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Llibres d'art
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El Prado en femenino III
Edición a cargo de la comisaria del proyecto Noelia García Pérez, Profesora Titular y directora del Departamento de Arte de la Universidad de Murcia.Español (también disponible en inglés). Rústica con camisa. 12 x 17 cm. 148 páginas.Esta publicación acompaña el itinerario El Prado en femenino III. La reina Isabel de Farnesio (1692-1766) que podrá visitarse en el Museo Nacional del Prado entre el 1 de diciembre de 2025 y el 24 de mayo de 2026.En las dos ediciones anteriores (2022 y 2024), El Prado en femenino ha abordado la actividad coleccionista de estas mujeres desde las postrimerías de la Edad Media hasta 1700, partiendo de Isabel la Católica y estudiando especialmente a las Habsburgo, entre las que encontrábamos figuras señeras como María de Hungría o Isabel Clara Eugenia. Con esta tercera edición inauguramos siglo, el XVIII, y dinastía, los Borbones, y nos centramos en la reina Isabel de Farnesio (Parma, 1692-Aranjuez, 1766), segunda esposa de Felipe V, sin la cual el Museo del Prado sería muy distinto a como lo conocemos, habida cuenta de la cantidad y variedad de obras maestras que, en las salas, ostentan su marca (la flor de lis de los Farnese), testimonio de su sofisticación pero también de su autonomía respecto a los intereses coleccionistas de su regio esposo.
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Árboles
Una extraordinaria colección de más de 300 imágenes que celebran la belleza y diversidad de los árboles.Este exquisito estudio presenta una impresionante secuencia de imágenes a página completa, desde pinturas de paisajes y dibujos botánicos hasta frescos antiguos, ilustraciones de libros antiguos y fotografías contemporáneas, que revelan el árbol como fuente de inspiración a lo largo de la historia.Abarcando continentes y culturas, Árboles refleja la diversidad de su tema, representando secuoyas gigantes, flores de cerezo, palmeras, álamos, ginkgos y otras especies que se encuentran en los biomas forestales de la Tierra, en una amplia selección de imágenes que datan desde la antigua Grecia hasta la actualidad. Más de 300 imágenes incluyen mosaicos de piedra romanos, mitos nórdicos ilustrados, grabados en madera del período Edo e instalaciones de árboles vivos.Comisariadas por un panel internacional de botánicos, naturalistas, historiadores del arte y otros expertos, las imágenes amplían la definición de arte botánico y juntas forman un homenaje vibrante y vital al mundo natural.Los artistas y colaboradores destacados incluyen: Ansel Adams, Yann Arthus-Bertrand, Ruth Asawa, Paul Cézanne, Agnes Denes, Alberto Durero, Caspar David Friedrich, Global Forest Watch, Andy Goldsworthy, Ernst Haeckel, Utagawa Hiroshige, Frida Kahlo, Yayoi Kusama, Sally Mann, Grandma Moses, Marianne North, Pierre-Joseph Redouté, Daniel Roseberry para Schiaparelli, Antoine de Saint-Exupéry, Sebastião Salgado y Yokohama Nursery Co., entre otros.Panel de expertos: Dr. Giovanni Aloi, Dr. Preston Bautista, Dr. Diana Beresford-Kroeger, Fred Breglia, Casey Clapp, Jim Gardiner VMH, Dr. Andrew Hirons, Tony Kirkham MBE, VMH, Margaret D. Lowman, PhD, Carlos Nobre, PhD, John Parker, Anna Pavord and Christiana Payne.
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En este libro se recorre la trayectoria de Choi Ok Yeung, prolífico artista coreano, quien interpreta el paisaje de forma espiritual para traspasar los límites del arte convencional y de los espacios artísticos tradicionales. Para Choi, el paisaje es su taller en el que reinterpreta la naturaleza para, finalmente, volver a ella.Un ciclo regenerativo permanente que expande los límites y difumina los bordes del arte más ortodoxo. Las series que contiene este libro abarcan escultura, pintura, dibujo, obra pública y Land Art, todas atravesadas de intensidad y espiritualidad.• Un libro especialmente atractivo para amantes del arte oriental contemporáneo.• Con textos del crítico de arte Christian Viveros-Fauné.
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La sabiduría de Banksy
40 mensajes de arte urbano Al igual que los antiguos jeroglíficos egipcios, el arte de Banksy comunica mensajes complejos a través de imágenes icónicas. La obra de Banksy invita a reflexionar a quienes la encuentran: sobre los acontecimientos actuales, el papel de una persona en la sociedad, a observar la realidad con un ojo crítico y a hacerse preguntas sobre uno mismo y los demás. Así, este kit de Banksy ofrece 40 símbolos divertidos, relevantes y modernos con los cuales extrapolar mensajes de oráculo. Un kit innovador, que incluye un mazo de cartas y un libro, para plantear las preguntas más amplias y matizadas sobre la vida y nuestro lugar en ella.
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La mezquita de Córdoba
Estas páginas pretenden que recorras la historia de uno de los edificios más sublimes de la humanidad y que lo conozcas como si estuvieras paseando entre sus columnas y contemplando sus patios. Hemos querido acercarnos a cada uno de sus rincones y contemplarlos con capacidad de crítica. Escrito por auténticos expertos en Historia del Arte, al-Ándalus y la ciudad de Córdoba, creemos que su lectura resultará tan singular como ella misma: un espacio ecléctico que ha sabido conjugar y aunar lo diferente enriqueciéndolo. Descubre los secretos y los tesoros de una construcción singular, un ejemplo de diálogo artístico entre culturas y religiones, del que podemos aprender muchísimo hoy en día. «Este antiguo y fantástico palacio posee una magia singular, un especial poder para hacer recordar sueños y cuadros del pasado y para presentarnos desnudas realidades con las ilusiones de la memoria y de la imaginación.» Washington Irving
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Color en el arte y el diseño
* Un manual contemporáneo para navegar por el fascinante mundo del color, que es una de nuestras señales visuales más poderosas, pero es mucho más que simplemente lo que vemos. * Artistas y diseñadores saben que una utilización adecuada del color puede realzar la sensación o el mensaje que intentan transmitir. * Con reseñas de cien colores -los icónicos, los inusuales y los innovadores- le cambiará para siempre la forma en que ve, piensa y utiliza el color. Descompone los conceptos fundamentales de la teoría, la psicología y la tecnología del color en pequeños apartados, con historias resumidas que revelan la importancia histórica y contemporánea de cada color. Introduce ejemplos inspiradores del arte y el diseño de distintas épocas e incluye consejos para elegir colores de forma inteligente y sostenible para cualquier aplicación.
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Cómo dibujar un cocodrilo
Aprende a dominar el mejor lenguaje para conectar contigo mismo: el dibujo.Cómo dibujar un cocodrilo es el libro perfecto para descubrir que el arte del dibujo se puede practicar a lo largo de toda la vida. En el fondo, nadie nace sabiendo dibujar, pero solo los que se dedican a ello conocen esta verdad. Con este práctico método, David Peña Toribio (alias Puño) nos devuelve la ilusión por una de las primeras formas de expresión que aprendemos cuando somos pequeños (como escribir, tocar un instrumento o hablar), pero que, por diversas razones, en seguida olvidamos. A lo largo de estas páginas, no solo nos pondremos manos a la obra con lápiz y papel, sino que también vamos a adquirir las herramientas necesarias para pensar, observar y crear. Aunando teoría y ejercicios muy entretenidos, este libro será útil para lectores de todas las edades. Eso sí, con un objetivo en común: dejar los prejuicios sobre nuestras capacidades creativas atrás y disfrutar de nuestras ideas sobre el papel.
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![Paolo Veronese [1528-1588] - Inglés](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dwd9e3eafb/images/large/1552091.12.jpg?sh=240 "Paolo Veronese [1528-1588] - Inglés")
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Publicado con motivo de la exposición Paolo Veronese (1528-1588), celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 27 de mayo y el 21 de septiembre de 2025.Tras las muestras dedicadas a los Bassano (2001), Tiziano (2003), Tintoretto (2007) y Lotto (2018), el Museo del Prado cierra con Paolo Veronese el ciclo expositivo dedicado a la pintura veneciana del Renacimiento, piedra angular de su colección.El catálogo propone un exhaustivo análisis en torno a la figura de Paolo Veronese (Verona, 1528 – Venecia, 1588), un pintor extraordinariamente reconocido y auténtico heredero de Tiziano. Ahonda en las líneas de investigación en torno a Veronese desarrolladas en las últimas décadas, como el afán por situarlo en contextos más amplios (Rafael, Tiziano, Tintoretto, Palladio, etc.), la relación con la clientela (pública o privada), con la arquitectura y la escenografía, el interés por el proceso creativo y el funcionamiento de la bottega, o su legado artístico.Para el Prado, Veronese es más que uno de los grandes nombres de la historia del arte, es un eslabón fundamental en una forma de entender la pintura veneciana, aquella que primó el color sobre el diseño y que constituyó el ADN de la antigua colección real y del actual museo.El catálogo se abre con una introducción a cargo de los dos comisarios de la muestra, Enrico Maria Dal Pozzolo, profesor de la Università di Verona, y Miguel Falomir, director del Museo Nacional del Prado, seguida de once ensayos escritos por especialistas internacionales en la figura del pintor que analizan aspectos de su vida, su proceso creativo y su influencia cultural. Entre los ensayistas están Francesca Trivellato, Ana González Mozo, Michel Hochmann o Deborah Howard. A continuación, una extensa sección dividida en seis partes, precedida cada una de un texto introductorio, en las que se reproducen las 103 obras de la exposición y que recorren cronológicamente la trayectoria del pintor, situando a este además en relación con otros maestros de su tiempo. El libro se cierra con una extensa y precisa Cronología, una Bibliografía y un índice onomástico.
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Atlas de lugares imaginados
* Una impresionante recopilación de geografía y topografía ficticias, extraídas de los libros, películas y producciones televisivas favoritos del público. Un caleidoscopio de edificios inventados, pueblos, países, bosques, montañas, ríos y océanos, naufragios y ciudades sumergidas que cobra vida en estos hermosos mapas ilustrados. Descubra los paisajes legendarios de la Atlántida o El Dorado, atraviese las tundras heladas de Arendelle o dese un (rápido) chapuzón en las cálidas aguas de Amity Island. Pasee por las calles de Metropolis, Erinsborough, Walford o Springfield, y deténgase a admirar los imponentes chapiteles de Downton Abbey y Hogwarts por el camino. Utilice el extenso índice para localizar sus creaciones favoritas de películas, series de televisión, literatura y videojuegos, así como para descubrir bromas y estafas notorias, lugares secretos de entrenamiento militar y famosos errores políticos. Con más de 5000 ubicaciones mapeadas en todo el mundo, es posible que reconozca el paisaje ficticio de su propia ciudad natal o que llegue a los rincones más remotos del planeta. Desde los bosques de los cuentos de hadas de Grimm, los doce distritos de Los juegos del hambre que abarcan los Estados Alterados de América del Norte, las costas caribeñas de La isla del tesoro, el País de Nunca Jamás y el mundo perdido infestado de dinosaurios, hasta las luces de neón de las ciudades japonesas habitadas por robots y personajes de anime de Japón, en estas páginas hay algo para cada tipo de explorador.
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El museo ¿un proyecto inacabado?
¿Para qué sirve un museo? Durante años multitud de activistas y gestores culturales han experimentado, también desde lo institucional, con las respuestas posibles a esa pregunta, explorando los límites del arte, su función política en sociedad y los condicionantes que impone ese particular marco que llamamos museo. Este ensayo nos ayudará a profundizar en la reflexión tomando como sujeto de estudio la práctica desarrollada en el Museo Reina Sofía durante el mandato de Manuel Borja-Villel. Durante algo más de una década se desarrollaron allí programas, proyectos y dispositivos de relación y negociación con comunidades y movimientos sociales que partían de un cuestionamiento crítico de los marcos institucionales. Se pretendía con ellos desbordar los lazos que vinculan al museo con la sociedad en la búsqueda de una profundización de sus fundamentos democráticos.Aunque estos procesos son en buena medida una singularidad, casi una anomalía, dentro del marco del museo neoliberal que se impuso en España desde la década de los 90, sin embargo, como se narra aquí, tiene sus raíces en el rol que se otorgó al arte.
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Monstruos
¿Cómo nos relacionamos con el arte en la era de la cancelación? ¿Podemos llegar a amar al genio y su obra a la vez que detestamos al monstruo? Un inteligente ensayo que nos enfrenta a nuestros dilemas morales y contradicciones.¿Podemos apreciar la obra de artistas como Hemingway, Sylvia Plath, Miles Davis, Polanski, Woody Allen o Picasso? ¿Deberíamos? La escritora Claire Dederer se propuso indagar en la relación que tenemos con la obra de aquellos artistas a quienes admiramos, al tiempo que lidiamos moralmente con su personalidad, en ocasiones monstruosa. Desde Michael Jackson hasta Virginia Woolf, la autora se cuestiona cómo conciliar nuestra indignación y desprecio con el amor profundo que sentimos por el arte. Y va más allá: ¿la monstruosidad masculina equivale a la femenina? ¿Si una artista es también madre, una identidad rompe fatalmente con la otra? Este libro, precedido de un gran éxito de crítica, ahonda en la disonancia cognitiva propia de una época en la que hemos dejado de transigir ante el genio por la mera razón de serlo, pero plantea también importantes reflexiones sobre la pervivencia de su obra y sobre su concepción misma: dado que el arte tiene el imperativo de retratar los elementos más oscuros de la psique, ¿no se expone a apropiarse de ellos? Es más, ¿qué ocurre cuando el artista contempla el abismo durante demasiado tiempo? ¿No puede estar siendo víctima de su propia genialidad? Con atino, brillantez y la honestidad de quien se enfrenta a sus propios dilemas morales, Dederer ha logrado una obra trascendental y compleja que eleva el debate intelectual.
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Entre la memòria íntima, l'observació culta i l'anàlisi social, Ibarz condensa un conjunt d'idees per establir una relació directa amb les obres d'art, siguin del tipus que siguin. Intel·ligència, sensibilitat i claredat expositiva en un llibre exquisit. Professora d'art i cronista d'exposicions durant una bona colla d'anys, els punts de vista de Mercè Ibarz sobre qüestions artístiques són sempre personals, fonamentats i d'una gran lucidesa. En aquest llibre convida el lector a enfocar la mirada i establir una relació directa amb les obres.Entre la memòria íntima, l'observació culta i l'anàlisi social, No pensis, mira és un assaig exquisit i estimulant, una mostra més de la intel·ligència, la sensibilitat i la claredat expositiva que defineixen l'autora.¿A qui va dirigit el llibre No pensis, mira?Aquest llibre s'adreça a un públic ampli interessat en l'art i la seva experiència. Es presenta com una invitació a una relació personal i directa amb les obres d'art i les exposicions. El seu enfocament és accessible tant per a aquells amb coneixements previs en art com per a aquells que s'hi apropen per primera vegada. La claredat expositiva de l'autora facilita la comprensió dels conceptes plantejats, convertint-lo en una lectura enriquidora per a un públic divers. L'obra es presenta com una proposta estimulant per a qualsevol persona que desitgi aprofundir en la seva pròpia experiència amb l'art, més enllà de la simple contemplació.Temes que tracta el llibre No pensis, miraNO PENSIS, MIRA explora la relació personal i individual que cada persona estableix amb les obres d'art i les exposicions. L'autora, amb la seva experiència com a professora d'art i cronista d'exposicions, convida el lector a enfocar la mirada i a establir una connexió directa amb les peces artístiques. El llibre es centra en la importància de l'observació, la memòria íntima i l'anàlisi social com a eines per comprendre i apreciar l'art. Es tracta d'una reflexió sobre l'experiència estètica, que combina l'observació culta amb l'experiència personal i la perspectiva social. El llibre no es limita a una simple descripció d'obres d'art, sinó que aprofundeix en la manera en què aquestes interactuen amb la memòria, la cultura i la societat, convidant a una experiència més completa i significativa. S'aborda la relació entre l'espectador i l'obra d'art, promovent una mirada activa i reflexiva.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre No pensis, miraEncara no hi ha opinions o crítiques sobre No pensis, mira.
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Breve historia del arte oriental
ISLAM, INDIA, SUDESTE ASIÁTICO Y EXTREMO ORIENTEConozca las grandes civilizaciones de Oriente: el Islam y su expansión por al-Ándalus, la península del Indostán, el Sudeste Asiático, la isla de Java y el Extremo Oriente. Un contenido imprescindible para adentrarse en el conocimiento de una de las más interesantes épocas de la historia del arte universal. Con Breve historia del arte Oriental el lector tiene la oportunidad de conocer las grandes civilizaciones asiáticas, desde Oriente Medio hasta el Asia Central. Recorrerá el enigmático subcontinente hindú y la maravillosa isla de Sri Lanka, pasando por el impresionante Sudeste Asiático y su conjunto de antiguas civilizaciones semi escondidas en la maraña de la selva (Tailandia, Myanmar, Camboya, Laos, Vietnam), hasta el Lejano Oriente, con las milenarias civilizaciones china y japonesa, además de la poética cultura coreana. Un contenido tan amplio como apasionante, imprescindible para adentrarse en el conocimiento de una de las más interesantes épocas de la historia del arte universal, que ejercen una innegable fascinación entre las gentes de Occidente por la grandiosidad de sus realizaciones arquitectónicas y su estética de permanente barroquismo y fantasía decorativa en constante horror vacui.
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Architectural Pottery
Los diseños sorprendentemente minimalistas de Architectural Pottery anunciaron nuevos artículos para el hogar que podrían acentuar de manera única el hogar moderno, por dentro y por fuera. Formalmente expresivos pero accesibles, sus macetas y jardineras elegantes, refrescantes y sin adornos, fueron recibidas con entusiasmo por el público tras el lanzamiento de Architectural Pottery en 1950, y pronto se hicieron omnipresentes en espacios que representan el epítome de la vida moderna.Muy codiciados y apreciados en los círculos del diseño, fueron vistos en casas de Richard Neutra, John Lautner y las históricas Case Study Houses, y aparecieron en la primera de las legendarias exposiciones Good Design del MoMA junto con los ahora icónicos diseños de Ray y Charles Eames, Alexander Girard y George Nelson. Durante tres décadas, Architectural Pottery también desarrolló innovaciones en la producción de gres, se expandió a muebles de fibra de vidrio e incluyó al famoso diseñador de muebles Paul McCobb y al escultor David Cressey en su lista de diseñadores.El sueño de un entusiasta del diseño moderno de mediados de siglo, Architectural Pottery: Ceramics for a Modern Landscape es la primera historia completa de esta célebre e influyente marca. Ricamente ilustrado con fotografías contemporáneas y extenso material visual de archivo, incluidos los registros de los fundadores Rita y Max Lawrence, y los archivos personales de diseñadores, directores de arte y fotógrafos asociados con la empresa, cuenta una historia convincente y es un recurso valioso. para coleccionistas e interioristas.La publicación de este nuevo libro coincidirá con una importante exposición en el Museo Americano de Arte Cerámico en Pomona, California.
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Autoconstrucción
Esta selección de reflexiones de John F. C. Turner quiere acercar al lector en español escritos poco conocidos del arquitecto, textos que abarcan todo su recorrido vital y apenas han sido traducidos al castellano, algunos incluso inéditos en inglés: informes para agencias internacionales, artículos en prensa política y reflexiones nunca publicadas sobre la construcción del lugar en los que el autor sigue todavía trabajando. Hablan por supuesto de autoconstrucción, la faceta más conocida de Turner, pero amplían las claves fundamentales de su pensamiento insistiendo en su visión relacional de la vivienda y una constante reflexión holística sobre la construcción del espacio inspirada en Patrick Geddes. Este volumen es el resultado de largas horas de conversación y consulta de su biblioteca y archivo. Una bibliografía completa cierra el volumen.
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Árboles en el arte
Desde majestuosos y ancianos robles hasta frondosos bosques de abetos, Árboles en el arte reúne una magnífica selección de obras que representan la belleza de los árboles y paisajes arbóreos.Los álamos de Monet, los cipreses de Van Gogh o el espléndido pino que daba sombra a Georgia O’Keeffe en Nuevo México son solo algunas de las maravillas recogidas en esta compilación que, acompañada de textos explicativos sobre los artistas y sus creaciones, hará las delicias de los amantes del arte y la naturaleza.
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Joan Miró: regreso al Mediterráneo
En Palma de Mallorca, en la imaginaria 'playa' que rodea el homérico Mediterráneo, Joan Miró instalará en 1956 su taller definitivo. Desde ahí trabajará para devolver a su arte la fuerza de la voz coral, capaz de someter, con la memoria de la historia y el gesto del oficio, la materia a las formas del espíritu.
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El sombrero de Vermeer
A partir de la descripción pormenorizada de algunos de los cuadros más emblemáticos del pintor de Delft, Brook estudia el súbito intercambio de mercancías a escala global, entre Europa, América y Asia,que se desarrolla a lo largo del siglo XVII. Es la historia de las expediciones para penetrar en nuevos territorios y el comercio de tabaco, porcelana y otros objetos que pronto causaron furor en el mundo entero. También es la historia del choque de civilizaciones entre Europa y Asia, el papel de los jesuitas en China y Japón, los naufragios, los abordajes de piratas, las guerras de conquista, el sometimiento delos pueblos nativos. Es, en muchas de sus páginas, un auténtico libro de aventuras. Una apasionante historia de la economía y la cultura de la época.
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Guía completa de dibujo. Dibujo
¿Siempre te ha gustado dibujar y te gustaría desarrollar tu habilidad con técnica profesional? Sigue esta guía paso a paso y sorpéndete de lo que eres capaz de hacer* Repleto de ejercicios bien estructurados que le enseñarán las diversas técnicas de dibujo desde cero, muy fáciles de seguir. * Con plantillas que le proporcionan el espacio suficiente para hacer sus propios dibujos. Tómese su tiempo y siga las lecciones paso a paso, para asegurar el éxito en el aprendizaje. * Mejore sistemáticamente sus habilidades, desde ejercicios simples hasta actividades de dibujo magistrales. La gama de temas abarca desde flores, árboles, animales, paisajes y arquitectura hasta retratos y bodegones. Una obra cuidadosamente recopilada desde un punto de vista didáctico. El único requisito necesario para el aprendizaje es la paciencia para seguir esta guía de dibujo paso a paso.
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Punto y línea sobre el plano
Aparecido en 1926, Punto y línea sobre el plano es la continuación orgánica de otro texto de Kandinsky también publicado por Paidós, De lo espiritual en el arte, y debe su origen, en su mayor parte, a la tarea que su autor había asumido en la Bauhaus desde 1922. En efecto, tanto en su pintura como en sus ideas estéticas, Kandinsky mostró siempre una personalidad absolutamente vanguardista y provocadora de acaloradas polémicas. Y, en este sentido, la presente obra es uno de sus trabajos fundamentales, ya que, a la par que una esclarecedora contribución al análisis de los elementos esenciales del quehacer pictórico, constituye una aportación básica a la búsqueda de un método genérico para las investigaciones de las ciencias artísticas. El libro, finalmente, también revela a Kandinsky como un artista apasionado y siempre deseoso de explicar y explicarse las razones primeras y más profundas de esa extraña y singular aventura que es la creación artística.
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Aquest volum inèdit aplega quinze assaigs breus de Colm Tóibín, triats d'entre els més de quaranta que ha escrit sobre artistes i les seves obres els darrers vint anys. És un llibre sobre art, especialment sobre una determinada manera de mirar i de deixar-se captivar, una manera de llegir i de narrar. Tota obra de creació, ja sigui plàstica o literària, té un punt de partida, de vegades tot just una marca en una tela o una paraula en un full en blanc, un desllorigador per deixar volar la imaginació. Miró, Calder, Barceló, Tàpies, Bacon, Arbus, Freud, Sargent, Lotto, Tintoretto, Goya... evidencien que la imaginació, quan treballa, està sempre sola, i que aquell moment inicial de concentració furiosa i única de l'acte creatiu només la intel·ligència pot decantar-lo o moderar-lo. Al prefaci que obre el llibre, Tóibín suggereix que segurament deu a la pintura el fet d'haver-se posat a escriure.Deixa't seduir per la bellesa i el misteri que s'amaguen darrere de cada pinzellada i cada obra d'art amb La mirada captiva, una col·lecció d'assajos de l'aclamat escriptor irlandès Colm Tóibín. En aquest volum, que aplega quinze textos inèdits escrits al llarg de vint anys, Tóibín ens convida a un viatge íntim i personal per l'univers de la creació artística. No es tracta d'un manual d'història de l'art, sinó d'una exploració apassionada sobre l'acte de mirar, de deixar-se atrapar per una imatge i de com aquesta experiència pot transformar la nostra percepció del món.Amb una prosa elegant i propera, l'autor ens guia a través de les vides i les obres de grans mestres. Des de la relació entre Miró i Calder fins a la intensitat de Bacon o la carnalitat de Lucian Freud, passant per la genialitat de Goya, Tintoretto o Tàpies. Tóibín s'endinsa en el moment precís de la creació, aquell instant de concentració furiosa on l'artista es troba sol davant la tela en blanc, donant forma a la seva imaginació. És una reflexió profunda sobre com neix l'art i com, a través de la seva mirada, podem connectar amb les emocions i les circumstàncies vitals dels creadors. El mateix autor suggereix al prefaci que, probablement, va ser la pintura el que el va impulsar a començar a escriure, una confessió que revela la profunda connexió entre les diferents formes d'expressió artística.A qui va dirigit el llibre La mirada captiva?Aquesta obra és ideal per a qualsevol persona amb sensibilitat artística, ja siguin amants de la literatura, la pintura o simplement curiosos per entendre el procés creatiu. No cal ser un expert en art per gaudir d'aquests assajos; només cal tenir ganes de descobrir una nova manera de mirar i d'apropar-se a les obres amb una perspectiva fresca i humana. És un llibre perfecte per a lectors que busquen una lectura estimulant, que combini la profunditat de l'assaig amb el plaer d'una narració propera i personal.Temes que tracta el llibreLa mirada captiva explora una sèrie de temes interconnectats que giren al voltant de l'art i la seva relació amb la vida:El procés creatiu: Tóibín analitza l'instant solitari i decisiu en què l'artista inicia la seva obra, explorant la barreja d'imaginació, intel·ligència i emoció que defineix l'acte de crear.La relació entre art i vida: El llibre indaga en com les circumstàncies personals, les amistats i el context històric dels artistes, com la relació entre Miró i Calder, influeixen directament en les seves creacions.L'acte de mirar: Més enllà de la tècnica, l'autor posa l'accent en la importància de la mirada de l'espectador, en com ens deixem captivar per una obra i en la narrativa que construïm a partir d'aquesta experiència.Anàlisi de grans artistes: S'ofereixen radiografies humanes i artístiques de figures clau com Francis Bacon, Lucian Freud, Goya i Diane Arbus, entre d'altres, des d'una perspectiva íntima i reveladora.El simbolisme del color: Un dels assajos més destacats explora la història i l'evolució del color blau, des de l'antiguitat fins a l'actualitat, en un text que combina l'erudició amb el relat autobiogràfic.En general, la crítica coincideix a descriure La mirada captiva com una col·lecció d'assajos d'alt voltatge que, amb un estil vigorós i accessible, aconsegueix apropar el lector a l'art d'una manera sorprenent i profundament humana.
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Siempre rojo
El título Siempre rojo no implica que nunca fuera a cambiar. Quería decir con ello que nunca comprometería mi oposición a la cultura y la sociedad burguesas. Publicados por primera vez en 1960, los ensayos reunidos en este libro fueron escritos entre 1954 y 1959 en forma de artículo para la revista marxista New Statesman, con la que John Berger colaboró durante más de una década. En evidente oposición al gusto burgués -de ahí el título-, el crítico de arte nos acerca de forma íntima y cálida a varios artistas, algunos de ellos minoritarios o desconocidos en ese momento, para hablarnos de sus dificultades y sus luchas, sus éxitos y sus fracasos. Una nueva mirada muy lejana a la de la historiografía convencional de quien comprende el arte y el artista en el contexto cambiante de la historia.
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Informe Madelman 2
Los Madelmanes fueron durante su intensa vida un referente en el mundo de los muñecos articulados, y el sueño de miles de niños quejugábamos con ellos. Este segundo volumen continúa mostrando los muñecos más maravillosos de nuestra niñez. Podréis contem
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Peintre d'un talent remarquable et d'un grand succès auprès de la haute bourgeoisie européenne et américaine, l'œuvre de l’américain John Singer Sargent (Florence, 1856 – Londres, 1925) suscita cependant des critiques très sévères, notamment de la part de Roger Fry, l’un des principaux représentants de la critique d’art britannique. La controverse qui s'ensuivit permettra à Sargent de partager ses réflexions sur la peinture de son époque.
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Breve tratado del arte involuntario
El famoso jardinero francés Gilles Clément nos habla de un arte involuntario que, aunque parece pasar desapercibido, somos capaces de ver si estamos atentos a él.El arte involuntario es un arte poco estimado, pues no es premeditado, flota en la superficie de las cosas. No tiene peso, pues la sociedad no se lo da. Es un arte sin estatus, sin discurso, tan carente de mensaje que uno puede leerlo, finalmente, por lo que representa -una figura del azar- sin estar obligado a llevarlo más allá de sus propios límites. Es un arte desvalido, privado de acciones y misiones oportunas, se zafa de la política, se muestra con prisa y desaparece de inmediato. Privado de consistencia útil, nadie puede sacar partido de él porque no pertenece a nadie. Es un estado de ser fugaz y sutil. A veces una luz.
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Expresiones de la locura
El poeta Paul Éluard describió ''Expresiones de la locura'' como ''el libro de imágenes más bello que ha existido''. Su autor, Hans Prinzhorn, fue poeta amateur, músico, dibujante aficionado, historiador del arte, filósofo y psiquiatra. Su personalidad entusiasta se ve reflejada en el texto, que tiene su correlato en la configuración de una gran colección de obras que vienen de manicomios de todo el mundo. Desde su publicación en 1922, el volumen fascina a artistas como Paul Klee, Max Ernst, Pablo Picasso o Salvador Dalí: algunos lo han considerado uno de los manantiales secretos de donde beben las vanguardias. Se trata, además, de uno de los primeros textos en realizar un análisis artístico de piezas realizadas por ''locos'', y resulta fundamental para la posterior configuración de categorías como el ''art brut'' o el ''outsider art''. Entre sus páginas aparecen relatos de personas que pintan sobre papel higiénico o esculpen con miga de pan. El libro es también la historia de la irrefrenable necesidad creadora del ser humano, a pesar de todo, y en las circunstancias más adversas.
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Guía completa dibujo. Anatomía, modelos, figuras y poses
* Repleta de consejos útiles y detalladas lecciones, esta guía es el recurso perfecto para aquellos artistas que busquen pulir el estilo y la técnica. * ¿Quiere aprender a dibujar la anatomía humana de manera rápida, segura y con éxito? * Conocimientos básicos e instrucciones prácticas con información completa sobre el material, la observación correcta, la colocación y posicionamiento de sus modelos o sujetos y la composición de la imagen adecuada. Debido a que los conocimientos básicos de anatomía resultan imprescindibles para el dibujo de la figura humana, se proporciona la información fundamental sobre ella, así como sobre las proporciones, en un capítulo especialmente destinado a ello. En la amplia sección de ejercicios encontrará una gran variedad de retratos de niños y adultos, personas en reposo y movimiento, desnudos interesantes y detalles de la boca, la nariz, el cabello, y un largo etcétera. Incluye numerosos ejercicios paso a paso, tanto para principiantes como para aquellos que ya cuentan con un nivel más avanzado, quienes podrán aplicar con facilidad diversas técnicas, desde ejercicios con los dedos hasta obras de arte magistrales. Completa el libro una breve pero fascinante introducción al mundo del manga.
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Pintura. Técnicas artísticas
Domina más de 80 técnicas de pintura con talleres paso a paso y consejos de artistas profesionales Para principiantes o expertos, aprende a pintar con acuarelas, óleos y acrílicos y descubre todo lo que necesitas saber sobre tonos, colores, patrones, pinceladas y composición, con consejos detallados para pintores principiantes, intermedios y avanzados. Lostalleres paso a paso completamente ilustrados de artistas profesionales te guían a través de más de 80 técnicas de pintura, que incluyen lavado plano, piel, efectos escultóricos o empaste. Todas las técnicas van acompañadas de ejercicios y proyectos inspiradores para ayudarte a desarrollar tus habilidades, descubrir tu propio estilo y crecer como artista.Domina cada aspecto de la pintura con esta guía esencial, desde elegir un tema hasta enmarcar tu primera obra. Cualquiera que sea tu nivel, puedes aprender a pintar con confianza y tal vez crear una obra maestra.
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Cuando haya leido este libro ¡sabrá dibujar caras!
Este libro va dirigido a cualquiera que quiera mejorar en el dibujo del rostro humano, ya sea si empieza desde cero o es un artista más experimentado. Desde las estructuras faciales básicas hasta los rasgos más detallados, aprenderá los fundamentos del retrato, además, le proporcionará el espacio necesario para practicar en sus páginas. Aprenda a comprender la anatomía y la forma, emplear la luz y la sombra, realizar bocetos de perfil y de frente, dibujar detalles como el cabello y las arrugas y captar el parecido y las expresiones. Cada capítulo cuenta con espacio suficiente para que practique los bocetos directamente sobre la página. ¡Tome un lápiz y descubra el placer de dibujar caras!
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Sobre los artistas. Vol. 2
En esta antología completa de sus ensayos sobre artistas, John Bergernos revela su forma de ahondar en una obra de arte. Sus textos no solonos sumergen en la singularidad de cada creación artística, sino que vanmucho más allá y nos conducen con maestría entre lo personal, locultural y lo político. No en vano Berger es considerado uno de losintelectuales europeos más importantes de nuestro tiempo y uno de loscríticos que ha sacudido los cimientos de nuestra concepción del arte yel lenguaje visual reformulando su papel en la cultura contemporánea.En este segundo y último volumen dedicado a los artistas, el críticobritánico nos introduce en el advenimiento de la modernidad con la obrade Claude Monet hasta llegar a Randa Mdah, una artista palestina nacidaen 1983. Al igual que en el primer volumen, que arrancaba con laspinturas prehistóricas de la cueva de Chauvet hasta llegar a PaulCezánne, los ensayos han sido compilados por Tom Overton a partir de losarchivos que Berger donó aun en vida a la British Library. Del conjuntode textos se desprende nuevamente la mirada incisiva y siempresorprendente de Berger, una mirada que se materializa en una prosaigualmente directa e iluminadora. En definitiva, una ediciónimprescindible para conocer el gran legado teórico y vivencial de JohnBerger.
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L'art en joc és una col·lecció de llibres perquè els infants descobreixin l'art dels segles xx i xxi. A mesura que passem les pàgines, una obra del Centre Pompidou se'ns revela a través d'imatges, preguntes, sorpreses gràfiques, jocs... Una invitació a mirar de manera lúdica l'art actual. Com en un decorat d'òpera, David Hockney escenifica L'arribada de la primavera a Woldgate en un bosc misteriós. Al llarg de les pàgines, l'infant adopta la mirada dels animals que l'habiten: què veu la formiga amagada entre l'herba? I la guineu arraulida al sotabosc? I l'ocell que s'enfila a la capçada dels arbres?
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Escritos Marcel Duchamp
José Jiménez ha llevado a cabo una exhaustiva tarea de revisión y anotación de los textos, fijando la terminología para su mejor comprensión en nuestra lengua.Duchamp supo anticipar los nuevos horizontes el arteen el mundo actual. En su trabajo las obras, las imágenes y los objetos elegidos, los textos, y su desdoblamiento en un alter ego femenino como Rose Sélavy, se integran en una misma unidad.
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La mirada inquieta (edición especial)
La divulgadora del momento te explica por qué el arte es para todos. Edición especial revisada con ilustraciones.Edición especial revisada con ilustraciones. Para entender el arte no hace falta ser un experto. «Ve más allá de lo que nos han contado.»La Sexta «Una de las divulgadoras de arte más seguidas en castellano.»El País «Muy interesante y fácil de seguir. Un libro que valdría la pena solo por cómo transmite el respeto al arte contemporáneo, lo contextualiza y le da sentido.»La Voz de Galicia Eugenia Tenenbaum revive en este libro períodos históricos desde la Antigüedad hasta el siglo xx, con el objetivo de disfrutar de las obras de arte que vieron la luz en esas épocas. Gracias a su voz cercana y rigurosa, nos reconciliaremos con el placer inmenso que nos ofrece el arte sin otro requisito que nuestras ganas. A lo largo de todo el recorrido, sin embargo, se nos obligará a volver a mirar, una y otra vez, para encontrar algo nuevo. Porque cuestionar lo que sabemos es la única manera de comprender mejor quiénes somos, y de conseguir que el arte sea algo para todos.
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El Quattrocento
En este iluminador ensayo, Rafael Argullol traslada al lector al núcleo artístico de la Italia del siglo xv, la Toscana, en un momento crucial de la historia. Las circunstancias políticas, económicas, sociales y culturales del denominado Quattrocento sentaron las bases de uno de los episodios culturales más trascendentes de nuestra civilización: el Renacimiento. Argullol analiza de forma rigurosa y amena las características plásticas, arquitectónicas y literarias del período, así como las tensiones culturales que la irrupción del humanismo produjo en la sociedad tardomedieval. Un acercamiento tan fundamental como sugerente al lento pero imparable advenimiento del hombre moderno.
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Dynamic Human Anatomy
Anatomía humana dinámica continúa donde termina Anatomía humana básica y ofrece a los artistas y estudiantes de arte una comprensión más profunda de la anatomía, incluida la anatomía en movimiento, y cómo esa habilidad esencial se aplica a la creación de bellas artes figurativas.
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Rojo. Historia de un color
El rojo fue el primer color que el hombre dominó en la sociedad occidental, tanto en la pintura como en la coloración. Probablemente por eso fue durante mucho tiempo el color «por excelencia», el más rico desde el punto de vista material, social, artístico, onírico y simbólico. Admirado por griegos y romanos, el rojo era símbolo de poder, riqueza y majestuosidad en la Antigüedad. En la Edad Media adquirió una fuerte dimensión religiosa, evocando tanto la sangre de Cristo como las llamas del infierno. Pero era también, en el mundo profano, el color del amor, la gloria y la belleza, así como el del orgullo, la violencia y la lujuria. En el siglo XVI, la moral protestante entró en guerra contra el rojo, en el que veían un color indecente e inmoral, ligado a las vanidades del mundo y a la ''teatralidad papista''. A partir de entonces, en toda Europa, tanto en la cultura material como en la vida cotidiana, el rojo entró en declive. Este ocaso atraviesa toda la era moderna y contemporánea y se acentúa con el paso del tiempo, aunque adquiere nuevos simbolismos y significados, sobre todo a nivel ideológico. Esta edición aporta la representación de distintas tonalidades de rojo para acompañar la lectura fascinante de la historia de este color.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.