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Llibres de disseny i arts decoratives
Descobreix la nostra col·lecció de llibres de disseny. Una àmplia i variada selecció de lectures per aprendre les tècniques professionals de pintura i dibuix. Converteix-te en un artista! Compra llibres de disseny online. En aquesta secció disposem d'una extensa selecció de llibres de disseny i arts decoratives. Lectures que et convidaran a aprendre a explicar històries i dibuixar, a crear objectes amb ceràmica, a escriure, a pintar a l'oli o amb aquarel·les, a fer maquetes, gravats, marqueteria, serigrafia o cal·ligrafia amb pinzell. Així mateix, hi trobaràs equips complets de dibuix, manuals de tècniques de dibuix i guies introductòries sobre tot tipus de materials, com ara esmalts ceràmics, llapis, pintures i tintes, entre altres.
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Combinando representación y abstracción, las pinturas de Nina Chanel Abney capturan el ritmo frenético de la cultura contemporánea. Abordando temas tan diversos como la raza, la celebridad, la religión, la política, el sexo y la historia del arte, sus obras evitan la narrativa lineal en favor de narrativas inconexas. Mediante un uso vigorizante del color y una escala sin complejos, los lienzos de Abney proponen un nuevo tipo de pintura histórica.La primera monografía definitiva sobre esta artista estadounidense contemporánea presenta una colección de más de 300 obras, que incluyen pinturas a gran escala, obras sobre papel, esculturas, instalaciones, murales y colaboraciones comerciales, junto con una mirada tras bambalinas a su proceso creativo. Textos perspicaces de influyentes figuras del mundo del arte y escritores subrayan el impacto artístico de Abney.Con un diseño impactante, una llamativa cubierta de acetato, páginas vibrantes, doble pliegue e inserciones seleccionadas, Nina Chanel Abney es una celebración del estilo distintivamente audaz y el enfoque innovador de la artista.Textos de Richard J. Powell, Thelma Golden y Jazmine Hughes, y una entrevista de Jeffrey Deitch
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A finales de la década de 1980, más de 30 de los artistas más aclamados de la época, incluidos Jean-Michel Basquiat, David Hockney, Roy Lichtenstein, Salvador Dalí y Keith Haring, diseñaron atracciones de feria únicas y en pleno funcionamiento específicamente para el parque original, incluidos juegos mecánicos, esculturas interactivas, juegos, actuaciones y música. La contribución de cada artista está documentada en fotografías que muestran al artista trabajando, con detalles de las obras de arte y mostrando el arte en el contexto de la exposición. Al dar acceso a obras de arte raras que no se han visto ampliamente en 35 años, este libro se publica por primera vez en inglés con un prefacio actualizado.latos regionales, que incluyen curry de coco fragante, laksas sabrosos, sotos fortificantes y postres tradicionales. Las 150 recetas accesibles se han adaptado para cocineros caseros, con ingredientes fáciles de obtener y métodos de cocción sencillos. Con una introducción a la cultura culinaria de Indonesia, impresionantes imágenes de recetas y cultura local, e historias personales que revelan la rica historia y la inspiración detrás de cada receta, este es el compañero perfecto para la cocina indonesia.
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Descubre el placer de colorear.Cada rincón de París en tus manos para que puedas dar color a vestidos de ensueño, deliciosos macarons o edificios emblemáticos de la Ciudad de la Luz. Con más de 100 ilustraciones llenas de estilo y glamour, este libro es tu pasaporte a la creatividad. ¡Recorta tus obras de arte y llena tu casa de color!
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Catálogo de la exposición que se celebrará en la Sala Recoletos, Fundación MAPFRE, Madrid, del 23 de mayo al 25 de agosto de 2024El presente catálogo acompaña a la exposición David Goldblatt: sin segundas intenciones, coproducida por el Art Institute of Chicago y la Yale University Art Gallery en colaboración con Fundación MAPFRE, Madrid.Coeditado por las tres instituciones, cuenta con ediciones en castellano y en inglés.Con prefacio a cargo de Njabulo Ndebele, Presidente de la Rhodes Mandela Foundation, la publicación contiene reproducciones de todas las obras presentes en la muestra y una amplia selección de textos a cargo de los comisarios del proyecto, Judy Ditner, Leslie M. Wilson y Matthew S. Witkovsky, y de algunas de las figuras más célebres de la fotografía, la arquitectura y la crítica cultural sudafricanas actuales, tales como Zanele Muholi, Lebohang Kganye, Ruth Motau o Sabelo Mlangeni.Incorpora, asimismo, una nutrida representación de materiales de archivo y declaraciones del propio artista.
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La naturaleza a lo largo de la historia del arte ha sido fuente de inspiración para los artistas desde el origen de la humanidad. Esta publicación muestra el diálogo constante entre el binomio arte-natura a través de un recorrido único por una dehesa en el sur de España donde el bosque mediterráneo de pinos y alcornoques están en completa simbiosis con los proyectos.
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Los niños aprenden a dibujar condivertidas ilustraciones y textossencillos, así se divierten mientras logranunos satisfactorios resultados.Reconocen las formas básicas de las cosasy las componen paso a paso formandoimágenes armónicas. De este modo lospequeños dibujantes perciben de un modoameno el ritmo de la pintura y los sonidosdel lenguaje.Hanne Türk y Rosanna PradellaLa ilustradora Hanne Türk es la creadora del personaje El ratónPhillipp. Sus simpáticas figuras les gustan tanto a niños como aadultos. Rosanna Pradella es ilustradora. En sus cursos y libros haceposible que en unos pocos pasos los niños disfruten dibujando.
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Jean Genet descubre la obra de Rembrandt durante sus estancias en Londres en 1952, Ámsterdam en 1953, luego Múnich, Berlín, Dresde y finalmente Viena, en 1957. La idea de un libro sobre el pintor le acompañará durante décadas, pero no completará el proyecto. En septiembre de 1958, L’Express publica una selección de extractos de un libro anunciado por la editorial Gallimard que no llegará a publicarse, «El secreto de Rembrandt». Tal vez demasiado absorbido por su teatro, Genet posterga el momento de dar por terminado el texto o de rehacerlo y, en abril de 1964, abatido por la muerte de su amigo Abdallah, destruye el contenido de una maleta llena de manuscritos. Sobreviven únicamente dos fragmentos, publicados en mayo de 1957 en la revista Tel Quel con el título «Lo que quedó de un Rembrandt cortado en cuadraditos iguales y tirado por el retrete». En esta edición se reúnen por primera vez los dos textos en forma de libro, junto con una selección de imágenes pensada para acompañar la mirada de su autor, una mirada absolutamente singular y desconcertante que va más allá del análisis historiográfico, técnico o psicológico para adentrarse en el terreno de la fibra, la carne y la substancia de los sentidos.Jean Genet (París, 1910-1986) fue un novelista, dramaturgo y poeta francés cuya obra expresa una profunda rebelión contra la sociedad biempensante y sus costumbres. A los diez años cometió su primer hurto y, tras varios robos y fugas, lo internaron en la colonia penitenciaria de Mettray. Fue ladrón, chapero, presidiario, desertor, mendigo y activista de diversas causas, como las del movimiento radical de los Panteras Negras. Gran escritor, admirado por figuras como Jean-Paul Sartre o Jean Cocteau, hoy está considerado uno de los autores esenciales de la literatura europea del siglo xx.
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PINTA Y DESCUBRE PARK GÜELL Y ADEMÁS UN PEQUEÑO JUEGO: BUSCA DÓNDE SE ENCUENTRA LA SALAMANDRA DEL PARQUE EN CADA PÁGINA. Explorar el Park Güell es una experiencia única en la que te sumerges en la genialidad de Gaudí, rodeado de formas y colores que despiertan la imaginación. Ahora te invitamos a recrear este icónico lugar y darle vida en este libro. Además, te desafiamos a descubrir dónde se esconde la mítica salamandra del parque en cada una de estas páginas.
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En este iluminador ensayo, Rafael Argullol traslada al lector al núcleo artístico de la Italia del siglo xv, la Toscana, en un momento crucial de la historia. Las circunstancias políticas, económicas, sociales y culturales del denominado Quattrocento sentaron las bases de uno de los episodios culturales más trascendentes de nuestra civilización: el Renacimiento. Argullol analiza de forma rigurosa y amena las características plásticas, arquitectónicas y literarias del período, así como las tensiones culturales que la irrupción del humanismo produjo en la sociedad tardomedieval. Un acercamiento tan fundamental como sugerente al lento pero imparable advenimiento del hombre moderno.
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Da vida a seres fantásticos de todo el mundo con estos 57 tutoriales paso a paso, ideales tanto para artistas principiantes como expertos. En Dibujar seres míticos chibi, Naomi Lord, una ilustradora muy conocida en Instagram, comparte su afición por el dibujo de criaturas legendarias, ya caminen, vuelen, naden o acechen en las sombras, como un cerbero, una esfinge, una sirena o un vampiro. Ofrece lecciones artísticas acompañadas de consejos para dibujar y colorear que gustarán especialmente a los amantes de los esti los anime y chibi.
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Un recorrido por la vida y la obra de Picasso (1881-1973), uno de los artistas que mejor representó al siglo XX y seguramente el que más influyó en la pintura posterior. Una personalidad desbordante en todas sus etapas: modernista, épocas azul y rosa, cubista, clasicista y surrealista. Una gran obra para disfrutar del arte y de la Historia.
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Nueva guía paso a paso para crear grandes dibujosFantástica colección de vampiros para todo aquel que quiera aprender adibujar muertos vivientes. Dinámicas, oscuras, carismáticas… estascriaturas toman cuerpo en sencillos pasos con simples formas inicialesque dan lugar a convincentes figuras de fantasía. Desde el estilo mangahasta el cómic, este libro dará la clave para dibujar fantásticasimágenes al gusto de cada uno.Incluye una amplia selección de vampiros y vampiresas de distintosestilos, unos aterradores y otros atractivos, y para añadir atmósferasamenazadoras, se pueden completar con murciélagos, lápidas y castillosen algunos dibujos. Un fondo apropiado puede mejorar considerablementeun personaje y no tiene por qué ser complicado.
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Meister Mathis, Mathis Grün de Eisenach, Mathis Godhart (o Gothardt) Nithart (o Nithardt), Matthias Grünewald, el pintor (y también, quizá, el ingeniero, el fabricante de jabones, el conocedor de alquimias) son algunas de las señales que han velado y velan todavía al hombre que pintó el imponente Retablo de Isenheim a principios del siglo, en una Europa diezmada por la pobreza, la guerra y la peste, en la que tronaban las revueltas de campesinos, el comercio de bulas era moneda corriente y la Reforma echaba a andar. El políptico, con sus escenas sucesivas, estaba destinado a causar el estremecimiento de los enfermos que acudían en río al hospital que los antonianos habían abierto en Isenheim: detenerse ante el cuerpo retorcido y masacrado de la Crucifixión, la música angélica de la Natividad, un san Antonio tentado y vejado, o el triunfo de la Resurrección debía propiciar la curación a sus males –las fiebres y la lepra, el fuego de san Antonio, la sífilis, la epilepsia–. Aquella primera conmoción, tras siglos de oscuridad en los que se multiplicaron los supuestos nombres del pintor y se difuminó su rastro en los archivos, rebrotó en los pinceles de los expresionistas, en una Alemania que tejía nuevos sudarios. Ramón Andrés recorre el retablo y nos acompaña por sus detalles, nos anima a escuchar su música y traza el meridiano que lo une a nuestro tiempo, en un ejercicio de la mirada que es también amor a la lentitud del paseo y de la lectura.
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La publicación aborda la relación que el célebre marchante de arte parisino Paul Durand-Ruel estableció con los pintores postimpresionistas Henry Moret, Maxime Maufra, Gustave Loiseau, Georges d’Espagnat y Albert Andrè, con los que firmó un contrato de exclusividad «moral» y a los que protegió a lo largo de toda su trayectoria artística, tanto desde su galería parisina de la Rue Lafitte como desde la que abrió más tarde en Nueva York. La publicación cuenta con textos de su comisaria, Claire Durand-Ruel Snollaerts y Dominique Lobstein, así como con las biografías realizadas por la propia Claire, además de por Flavie Durand-Ruel Mouraux, Jean-Dominique Jacquemond, Christophe Duvivier, Guillaume Ambroise y Caroline Durand-Ruel Godfroy que clarifican la trayectoria de los mencionados pintores, así como el desarrollo de la escena artística en Francia durante uno de los periodos más fecundos de la historia del arte universal.
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«En el río revuelto de sus muchos papeles, un buen día me topé en nuestra casa de El Boalo con este cuaderno de collages, que me hizo ver Nueva York de un modo totalmente suyo, personal e intransferible. Me encantó el hallazgo, pero no me sorprendió. Desde niña, ilustraba sus cuadernos escolares y siempre en sus manuscritos se han mezclado las letras, los dibujos y el rompecabezas de sus collages. El mundo de la fantasía que tanto formó parte de su vida cotidiana y literaria se unía en original amalgama en todo lo que creaba. Este es un ejemplo claro de ese cóctel creativo».De la nota preliminar de ANA MARÍA MARTÍN GAITE Visión de Nueva York, publicado por Siruela por primera vez en 2005, fue elaborado, pues, como una colección de collages durante la estancia de Carmen Martín Gaite en la Gran Manzana entre septiembre de 1980 y comienzos de 1981. Es un recorrido de la autora (por medio de imágenes y pequeños comentarios) por su día a día neoyorquino, y a través de sus contactos con la sociedad estadounidense de la época. Una obra original, y una original narración, con una visión íntima y sensible de una escritora cuya faceta de contar a través de collages es poco conocida.
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La fascinació per les oliveres és un lloc comú a totes dues ribes de la mar Mediterrània, que han compartida pintors, escriptors, científics i qualsevol persona amb sensibilitat. Miquel Trias no n'és una excepció, i també sucumbeix a l'encís de l'olivera mil·lenària en totes les seves formes. En una demostració de generositat, que cal agrair-li, comparteix en aquest llibre la seva dedicació al dibuix d'aquest arbre totèmic i alimenta i propaga la seducció que tots sentim per l'olivera, la qual s'estén també a l'art de Miquel Trias.
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Todo un curso de pintura con acuarela, 50 pinturas para realizar paso a paso. Si es novato y le intimida un gran papel en blanco para colorear con acuarela este libro es para Vd. La técnica se introduce poco a poco partiendo de colores simples hasta la más amplia gama de acuarelas.
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Nueva guía paso a paso para crear grandes dibujosEste libro le enseña a crear veintiocho espantosos monstruos, divertidosy absolutamente únicos, utilizando unas técnicas muy sencillas deaprender. Cada dibujo le lleva por una secuencia de pasos básicos, quetras una aplicación de tintas de colores le conducen al dibujo final.Para que el proceso resulte más sencillo, se empieza esbozando el dibujobásico, con formas simples para la cara y el cuerpo normalmente soncírculos, óvalos o formas alargadas. Se trata de ser creativo y dedivertirse, y la práctica le ayudará a conseguir mejores resultados.
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Guía básica de dibujo para artistas que desean mejorar su técnica en el área concreta de los paisajes.
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Un método sencillo y rápido para dibujar y pintar en pocas etapas, desde el esbozo a lápiz hasta el coloreado, tus animales marinos favoritos.
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Técnicas y trucos novedosos y fáciles para pintar a la acuarela Obra de gran ayuda y fuente de inspiración para captar la belleza de los paisajes nevados. Terry Harrison, un maestro en pintar de la manera más fácil, comparte en este libro un tesoro de
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Written by a well-known artist and best-selling art-instruction author with almost rock-star popularity in the contemporary world of representational art, Beginning Drawing Atelier, with its unique workbook/sketchbook approach, and high-quality paper, offers a comprehensive and contemporary twist on traditional Atelier art instruction practices.Atelier education is centered on the belief that working in a studio, not sitting in the lecture hall, is the best place to learn about art. Every artist needs to learn basic drawing skills.In this elegant and inspiring workbook, master contemporary artist and best selling author Juliette Aristides breaks down the drawing process into small, manageable lessons, presents them progressively, introduces time-tested principles and techniques in the Atelier tradition that are easily accessible, and shares the language and context necessary to understand the artistic process and create superior, well-crafted drawings.What makes this approach unique is the fact that it includes blank pages for copying and practicing within each lesson, facilitating traditional Atelier methods. Ateliers have produced the greatest artists of all time--and now that educational model is experiencing a renaissance.These studios, in a return to classical art training, are based on the nineteenth-century model of teaching artists by pairing them with a master artist over a period of years. Students begin by copying masterworks, then gradually progress to painting as their skills develop.Beginning Drawing Atelier is like having an atelier in a book - and the master is Juliette Aristides, a classically trained artist. On every page, Aristides uses the works of Old Masters and today's most respected realist artists to demonstrate and teach the principles of realist drawing and painting, taking students step by step through the learning curve yet allowing them to work at their own pace. Unique and inspiring, the approach in this new book offers serious art courses for serious art students.
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El arte pop, que alcanzó su punto álgido en la década de 1960, surgió como una revolución contra las concepciones establecidas del arte y la cultura y acabó cuestionando todos los aspectos de la sociedad moderna, la cultura del consumo, el papel del artista y lo que constituye una obra de arte.Centrado en temas como el materialismo, la fama y los medios de comunicación, el arte pop bebió de fuentes del mercado del consumo, ya fueran imágenes publicitarias, cómics, rostros famosos de Hollywood o envases de artículos comerciales, epitomados estos últimos en las latas de sopa Campbell's de Andy Warhol. Además de desafiar el establishment mediante el ensalzamiento de tales imágenes populares, banales y kitsch, el arte pop desplegó métodos de producción en serie y desdibujó el papel del artista singular con la adopción de técnicas mecanizadas como la serigrafía.Con artistas como Andy Warhol, Allen Jones, Ed Ruscha, Robert Indiana, Jasper Johns, Robert Rauschenberg y Roy Lichtenstein, este libro presenta todo el alcance y la influencia de un movimiento moderno decisivo.Sobre la serieCada libro de la Serie Básica de Géneros de TASCHEN incluye:una introducción detallada,una selección de las obras más importantes de la época, cada una es presentada a doble página con una imagen a toda página, una interpretación de la obra correspondiente, un retrato y una breve biografía del artista,aproximadamente 100 ilustraciones en color con comentarios explicativos.
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¿Cuál es el significado de los Reyes Magos y cómo los artistas lo expresaron en la Edad Media? ¿Sabes diferenciar un «Cristo en Majestad» de un Pantocrátor? ¿Por qué en la fachada de la catedral de Santiago de Compostela aparece una mujer sujetando una calavera? ¿Cuál es la razón de la presencia de temas impúdicos adornando los templos sagrados? «Una imagen vale más que mil palabras» es un dicho que adquiere mayor relevancia en el periodo medieval, cuando la inmensa mayoría de la población era iletrada. Desde la creación del universo hasta el juicio final, pasando por todos los pasajes y personajes relevantes de los textos sagrados, la iconografía románica sirvió para dar al pueblo llano una visión del mundo, ya que Dios era, de forma unánime, el alfa y el omega. Sin embargo, desde el punto de vista del ciudadano del siglo XXI, puede asombrar que este arte expusiera también una vertiente profana e impúdica, que escapaba de la estricta moral cristiana de la época, en la que tampoco se deben pasar por alto otras expresiones como las representaciones geométricas, vegetales y de bestias tanto reales como fantásticas. Carlos Taranilla nos muestra, a través de este libro ilustrado, un viaje histórico por catedrales, iglesias, monasterios y museos de diferentes puntos de España y del resto del continente europeo para acercar al público la iconografía románica con una mirada amplia y divulgativa, basándose constantemente en numerosos ejemplos que nos siguen fascinando hoy en día. «Este libro, respetable lector, está concebido como un manual o guía para introducirte en el conocimiento de la iconografía románica, para lo cual, estamos seguros, te resultará de mucha utilidad el esquema general que hemos confeccionado, algo que no encontrarás en otros libros, y que constituye una brújula imprescindible para adentrarse en este apasionante estilo artístico, que tuvo su desarrollo histórico durante la Plena Edad Media, pasado el año mil y el terror al fin del mundo, inferido de algunos mensajes bíblicos apocalípticos tomados en sentido literal».
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Vinculado, como otros grandes historiadores del arte europeo, al fecun do Instituto de Londres Rudolf Wittkower (1901-1971) se distinguió por sus ejemplares estudios sobre la arquitectura y la escultura del Rena cimiento y el Barroco: Architectural Principles in the Age of Humanism (1949), Gian Lorenzo Bernini (1955), Art and Architecture in Italy 16 00 to 1750 (1958). La escultura, edición póstuma de una serie de confe rencias pronunciadas en la Universidad de Cambridge en 1970-1971, no e s una historia de la escultura occidental ni un manual de técnicas, si no una indagación en un campo menos explorado: la interacción de proce dimientos de trabajo y principios formales, interacción que en el caso de la plástica determina, de manera más esencial y tangible que en ot ras artes, el carácter final de la obra y la formación de los estilos individuales y colectivos. Mediante el análisis atento de obras y test imonios directos, Wittkower ofrece una comprensión más profunda de la escultura de cualqui
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Maison paysanne située à la périphérie de Madrid, la Quinta – plus tard connue comme la « Quinta du Sourd » – fut achetée par Goya en 1819. En 1820, il peignit ses murs avec les motifs les plus sombres et énigmatiques. Peu de temps après, le lieu tomba dans l’oubli, hanté par les malheurs, donnant lieu à toutes sortes d’interprétations, de théories et de légendes. Depuis, les Peintures noires ne cessent d’inquiéter.
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La representación del ser humano es casi tan antigua como la historia del arte. Bosquejar una figura humana no solo significa capturar su materialidad, sino también atrapar visualmente su motricidad, sus gestos y sus emociones, como si de un pensamiento fugaz se tratara. Plasmar todo esto en una hoja de papel es una habilidad que puede entrenarse y perfeccionarse, y esto es precisamentélo que explican Peter Boerboom y Tim Proetel en estélibro: una serie de métodos lúdicos y analíticos que invitan taño a principiantes como a profesionales a descubrir y a practicar la representación déla figura humana en todas sus vertientes.
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Las conexiones inspiradoras entre los grandes artistas del mundo.'Conocer a un artista' es una colección de ochenta y cuatro retratos ilustrados que muestran las numerosas conexiones que se han establecido entre los artistas más valorados del mundo. Ya sea a través de la enseñanza, como Paul Klee y Anni Albers, de la existencia de una musa en común, como las flores de Georgia O'Keeffe y Takashi Murakami, o de una estimulante relación amorosa, como la de Lee Krasner y Jackson Pollock, estas conexiones vinculan a varios pioneros del arte de un modo que resulta fascinante e inesperado.A través del relato de sus vidas y de sus logros creativos -cada uno de ellos extraordinario y a menudo innovador-, Susie Hodge nos presenta la tupida red de conexiones que han dado como fruto algunas de las mejores obras maestras del mundo del arte. Muchas de estas relaciones son muy conocidas, mientras que otras van más allá del límite del tiempo y el espacio.Ilustrado con un colorido tributo al estilo único de cada artista, 'Conocer a un artista' es un relato festivo y esclarecedor de algunos de los visionarios más atractivos del mundo del arte.
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Los itinerarios compostelanos se han multiplicado enlas últimas décadas, y a los caminos ''mayores'' (Francés, Norte, Primitivo, de la Plata, Portugués, etc)les han salido competidores... Pese al actual maremágnum de rutas, nadie discute la primacía del Camino Francés, esa «autopista jacobea» en la que desembocan las cuatro grandes vías procedentes de Francia, que yafueron consignadas en el libro V del Códice Calixtino allá por el siglo XII. Nuestro Camino de Santiago comienza su andadura con estas palabras del escritor de viajes Antón Pombo, quien junto al pintor ZacaríasCerezo -ambos peregrinos impenitentes- interpretan, através de su mirada y de sus palabras, las claves deeste simbólico itinerario que describimos desde el sur de Francia hasta tierras gallegas en dirección a occidente: escenarios y paisajes de trascendental significado desgranados desde los pasos pirenaicos por Somport o el Col de Bentartea y el collado de Lepoederhasta su encuentro con el fin del mundo en aguas atlánticas.En tierras galas la mirada de Zacarías Cerezose detiene en los bucólicos paisajes del valle pirenaico de Aspe
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Graciela Iturbide. Colecciones Fundación MAPFRE ofrece un extenso recorrido por las más de cuatro décadas de trabajo de esta artista mexicana galardonada con el Hasselblad Award en 2008. Las primeras fotografías de Graciela Iturbide (Ciudad de México, 1942), realizadas bajo la influencia de Manuel Álvarez Bravo, a quien considera no sólo amigo, también mentor, responden a la voluntad de la artista de documentar las formas de sociedad en las que pervive, junto a la impronta hispánica, la gran tradición popular de las culturas indígenas. Con preferencia por el retrato, sus fotografías abren un mundo hipnótico que parece situarse en el umbral entre la realidad más cruda y la gracia de una magia espontánea. Dotada de un singular sentido poético, la obra de esta fotógrafa se ha ido despojando con los años de la presencia humana y ha encontrado una temporalidad nueva, de tiempos dilatados en paisajes, en objetos encontrados y en detalles que aparecen ante su cámara. La publicación reproduce las cerca de 200 fotografías procedentes de Colecciones Fundación MAPFRE e incluye ensayos de la especialista en fotografía Marta Dahó, el escritor y periodista mexicano Juan Villoro y una extensa biografía a cargo del historiador y comisario independiente Carlos Martín.
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La asombrosa culminación del proyecto de más de una década del autor / artista para capturar la belleza, conmemorar un lugar y ver el mundo más plenamente.Todos los días (cada día) durante más de diez años, Mary Jo Hoffman ha realizado una fotografía de la naturaleza encontrada, ningún tema demasiado pequeño ni demasiado ordinario. Para Hoffman, ex ingeniera aeronáutica, este ritual diario abrió profundas revelaciones sobre la conexión de todas las cosas, la importancia del lugar geográfico y su propia vida.Este libro comparte una selección de impresionantes fotografías del enorme archivo de Hoffman, acompañadas de ensayos perspicaces, profundamente sentidos y, a menudo, humorísticos, que iluminan los conocimientos adquiridos a través de esta práctica creativa diaria.STILL presenta 275 de las fotografías más impresionantes que la artista ha acumulado durante miles de días consecutivos de tomas diarias: un verdadero festín para los sentidos y un interesante comienzo para la reflexión.
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Catálogo de la gran exposición sobre Matisse y su legado en CaixaForum, con obras maestras del Centre Pompidou. Chez Matisse propone un recorrido sensorial e intelectual por la obra de uno de los mayores coloristas del siglo XX,a través de un centenar de piezas suyas y de otros artistas cercanos en estilo, como Picasso, Le Corbusier o Lipchitz, en un fructífero diálogo que revela las relaciones e influencias mutuas. Una mirada renovada a su legado en la historia del arte moderno y contemporáneo.
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A Joseph Mallord William Turner se le puede considerar el genio más original del paisajismo del siglo XIX. La afirmación del también pintor John Constable: «Parece que pinte con vapor teñido, todo es tan evanescente y etéreo», prefigura su anticipación al impresionismo francés, al que sirvió de inspiración. Un gran libro en el que el lector encontrará la vida y la obra del gran creador.
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Un libro sobre finales que llegan, sin avisar, que nos parten en dos mitades, que se arrastran durante años y que nunca se acaban porque confunden orgullo con recuerdo. Y entonces cogemos trenes, reservamos habitaciones de hotel en pueblos olvidados, vivimos enganchados a pantallas esperando que alguien decida hablarnos para informarnos del siguiente movimiento, el que nos acercará conscientemente a un final que hace años que buscamos. Pero ese final no llega. Y de repente un día nos despertamos y sentimos el vacío: en la pantalla aparece THE END y decidimos empezar otra historia. Una en la que nunca tengamos que fingir que no nos conocemos.
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Antoni Gaudí és autor d'un dels llegats arquitectònics més singulars i poc convencionals que es poden trobar en l'època contemporània. En vida se'l va definir com un «arquitecte monacal, boig», i, de fet, l'obra de Gaudí ha inspirat sempre sentiments pròx
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