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Sirva Picasso para recorrerlo con la pregunta que rige estas páginas: la que indaga en las fuerzas con las que la pintura conquista su saber más propio —ni recibido ni transferible—, el que consiste en resistirse con furia y determinación al sentido verbalizado. ¿Qué saben, entonces, las obras de Picasso de tal modo que su voluntad de poder radique en no prestarse a decirse? Saben poseerse en sus fuerzas páthicas, trágicas, plásticas. Tres nociones —y tres regímenes sucesivos en el conjunto de su obra— referidas a cómo aprenden a hacerse presencias. Para confrontarse con las mañas del usurpador, para «quitarse de encima» —pintar para quitar— cuanto no contribuya a la culminación plástica de las líneas, las formas, los colores, arrancando las figuras a la figuración, para conseguir que los profanadores permanezcamos fascinados y ofuscados, rebajados a no poder entender. Las imágenes emergen, así, plenas de insolencia, soberbias, vengadoras, dionisíacas, demoníacas, destructoras del sentido y sus distancias. Enloquecedoras de todo atisbo de racionalidad definitoria. Heráclito, Aristóteles, Kant, Nietzsche, Bachelard, Deleuze, Lyotard…, nos prestarán sus útiles para merodear el corpus ingente de Picasso, resultando de estos encuentros entre lo plástico y los teóricos una potencia inexpugnable, dichosamente ajena a las retóricas del museo. Un Picasso imprevisto.
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Una valiosa y estimulante colección de ensayos, críticas y entrevistas de la influyente autora de Todo sobre el amor.«Debe haber una revolución en nuestra forma de ver, en nuestra forma de mirar». En esta colección de ensayos, críticas y entrevistas, bell hooks responde a los diálogos vigentes sobre la producción, la exposición y la crítica del arte y de la estética en un mundo cada vez más preocupado por la política de identidad. La autora comparte su propia experiencia con el poder transformador del arte a la vez que explora temas que van desde el arte en la educación hasta la política del espacio o la imaginación como herramienta revolucionaria, y desde su perenne preocupación por la lucha liberadora, hooks analiza la política visual en el marco de cómo el arte puede ser una fuerza empoderadora y revolucionaria dentro de la comunidad negra. A través de diálogos con artistas como Carrie Mae Weems y Alison Saar, y del estudio de la obra de Jean-Michel Basquiat y Félix González-Torres, Pensar el arte se presenta como una obra generosa y expansiva que no deja de cobrar relevancia desde su primera publicación en 1995. Esta obra es una guía esencial para comprender la contemporaneidad, y un texto fundamental para cualquier lector interesado en crear y fomentar una cultura artística democrática.
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La cerámica es, quizá, el tipo de objeto que más representa la evolución cultural del ser humano, que a lo largo de los milenios ha ido plasmando en ella sus necesidades, sus conocimientos técnicos y sus ideales estéticos. A lo largo de este trabajo intentaremos desentrañar las causas que impelían a una persona a decidir uno u otro destino para sus recipientes de cocina agrietados o su vajilla de lujo rota o desportillada. También desvelaremos las distintas técnicas y materiales que han llegado hasta nosotros, estableciendo una clasificación y tipología mediante la que podamos comparar e identificar nuevos hallazgos.
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Continúa la saga Dragonlance (D&D).Han pasado los años. Caramon y Raistlin han entablado amistad con personajes tan dispares como un kender, un enano y un semielfo, quien, a su vez, conoce a Kitiara, hermanastra de los jóvenes Majere. Una primavera, Raistlin recibe una misiva del Cónclave de Hechiceros en la que lo emplazan a acudir a la Torre de la Alta Hechicería de Wayreth, donde deberá someterse a la Prueba. Los dioses requieren una espada bien templada para la guerra que se avecina contra las fuerzas del Mal, y Par-Salian quiere que esa espada sea Raistlin.
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Sopa de tomate contra un Van Gogh, manos pegadas a los marcos de un Goya. ¿Vandalismo ciego o el acto de protesta más lúcido de nuestro tiempo? En este ensayo tan deslumbrante como provocador, el historiador del arte Manu Martín argumenta con una contundencia arrolladora que la profanación de los símbolos no es un sacrilegio, sino una herramienta histórica de protesta y crítica sin parangón. «Una herejía ilustrada» que demuestra que, para rescatar el arte, a veces hay que «atacarlo». Con la precisión de un bisturí, Martín disecciona el concepto de «Patrimonio» para revelarlo como lo que a menudo es: una poderosa «religión civil». Una fe que nos enseña a venerar una cultura de élites mientras esteriliza las obras en templos-museo. Frente a esta liturgia, reivindica un patrimonio vivo, y por lo tanto político, que lejos de ser un panfleto se muestra como un riguroso recorrido histórico que va desde las «hogueras de las vanidades» del florentino Savonarola, hasta las sufragistas que acuchillaron la «Venus del espejo» para defender los cuerpos reales de las mujeres, llegando a los activistas que hoy usan el Prado y otros museos como altavoces globales. Martín demuestra que estas acciones no atacan el arte, sino que lo utilizan -además, sin dañarlo de manera real- para devolverle la vida que la institución les ha arrebatado. «Contra el patrimonio» es un manifiesto que nos invita a cometer el acto más liberador: dejar de rezar ante la cultura para empezar a usarla. Una obra valiente, polémica y destinada a convertirse en una referencia ineludible para entender las batallas culturales de nuestro presente.
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Delve into the mystical world of Swedish artist Hilma af Klint, whose work from the early 20th century has only recently gained critical attention. An early pioneer of abstraction, af Klint created immersive, colorful paintings filled with geometric variations and biomorphic shapes.
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¿De qué se ocupa la historia del arte, con qué medios y cómo se interpreta? Estas son algunas de las preguntas que se plantea el autor y a las que da respuesta en este ensayo profundo y necesario.Este libro no está pensado como una suma de conocimientos para ser memorizados sobre cómo hacer historia del arte, sino para entender cómo se ha hecho esa ordenación de objetos y fenómenos extraordinarios y para ahondar más en su placer.El autor invita a ejercitarnos mediante la visita a los museos para desarrollar una gimnasia visual, consistente en mirar sin prejuicios las obras de arte y preguntarse por qué el hombre es el único animal que deja huellas visuales que traspasan el tiempo.Esta obra no elude una visión crítica sobre cómo en España y en el mundo de la historia del arte ''después de cuarenta años de cerramiento al arte contemporáneo, han desembarcado frecuentemente amas de casa y literatos, ingenieros y arquitectos fracasados, siendo consagrados en su nuevo oficio por gacetilleros sin empleo fijo''.
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Ya sean dentaduras con incrustaciones de diamantes, cadenas de gran tamaño, relojes Rolex y Patek Philippe o un collar Tiffany, las joyas son la piedra angular de la cultura hiphop. Las joyas deslumbrantes son una declaración de una identidad colectiva: descarada, carismática y conocedora de la calle.Ice Cold: A Hip-Hop Jewelry History es una impresionante compilación de narraciones e imágenes que abarca la historia de la joyería hiphop desde la década de 1980 hasta la actualidad. Cientos de imágenes extraordinarias de los principales artistas de hiphop ponen de manifiesto cómo el brillo se ha convertido en una proclamación de identidad y autoexpresión.Al principio fueron los colgantes de oro de Adidas de Run-DMC, las ostentosas cadenas de cuerda dookie y los medallones de Mercedes, más adelante, la cultura sustituyó al estilo callejero. La tradición del hiphop de ''hacerse ver y ser visto'' alcanza nuevas cotas con artistas como Pharrell Williams, Jay-Z, Gucci Mane y Cardi B, cuyas piezas excesivas integran referencias únicas a la cultura pop, materiales no convencionales y colaboraciones con artistas como Takashi Murakami.La autora Vikki Tobak desvela, con gran detalle, el trabajo de joyeros pioneros como Tito Caicedo de Manny's, Eddie Plein y Jacob the Jeweler, así como artesanos más recientes como Avianne & Co., Ben Baller/IF & Co., Greg Yuna, Johnny Dang, Eliantte y muchos más.Ice Cold aborda un estilo deslumbrante e inspirador a través del trabajo de destacados fotógrafos, como Wolfgang Tillmans, Janette Beckman, Jamel Shabazz, Timothy White, Gillian Laub, David LaChapelle, Danny Clinch, Chris Buck, Mike Miller, Phil Knott, Raven B. Varona, Al Pereira y Albert Watson, entre otros.Un prólogo de la superestrella del hip-hop Slick Rick y ensayos de A$AP Ferg, LL COOL J, Kevin ''Coach K' Lee y Pierre ''P'' Thomas de Quality Control Music nos sumergen en el singular mundo de la joyería hiphop.Ice Cold va más allá de las formas para mostrar una historia transformadora hecha de orgullo y ostentación.
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El libro que presentamos ahora, Con ojos de niño, tiene su origen, precisamente, en la exposición «En el aire conmovido», que tuvo lugar muy recientemente en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, 2024) y en el CCCB (Barcelona, 2025). Sus dos capítulos, «La infancia expuesta» y «Poetas en tiempos de miseria», corresponden a las respectivas conferencias inaugurales y son inéditos en castellano.
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Un ensayo fascinante sobre cómo ''el año terrible'' de París desembocó en el nacimiento del impresionismo. Entre el verano de 1870 y la primavera de 1871, un periodo que Victor Hugo bautizó como el ''Año Terrible'', París fue sitiada, padeció una hambruna y hubo de rendirse al ejército alemán. A continuación, los republicanos radicales establecieron la Comuna, que fue aplastada tras sangrientas batallas callejeras y el incendio del centro de la ciudad. Como demuestra el prestigioso crítico de arte Sebastian Smee, ganador del Premio Pulitzer, fue durante estos tiempos tumultuosos cuando nació el movimiento impresionista, como respuesta a la violencia, la guerra civil y la intriga política. Smee relata la historia de aquellos días dramáticos a través de los ojos de las grandes figuras del impresionismo. Édouard Manet, Berthe Morisot y Edgar Degas quedaron atrapados en París durante el sitio. Otros, como Pierre-Auguste Renoir y Frédéric Bazille, se unieron a regimientos fuera de la capital, mientras que Claude Monet y Camille Pissarro huyeron del país justo a tiempo. En el periodo posterior, estos artistas desarrollaron una nueva conciencia sobre la fragilidad de la vida. Esa sensación de transitoriedad -reflejada en el énfasis en la luz fugitiva, las estaciones cambiantes, las escenas callejeras fugaces y la impermanencia de todas las cosas- se convirtió en la gran aportación del movimiento a la historia del arte. En el corazón de todo ello hay una historia de amor: la de Manet, considerado por todos el padre del impresionismo, y Morisot, la única mujer que desempeñó un papel central en el movimiento desde sus inicios. Smee describe con gran sensibilidad su compleja relación, la influencia mutua que ejercieron y su inmenso legado, al tiempo que otorga el merecido reconocimiento a la mujer en el corazón del impresionismo. Penetrante y absorbente, París en ruinas capta las pasiones y políticas cambiantes del mundo del arte y explica el profundo impacto que tuvieron las presiones del sitio y el caos de la Comuna en el arte moderno, y cómo el genio artístico puede surgir de la oscuridad y la catástrofe.La crítica ha dicho: «Smee se basa en una gran cantidad de fuentes históricas y biográficas para examinar el nacimiento del impresionismo durante una época de feroz agitación política y social en Francia... Transmite vívidamente el terror de la época, los tensos enfrentamientos militares y las conspiraciones, y las pasiones inflamadas... Su descripción de las obras de los impresionistas es perspicaz, como lo es su sensibilidad hacia las complicadas relaciones entre los artistas. Historia cultural hábil y vibrante».Kirkus Reviews«Persuasivo y vívido El arte de la rivalidad se enraíza en la teoría de primera mano, pero está dirigido a lectores no especializados, se trata en parte de minibiografías y en parte de una historia del arte más amplia».John Williams, The New York Times (Sobre El arte de la rivalidad)«Con detalles e incisividad propios de una novela y una prosa vívida y ágil El arte de la rivalidad es una delicia pura y cargada de información, escrita con astuta autoridad».Michael Upchurch, The Boston Globe (Sobre El arte de la rivalidad)«La brillante biografía de grupo de Sebastian Smee es única en su género».Ann Hulbert, The Atlantic (Sobre El arte de la rivalidad)«Uno de esos raros libros que consiguen mostrar, de forma convincente, laexcelsa materia del genio emergiendo del bajo caos de la vida».The Economist (Sobre El arte de la rivalidad)
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Desde su origen, el arte nace del latido de la pasión: este libro invita a explorar cómo el deseo, el amor, el odio o la melancolía han dado forma a siglos de creación artística.Las pasiones y emociones -tales como el amor, la alegría, el odio o el deseo- han estado presentes en la historia del arte desde sus inicios. No obstante, a lo largo de los siglos han brillado con diferentes intensidades y matices, siempre en consonancia con el pensamiento y las circunstancias culturales de cada momento. En este libro se realiza un recorrido histórico por la representación de las pasiones en diferentes disciplinas artísticas, como la pintura, la escultura, la arquitectura y la música. De la mano de los dieciocho autores que participan en este volumen descubrimos cómo, más allá de iconografías religiosas y mitológicas, más allá de teorías artísticas e ideologías, el reflejo de todas estas pasiones y pulsiones que padecemos llena de verdadera vida el arte.
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Las Fiestas de la Mercè son memoria, tradición, identidad y espectáculo. Desde que en 1871 se proclamara oficialmente a la Virgen de la Merced como patrona de la ciudad, cada 24 de septiembre —y en los días que la rodean— Barcelona se transforma en un mosaico de cultura popular, música, fuego, danza y emoción compartida. En este libro, el historiador César Alcalá nos invita a recorrer la historia y la evolución de una de las celebraciones más emblemáticas de la capital catalana. Desde sus orígenes religiosos hasta su actual dimensión cívica y festiva, Las fiestas de la Mercè traza un recorrido ameno y documentado que nos permite entender por qué esta festividad sigue siendo hoy un espejo de lo que Barcelona es —y quiere ser. Un homenaje a las raíces y a la alegría de una ciudad que, al ritmo de castells, gegants, sardanas y correfocs, se celebra a sí misma cada septiembre.
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Libro publicado con ocasión del recorrido Un paseo botánico por el Prado, celebrado en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 28 de octubre de 2024 y el 30 de marzo de 2025.El presente volumen fija su atención en treinta especies botánicas representadas en otras tantas obras del Museo del Prado: pinturas y esculturas destacadas de la colección permanente, como El jardín de las delicias del Bosco, El descendimiento de Van der Weyden o La Anunciación de Fra Angelico. Cada una de las treinta plantas va acompañada de un comentario de Eduardo Barba y de una ilustración botánica realizada por Juan Luis Castillo, así como de la reproducción completa y en detalle de la obra del Museo.En palabras de Eduardo Barba: «Muchas obras de arte rebosan de plantas. En otras, se encuentran un poco más escondidas. En todos los casos, la botánica es una parte indispensable del relato que el artista quiere narrar: hay flores que aluden a la dinastía de la persona retratada, hojas que resumen un sentimiento, árboles que transmiten a la escena cualidades que les son propias. Las especies escogidas podían estar presentes en el entorno del artista, incluso al pie de su taller de trabajo.Pero otras veces, y como fruto de las expediciones a distintos lugares del mundo, se incorporaban plantas exóticas que provenían de países lejanos y que enriquecían la flora artística, especialmente a partir del siglo XVI. De cualquier manera, las obras de arte dejan constancia de la fascinante capacidad de observación del medio natural de los artistas, que retrataban las plantas con delicadeza, como si fueran un personaje más».
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A lo largo del libro se produce un movimiento cíclico que comienza y termina con el archivo familiar de los de Waal, haciendo un repaso por muchos textos publicados en libros y revistas ya descatalogadas y de imposible acceso para el lector. El libro comienza en Odessa en 2009 y termina en París en 2021, entre medias aparecen las respuestas a los archivos de poetas, artistas y lugares que Edmund de Waal ama.
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La forma y lo inteligible es mucho más que una colección de ensayos: es el retrato intelectual de uno de los pensadores más originales del siglo XX en el campo de la historia del arte. Robert Klein despliega una mirada histórica y teórica sobre el arte occidental, con especial atención al Renacimiento, pero siempre en diálogo con las problemáticas del arte moderno y contemporáneo. A medio camino entre el rigor académico y la intuición ensayística, Klein reflexiona sobre cuestiones como la perspectiva, la naturaleza del símbolo, la pérdida de referentes o la imposibilidad de una iconografía ''pura''. Su método, cercano a la fenomenología de Husserl, se basa en una analítica hermenéutica que concilia historia e interpretación, forma y sentido, descripción y crítica.
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La Semana Santa de Jerez de la Frontera es una de las cinco grandes celebraciones pasionistas andaluzas y es el reflejo espléndido y sorprendente de una sociedad fervorosa, religiosa (a su manera), culta y viva, que evoca una estética soñada, como la que captaron el abulense Juan José Serrano o el arcense Eduardo Pereiras Hurtado, pero sin que quede fosilizada en aquellas vetustas imágenes en sepia. La fiesta mayor conoció las influencias austeras, místicas y barrocas, románticas, populares y flamencas, y se sobrepuso a las crisis sociopolíticas, floreció en los años de la Belle Époque primo-riverista y en su secuela nacionalcatolicista, se adaptó al moderno flower power que llegó a ritmo de folk, pop y rock and roll, o explosionó en un modelo global y depurado, con un lenguaje teatral, cinematográfico y televisivo. Se trata de una Semana Santa de primer nivel fenomenológico y patrimonial, revalorizada, tradicional e innovadora, con seleccionadas adherencias y creatividad, y con una mirada orgullosa, desafiante y confiada en su futuro.
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Explore la vibrante historia y la profunda resonancia cultural del arte feminista de Corea y la diáspora.El libro de la reconocida curadora y académica Dra. Kim Hong-hee es el primero en profundizar en el impacto de las artistas feministas coreanas en el panorama cultural del este de Asia.Este estudio visual sin precedentes celebra el trabajo de 42 artistas contemporáneas, desde estrellas en ascenso hasta nombres mundialmente reconocidos, incluidos Theresa Hak Kyung Cha, Kyungah Ham, Kimsooja, Lee Bul, Mire Lee, Minouk Lim, Haegue Yang y Yun Suknam.Organizado por temas que incluyen política queer, ecofeminismo, diáspora y abstracción, Korean Feminist Artists presenta obras de arte que abarcan pintura, escultura, fotografía, cine, video, instalaciones, artesanías y performance. A través de ricas imágenes y textos, el libro explora la búsqueda de estas artistas pioneras por la igualdad social, cultural y sexual, desde sus confrontaciones con el establishment artístico dominante hasta la importancia de sus intervenciones estéticas y políticas.Ricamente ilustrado con casi 260 imágenes bellamente reproducidas y finalizando con un ensayo personal y estimulante de la influyente poeta surcoreana Kim Hyesoon, este estudio vital y oportuno revela el impacto de las mujeres artistas en la cultura coreana en general.
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Una corriente oculta de pensamiento ha avivado las llamas de la creatividad y del arte durante siglos, impulsando la creación de obras que conectan y dialogan con distintas ramas del conocimiento esotérico y de la filosofía oriental. Accesus ad veritatem nos ofrece una puerta privilegiada de entrada a estas fuentes de inspiración y reflexión, mediante un abanico de estudios que arrancan en la primera mitad del XIX (con la figura visionaria de William Blake) hasta llegar a los últimos compases del siglo XX (con la inspiradora combinación de tecnología y Budismo Zen en la obra de Nam June Paik).Entre medias, Iñigo Sarriugarte alumbra la estrecha conexión de las Vanguardias Históricas con la teosofía y la antroposofía, el potente vinculo de ciertos artistas con el ámbito de la mediumnidad y el espiritismo, o la atrevida exploración de la cuarta dimensión en el Cubismo o en el legado de Mondrian o Malevich. Además, este volumen ilustra la continua experimentación de otros muchos creadores, marcados por la interrelación del arte, la ciencia y la espiritualidad. Y ofrece también una aproximación a la pintura sanadora de Emma Kunz, el chamanismo performativo de Joseph Beuys o el influjo determinante del pensamiento oriental en el movimiento Fluxus, entre otros.
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Pensado en especial para los numerosos museos que operan en el mundo conrecursos limitados y poco personal, y partiendo de un amplio espectro deexperiencias prácticas, en sus páginas se proporciona una guía básica detodos los aspectos del trabajo museístico, de la educación y laformación del público a la organización y planificación del museo,pasando por la gestión y conservación de los fondos y colecciones.Organizado con un concepto modular con más de 100 unidades, el libro sepuede utilizar como obra de referencia para abordar la gestión diaria, ytambién como libro de texto clave en programas de formación.
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El Siglo de Oro de la pintura neerlandesa engendró algunos de los mejores artistas y artesanos de la historia, pero pocos pueden presumir del genio y el legado de Rembrandt Harmensz. Van Rijn (1606-1669). A pesar de no haber salido nunca de su Holanda natal, Rembrandt elevó su obra más allá de los límites de su propia experiencia, y creó algunas de las obras de arte más variadas e impactantes, ya fueran retratos, escenas bíblicas y alegóricas, paisajes u obras de género. Cualquiera que sea el formato, las pinturas de Rembrandt están tejidas de sutilezas: cada arruga en el rostro, cada mirada o rasgo transmite un poder emocional sin igual entre sus contemporáneos y discípulos.Cada obra está imbuida de humanidad. Las escenas bíblicas, como El baño de Betsabé, se convierten en una vía de reflexión sobre el anhelo y el alma humana, y van más allá de lo que canonizan las escrituras o se muestra en otras representaciones. Sus retratos, ya sean de mecenas o comerciantes adinerados, comunican la esencia del individuo por medio de delicados rasgos distintivos, con sus rostros bañados en una luz etérea sobre fondos de tonos terrosos. Tal vez lo más sorprendente de su serie de autorretratos sea el propio triunfo de este formato o género. Rembrandt comenzó a pintarlos en su juventud y siguió haciéndolo hasta un año antes de su muerte, y gracias a ellos se observa el proceso introspectivo que lo acompañó toda su vida.Esta monografía tamaño XL reúne las 330 pinturas de Rembrandt Harmenszoon van Rijn en exquisitas reproducciones. El presente volumen muestra la obra pictórica de Rembrandt como nunca antes, desde El festín de Baltasar hasta la Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp.
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¡Aprende a dibujar cada parte del cuerpo y sus diferentes poses! Lemon Chan quiere ir un paso más allá y mejorar las características físicas de sus personajes colocándolos en distintas poses y movimientos, ¡todo un reto! En este nuevo volumen, recorreremos todas las partes del cuerpo para entender cómo son y cómo debemos dibujarlas en cada momento: el esqueleto, las articulaciones, las diferencias en función de la edad y la constitución... Conoceremos la importancia de guardar sus proporciones a la hora de dibujar distintas poses y nos introduciremos en los planos y la composición. ¡Haz que tus personajes se llenen de realismo dibujándolos correctamente en las distintas poses y contextos!
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Una extraordinaria colección de más de 300 imágenes que celebran la belleza y diversidad de los árboles.Este exquisito estudio presenta una impresionante secuencia de imágenes a página completa, desde pinturas de paisajes y dibujos botánicos hasta frescos antiguos, ilustraciones de libros antiguos y fotografías contemporáneas, que revelan el árbol como fuente de inspiración a lo largo de la historia.Abarcando continentes y culturas, Árboles refleja la diversidad de su tema, representando secuoyas gigantes, flores de cerezo, palmeras, álamos, ginkgos y otras especies que se encuentran en los biomas forestales de la Tierra, en una amplia selección de imágenes que datan desde la antigua Grecia hasta la actualidad. Más de 300 imágenes incluyen mosaicos de piedra romanos, mitos nórdicos ilustrados, grabados en madera del período Edo e instalaciones de árboles vivos.Comisariadas por un panel internacional de botánicos, naturalistas, historiadores del arte y otros expertos, las imágenes amplían la definición de arte botánico y juntas forman un homenaje vibrante y vital al mundo natural.Los artistas y colaboradores destacados incluyen: Ansel Adams, Yann Arthus-Bertrand, Ruth Asawa, Paul Cézanne, Agnes Denes, Alberto Durero, Caspar David Friedrich, Global Forest Watch, Andy Goldsworthy, Ernst Haeckel, Utagawa Hiroshige, Frida Kahlo, Yayoi Kusama, Sally Mann, Grandma Moses, Marianne North, Pierre-Joseph Redouté, Daniel Roseberry para Schiaparelli, Antoine de Saint-Exupéry, Sebastião Salgado y Yokohama Nursery Co., entre otros.Panel de expertos: Dr. Giovanni Aloi, Dr. Preston Bautista, Dr. Diana Beresford-Kroeger, Fred Breglia, Casey Clapp, Jim Gardiner VMH, Dr. Andrew Hirons, Tony Kirkham MBE, VMH, Margaret D. Lowman, PhD, Carlos Nobre, PhD, John Parker, Anna Pavord and Christiana Payne.
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El proyecto artístico más ambicioso de Sara Rubayo, la historiadora del arte que ha revolucionado los museos en España, y Ana Gállego: una recopilación exhaustiva de todas las mujeres pintoras del siglo XVIII.Cuando un visitante entra en el Museo del Prado, espera ver Las Meninas de Diego Velázquez, no los bodegones de Clara Peeters, pese a pertenecer al mismo estilo artístico, y tener un incalculable valor histórico. PintorAs vol. 2 pretende dar respuesta al vacío de conocimiento que tiene la historia del arte: las mujeres artistas. No es que no las conozcamos porque no existieran, sino porque fueron despreciadas artísticamente y olvidadas históricamente. En este tomo, que comprende todo el siglo XVIII, Sara Rubayo y Ana Gállego aportan una nueva perspectiva a la historia del arte para que puedas darle el merecido reconocimiento a todas aquellas mujeres que han contribuido a nuestra cultura con su talento.
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Siempre nos quedará Beirut recorre audiovisualmente los episodios violentos sufridos en el Líbano desde 1975 y demuestra cómo las películas, conformando en suconjunto una filmografía completa y diversa, son unaherramienta que sirve para preservar la memoria íntima, colectiva y nacional de un país. A lo largo de suscapítulos, somos testigos del modo en que la sociedad civil libanesa, y en concreto sus cineastas, responden al horror de la guerra. Así, a pesar de las diferencias religiosas o de clase social entre éstos, su obra, en conjunto, crea una memoria histórica regionalque refleja y reflexiona en torno a cómo la sociedadcivil no sólo se resiste a la violencia, sino que construye y reconstruye lo que ésta destruye.Lejos delsilencio o la propaganda, el cine libanés es la manifestación que cuestiona y hace público lo que ocurre en el interior de las casas, dejando constancia de lahistoria no narrada por los noticiarios, de la cotidianidad golpeada por las decisiones políticas de un sistema mundial que no tiene en cuenta la vida de las personas y sus anhelos más sencillos y, por ello, másprofundos.Este libro se perfila como una obra fundamental para quienes quieran adentrarse en la historia contemporánea de Oriente Medio y del cine mundial.
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Mujeres artistas. Ensayos de Linda Nochlin reúne treinta ensayos esenciales de la historiadora contemporánea más sagaz y provocadora publicados a lo largo de su carrera, entre los que se cuentan dos realizados específicamente para esta colección y una entrevista en la que repasa su trayectoria académica y reflexiona acerca del papel de la mujeres en el arte actual. Se trata pues de la antología definitiva de Linda Nochlin sobre teoría feminista y arte creado por mujeres.Entre los escritos seleccionados por Maura Reilly destacan un hito de la teoría feminista: «¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?», de 1971, junto a otros ensayos seminales: «Mujeres artistas después de la Revolución francesa» o «Partiendo de cero. Los comienzos de la historia del arte feminista». Para completar el enfoque teórico, el volumen contiene diversos estudios consagrados a importantes artistas modernas, como Artemisia Gentileschi, Berthe Morisot o Mary Cassatt, y contemporáneas, como Jenny Saville, Kiki Smith o Sophie Calle, entre muchas otras.
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«Unas jóvenes santas presentan en Sevilla un desfilede alta costura. Bellas como andaluzas, los ojos negros, el pelo negro, lucen vestidos largos, con o sin capa […,] El corte de los vestidos, la elegancia de los tafetanes o de las sedas bordadas en oro y plata, la audaz combinación de los colores […,], el refinamiento de los detalles […,], todo contribuye a crear la ilusión de un desfile de alta costura en el Siglo de Oro […,] Pero la ilusiónse disipa en cuanto nos acercamos». A través de una selección de cuadros de santas realizados por Zurbarán, Florence Delay nos descubre la secreta relación entre la majestuosa indumentaria con que las retrató elpintor extremeño y la existencia que las elevó muy por encima del común de los mortales. Un ensayo refinado y erudito sobre la sutil relación entre arte y moda.
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¿Por qué en el país que protagonizó las mayores hazañas de la Historia y sin cuyo liderazgo ni el cristianismo ni Occidente habrían logrado sobrevivir, sus ciudadanos tienen tan mal concepto de su pasado y su presente? ¿Cómo es posible que esté dispuesta a autodestruirse una nación que conectó los dos mundos con «el descubrimiento de América», que impulsó la primera vuelta al mundo de Elcano, realizó colosales aportaciones como la Escuela de de Traductores de Toledo y vio nacer a personajes como Isidoro de Sevilla, Isabel la Católica, Fernando de Aragón, Carlos I, Felipe II, Cervantes, Santa Teresa, Goya, Jovellanos, Ramón y Cajal u Ortega?Era necesario analizar las razones y los métodos empleados (entre otros, la doble vara de medir) para construir la leyenda negra más agresiva y duradera de la historia. Hacía falta estudiar cómo y por qué la propaganda antiespañola «externa» se instaló en el imaginario colectivo patrio, e influyó en nuestra decadencia a partir del siglo xvi, hasta llegar a asumir que éramos inquisitoriales, grotescos, ignorantes y fanáticos. Era necesario examinar cómo este mito «intramuros» derivó en un «harakiri históricocultural», único en el mundo, gracias a una ingenuidad contumaz. Se precisaba actualizar los argumentos de Julián Juderías y P.W. Powell con nuevos datos y un análisis que, partiendo de las fuentes historiográficas, aplicara una metodología interdisciplinar. Por último, hacía falta observar cómo subsiste esa leyenda negra en la actualidad, al tiempo que plantear vías para superarla a través de un nuevo proyecto de éxito colectivo. La leyenda negra: historia del odio a España arroja una nueva luz sobre este período.Tras el éxito de La conjura silenciada contra España, Alberto G. Ibáñez nos sorprende con un nuevo ensayo, todavía más incisivo y penetrante.
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Lino Tagliapietra has been described as the world’s greatest glassblower, a figure born from the five-hundred-year-old culture of Venetian glass, but one who also revolutionized glass as a discipline, inventing new techniques to create his masterful works. Even more astonishing, as Tagliapietra hit his full stride, he has become a notable figure in the unfolding story of modern sculpture – an artist whose distinctive works are coveted by collectors of contemporary abstract art and whose vision makes us think about art history in new and profound ways.
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Anatomía humana dinámica continúa donde termina Anatomía humana básica y ofrece a los artistas y estudiantes de arte una comprensión más profunda de la anatomía, incluida la anatomía en movimiento, y cómo esa habilidad esencial se aplica a la creación de bellas artes figurativas.
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Edición de Servando Rocha. Hubo un tiempo, no hace mucho, en que el tatuaje estaba reservado a una tropa formada por criminales, apaches, presidiarios, legionarios, prostitutas, anarquistas o marineros. Aunque también se puso de moda entre la realeza europea o exhibía en circos y espectáculos de fenómenos. Su uso, un código secreto en manos de fueras de la ley, despertó la fascinación e interés de numerosos antropólogos, criminólogos y médicos que, siguiendo las ideas del italiano Cesare Lombroso –padre de la antropología criminal–, veían en el tatuaje un signo de atavismo y predisposición a la locura, violencia y asesinato, y los tatuados rarezas y seres misteriosos.En España, desde que en 1888 Rafael Salillas, nuestro «pequeño Lombroso», mostrase su colección de tatuajes de delincuentes patrios, los tatuados, que fueron fotografiados y estudiados, sembraron el terror y desconcierto: oleadas de apaches con el cuerpo cubierto de dibujos obscenos y llamadas a la venganza, llegaban a ciudades como Madrid, Barcelona o Bilbao, entre otras, al tiempo que defendían la bohemia más hampona. Más tarde, milicianos y falangistas ocultaban –o directamente se arrancaban– aquellas marcas delatoras (hoces y martillos, yugos y flechas en brazos y pechos) que podían costarles la vida y los legionarios –una auténtica subcultura tatuada–llenaban sus cuerpos con cruces, vírgenes y nombres de sus amadas. También quinquis, pandilleros, motoristas y rockers fueron pioneros en mostrar aquellas «cicatrices parlantes», como llamaron al tatuaje los mandos policiales y militares.Durante un siglo el tatuaje fue «criminal» y marginal, hasta que en 1989, el fotógrafo y tatuado Alberto García-Alix abrió las puertas de la tienda y estudio de tatuajes El Martillo de Lucifer, donde comenzaría su imparable popularización con Mao, legendario tatuador que en los ochenta tatuaba a la marina estadounidense en Rota, como una de sus grandes estrellas. Lo que vino a continuación ya lo sabemos: el tatuaje y aquel sorprendente estilo de la «vieja escuela» se convirtieron en masivos, elevándose a la categoría de arte y perdiendo el aura de peligro del pasado.Servando Rocha, editor de esta obra única en nuestro país, investigó y rescató antiguos tratados médico-legales, fichas policiales y numerosas fotografías «perdidas» en el tiempo prácticamente nunca vistas, para construir un relato visual de un siglo de «ángeles bellos» y «bárbaros tatuados», junto a espectaculares colecciones criminológicas francesas, mexicanas o alemanas, haciendo de CRIMINAL el gran libro ilustrado del tatuaje de aquella España brutalista, esa que mostró con orgullo y desafío puñales, calaveras y corazones sangrantes.
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La apasionante historia del arte, la cultura y la política en los siglos XVII y XVIII: desde el absolutismo político, la Contrarreforma, la guerra de los Treinta Años, el Siglo de Oro Español y la corte del Rey Sol hasta la Revolución Inglesa y la caída de los Habsburgo. El periodo de máxima expresión y florecimientode las artes, las letras y las ciencias en toda Europa
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Con realismo o en alegorías fantásticas, con una maestría técnica que iba en aumento con la edad, Goya lo fue registrando todo. No sólo las agonías soportadas por su pueblo a manos de los invasores, sino también las locuras y crímenes cometidos por individuos de este mismo pueblo en sus tratos unos con otros.
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Cuando irrumpió sobre sus fundadores como una ola cargada de sueños, el surrealismo se anunció como el más cabal, concluyente y absoluto de los movimientos. Hizo suyo cuanto tocaba.
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Jamás la pintura usó de armonías más suaves, de tonos más emocionantes y líricos, de coloraciones más transparentes. Murillo poseeun hechizo que no encontraremos en ningún otro pintor.ö
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Este diccionario traza las distintas, múltiples, caleidoscópicas y casi infinitas historias del arte, según un criterio que combina la razón artística con lapoética y la científica. El proyecto de este diccionario-exhibido como obra de arte en museos y galerías-involucra no sólo a la artista que lo firma, sino a seiscientos colaboradores que, vía correo electrónico,aportaron su trabajo y creatividad durante varios años.
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Escrito a propósito de la exposición del mismo títuloen la Sala Amós Salvador de Logroño, este es un libro formado por una serie de ensayos que tienen algo detentativas para comprender el presente. En cierto sentido, se trata de un «cuaderno de bitácora», un sedimento de lecturas que vienen a problematizar lo que nos pasa.
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.