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Llibres de disseny i arts decoratives
Descobreix la nostra col·lecció de llibres de disseny. Una àmplia i variada selecció de lectures per aprendre les tècniques professionals de pintura i dibuix. Converteix-te en un artista! Compra llibres de disseny online. En aquesta secció disposem d'una extensa selecció de llibres de disseny i arts decoratives. Lectures que et convidaran a aprendre a explicar històries i dibuixar, a crear objectes amb ceràmica, a escriure, a pintar a l'oli o amb aquarel·les, a fer maquetes, gravats, marqueteria, serigrafia o cal·ligrafia amb pinzell. Així mateix, hi trobaràs equips complets de dibuix, manuals de tècniques de dibuix i guies introductòries sobre tot tipus de materials, com ara esmalts ceràmics, llapis, pintures i tintes, entre altres.
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Durante el periodo Edo (1603-1868), grandes maestros de la estampa como Hokusai, Yoshitoshi y Kuniyoshi realizaron multitud de coloridos grabados en los que inmortalizaron a los guerreros más célebres de la historia, la leyenda y el teatro kabuki.Presentamos las ilustraciones más vibrantes e icónicas de los hombres de armas que construyeron la historia de Japón: los Taira y los Minamoto, enfrentados incluso desde el Más Allá, Yoshitsune, el héroe trágico, Miyamoto Musashi, el samurái por antonomasia, los 47 ronin y su célebre hazaña de venganza… pero también a otros valientes no tan conocidos como el pirata Kezori Kuemon, el ladrón Ishikawa Goemon o el bandido Hakamadare.Un libro para los amantes del arte japonés, los apasionados de la historia de Japón y los entusiastas de la cultura samurái.
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El retrato es, en su acepción habitual, la representación de los rasgos de un ser humano, es decir, de su rostro o de la figuraentera.Siempre ha sido, y es aún, un tema importante en las artes figurativas y caro a los artistas, que han encontrado en él,además de un género profesional bien retribuido y socialmente apreciado por su valor simbólico o conmemorativo, tambiénuna oportunidad muy interesante para indagar sobre la condición humana observada desde el punto de vista físico y, sobretodo, psicológico. Es este último punto de vista el que tiende a predominar en los tiempos modernos,ya que la fotografía,como es sabido,ha reducido mucho la función del retrato dibujado y pintado entendido como único medio para reproduciry transmitir los rasgos fisonómicos de un individuo.Pero éste era,evidentemente,tan sólo uno de los aspectos (el ''documental'') del retrato artístico. Reflexionando sobre mi experiencia de retratista,ilustrador y profesor,he tratado de simplificar y de compendiar en una visiónde conjunto los principales problemas con los que normalmente se topa uno al empezar a afrontar el dibujo de la cabeza''genérica''y, posteriormente,del verdadero retrato parecido.Algunos temas de especial importancia (por ejemplo:el dibujo de las manos,el retrato de los niños y de los ancianos,el retra-to de la figura entera,las ''cabezas características'',etc.) deberán ser necesariamente profundizados y a ellos se dedican otrosvolúmenes de esta serie.
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Para convertirte en un character concept artist no es suficiente con saber dibujar, tienes que ser un profesional creativo.Esta obra es un curso práctico que de forma fácil y visual presenta la metodología usada en cine, videojuegos y animación con la que se crearon los personajes que te han hecho soñar toda tu vida.Aprenderás a marcar objetivos conocer a tu personaje convertir emociones en formas elegir los colores adecuados entender el movimiento del cuerpo, el rostro humano y sus expresiones presentar tu trabajo de manera atractiva, y saber moverlo en la industria gráfica.¡Trabaja, crea y sueña como un profesional! En el interior, encontrarás CÓDIGOS QR que te llevarán a vídeos donde aprender todo el proceso creativo.
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Animales, arquitectura arte y construcción. Un recorrido por las relaciones entre naturaleza y creación humana desde las construcciones biomiméticas.El objetivo de este libro es mostrar las relaciones que pueden existir entre las construcciones de los animales y el arte contemporáneo a través del análisis de aspectos funcionales y poéticos tanto en obras de arquitectura como en artistas plásticos. El desafío principal es trazar un mapa para cruzar las fronteras entre la creatividad humana y las soluciones en los distintos hábitats de los animales, sumando miradas, desde el arte y la ciencia ampliando nuestra noción de la estética y sugerir la unidad biológica del mundo.Dicho enfoque coincide con criterios que defiende el propio trabajo de la autora, Laura Lio, como artista plástica, con búsquedas que han estado muy presentes en sus dibujos y esculturas. En este estudio ha buscado desarrollar una mirada zoológica crítica con una constelación creativa e interdisciplinar que incluye perspectivas típicamente ignoradas por los estudios sobre animales: su relación con el arte y la arquitectura para así avanzar en una comprensión mayor de las imbricaciones humanas y animales.
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This powerful collection of Celeste Dupuy-Spencer’s electrifying paintings, paired with lyrical, incisive text by Nina MacLaughlin, captures the current American moment in all its chaos, contradiction, and complexity.‘Taken together, Celeste’s paintings become essay, epic, and hymn…She drops herself into the American mythology and the multiple, fractured, contradictory feelings and beliefs and events that define it. She shows us what’s here.’ – Nina MacLaughlinWith an unflinching eye and a painterly sensibility rooted in both the classical and the contemporary, acclaimed artist Celeste Dupuy-Spencer created tender yet charged portrayals of American life. Her arresting compositions grapple with memory, identity, politics, and faith through expressive brushwork and deeply personal scenes.Burning in the Eyes of the Maker is Dupuy-Spencer’s first full-length publication. Spanning the last decade of her career before her passing in 2026, this momentous volume pairs 63 beautifully reproduced paintings, including new and never-before-published artworks, with equally urgent, layered prose by acclaimed author Nina MacLaughlin.Taking the paintings as a jumping-off point, MacLaughlin creates narrative impressions of the often riotous scenes depicted. She guides readers inside the thoughts of the figures on the canvas, through the histories of the rooms they occupy, and into Celeste’s mind, past, and creative ethos. A plethora of luscious, full-page details bring the intricacies of these canvases to life.Equal parts visual archive and literary meditation, Burning in the Eyes of the Maker is an emotionally resonant, uncompromising look at our contemporary moment.
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En Técnicas para pintar bodegones la destacada artista y profesora Sarah Sedwick presenta detalladas instrucciones paso a paso y consejos sobre las numerosas posibilidades creativas que ofrecen el dibujo y la pintura de naturalezas muertas. Desarrolle sus dotes de observación preparando y valorando diferentes composiciones, agrupaciones y formatos. Evalúe las formas abstractas de una composición creando estudios de valor en blanco y negro. Aprenda el proceso de pintar con la técnica alla prima, desde aplicar una capa base hasta mezclar y aplicar colores. Con ejemplos inspiradores de otros distinguidos artistas que trabajan con diferentes medios, Técnicas para pintar bodegones es una obra informativa y muy visual que animará a todos los artistas, sean principiantes o expertos, a explorar este género clásico mediante nuevas configuraciones, estilos y estudios visuales, dándoles la capacidad de desarrollar y ampliar sus habilidades técnicas y creativas.
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El dibujo puede ser una afición, un pasatiempo, algo que a uno le gusta. Este libro tiene en cuenta todo eso, pero el objetivo que nos ha movido a prepararlo parte de una idea mucho más ambiciosa: el dibujo expresa una determinada manera de ver las cosas, de sentirlas. Un artista nunca presenta una realidad pura y objetiva. Siempre representa bajo el tamiz de sus sentimientos. El volumen que el lector tiene en sus manos pretende ser una guía, un camino, un compañero siempre fiel e inseparable para la práctica del dibujo. En este libro se tratan todas las técnicas de dibujo y los ejercicios presentan una gran variedad de temas para que nada quede olvidado. Con este importante bagaje esperamos haber logrado poner en manos del dibujante todo aquello que necesita para convertirse en un verdadero artista.
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Sólo veinte pinturas y ocho dibujos pueden atribuirse con toda seguridad al pintor flamenco Hieronymus Bosch, El Bosco (aprox. 1450-1516), pero gracias a sus visiones fantásticas se ha convertido en uno de los artistas de culto más relevantes de la historia. Transcurridos 500 años desde su muerte, sus obras siguen siendo motivo de inspiración para investigadores, artistas, diseñadores y músicos, nombres de grupos de death metal y vestidos de diseño.Esta edición ofrece el universo inquietante de El Bosco al completo en un formato compacto. Con desplegables y una atención especial por los detalles, conocemos las facetas compositivas del artista y las creaciones más fascinantes e inquietantes salidas de su desbordante imaginación. Estas páginas reviven sus seres híbridos, sus escenas dantescas, su contexto religioso y moral, y sus versiones pictóricas de refranes y modismos. La sucesión de imágenes se complementa con los textos de Stefan Fischer, historiador del arte y experto en la figura de El Bosco, que desvela al lector los temas y las influencias más relevantes de estas obras de arte crípticas e hipnotizantes.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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El universo de los cómics ha generado en poco más de un siglo una espectacular constelación de fantasías y mitos, que unas veces procedían de la tradición artística multisecular, pero en otras se forjaron como invenciones específicas para el nuevo medio. Así se codearon, desde sus primeras décadas, los seres fabulosos de la arcaica tradición grecolatina con los héroes lanzados a viajes espaciales, los centauros con los primeros astronautas, las walkyrias con los científicos perversos que aspiraban a destruir la civilización, por no mencionar el temprano despliegue de barrocas fantasías oníricas. Coetáneos del cine, los cómics gozaron de la ventaja de no estar sujetos a los imperativos del naturalismo fotográfico, que sólo podía eludirse con laboriosos trucajes. De este modo forjaron sus estirpes visionarias que hoy nos siguen deslumbrando.
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De regreso de sus aventuras en el país Qâ, Thorgal y su familia naufragan en las costas de una brumosa región norteamericana habitada por dos poblaciones nativas divididas por sus costumbres y sus dioses. Para salvar la vida de Aaricia, Thorgal se verá obligado a vencer a una monstruosa criatura de origen incierto: el Wendigo. El guionista Fred Duval (No sueltes mi mano) y el dibujante Corentin Rouge (Río) plasman su visión personal de Thorgal en una historia inédita, pero muy respetuosa con el canon del vikingo de las estrellas ideado por Jean Van Hamme y Grzegorz Rosinski.
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Tejer a ganchillo la ropa de los Amigurumi. Tejer a ganchillo la ropa de los muñecos es un sueño hecho realidad con este libro. El perro Duncan, la cierva Becca, el oso Hugo y el elefante Ray han abierto sus armarios para que combines sus conjuntos de ropa como prefieras. ¡Hay prendas para cada estación y para toda ocasión! La delicadeza de los proyectos se puede apreciar en todos sus detalles, diseñados por la autora, Madelenón. El libro contiene 25 prendas y accesorios para cuatro muñecos, con diseños que van a sorprender a los tejedores principiantes y a los expertos en ganchillo. Todos los modelos se acompañan de instrucciones fáciles de seguir y explicaciones de los puntos utilizados.
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Un paseo por el mundo de las relaciones sentimentales, del enamoramiento al desengaño, pasando por rupturas dramáticas que rompen el corazón en mil pedazos, algo de sexo, fiestas y alcohol para olvidar. Al final, de nuevo el amor, quizá esta vez sea el
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Andy Warhol (Pittsburgh, Estados Unidos, 1928) es sinlugar a dudas uno de los artistas más relevantes y conocidos del siglo XX. Este volumen, que acompaña a la exposición homónima en Barcelona, Madrid y Málaga,subraya la forma en que Andy Warhol capturó el «cultoa la mercancía» desde los inventos industriales delsiglo XIX.
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Guía de bolsillo con los principales movimientos, edificios, elementos y materiales. Una nueva e innovadora introducción a la cuestión del arte moderno y contemporáneo. Con una estructura sencilla, el libro examina cincuenta obras clave desde los primeros ejemplosdel modernismo hasta el arte contemporáneo. Accesible, conciso y profusamente ilustrado, este libro explica cómo y por qué se desarrolló el arte moderno, quiénintrodujo innovaciones, en qué consistieron y dóndey cuándo tuvieron lugar. Incluye un gran número de imágenes representativas de la historia del arte moderno y contemporáneo y revela las distintas técnicas quese emplearon para crearlas. Desmitifica la jerga técnica y proporciona a los lectores una profunda comprensión y un amplio disfrute del arte moderno y contemporáneo, desde finales del siglo xix hasta el momentoactual.l libro se divide en cuatro capítulos: 'Movimientos', 'Obras', 'Temas' y 'Técnicas'. Se pueden leerde forma sucesiva o independiente unos de otros. Elcapítulo dedicado a las obras, por ejemplo, presenta50 obras esenciales que han tenido una relevancia enel mundo del arte a nivel mundial. Las remisiones enla parte inferior de cada página muestran las conexiones con las otras secciones del libro, mientras que en los cuadros informativos se abordan las principalesaportaciones y el contexto biográfico de cada artista.
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DOMINA EL ARTE DEL MANGA CON ESTA GUÍA DE DIBUJO PASO A PASO Y A TODO COLOR ¿Te gusta el manga y quieres aprender a dibujarlo? Tanto si nunca has dibujado como si ya tienes nociones, esta es la guía ideal para aprender todos los secretos del manga. Con más de 50 ejercicios paso a paso, descubre cómo dibujar elementos básicos, como los ojos y las manos, hasta llegar a las formas del cuerpo, las posturas y las perspectivas. A continuación, explora cómo dibujar una gran variedad de asombrosos personajes manga, como héroes y villanos, zombis, vampiros, cíborgs, espíritus de las nieves o robots. Con CONSEJOS y TRUCOS de mangakas profesionales, este es el libro perfecto para que cualquiera pueda crear dibujos de manga impactantes.
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Catálogo de la exposición que se celebrará en la Sala Recoletos, Fundación Mapfre, Madrid, entre el 19 de de febrero y el 17 de mayo de 2026.Anders Zorn. Recorrer el mundo, recordar la tierra es el catálogo que acompaña a la exposición homónima organizada por Fundación mapfre y la Hamburger Kunsthalle. Esta publicación ofrece un recorrido completo por la vida y obra de Anders Zorn (1860-1920), considerado el pintor sueco más internacional de su tiempo. A través de ensayos de destacados especialistas y una cuidada selección de imágenes, el catálogo explora la evolución artística de Zorn: desde sus inicios humildes en Dalecarlia hasta su consagración en las grandes capitales europeas y americanas. El lector descubrirá su maestría en el retrato, el paisaje y el desnudo, así como su especial relación con España y su amistad con artistas como Joaquín Sorolla. Una obra imprescindible para amantes del arte y coleccionistas, que permite adentrarse en el universo creativo de uno de los grandes maestros de la modernidad internacional.
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Dibujo e imagen impresa ofrece al lector un texto sucinto y riguroso donde se muestra una panorámica del papel del dibujante en la ilustración impresa atendiendo a sus procesos y desarrollos técnicos. La gran abundancia de libros editados permite a los autores conformar un corpus donde nos encontramos con el manuscrito ilustrado, en los orígenes, para continuar con las ilustraciones de la literatura clásica, con la denominada ilustración infantil o, más tarde, con el cartel publicitario, en un recorrido que nos conducirá hasta el cómic, el álbum ilustrado o el ''concept art''. El dibujo es el motor intelectual de todos estos procesos, como medio de conocimiento, para mostrar y materializar narraciones, fijar las palabras y dar pie a la imaginación y creación de mundos posibles e imposibles en justa correspondencia con las evocaciones de la palabra escrita. Esta comunión de palabras e imágenes hace evidente una clara interdependencia, en ocasiones asimétrica en función de los requerimientos de elaborados lenguajes de comunicación que, desde tiempos inmemoriales, se hallan en continua evolución y sobre los que repercuten los propios condicionantes del medio impreso, de los públicos a quienes va dirigida la obra y los contextos de dónde nacen.
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La familia del gato · La familia del oso · La familia del caballo · El elefante · La familia del perro El camello · La jirafa · El hipopótamo y el rinoceronte · La familia del ciervo · El bisonte · La vaca El cerdo · La familia del mono · El canguro y el conejo · El canguro · Animales raros e inusuales Animales pequeños variados · Interpretación y abstracción de animales Introducción al dibujo de animales El galgo en cuatro simples pasos · El animal simplificado · Las tres partes básicas del cuerpo · El abecé de la estructura de un animal · Aplicar el abecé · Principios esenciales de las patas de los animales · El esqueleto simplificado · Ubicación de la articulación de la ''rodilla'' delantera · Comparación de patas delanteras · Comparación de patas traseras · Comparación de musculaturas de animales · Estructura musculoesquelética del galgo · Anatomía superficial del galgo, vistas estructurales frontal y traseras · Datos sobre patas y garras · Comparación de huesos de las patas y semejanzas entre cabezas de animales · La ''nariz'' de los animales · El ojo y la oreja de los animales · El animal a la carrera · Más datos generales sobre la ''carrera''
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* Técnicas de pintura inspiradas por los artistas másinfluyentes. * Aprenda a pintar con el fantástico medio que es el óleo. Inspirándose en pinturas pertenecientes a la colección de la Tate, descubra las técnicas de los maestros de la pintura al óleo y mejore suspropias habilidades. * Domine las técnicas y los estilos de destacados artistas con la ayuda de la original serie de la Tate. Centrado en el óleo, constituye una invitación para los lectores a seguir el ejemplo de artistas muy influyentes a través de 30 trabajos icónicos pertenecientes a la colección. Entre losartistas presentados en este libro se encuentran PaulCézanne, Walter Sickert, Lucian Freud, Stanley Spencer, Francis Bacon, Meredith Frampton, Lisa Milroy, Raoul Dufy, Gerhard Richter y Claude Monet.
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En la quinta entrega de sus célebres lecciones de anatomía artística, Michel Lauricella aplica su conocida fórmula pedagógica a la mecánica de las articulaciones y su materialización en formas óseas y musculares.· Cerca de 400 dibujos de las articulaciones y los movimientos que estas posibilitan -como la flexión, la extensión y la rotación- organizados en cuatro apartados: cabeza y cuello, torso, miembros superiores y miembros inferiores. · Descripción visual en formas sintéticas y mecanicistas a partir de una reducción delas articulaciones a tipos simples, como la esfera y la bisagra. · Recursos para enriquecer el dibujo de observación y facilitar la práctica del dibujo de imaginación inspirando formas imaginarias, híbridas o fantásticas que traten de mantener siempre la relación entre función y forma.
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Un par de sencillos trazos sobre el papel pueden generar algo tan complejo como la ilusión de espacio, un maravilloso efecto de tridimensionalidad que puede sofisticarsehasta el infinito ya sea para intentar reproducir la realidad visible, ya sea para in
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En Vincent Van Gogh la relación entre la existencia y el trabajo, entrela enfermedad mental y la creación ha proporcionado material para unalarga tradición de interpretación, especialmente psicoanalítica. En estecontexto, Massimo Recalcati pone en relación la melancolía y la pinturarespecto a la autonomía del arte a propósito de la obra del famosísimopintor. Así, el autor nos va mostrando cómo las pinturas de Van Goghconstituyen el esfuerzo extremo de dibujar, a través de la luz y elcolor, directamente lo absoluto, la cosa misma. Pero la consagración delarte, que al principio lo había salvado de la melancolía original, serevela como lo que lo sumerge en las profundidades de la locura.«Le debemos a Recalcati una profunda renovación de los estudiospsicoanalíticos en Italia.»Roberto Esposito, La Repubblica«El libro de Recalcati recorre la vida del pintor, rastreando susesfuerzos por encontrar una posible inscripción simbólica. Su pintura esel último intento de alcanzar lo absoluto a través de la luz y delcolor.»
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En el panorama del Quattrocento italiano Piero Della Francesca es uno de sus maestros más originales, una isla en el territorio de frontera que es la segunda mitad del siglo XV. Desde la edición original de esta obra en 1927 se han publicado centenares de ensayos y monografías sobre el artista, pero el de Longhi sigue siendo la pieza fundamental de todo estudio sobre el pintor.
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* Este histórico estudio del street art internacional se sitúa en el punto en el que confluyen el arte y el atlas. * Organizado por continentes y ciudades (desde Nueva York, Los Ángeles y Montreal, en Angloamérica, pasando por Ciudad de México y Buenos Aires, en Iberoamérica, hasta Londres, Berlín y Madrid, en Europa, así como Sídney y Tokio, en el Pacífico), se presentan los perfiles de más de cien de los artistas más importantes de la actualidad y más de setecientas asombrosas obras de arte. * Un testimonio de cómo este variado movimiento artístico contemporáneo se ha convertido en un auténtico fenómeno global: se narra la evolución del arte urbano en cada región y se proporciona un contexto histórico esencial. Desde su génesis en la Costa Este de Estados Unidos a finales de la década de 1960, el street art y el grafiti han viajado a casi todos los rincones del planeta y han dado lugar a nuevos estilos muy floridos y dinámicos. Al exponer sus obras en la galería más grande y abierta del mundo, los grafiteros y artistas urbanos muestran sus creaciones a un público que no puede evitarlas, con lo que desafían las ideas convencionales sobre el lugar del arte en la vida cotidiana. Desde Steve Powers (ESPO), en Nueva York, hasta Ian Strange, en Australia, pasando por el Londres de Eine, el París transfigurado por Honet y OX, y los gigantescos murales de los brasileños Os Gêmeos, esta es la primera historia genuinamente geográfica de esta forma de arte. La forma más elevada del street art y del grafiti no es una mera estética basada en eslóganes, consignas políticas o promoción personal: es un movimiento mundial muy comprometido con la creatividad espontánea y la infinita diversidad de las ciudades.
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The bestselling and critically acclaimed monograph on one of the most influential painters of the twentieth centuryWillem de Kooning was a leading exponent of Abstract Expressionism. MoMA's 2011 de Kooning retrospective drew record crowds, and his prodigious achievements continue to provoke and inspire subsequent generations of artists such as Cecily Brown, Rebecca Warren, and Jonathan Lasker.This is the most wide-ranging and comprehensive monograph available on this artist. Sumptuously illustrated and produced, the book encompasses his major works and periods, including his controversial 'Woman' paintings, as well as a wealth of accompanying sketched and preparatory drawings.An illustrated chronology maps de Kooning's life, career, and work, with photographs from the artist's archive interspersed throughout the book, enriching the reader's understanding of the wider art-historical context of his paintings. Judith Zilczer's critically acclaimed monograph is an essential addition to the libraries of a new audience of readers and de Kooning enthusiasts, offering an unprecedented and compelling examination of his body of work.
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“Narrar visualmente es establecer un criterio de lectura, indicar de alguna forma al espectador cómo queremos que vea aquello que representamos.” La ficción nos ofrece la posibilidad de entender la realidad a través de lugares comunes. Como narradores visuales, debemos aprender a encontrar esos lugares, pues de ello dependerá que los demás participen o no de nuestra historia.
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Jardines históricos y palaciegos, jardines que responden a modernas remodelaciones urbanísticas y jardines románticos... Este libro describe a través de los pinceles de Pablo Rubén López y de los textos de Pepo Paz Saz una serie de jardines de la capital madrileña que, en el pasado, disfrutaron reyes, aristócratas y personajes de las artes y la cultura, y que hoy se han convertido en auténticos oasis de naturaleza en el entramado de asfalto.
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El escultor impresionista.Con Medardo Rosso (1858-1928) se inicia un nuevo capítulo en la historia de la escultura. Rosso es el primero que rompe e interrumpe aquella tradición milenaria que va de los escultores egipcios a los realistas del siglo XIX, el primero que rebasa los que parecían términos naturales e inmutables de la escultura.Nadie antes había pensado nunca en obtener con la escultura los efectos de la pintura, los efectos de luz y de sombra propios de la gran pintura, y de la viva realidad. Rosso fue el primero que se propuso unificar pintura y escultura, fundiendo y casi identificando las dos artes, para poder así plasmar la vida verdadera.
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En mayo de 1880, Édouard Manet viaja a la clínica Materne, cerca de la costa oeste de Francia, para tratar la enfermedad circulatoria que paralizaba poco a poco sus piernas. Tres años, varios ingresos, una gangrena y una amputación más tarde, el pintor, figura clave en los inicios del impresionismo, fallecía en su casa de París. Pero hasta entonces siguió capturando incansablemente su mundo en bocetos, en pinturas al óleo y al pastel... y en un diario personal. Este diario.En El cuaderno perdido de Édouard Manet, la novelista Maureen Gibbon, una de las mayores conocedoras de la vida y obra del artista, imagina un diario privado escrito entre abril de 1880 y marzo de 1883. Un diario en el que Manet confiesa -primero con timidez y orgullo herido, con frustración y pena conforme se le agotan las páginas y los días- sus miedos y sus anhelos como artista incomprendido, como amante pasional y también, muy a su pesar, como enfermo que se aproxima a la muerte. El diario es, por encima de todo, un testimonio de una manera de ver el mundo única: delicada, fantástica e increíblemente sensorial, impresionista por naturaleza.Una historia sobre la vida, la muerte y el arte como único refugio posible frente a ellas.
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El color es la auténtica esencia de la acuarela. ¡Aprenda a utilizarlo con estilo! Este práctico libro presenta 10 paletas distintas de tres colores, así como instrucciones paso a paso para aprender a pintar tres sencillos proyectos de acuarela con cada una de ellas.Con cada paleta aprenderá a obtener una sorprendente gama de tonos, lo cual le servirá para conocer a fondo cada uno de los tres colores que la componen. ¿Está preparado para perfeccionar su técnica de pintura a la acuarela? Tanto si es un acuarelista principiante como un artista con experiencia, en este libro encontrará toda la inspiración que necesita. Cuando termine estos 30 proyectos habrá adquirido un sexto sentido para el color.
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Este volumen explora la producción artística de LygiaClark durante la primera década de su carrera, en lase dedicó a la creación de pequeñas pinturas en blanco y negro y de esculturas, constantemente experimentando con nuevas técnicas, gracias a lo que llegó a ser una importante figura de la vanguardia brasileña.
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Uno de los principales artistas del simbolismo, Odilon Redon (1840-1916) fue también un pintor de extremos escénicos y emocionales. Hasta 1890 aproximadamente, el artista era conocido en exclusiva por sus obras en blanco y negro. Estos cuadros negros eran litografías y dibujos al carboncillo poblados por criaturas fantásticas y aterradoras en una paleta de colores lúgubres. Los tonos pastel, sin embargo, fueron abriéndose paso poco a poco por su obra y, con ellos, surgieron temas nuevos y menos sombríos. Las flores se convirtieron en un motivo recurrente. Donde otrora se alzaron símbolos de melancolía, ahora se abrían paso caballos y mariposas de alas batientes. Si bien este lirismo y armonía de la última etapa de Redon contrasta vivamente con su melancolía anterior, sus principios rectores seguían «poniendo lo visible al servicio de lo invisible». Mediante una imaginería onírica, unas texturas suntuosas y un sugestivo uso del color, Redon buscó crear un equivalente pictórico de su propio espíritu. Fue sobre todo un artista que plasmaba estados de ánimo, tanto los malos presagios como la alegría, y que ejerció una considerable influencia en el posimpresionismo que vendría después.
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Desde su fundación en la histórica pero remota ciudad de Marfa, en el oeste de Texas, Ballroom Marfa ha superado sus expectativas. Desde espectáculos que incluyen a los reconocidos artistas Takashi Murakami, Rashid Johnson y Guadalupe Maravilla, hasta la ahora icónica instalación Prada Marfa de Elmgreen & Dragset, pasando por actuaciones en vivo de Sonic Youth y el maestro del shock John Waters, hasta encargos a gran escala de Agnes Denes y Haroon Mirza, el impacto de Ballroom ha resonado mucho más allá del desierto.Ballroom Marfa: The First Twenty Years cuenta la historia de este extraordinario destino artístico a través de animados relatos de primera mano de artistas e intérpretes de renombre internacional como Terry Allen, Mel Chin, Agnes Denes, Rafa Esparza, Loie Hollowell, Elmgreen & Dragset, Hubbard/Birchler y Graham Reynolds, entre muchos otros. También incluye tres fanzines que capturan dos décadas de actuaciones electrizantes de músicos como Roky Erickson, Helado Negro, Suzanne Ciani, Lonnie Holley, Lyle Lovett, Laraaji, Joanna Newsom, Perfume Genius, Pharoah Sanders, Sonic Youth, Spoon y Wire, por nombrar solo algunos.Ballroom Marfa: The First Twenty Years es una colección caleidoscópica y profusamente ilustrada de los momentos más destacados de las dos primeras décadas del museo, contados por los artistas, músicos, curadores y la comunidad.
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New Surrealism: The Uncanny in Contemporary Painting de Robert Zeller ofrece una amplia exposición tanto del Surrealismo histórico como de su legado en el mundo del arte.Demuestra las muchas maneras en que el movimiento artístico más significativo del siglo pasado sigue siendo relevante hoy en día, presentando una selección internacional de artistas contemporáneos cuyas composiciones y práctica de estudio revelan su influencia.Son muchas las modalidades del Surrealismo histórico que aún mantienen su vigencia contemporánea: la presentación de lo familiar como desconocido e inquietante, la yuxtaposición de imágenes aparentemente inconexas, el uso del absurdo para criticar cuestiones políticas o sociales, y la utilización de imágenes eróticas en un contexto irracional y no lineal. No todos los artistas reunidos en este libro se identifican a sí mismos como surrealistas, pero cada uno utiliza alguna variante del surrealismo de manera personal.El libro comienza con un estudio de los orígenes, el liderazgo, los artistas participantes y los principales hitos del surrealismo histórico. Zeller hace una crónica del movimiento a partir del final de la Primera Guerra Mundial y el nacimiento de Dadá. Los protagonistas y acontecimientos más importantes aparecen a lo largo de la cronología de los hechos -incluida la Segunda Guerra Mundial, y artistas tan notables como Max Ernst, Marcel Duchamp, Leonora Carrington y muchos otros- hasta la muerte de su líder André Breton en 1966.A continuación, Zeller analiza cómo se ponen en práctica los elementos del Nuevo Surrealismo en el mundo del arte contemporáneo. La segunda sección ofrece un estudio de 29 artistas contemporáneos que participan en las variaciones aparentemente ilimitadas de los temas originales del Nuevo Surrealismo, como Rosa Loy, Glenn Brown y Arghavan Khosravi. La tercera sección presenta a 14 artistas, entre ellos importantes artistas contemporáneos como Inka Essenhigh, Ginny Casey y Anna Weyant, que hablan de la influencia del Surrealismo en su práctica de estudio, detallando con sus propias palabras cómo crean una composición de principio a fin.
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Over 100 global artists working with collage, as chosen by art experts, now available in paperback for the first time.Collage is an artistic language comprising found images, fragmentary forms, and unexpected juxtapositions. While it first gained status as high art in the early twentieth century, the past decade has seen a fresh explosion of artists using this dynamic and experimental approach to image making. Taking a broad definition – from analog cut-and-paste compositions and photomontages to digital composed imagery and animations – Vitamin C+, now available in paperback, showcases 108 living artists who employ collage as a central part of their visual-art practice, as selected by 69 leading experts, including museum directors, curators, critics, and collectors. The survey also features an engaging and informative introduction by Yuval Etgar, an internationally renowned expert in the area.Organised in an A-Z sequence by artist, the book features both well-known collagists including Njideka Akunyili Crosby, Ellen Gallagher, Peter Kennard, Linder, Christian Marclay, Wangechi Mutu, Deborah Roberts, Martha Rosler, and Mickalene Thomas, and a plethora of lesser-known names deserving of greater attention.The 69 expert nominators include: Cecilia Alemani, Iwona Blazwick, David Campany, Raphael Chikukwa, Patrick Elliott, Max Hollein, Hettie Judah, Christine Macel, Roxana Marcoci, Duro Olowu, Scott Rothkopf, Russell Tovey, Zoe Whitley, and Heidi Zuckerman.The 108 artists featured include: Njideka Akunyili Crosby, Kader Attia, Adam Broomberg, Sara Cwynar, Moyna Flannigan, Ellen Gallagher, Lauren Halsey, Lyle Ashton Harris, Thomas Hirschhorn, Peter Kennard, Justine Kurland, Linder, Christian Marclay, Wangechi Mutu, Frida Orupabo, Heather Philipson, Tabita Rezaire, Deborah Roberts, Martha Rosler, Dee Shapiro, Eva Stenram, John Stezaker, Mickalene Thomas, Kara Walker, and Billie Zangewa.
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Dibujar el movimiento es en realidad crear una ilusión visual de tiempo y desplazamiento. Los métodos para conseguirlo son sencillos y muy numerosos, pero hay que conocerlos. Desde difuminar o desdibujar un fragmento de lo que estamos representando hasta
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