
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Joaquín Sorolla y Bastida is no doubt a universal Spanish painter. He knew like nobody else how to capture the intense sunlight of his Mediterranean homeland, his canvases being admired and highly valued in the international arts worlds of London, Paris and the United States.
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En Pintura y Dibujos Botánicos para artistas, la artista botánica y líder de taller experimentada Karen Kluglein revela sus secretos para representar de manera precisa y cautivadora hojas, flores, bayas, ramas y otros elementos. Después de una serie de consejos sobre la observación de flores y plantas y una descripción general de los términos y conceptos botánicos más importantes, encontrará en dos capítulos que proporcionan pautas detalladas y ejemplos para dibujar y pintar botánicamente con diferentes medios. Dibujo botánico: dibuje libremente, mida y calque con precisión y trabaje a partir de fotografías con grafito, lápiz de color, bolígrafo y marcador plateado. Pintura botánica: mezcla de colores, lavados, trabajo en capas, elaboración de sombras, tonos y detalles con acuarelas, gouache y acrílicos.
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Profesora de Historia del Arte en Bryn Mawr College (Pensilvania) y especialista en arte medieval español, Georgiana Goddard King (1871-1939) realizará varias estancias de investigación en España en la década de 1910 para estudiar el trayecto hoy conocido como el Camino Francés de Santiago. Consecuencia de sus periplos incansables, y de años de estudio, King dará a la imprenta en 1920 el primer análisis académico sobre el Camino de Santiago, The Way of Saint James, cuya publicación patrocinó la neoyorquina Hispanic Society of America. Lo que en principio iba a ser un análisis del arte medieval español acaba erigiéndose en una auténtica peregrinación de la autora, hasta el punto de que The Way constituye un documento fundamental para la posteridad. En sus páginas se pone en valor por primera vez la ruta jacobea, que King analiza desde el punto de vista histórico-artístico, antropológico, geográfico, literario y cultural. A analizar todo ello se dedican las páginas del presente volumen, cuya lectura proponemos para recuperar, revalorizar, dar a conocer y colocar a Georgiana Goddard King en el lugar que merece como pionera en la investigación de la ruta jacobea y precursora de la peregrinación contemporánea.
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Durante los últimos seis años de la vida de Pablo Picasso, Roland Dumas fue su abogado y su amigo. Más allá de esta relación íntima, Picasso también le encomendó la misión de supervisar el destino del Guernica tras su muerte, en particular el traslado del cuadro a España cuando las condiciones políticas fueran las adecuadas. Conocedor de la vida privada del artista que había depositado en él toda su confianza, Dumas conserva numerosos recuerdos de esa época, anécdotas inéditas y abundante documentación. Por primera vez, el historiador del arte Thierry Savatier tuvo acceso a todos los archivos de Roland Dumas sobre Picasso. Durante sus conversaciones, los dos autores se acercan al genio a través de la obra del artista, la gestación del Guernica y la abundante creación de los últimos años. Estos diálogos revelan también aspectos menos conocidos, como la relación de Picasso con los maestros del pasado y sus contemporáneos, sus opiniones políticas, el lugar a menudo controvertido que ocupó su última esposa, Jacqueline, los procesos en los que estuvo involucrado o los tumultuosos episodios de su sucesión. De estos intercambios entre un historiador y un gran testigo surge el perfil, a veces inesperado y siempre fascinante, del último Picasso.
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Un libro de amplio alcance sobre la célebre artista visual, músico y activista por la paz Yoko Ono.Nacida en Tokio en 1933, Yoko Ono es una de las artistas vivas más importantes de la actualidad. En una carrera que abarca más de seis décadas, Ono ha experimentado con una amplia variedad de medios, incluida la música, el arte escénico y el cine.Más conocida como la autora del influyente libro Grapefruit y por su temprana participación en el movimiento artístico Fluxus a mediados de la década de 1960, el trabajo innovador de Ono ha influido en generaciones de artistas, así como su incesante campaña por la paz mundial.Laurie Anderson es una reconocida pionera creativa, conocida principalmente por su trabajo como compositora, artista visual, poeta y música. Eriko Osaka es directora del Centro Nacional de Arte de Tokio y exdirectora de la Trienal de Yokohama. Thierry Raspail es director artístico de la Bienal de Lyon y exdirector del Museo de Arte Contemporáneo de Lyon.
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Aquest llibre descriu els catorze anys de treball tenac i il-lusionat, a la recerca de l'autor del quadre que n'és protagonista. Vària Publicacions
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José Pérez Ocaña (1947-1983) es uno de los creadores plásticos españolesmás conocidos y, paradójicamente, más ignorados del último cuarto delsiglo XX: la película Ocaña, retrat intermitent, de Ventura Pons,estrenada en 1978, favoreció que fuera una figura ciertamente insólita ypopular en la España de la Transición, pero su temprana muerte propicióque su producción no haya gozado de aproximaciones atentas hasta fechasrecientes. Este volumen pretende arrojar nuevas luces y plantear nuevosinterrogantes sobre su obra, su personalidad y sobre esta circunstancia,de la mano de investigadores especializados en la esfera de las artes,las letras o los estudios culturales y de género: Juan Vicente Aliaga,Estrella Díaz, Dieter Ingenschay, Fernando López Rodríguez, AlfredoMartínez Expósito, Rafael M. Mérida, Alberto Mira, Víctor Mora Gaspar,Jorge Luis Peralta y José Antonio Ramos Arteaga, a los que se añade unepílogo de Onliyú. Una interdisciplinariedad tal se antoja indispensablepara un acecho que desee abarcar estas y muchas otras cuestiones.También para comprender la obra plástica y las performances, la personay el personaje desde una órbita queer, anti-patriarcal y anti-heteronormativa. Ocaña ha podido considerarse icono de la Barcelonacontracultural. Su vitalidad y proyección favorecieron una paulatinaentidad metafórica, en vida, y su estatuto simbólico posterior. Ambas sevieron multiplicadas por la heterodoxia sexual y por la suma de unosorígenes y de una trayectoria ubicada en una muy concreta geografíafísica y humana, que reencarnó gracias a sus identidades múltiples.Ocaña es sinónimo de disidencias, tanto contra la jerarquía artísticacomo contra el puritanismo político —de las derechas, del centro y delas izquierdas— que dominaron la España de los setenta.
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El arte de la ilustración infantil tiene una larga y rica tradición, y ha gozado de la estima de incontables lectores de muchas generaciones. Este libro muestra como crear atractivas imágenes para los niños. Analiza los métodos utilizados por alumnos de n
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'La força d'Antoni Gaudí com a arquitecte rau en la seva prolífica invenció de formes. La varietat i expressió d'aquestes formes per si soles, com a escultures o pintures, ja li assenyalarien com a notable artista modern. Però, de fet, són el resultat d'uns invents estructurals extraordinaris, d'un imaginatiu ús de materials i d'un sentit inigualable de la decoració..., tres atributs tradicionals d'un arquitecte mestre.'' (George R. Collins). Aquest llibre mostra el mestratge i el geni de Gaudí en tota la seva esplendor i a través de totes les seves obres amb les millors fotografies, textos descriptius de cada obra, alçats, maquetes, projeccions isomètriques i vídeos exclusius. “Gaudí, arquitecte singular” és un llibre imprescindible per conèixer l'obra d'un arquitecte mundialment reconegut com a creador genial. Així ho testifica la UNESCO en atorgar-li a bona part dels seus edificis la categoria de Patrimoni Mundial.
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El libro reúne una serie de artículos, publicados previamente en diversos catálogos de arte, que arrojan luz sobre la metodología y la minuciosa investigación llevada a cabo por Baer. Esta antología profundiza en la obra de Picasso, explorando su desarrollo y los vínculos con los grandes maestros del pasado. Su análisis contribuye a contextualizar y a comprender mejor la riqueza del legado picassiano.
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Crea personajes de caricatura como un profesional Muchas de las personas que quieren dibujar caricaturas y animación aspiran a crear personajes originales: esa es la parte divertida del trabajo. Esta guía para principiantes muestra cómo realizar ajustes a partir de formas básicas para crear personajes únicos que puedas considerar propios. El libro está dedicado a diferentes aspectos fundamentales, como tipos de cabeza y cuerpo, distintas personalidades, exageración, poses y ropa. Si te gustaría inventar personajes originales pero no sabías por dónde empezar, en esta guía completa y accesible vas a encontrar las claves para dibujar caricaturas como un profesional. Aprende a: dibujar los nueve tipos clave de personajes de caricatura, exagerar las proporciones del cuerpo para hacerlas divertidas y diferentes, dar vida a los personajes con distintas posturas, y crear variaciones de color, ropa y poses. Con cientos de ilustraciones, claras instrucciones paso a paso y un montón de trucos que garantizan el éxito.
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La Historia Natural es de vital importancia para los estudios histórico-artísticos pues, en su desarrollo, ofrece un amplio corolario del arte griego y del coleccionismo romano. Es pues, no solo un gran compendio de la sabiduría romana de la Alta Edad Imperial, sino un texto que recoge los hallazgos de toda una civilización, la grecolatina. Además, es un texto de enorme relieve para el desarrollo artístico del mundo occidental desde el Renacimiento, ya que el ejemplo de los artistas y sus obras sirvió para que los maestros de la Edad Moderna, reivindicasen el valor y el estatus del arte. La traducción directa del latín se completa con un buen número de notas explicativas. Además, una extensa introducción estudia una serie de aspectos que ayudan al lector a comprender el contexto de la obra: la biografía del autor, el objetivo de sus escritos y su influencia en los siglos posteriores. La edición está ilustrada con un conjunto de grabados antiguos inspirados en la información ofrecida por los escritos sobre artes de la Historia Natural que, de forma visual, manifiesta el sostenido interés que el estudio de la Antigüedad y los escritos de Plinio, han suscitado desde el Renacimiento.
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De entre todas las obras de Velázquez, Las hilanderas son, junto con Las meninas, aquellas que más bibliografía han generado. La causa hay que buscarla en su extraordinaria calidad, en la ambición y complejidad de sus composiciones, y en su capacidad para generar respuestas artísticas. Sin embargo, esa abundancia de acercamientos también ha sido propiciada por su ambigüedad, pues ofrecen importantes dificultades de lectura, lo que constituye todo un reto para quienes se acercan a ellas.
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