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Llibres d'art
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Una historia alternativa del Renacimiento contada por las mujeres detrás de las pinturas.Belleza, maquillaje, arte, poder: Cómo ser una mujer en el Renacimiento presenta una historia alternativa de este fascinante período contada por las mujeres detrás de las pinturas. El Renacimiento fue una época obsesionada por las apariencias: el mundo visual se pobló de desnudos de la mano de artistas como Miguel Ángel y Tiziano y emergió una vibrante escena literaria alrededor de consejos de belleza, cosméticos y adornos. Jill Burke nos lleva desde las bulliciosas plazas del mercado italiano hasta los niveles más altos de la sociedad renacentista para acercarnos a las vidas de cortesanas, artistas, actrices y escritoras que se labraron un espacio propio, así como aquellas que ganaron poder e influencia en el despiadado mundo de la corte o las que se rebelaron contra las restricciones de su época en un momento en el que las valoraciones sobre los cuerpos y el color de la piel estaban en el punto de mira debido al contexto colonial. Esta vívida exploración de la vida íntima de las mujeres renacentistas nos invita a cuestionar las ideas de tenemos sobre nuestro propio cuerpo a la vez que desentraña los orígenes de los ideales de belleza que todavía nos acompañan en la actualidad. «Nunca verás los retratos del Renacimiento de la misma manera.» Maggie O'Farrell, autora de Hamnet y El retrato de casada
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Aparecido en 1926, Punto y línea sobre el plano es la continuación orgánica de otro texto de Kandinsky también publicado por Paidós, De lo espiritual en el arte, y debe su origen, en su mayor parte, a la tarea que su autor había asumido en la Bauhaus desde 1922. En efecto, tanto en su pintura como en sus ideas estéticas, Kandinsky mostró siempre una personalidad absolutamente vanguardista y provocadora de acaloradas polémicas. Y, en este sentido, la presente obra es uno de sus trabajos fundamentales, ya que, a la par que una esclarecedora contribución al análisis de los elementos esenciales del quehacer pictórico, constituye una aportación básica a la búsqueda de un método genérico para las investigaciones de las ciencias artísticas. El libro, finalmente, también revela a Kandinsky como un artista apasionado y siempre deseoso de explicar y explicarse las razones primeras y más profundas de esa extraña y singular aventura que es la creación artística.
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Este libro aborda las principales cuestiones y retos de la estética y de la teoría del arte en el cada vez más complejo contexto de la cultura digital. Ofrece un amplio, profundo y detallado estudio de los nuevos interrogantes, categorías y conceptos emergidos en el campo artístico a consecuencia de las transformaciones provocadas por la revolución informática, poniendo especial énfasis en lo acontecido en las dos primeras décadas del siglo XXI.La perspectiva de análisis filosófico de las nuevas prácticas artísticas entabla en este escrito un continuo y muy personal diálogo con las metodologías de los Estudios visuales y de la Historia del arte. Con ello se trata de facilitar la comprensión de las principales estrategias artísticas más comprometidas con la reflexión crítica sobre la era digital, así como atisbar sus líneas de evolución en el futuro.El texto hace hincapié en problemáticas centrales en el arte reciente, como la producción de subjetividad, la diferencia, la identidad, la participación , analizándolas en su relación específica con algunos de los nuevos desarrollos tecnológicos (redes sociales, inteligencia artificial, realidad aumentada, realidad virtual, blockchain ).Un libro, en definitiva, fundamental para la compresión del impacto que la evolución digital está teniendo sobre el desarrollo de la creación artística en nuestro presente, así como acerca de los nuevos caminos que se abren para su teorización, difusión y comercialización.
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La importancia de la historia del arte se ha venido acrecentando en las últimas décadas hasta al canzar actualmente un desarrollo espectacular. Este proceso ha venido acompañado de una interesante renovación metodológica perceptible en un cambio sustancial de los criterios y de las valoraciones. Desgraciadamente, esto es sólo evidente para los especialistas que manejan una amplia bibliografía, tan densa y profusa a veces como dispersa. Son muy abundantes, en efecto, las revistas especializadas, los catálogos y las monografías de variada naturaleza, y es por eso más difícil que nunca obtener un cuadro completo, coherente y actualizado de toda la historia del arte universal. De ahí la necesidad de suministrar a los lectores interesados y a las nuevas generaciones de estudiantes una nueva obra de referencia de carácter general, manejable y cómoda, pero de cierta amplitud, bien ilustrada, y que informe de los últimos avances de esta disciplina. Con este propósito se ha concebido esta obra, que se publica en cuatro volúmenes y para la cual se ha recabado el concurso de 32 especialistas procedentes de diversas universidades españolas.
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Aquest volum inèdit aplega quinze assaigs breus de Colm Tóibín, triats d'entre els més de quaranta que ha escrit sobre artistes i les seves obres els darrers vint anys. És un llibre sobre art, especialment sobre una determinada manera de mirar i de deixar-se captivar, una manera de llegir i de narrar. Tota obra de creació, ja sigui plàstica o literària, té un punt de partida, de vegades tot just una marca en una tela o una paraula en un full en blanc, un desllorigador per deixar volar la imaginació. Miró, Calder, Barceló, Tàpies, Bacon, Arbus, Freud, Sargent, Lotto, Tintoretto, Goya... evidencien que la imaginació, quan treballa, està sempre sola, i que aquell moment inicial de concentració furiosa i única de l'acte creatiu només la intel·ligència pot decantar-lo o moderar-lo. Al prefaci que obre el llibre, Tóibín suggereix que segurament deu a la pintura el fet d'haver-se posat a escriure.Deixa't seduir per la bellesa i el misteri que s'amaguen darrere de cada pinzellada i cada obra d'art amb La mirada captiva, una col·lecció d'assajos de l'aclamat escriptor irlandès Colm Tóibín. En aquest volum, que aplega quinze textos inèdits escrits al llarg de vint anys, Tóibín ens convida a un viatge íntim i personal per l'univers de la creació artística. No es tracta d'un manual d'història de l'art, sinó d'una exploració apassionada sobre l'acte de mirar, de deixar-se atrapar per una imatge i de com aquesta experiència pot transformar la nostra percepció del món.Amb una prosa elegant i propera, l'autor ens guia a través de les vides i les obres de grans mestres. Des de la relació entre Miró i Calder fins a la intensitat de Bacon o la carnalitat de Lucian Freud, passant per la genialitat de Goya, Tintoretto o Tàpies. Tóibín s'endinsa en el moment precís de la creació, aquell instant de concentració furiosa on l'artista es troba sol davant la tela en blanc, donant forma a la seva imaginació. És una reflexió profunda sobre com neix l'art i com, a través de la seva mirada, podem connectar amb les emocions i les circumstàncies vitals dels creadors. El mateix autor suggereix al prefaci que, probablement, va ser la pintura el que el va impulsar a començar a escriure, una confessió que revela la profunda connexió entre les diferents formes d'expressió artística.A qui va dirigit el llibre La mirada captiva?Aquesta obra és ideal per a qualsevol persona amb sensibilitat artística, ja siguin amants de la literatura, la pintura o simplement curiosos per entendre el procés creatiu. No cal ser un expert en art per gaudir d'aquests assajos; només cal tenir ganes de descobrir una nova manera de mirar i d'apropar-se a les obres amb una perspectiva fresca i humana. És un llibre perfecte per a lectors que busquen una lectura estimulant, que combini la profunditat de l'assaig amb el plaer d'una narració propera i personal.Temes que tracta el llibreLa mirada captiva explora una sèrie de temes interconnectats que giren al voltant de l'art i la seva relació amb la vida:El procés creatiu: Tóibín analitza l'instant solitari i decisiu en què l'artista inicia la seva obra, explorant la barreja d'imaginació, intel·ligència i emoció que defineix l'acte de crear.La relació entre art i vida: El llibre indaga en com les circumstàncies personals, les amistats i el context històric dels artistes, com la relació entre Miró i Calder, influeixen directament en les seves creacions.L'acte de mirar: Més enllà de la tècnica, l'autor posa l'accent en la importància de la mirada de l'espectador, en com ens deixem captivar per una obra i en la narrativa que construïm a partir d'aquesta experiència.Anàlisi de grans artistes: S'ofereixen radiografies humanes i artístiques de figures clau com Francis Bacon, Lucian Freud, Goya i Diane Arbus, entre d'altres, des d'una perspectiva íntima i reveladora.El simbolisme del color: Un dels assajos més destacats explora la història i l'evolució del color blau, des de l'antiguitat fins a l'actualitat, en un text que combina l'erudició amb el relat autobiogràfic.En general, la crítica coincideix a descriure La mirada captiva com una col·lecció d'assajos d'alt voltatge que, amb un estil vigorós i accessible, aconsegueix apropar el lector a l'art d'una manera sorprenent i profundament humana.
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Siempre he detestado que digan que soy crítico de arte. Así presenta John Berger esta antología completa de todos sus ensayos sobre artistas. Y ciertamente sería poco fiel a la realidad reducir a la categoría de crítico de arte a uno de los intelectuale
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Described by Kenneth Clark as 'one of the most brilliant books of art criticism that I have ever read', Art and Illusion is a classic study of image-making. It seeks to answer a simple question: why is there such a thing as style? The question may be simple but there is no easy answer, and Professor Gombrich's brilliant and wide-ranging exploration of the history and psychology of pictorial representation leads him into countless crucial areas.Gombrich examines, questions and re-evaluates old and new ideas on such matters as the imitation of nature, the function of tradition, the problem of abstraction, the validity of perspective and the interpretation of expression: all of which reveal that pictorial representation is far from being a straightforward matter.First published more than 40 years ago, Art and Illusion has lost none of its vitality and importance. In applying the findings of experimental science to a nuanced understanding of art and in tackling complex ideas and theoretical issues, Gombrich is rigorous. Yet he always retains a sense of wonder at the inexhaustible capacity of the human brain, and at the subtlety of the relationships involved in seeing the world and in making and seeing art.With profound knowledge and his exceptional gift for clear exposition, he advances each argument as an hypothesis to be tested. The problems of representation are forever fundamental to the history of art: Art and Illusion remains an essential text for anyone interested in understanding the complexities of art.For the sixth edition Professor Gombrich has written an entirely new 12-page preface, in which he makes use of the distinction between an image and a sign, so as to clarify his intentions in writing the book in the first place.
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No queda más que una salida del laberinto en el que andamos tropezando a ciegas: seguir la tenue luz de la razón, que nos devolveráal compromiso entre ver y saber, entre las percepciones de la retina y las visiones conceptuales, que constituyen la b
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Genio del Renacimiento, pintor, ingeniero, hombre de inquietudes innumerables, Leonardo da Vinci (1452-1519) recogió en su manuscrito titulado tradicionalmente «Tratado de Pintura» las notas, ideas y conocimientos que su mente inquisitiva y privilegiada fue acumulando respecto al ejercicio pictórico en el transcurso de la continua experimentación y observación de la naturaleza que constituyó su vida. Este texto único, del cual -en palabras del reconocido historiador del arte Sir Kenneth Clark- «no es exagerado afirmar que es el documento más precioso de toda la historia del arte», nos revela a un artista de curiosidad universal. La presente edición es la primera en español que se realiza directamente de los manuscritos originales en italiano y resulta una fuente inapreciable para el conocimiento y el estudio de Leonardo.
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¿Sabía que en las entrañas de la catedral de Sevilla se esconde un cocodrilo gigante disecado? ¿Que el Papamoscas de Burgos no es el único que existe? ¿Que el Santo Grial está en la catedral de Valencia? ¿O que al arquitecto de la catedral de Granada se l
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'He visto de cerca un arte creado lejos del miedo. Eltalento de César Barrio apuesta por la libertad. Sufuerza incluye un vasto conocimiento. En los diálogos, César transmite sin vanidades la erudición musical,literaria, pictórica. Como no mezcla su conocimientocon las calderillas del orgullo, el libro que ahorapublica (este “Lo que no se ve”) está repleto de sustancia. El autor reflexiona deteniéndose en cada detalle sobre cómo se ha llegado a conformar nuestra mirada. Lo hace con hondura que el lector agradecerá.''
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* El recurso perfecto para aquellos artistas que busquen pulir el estilo y la técnica: una guía completa para aprender a dibujar de forma rápida y segura. * Unsistema paso a paso para crear esbozos y dibujos llenos de encanto. * Incluye dibujos de hombres, mujeres, niños, ancianos, dibujos anatómicos, personas enreposo o en movimiento, desnudos y consejos prácticospara detalles como la nariz, la boca, los ojos o elcabello. Ser capaz de dibujar la figura humana de manera realista es divertido para uno mismo y para laspersonas a las que se retrata: con este libro, ¡aprenderá a hacerlo! La introducción explica los materiales, la perspectiva y las sombras correctas, el trabajo con líneas auxiliares y la estructura correcta dela imagen. ¡Además de eso! Cualquiera que pueda dibujar la figura humana con destreza querrá probar nuevosámbitos, tales como motivos sofisticados, técnicas inusuales, manga, dibujos animados y fantasía.
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La práctica arquitectónica de Francisco Javier Saénz de Oiza estuvo marcada por los encuentros y colaboraciones que mantuvo con otros creadores y colaboradores, que impregnaron algunos de sus proyectos más relevantes de una significada dimensión colaborativa. La publicación Oiza Oteiza Huarte, analiza 9 proyectos desarrollados por Sáenz de Oiza entre 1950 y 1992, en los que contó, por un lado, con la colaboración del escultor Jorge Oteiza y, en otros casos, con la del promotor y constructor Juan Huarte. Esta publicación incluye un texto analítico a cargo de los tres autores y un recorrido visual por estos proyectos, que incluye gran cantidad de dibujos, croquis, imágenes y documentación de los proyectos de Saenz de Oiza y de las obras de Jorge Oteiza, ordenado en cuatro epígrafes que acogen los 9 proyectos. Se trata de Lo religioso y lo sagrado , referido a la Fundación Museo Jorge Oteiza (1992-2000), al proyecto de la Basílica de Arantzazu (1950-1954) y a la Capilla en el Camino de Santiago (1954), Instituciones de la cultura , sobre al proyecto del Auditorio (1992) y de la Alhóndiga (1989-1991), ambos para Bilbao, El Mundo mediterráneo , centrado en Ciudad Blanca de Alcudia (1961) y la Casa Huarte (1968), los dos en Mallorca, para concluir en el apartado La Utopía urbana y el diseño , referido al edificio Torres Blancas (1961-1969) y la Sala de Exposiciones Hisa (1960), ambos en Madrid.
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El estudio autónomo del objeto de arte se remonta al siglo XVIII europeo cuando quedó fijada la expresión ''bellas artes'', pero desde mediados del siglo XX ha sido progresivo el desplazamiento hacia el estudio del contexto. En consecuencia, sin dejar de apreciar el valor estético, la obra de arte se entiende como un artefacto cultural resultado de la materia (prácticamente toda obra de arte posee un cuerpo material), de la técnica (el conocimiento de las destrezas y herramientas para trabajar la materia en ese constante devenir de incorporación de nuevos materiales y tecnologías) y del comportamiento del artista. La riqueza que ofrece esta nueva aproximación es la que ha hecho posible este libro en el que se trata de la técnica y la materia como una metodología para conocer el modo de hacer, la práctica artística en su devenir como conocimiento heredado y transmitido donde tienen lugar las rupturas, cambios e innovaciones en los usos de materiales y herramientas, novedades que se incorporan a su vez enriqueciendo el legado.
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El colapso del Imperio ruso y el advenimiento de la Revolución bolchevique comportaron una transformación vertiginosa en todos los ámbitos de la cultura. Los escritos teóricos de Várvara Stepánova (1894-1958) permiten reseguir los cambios en las ideas sobre el papel de las prácticas artísticas durante un periodo convulso de la historia, de la mano de una de las artistas más significativas e interdisciplinares del momento. Con una esclarecedora introducción a cargo de la profesora Irina Aristarkhova, así como un apéndice en el que se incluyen textos de Olga Rozánova, Natalia Gonchárova, Liubov Popova y Esfir Shub (parte de las denominadas “amazonas de la vanguardia rusa”), las autoras incluidas en este libro fueron sin duda protagonistas y fuerzas motrices de este estallido, que quizá todavía hoy no ha agotado sus capacidades de resonancia.
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Desde la prehistoria, el ser humano ha sido un creador de símbolos, que constituyen un puente hacia sus orígenes, el cosmos y el destino. Las entradas de este Diccionario de los símbolos, seleccionadas del vasto repertorio en dieciséis volúmenes de The encyclopedia of religion, dirigida por Mircea Eliade en colaboración con Ioan Petru Couliano y redactada por destacados expertos internacionales, subrayan la emergencia y la persistencia de esta creatividad. Durante siglos, los símbolos se han vivido como portadores de un sentido capaz de romper los horizontes de los límites humanos para proyectarse más allá. Así, resulta que incluso los objetos más habituales -una llave, un tejido, un espejo, una joya- o los gestos más banales -comer, dormir, ofrecer un regalo, jugar- no son aspectos evidentes de nuestra vida: de hecho, en la historia de la humanidad se han cargado de una densidad que quizás hemos olvidado, pero que atestigua hasta qué punto la búsqueda de sentido está impresa en las profundidades del deseo humano.
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Jamás la pintura usó de armonías más suaves, de tonos más emocionantes y líricos, de coloraciones más transparentes. Murillo poseeun hechizo que no encontraremos en ningún otro pintor.ö
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Las corporalidades, identidades y orientaciones no-heterosexuales, trans e intersexuales han estado tradicionalmente alejadas del ámbito de la educación formal, como si la vida y la escuela fuesen dos realidades disociadas entre sí. Con la llegada de la educación afectivo-sexual, se abrió una oportunidad para que estas formasen parte de la cotidianeidad escolar, pero los contenidos ligados a los riesgos en torno a las infecciones de transmisión sexual y los embarazos no deseados, junto con su prevención, han acaparado el tratamiento que se hace de la sexualidad en nuestros centros. Son contenidos que, además de desplazar al colectivo LGTBIQ hasta su borrado en este campo educativo, esconden mensajes discriminatorios que reproducen y legitiman las distintas violencias que sufren las personas que no se ajustan a los parámetros normativos de sexualidad (binarismo, ciscentrismo, heterocentrismo, monosexualidad, LGTBIQfobia, etc.). Así, mientras que las formas no hegemónicas de transitar la sexualidad están siendo cada vez más visibles entre las generaciones más jóvenes, en el ámbito de la educación escolar existen múltiples dificultades para atender a esta diversidad de manera profunda e integral. En este sentido, el presente libro explora esta relación entre educación afectivo-sexual y colectivo LGTBIQ -más caracterizada por sus desencuentros que por sus encuentros-, trazando un recorrido por distintas dimensiones de la realidad sociocultural, desde el foco en lo que el autor denomina sistema normativo de sexualidad hasta el marco escolar y la educación afectivo-sexual. Seguidamente, se plantean los resultados de un estudio y se finaliza con algunas propuestas que permiten orientar la práctica docente hacia el logro de una educación afectivo-sexual diversa e igualitaria.
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La obra escrita de Remedios Varo, con excepción del paródico tratado De Homo Rodans (1960), permaneció prácticamente oculta durante muchos años o fue publicada de forma fragmentaria y dispersa. Sin embargo, supuso para ella una prolongada oportunidad para dar rienda suelta a sus pensamientos más íntimos. En los cuadernos aparecidos tras su muerte se encontraron cartas, relatos, proyectos y sueños que reflejan nítidamente su compleja personalidad. Angustiosos o humorísticos, espontáneos siempre, los escritos de Remedios Varo completan la imagen de una artista total, que logró expresarse por igual a través de la página y del lienzo. Editar este material, en principio no concebido para su publicación, supone asomarse al taller de una artesana solitaria, que anteponía el proceso creador al éxito y que, a la vez, se relacionó intensamente con destacadas figuras de su época como Benjamin Péret, Leonora Carrington, Kati Horna, Wolfgang Paalen, Esteban Francés, Gerardo Lizarraga o César Moro. Viajar a través de la obra, escrita y pictórica, de Remedios Varo nos permite revivir la agridulce aventura del exilio y reconstruir un panorama colectivo de creación, amistad, libertad y resistencia. «Remedios combina máquinas, poesía, misterio, imágenes oníricas de un laboratorio, aparatos científicos, instrumentos musicales, creación, alquimia y magia». Irene Vallejo «El surrealismo reivindica su obra por entero». André Breton Primera recopilación completa de la obra escrita de Remedios Varo. Reúne cartas, sueños, relatos, recetas humorísticas, ejemplos de escritura automática y proyectos inacabados. Incluye textos inéditos. Remedios Varo (Anglés, Gerona, 1908-México, 1963) es una de las más interesantes figuras del exilio republicano español. Inició sus estudios en 1924 en la Academia de San Fernando de Madrid y posteriormente se trasladó a Barcelona, donde se impregnó del espíritu vanguardista de la época. Al estallar la Guerra Civil, viajó a París y se integró en el grupo surrealista. En 1942, se trasladó a México, país en el que residió hasta su muerte. Su obra pictórica, profundamente personal y a la vez resultado de diferentes influencias que van desde el surrealismo hasta la pintura flamenca o la alquimia, es actualmente reconocida y reclamada en los más importantes museos del mundo. Además de su extensa producción pictórica, Remedios Varo se dedicó a otras actividades como la creación de objetos, esculturas y figurines para el teatro, y, muy especialmente, a la escritura. A través de la palabra, Remedios Varo recrea el mismo ambiente onírico que se despliega en su pintura y nos conduce a un mundo de prodigios habitado por criaturas singulares, en un tiempo y un espacio diluidos por el humor y la poesía. Isabel Castells Molina (1965) es profesora titular de Literatura Española en la Universidad de La Laguna. Estudiosa del surrealismo y del exilio republicano español, ha editado la obra literaria de Eugenio F. Granell. Ha editado también a autores de la vanguardia canaria como Antonio Dorta, Julio Antonio de la Rosa y Emeterio Gutiérrez Albelo. Es responsable de la primera recopilación de la obra escrita de Remedios Varo (México, Era, 1997). La edición que presentamos ahora reúne de nuevo todo ese material, actualiza la bibliografía que ha generado el creciente interés hacia su obra e incluye documentos inéditos.
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La conservación del patrimonio cultural presenta un campo de estudio amplio y complejo que integra conocimientos procedentes de distintas disciplinas académicas. Se trata, además, de una materia crítica que está sometida a constante revisión y debate, en cuanto se interroga sobre el valor y sentido que el patrimonio cultural reviste para las sociedades actuales. En «Conservación del Patrimonio Cultural. Teoría, historia, principios y normas», se tratan estos temas dentro de un planteamiento integral y sistemático que parte del esclarecimiento del concepto y problemas del patrimonio cultural, para exponer a continuación las distintas teorías y metodologías de restauración y/o intervención sobre los bienes culturales a través de la presentación crítica del pensamiento y la actuación de sus protagonistas, escuelas y tendencias. El libro incluye también una recopilación analítica y ordenada de los principales textos y documentos dedicados a la conservación del patrimonio cultural. En esta segunda edición, revisada y actualizada, se han introducido nuevas cuestiones, como la reflexión sobre el concepto de autenticidad, la función del patrimonio como soporte de la identidad cultural, la necesidad de la conservación no solo de las grandes obras y monumentos sino también de los conjuntos históricos y los paisajes culturales, así como las temáticas referentes al patrimonio inmaterial y al turismo cultural.
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Assegurava Richard Hamilton que no s'entén res en un quadre aïllat. ?Només quan les coses s'ajunten i es relacionen com a seqüències d'idees, comencen a adquirir sentit.?La llarga quimera de pensar que l'art ens pot ajudar a entendre el món. Andy Warhol i aquelles llaunes de la sopa Campbell. L'esmentat Hamilton i la seua torradora de pa amb disseny alemany. L'obstinada quimera de pensar que l'art pot transformar el món. L'antimilitarisme de l'Equip Crònica. La reivindicació feminista d'Isabel Oliver i d'Eulàlia Grau. Les vidrieres virolades de Chus García-Fraile. El Banksy més subversiu i el més integrat. Les interactives ampolles de detergent que col·lecciona l'altra Eulàlia, Valldosera. Les vanitas de la societat de consum en les miniatures de Gurt Swanenberg. La vigilància activa dels estereotips i dels tòpics publicitaris de Yolanda Domínguez. Mirar l'art i voler entendre el món. Mirar l'art i desitjar que puga transformar la vida. Les nostres vides.
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El gran innovador de la escultura del siglo XX.Proyectar y dibujar en el espacio con ayuda de nuevos medios, aprovechar este espacio y construir con él como si se tratara de un material recobrado, en esto consiste mi búsqueda. Si la escultura tradicional tenía horror de los huecos y los vacíos, la nueva escultura de Julio González (1876-1942) los utilizará, convirtiéndolos en materiales indispensables.
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Escrito a propósito de la exposición del mismo títuloen la Sala Amós Salvador de Logroño, este es un libro formado por una serie de ensayos que tienen algo detentativas para comprender el presente. En cierto sentido, se trata de un «cuaderno de bitácora», un sedimento de lecturas que vienen a problematizar lo que nos pasa.
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Recientemente, el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid, con la intención de hacer el Arte Moderno y Contemporáneo más accesible al público, decidió dedicar una sala a facilitar ese acceso. El texto que se encuentra en la entrada de dicha sala anuncia: “Se ofrece aquí a los distintos tipos de visitantes una variedad de materiales que les ayude a comprender las obras de arte, ampliar sus lecturas, conocer mejor a sus autores y sus procesos creativos y situar el contexto histórico y social, con el fin de potenciar la experiencia estética.”
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Pensado en especial para los numerosos museos que operan en el mundo conrecursos limitados y poco personal, y partiendo de un amplio espectro deexperiencias prácticas, en sus páginas se proporciona una guía básica detodos los aspectos del trabajo museístico, de la educación y laformación del público a la organización y planificación del museo,pasando por la gestión y conservación de los fondos y colecciones.Organizado con un concepto modular con más de 100 unidades, el libro sepuede utilizar como obra de referencia para abordar la gestión diaria, ytambién como libro de texto clave en programas de formación.
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Un retrato de Madrid desde diversas ópticas, con textos de Victoria Acebo, Berta Gutiérrez, Gonzalo del Val, Carlos Copertone y Patxi Eguiluz. Entrevista de Paula García-Masedo al estudio Burr, reseña de Lluís Alexandre Casanovas Blanco sobre el último libro de Uriel Fogué. Un proyecto de María Langarita y Víctor Navarro, y un colegio de Andrés Jaque. En el ámbito de la escena artística, Julia Spínola se encuentra con José Diaz y Yaby nos muestran un retrato posible de lo que significa generación en la capital.
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¿Reconocerías a los personajes de la iconografía cristiana que aparecen representados en las obras de arte? Esta guía, organizada alfabéticamente, te ayudará a reconocer a los personajes y conocer las peripecias de su vida. Cada entrada incluye datos básicos, una ilustración y un texto que nosinforma de su historia, los posibles atributos y lasvariantes iconográficas más representativas. Para ayudar en la búsqueda se incluye un índice de atributosdonde se puede consultar a qué seres corresponden los diferentes elementos. También un índice de patronazgos y otro de posibles elementos de protección y curafrente a enfermedades y problemas. Finalmente, un vocabulario de términos relacionados con la iconografíacristiana completa este diccionario.
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Una extraordinaria selección de obras de artistas detodo el mundo, del siglo XVII hasta la actualidad, que ponen el foco sobre la fi gura del perro. De Goya aSally Muir pasando por David Hockney o Marie Laurencin, las distintas miradas artísticas, combinadas conbreves textos sobre las obras, los movimientos y lasrazas, nos acercan a nuestra concepción del mundo canino, así como a las relaciones que se tejen entre elser humano, el arte y el mundo animal.
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Este diccionario traza las distintas, múltiples, caleidoscópicas y casi infinitas historias del arte, según un criterio que combina la razón artística con lapoética y la científica. El proyecto de este diccionario-exhibido como obra de arte en museos y galerías-involucra no sólo a la artista que lo firma, sino a seiscientos colaboradores que, vía correo electrónico,aportaron su trabajo y creatividad durante varios años.
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'La práctica hace al maestro''. Este dicho también se aplica a la escritura, y aprender a escribir es fácil, siempre y cuando se mantenga una práctica regular. Elija los abecedarios que más le gusten y diviértase. Solo de esta manera podrá desarrollar el amor y la paciencia para mantenerse activo en la práctica hasta conseguir dominar las letras.Con este cuaderno de ejercicios, practicar resulta sencillo. Sumérjase paso a paso en el fascinante mundo de la escritura: ¡podrá implementar cada abecedario directamente en la hoja de ejercicios correspondiente! Todo ello con la ayuda de las instrucciones detalladas para cada letra individual. No solo podrá conocer las escrituras caligráficas más importantes, sino que también aprenderá todo lo que necesita saber sobre el espaciado entre letras y el diseño de páginas. En los capítulos sobre lettering, las formas de las letras constituyen el centro de atención. ¡Pruebe los diferentes estilos y dé rienda suelta a su creatividad!
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¿Qué es para Mieke Bal el análisis cultural? La respuesta pasa por adoptar, en primer lugar, un concepto de cultura amplio para, a partir de él, leer categorías teóricas, obras de arte y prácticas sociales por igual como objetos culturales. Para descubrirlo, este libro, concebido a modo de léxicón, permite seguir letra a letra, concepto a concepto, el proceso de trabajo de la autora. Bajo la ficción de un orden alfabético, estos breves ensayos no sólo representan importantes aportaciones a los debates actuales en torno a lateoría de la cultura, sino que constituyen una aproximación accesible al análisis cultural y el pensamiento interdisciplinar de una de las teóricas más relevantes del panorama internacional.
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Rembrandt alcanza una expresión artística del movimiento vital hasta entonces desconocida: una expresión que no puede traducirse en un método o un estilo sinoque depende por entero de su genio. Como demuestran sus retratos, el problema ''pictórico'' de Rembrandt es sencillamente la representación de una totalidad humana viva, justamente en tanto problema pictórico, yno psicológico, metafísico o anecdótico: su pintura plasma la movilidad de la vida interior.
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Tenemos un centenar de páginas para resolver un casomisterioso, un crimen que se cometió hace un siglo yen el que se asestó un golpe mortal al Arte Modernoy se alumbró lo que llamamos Arte Contemporáneo. El cuerpo del delito: la obra Criadero de polvo (1920). Los principales sospechosos: Marcel Duchamp y Man Ray.El arma homicida: un gran vidrio, una cámara fotográfica, motas de polvo. El móvil: convertir al artista-médium en artista-Midas. A través de este ensayo, articulado al estilo de una clásica novela de detectives, quizá no encontremos al verdadero asesino, pero porel camino entenderemos mejor un momento clave de laHistoria del Arte, cuando cambió radicalmente la figura del Autor y la noción de Obra, su relación con conceptos como Tiempo, Azar o Belleza, y su misma constitución
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El best seller del crítico de arte más importante del mundo: un manual que todos los artistas, expertos y aficionados deberían leer.Ingenioso, apasionado y ganador del Premio Pulitzer, Jerry Saltz -crítico de arte de New York Magazine-, es contactado a menudo por artistas, comisarios, galeristas, profesionales y todo tipo de aficionados al arte para pedirle consejos. Basándose en su experiencia durante décadas de inmersión en el mundo del arte, Jerry Saltz ha logrado reunir todas las respuestas y las ha ordenado en un manual imprescindible para defenderse en el mundo del arte. Cómo ser un artista está repleto de consejos, reglas y ejercicios diseñados para dejar atrás los bloqueos creativos, incentivar la motivación y saber cómo defender una voz y lenguaje propios. Este libro ayudará a cualquier persona creativa a trabajar sus rutinas, mejorar los procesos, entender cómo funciona el mundo del arte y lograr sus sueños.¿A qui va dirigit el llibre Cómo ser un artista?Aquest llibre s'adreça a qualsevol persona amb inquietuds creatives, tant artistes professionals com aficionats. Es presenta com una guia útil per a aquells que busquen millorar els seus processos creatius, superar bloquejos artístics i comprendre millor el funcionament del món de l'art. Independentment del nivell d'experiència, el llibre ofereix eines i consells per desenvolupar una veu artística pròpia i aconseguir els objectius professionals. Està especialment indicat per a aquells que busquen orientació i suport en el seu camí artístic.Temes que tracta el llibre Cómo ser un artistaEl llibre aborda una àmplia gamma de temes rellevants per al desenvolupament artístic. Es centra en proporcionar consells pràctics i exercicis per:Superar bloquejos creatius: L'autor ofereix estratègies i tècniques per desbloquejar la creativitat i mantenir la motivació. S'emfatitza la importància de la perseverança i la pràctica regular.Desenvolupar una veu artística pròpia: El llibre guia el lector en el procés de definir el seu estil personal i desenvolupar un llenguatge visual únic. S'anima a l'experimentació i a la recerca de la pròpia identitat artística.Millorar els processos creatius: S'ofereixen eines per optimitzar les rutines de treball, millorar l'eficiència i desenvolupar una metodologia efectiva per a la creació artística.Comprendre el món de l'art: El llibre proporciona informació sobre el funcionament del mercat de l'art, les relacions entre artistes, galeristes i col·leccionistes, i les estratègies per promocionar el propi treball.Assolir els objectius artístics: Es proporciona orientació sobre com establir metes realistes, desenvolupar un pla de treball i perseverar en el camí cap a l'èxit artístic.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre Cómo ser un artistaEncara no hi ha opinions o crítiques disponibles públicament sobre Cómo ser un artista.
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L'exposició «Un altre fi. LA RESTA. Art i antifranquisme», celebrada a El Born CCM entre el novembre de 2022 i l'abril de 2023, posà l'èmfasi en la resistència cultural d'aquella societat tot reunint obres de dinou creadors contemporanis de diverses generacions que converteixen en matèria artística la memòria dels silenciats pel règim. L'art com a expressió del que no podem oblidar. L'art com a mecanisme per imaginar altres possibilitats. La publicació que teniu entre les mans és el resultat de la reflexió d'un conjunt d'autores i autors a l'entorn d'aquelles realitats que han quedat al marge de la història i sense les quals el relat històric no és complet. Són una al·lusió a les dissidències i a històries personals lligades a la fal·làcia de la transició, la pervivència de la repressió i la injustícia. La memòria històrica ens hauria de servir per suturar els nostres relats personals i col·lectius i per poder-los concretar políticament, més enllà de l'espectacle, i començar, així, a consolidar nous desenllaços.
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Para cultivar la comprensión del planeta y de nuestros semejantes, además de viajar, tenemos el recurso de la gran literatura. Hay un mundo que conocer y en el que perderse, y si nos dejamos guiar por la curiosidad, esta puede llevarnos a un viaje interior que nos cambie a mejor. El mundo es cada vez más pequeño: todos estamos más conectados y podemos explorar el planeta de formas que a nuestros antepasados ni se les habría pasado por la mente. Y, sin embargo, pueden verse divisiones por doquier. Cunde la desconfianza y las falsedades se propagan. Viajar puede ayudarnos a contrarrestar estas tendencias, al igual que lo puede hacer leer sobre las experiencias de otras personas en otras tierras y épocas.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.
